Titre de l'écran-titre (visionné le 27 novembre 2023) / Nadia Myre est une artiste actuelle de la nation Anishnabeg Kitigan Zibi. Malgré les questionnements fortement politiques, voire polémiques dont l'artiste traite - par exemple la Loi sur les Indiens -, ses œuvres restent ambiguës, laissant plutôt le spectateur dans une équivoque. Cette suspension permet à ce dernier d'appréhender cette pratique à partir de référents personnels, investissant cet inconnu - par exemple, la violence faite aux autochtones par un système colonial - à partir du connu - les propres drames vécus par le spectateur. Si l'artiste affirme intégrer des gestes décoloniaux à son travail, ce mémoire analyse comment cette décolonisation peut se poursuivre dans la réception de ses œuvres. Pour ce faire, je recours aux concepts d'« image pensive » et de « dissensus » de Jacques Rancière, ainsi qu'à ceux de « rapport intéressé » de David Garneau et de « mode de perception affamé » de Dylan Robinson. Au moyen de ces outils théoriques, je détaille une éventuelle réception où s'enclenche un processus de décolonisation chez le spectateur. / Nadia Myre is an artist from the Kitigan Zibi Anishnabeg nation. Despite the highly political, even polemical questions she tackles - for example, the Indian Act - her works remain ambiguous, rather leaving the spectator in an ambiguity. This suspension allows the latter to apprehend this practice from personal referents, investing this unknown - for example, the violence done to indigenous peoples by a colonial system - from the known - the own dramas experienced by the spectator. If the artist claims to integrate decolonial gestures into her practice, this thesis analyzes how this decolonization can continue in the reception of her works. To do this, I use Jacques Rancière's concepts of « pensive image » and « dissensus », as well as those of David Garneau's « interested approach » and Dylan Robinson's « hungry mode of perception ». By means of these theoretical tools, I detail a possible reception which triggers a process of decolonization for the spectator.

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Tableau d’honneur de la Faculté des études supérieures et postdoctorales, 2008-2009 / Lavoisier à la mer est une recherche-création visant à mettre en parallèle deux différents modes de perception et de pensée, l'un de type lecture et l'autre de type réseau, tout en offrant deux points de vue sur la fable, au sens propre comme au figuré. Ce mémoire présente les prémices de même que les étapes préparatoires à la réalisation future de cette recherche-création. La conception d'un espace théâtral à double optique a pris appui sur certaines conclusions de Marie-Madeleine Mervant-Roux et de Rie Knowles portant sur la réception théâtrale. La conception de la proposition dramaturgique et du texte laboratoires a été orientée par le principe de double optique. Les différents langages scéniques (scénographie, lumière, son, image, texte, etc.) ont été mis en espace de manière à tenter de susciter des expériences de réception différentes en fonction de l'emplacement du spectateur dans l'espace théâtral.

ROUGE libère de l'hermétisme la poésie d'un homme se découvrant une nouvelle identité au sein de sa propre douleur amoureuse. Originaire du traumatisme de la rupture, une voix poétique s'y déploie peu à peu, cherchant d'un lyrisme ténu à accepter l'inéluctable et embrasser la vie devant la mort. Transcendé par la déchéance et la folie, le poète revient vivre sur les terres du drame pour ériger le mémorial du reflet de la femme aimée dépouillant à jamais son existence du regret. Or, pour que la poésie puisse tracer un chemin vers la réalité du monde, l'être doit accepter de se révéler dans l'essence même de sa vérité. L'AURORE DE LA PAROLE vient donc réfléchir les instances fatidiques que sont devenues l'hermétisme du symbole et l'objectivité littéraire afin que la poéticité de l'image et la puissance de l'analogie puissent surgir au cœur de l'être comme une aurore affirmant l'irrémédiable nécessité d'aimer.

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Depuis la conférence de Hans Robert Jauss intitulée L’histoire littéraire comme provocation à la science littéraire tenue à l’Université de Constance en 1967, de nombreuses études ont été publiées sur la relation communicative entre le texte et ses lecteurs et l’évolution de la critique littéraire. L’herméneutique, base philosophique de l’esthétique de la réception, a été remise à l’ordre du jour au cours des dernières décennies, tandis que l’esthétique de la réception s’est taillée une place non négligeable parmi une panoplie de thèses littéraires. L’objectif général du présent mémoire est d’étayer les thèses fondamentales de l’École de Constance représentée principalement par Hans Robert Jauss et Wolfgang Iser et de tenter de les appliquer à certaines oeuvres de l’auteur cubain Alejo Carpentier et l’écrivain argentin Julio Cortázar, tout en mettant l’accent sur le rôle du lecteur ou récepteur au niveau littéraire et, de façon incidente, historique, artistique et sociologique. Grosso modo, les théoriciens de l’École de Constance prétendent questionner les paradigmes qui concentrent leur attention sur l’écrit sans égard pour le rôle du lecteur dans le processus d’interprétation d’une oeuvre littéraire. Dans un premier temps, il importe de réfléchir sur le contexte académique, théorique et social dans lequel sont apparues les sept thèses de Jauss, soit la crise des conceptions de l’autonomie du texte et de la neutralité idéologique du chercheur en sciences humaines, de même que le contexte social des années soixante et les contestations massives contre la guerre du Vietnam. Ensuite, il convient d’analyser lesdites thèses relatives au rôle actif du lecteur dans le processus de lecture ou de réception qui ont mené les théoriciens de l’École de Constance à la conclusion qu’il n’existe pas d’interprétation définitive d’un texte puisqu’une oeuvre littéraire est non seulement une création ouverte à la critique, mais elle se construit à travers la critique.

En réponse à la sensation de déconnexion avec l'environnement que je perçois et ressens, ma pratique tend à rentrer en contact avec différents éléments du lieu dans lequel je me trouve. Sans cesse à l'affût, le milieu dans lequel j'avance influence directement mon travail et les thématiques que j'aborde. Mon processus se manifeste le plus souvent par une répétition du même geste et un rythme qui témoigne d'une endurance, ce qui révèle la notion de durée. J'explore la présentation des œuvres en rouleau, apportant une symbolique reliée au passage du temps. Je cherche à créer une tension entre la douceur de mes gestes et la destruction de la nature que je remarque au quotidien. À travers les points de contact que je forme avec mon environnement, je tente de créer une sensation de continuité. Accompagnant mon projet, ce mémoire offre les clefs de compréhension de l'exposition Les arbres sont fatigués. / In response to the sense of disconnection with the environment that I feel, my artistic practice explores ways to reconnect. Attentive to my surroundings, the location in which I find my self directly influences my work and chosen themes. My work methods, such as repeating the same gesture and rhythmic movements, require endurance and incorporate the notion of duration and a sense of time. I attempt to create a tension between the delicacy of my gestures and the destruction of nature which I notice on a daily basis. I explore presenting my work as rolls to symbolise the passage the time. Through the points of contact I have with my environment, I seek to create a sense of continuity. Accompanying my project, this thesis provides a guide to understanding the exhibition Les arbres sont fatigués (The Trees are Tired).

Montréal Trigonix inc. 2018

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Ce travail porte sur le concept de création chez Bergson appliqué à l'art. Pour comprendre véritablement de quoi il s'agit, on explique l'avènement de ce thème à travers d'abord l'acte libre qui est abordé dès le premier livre de Bergson. L'ensemble de la démarche théorique de Bergson s'appuie sur une conception du temps différente de l'espace, soit un temps vécu, qualitatif que l'on exprime par le concept de durée. C'est la durée qui nous fait repenser l'acte libre en soulignant le danger d'une représentation spatiale d'une décision à venir, comme s'il fallait cristalliser toute décision dans un instant après une délibération précise. L'acte libre prend bien racine dans le passé, mais elle apporte du nouveau, de l'inédit qui nous change et nous transforme. L'individu après l'acte libre n'est plus le même, un nouveau mouvement s'y est intégré : il s'est créé au passage. De l'acte libre on passe à la création comme telle avec l'apport de nouveaux développements chez Bergson, notamment par une précision entre la direction de la matière qu'on associe aux mécanismes et la direction de la vie qui exprime la spontanéité, l'activité et la création. Le terme de direction est bien choisi, car on tente moins de voir deux choses que deux tendances opposées dans la vie, l'une appuyant sur l'endormissement et la sécurité, l'autre appuyant sur l'activité et ultimement. la création. On applique ces développements à l'art en se figurant deux tendances : l'une menant vers un art technique qui se résume à une recette impersonnelle, l'autre menant vers l'art du génie personnel, empreint d'une émotion vivante et créatrice. Finalement, on examine chacun des arts en partant de celui dont le médium est de part en part temporel, la musique, à l'art solide de grande échelle qu'est l'architecture. Les médiums de chaque art ont des caractéristiques qui en orientent la création. La notion de rythme, qui rappelle la durée, est fondamentale en musique, en poésie, au théâtre et à la littérature et même, jusqu'à un certain point dans l'architecture. Certains arts ont en outre la capacité de dire, de développer des idées. Ce n'est point un détail insignifiant, car le message a l'avantage d'être plus accessible, mais on y perd un peu la capacité à répéter, à rythmer en répétant. Dans tous les cas. l'art semble bien être inépuisable tout comme la vie.