La sensibilité esthétique visuelle se rapporte à la capacité à juger des propriétés esthétiquesobjectives d’une oeuvre d’art et qu’on appelle communément le « bon goût » (Eysenck, 1983).De précédents résultats suggèrent que la sensibilité esthétique visuelle, est une aptitudeessentiellement indépendante de l’intelligence de la personnalité (Frois & Eysenck, 1995). Cesrésultats ont conduit les chercheurs à faire l’hypothèse que la sensibilité esthétique visuelle estune aptitude « isolée » et un don inné (Frois & Eysenck, 1995). Cependant, de récentesrecherches indiquent qu’elle pourrait être prédite par des traits de personnalité (Furnham &Chamorro-Premuzic, 2004; Furnham & Walker, 2001; McCrae, 2007; Rawlings, Barrantes iVidal, & Furnham, 2000), et peut être facilitée cognitivement par des aptitudes mentales(Reber, Schwarz, & Winkielman, 2004; Silvia, 2006; Smith & Smith, 2006). Dans cetterecherche, nous investiguons la nature de la sensibilité esthétique visuelle. D’abord, les qualitésmétrologiques du Visual Aesthetic Sensitivity Test (Götz, 1985) sont examinées (étude 1). Puis,nous faisons l’hypothèse que la sensibilité esthétique est liée à l’intelligence générale (étude 2) età des traits de personnalité spécifiques (étude 3). Ensuite, nous testons l’hypothèse selon laquellela maîtrise des opérations perceptuelles impliquées dans les mesures de sensibilité esthétique estliée et permet de prédire efficacement la créativité dans le domaine graphique (étude 4). Enfin,un modèle global, intégrant la sensibilité esthétique, à la fois comme variable prédite parl’intelligence et la personnalité et comme variable prédisant la créativité graphique, est testé(étude 5). Confirmant nos hypothèses, les résultats indiquent que la sensibilité esthétique estnotamment liée à l’intelligence, l’ouverture à l’esthétique et la créativité graphique. Ces résultatssont discutés sur le plan théorique (aspects cognitifs et conatifs de la sensibilité esthétique, placede l’évaluation dans la créativité) et des applications pratiques sont proposées (design,marketing, identification du potentiel créatif, etc.). / Visual aesthetic sensitivity refers to the ability to judge the aesthetic properties of works of art,which we commonly describe as “good taste” (Eysenck, 1983). Early framework suggests thatvisual aesthetic sensitivity is a mostly intelligence-independent and personality-independentability (Frois & Eysenck, 1995). This finding led researchers to hypothesize that visual aestheticsensitivity is an “isolated” ability and an innate gift. However, recent research suggests thataesthetic experience and its outcomes can be predicted by personality traits (Furnham &Chamorro-Premuzic, 2004; Furnham & Walker, 2001; McCrae, 2007; Rawlings, Barrantes iVidal, & Furnham, 2000) and is related to mental abilities (Reber, Schwarz, & Winkielman,2004; Silvia, 2006; Smith & Smith, 2006). Following these new findings, the nature of visualaesthetic sensitivity is investigated. First, the metrological qualities of the Visual AestheticSensitivity Test (Götz, 1985) are examined (study 1). Second, it is hypothesized that visualaesthetic sensitivity is related to general intelligence (study 2), some art-specific personalitytraits (study 3) and figural creativity (study 4). Finally, a general model, which proposesaesthetic sensitivity as predicted by intelligence and personality, and predicting creativity, istested (study 5). As hypothesized, aesthetic sensitivity was notably found to be correlated withintelligence, openness to aesthetics, and and figural creativity. The results are discussed as anempirical support of a double-sided (cognitive and conative) conception of visual aestheticsensitivity, and as a support of aesthetic judjement as part of the creative process. Applicationsare discussed, proposing uses of aesthetic sensitivity measures in various domains (design,creative potential identification, marketing, etc.).

Cette recherche vise à mettre en rapport les effets du néolibéralisme sur le corps. En 2012 le Brésil a atteint la première place dans le classement international du pourcentage d'interventions plastiques par habitant. Durant ces dernières années, la proportion d’hommes ayant eu recours à la chirurgie esthétique à finalité non réparatrice a très fortement augmenté et reflète un changement dans les formes d’utilisation du corps masculin dans la contemporanéité. Le néolibéralisme a débordé les limites du monde économique pour envahir les modes d’agir et de désirer et faire du corps un bien de plus à produire et à consommer. Le marché triomphe sur les autres formes de croyance, dans une sorte de religion à laquelle le sujet devient dévot face au risque et marques de la castration. L'impact des discours de la science et de la marchandisation généralisée conduit à la promotion d’un homo economicus dans ses rapports à la jouissance. En prenant appui sur la théorie des discours de Jacques Lacan, la recherche a interrogé des hommes ayant recours à des interventions médicales à finalités esthétiques, (chirurgies plastiques, injections de botox, lifting facial, etc.) et qui font un usage particulier de leur corps. Deux cas cliniques sont distingués : l’un diagnostiqué comme névrotique et l’autre relevant de la psychose ordinaire. L'étude s’achève sur les implications au plan culturel de ces nouveaux modes de subjectivation et du privilège accordé sur un mode érotique à l'identification à l'objet. / This research aimed at relating the effects of neoliberal ideology on the body. In 2012 Brazil reached the first place in the international ranking of plastic surgery proportionally per citizen. During the last years there has been a leap in the number of men who undergo plastic surgery with aesthetic and not reparatory purpose, which reflects a change in the forms of use of the masculine body in contemporaneity. Neoliberal ideology has extrapolated the economy limits, has invaded the forms of acting and desiring and has made the body one more asset to be produced and consumed. The market prevails over other forms of belief, serving as a kind of religion to which the subject becomes obedientiary as they face castration. The impact of the discourse of science The impact of science discourse and widespread commoditization leads to the promotion of a homo economicus as to its relation to fruition. Based on to the discourses theory of Jacques Lacan, the research interviewed men who used medical interventions with aesthetic purpose (plastic surgeries, filling with botox, facelift, etc.) and make a peculiar usage of the body. Two cases stood out: one being diagnosed as neurotic and the other as an “ordinary psychotic”. The research ends with the implications on the cultural field of these new ways of subjectivation that priviledge identification to the object rather than its erotical use.

Notre travail de recherche propose d'envisager et d'étudier la danse en tant qu'activité constructrice de sens. Cette notion complexe a été diversement thématisée et explorée au cours de l'histoire de la danse, mais n'a que rarement été questionnée frontalement. Nous nous appuyons, pour mener à bien cette entreprise, sur les travaux de Susanne Langer, philosophe américaine du XXe siècle dont les ouvrages explorent la question du symbolique. Elle a développé au sujet de la danse une pensée originale, et élaboré des concepts proposant de circonscrire au mieux les processus symboliques à l'oeuvre dans les pratiques non discursives, et en particulier dans l'art. Nous choisissons, plutôt que d’aborder la danse d’un point de vue ontologique, comme une catégorie en soi sous laquelle seraient subsumés certains mouvements, de la considérer comme un événement, dont la survenue peut être intermittente. Approcher la danse sous cet angle offre la possibilité de rendre compte de son éventuelle apparition dans toute forme de mouvement, de la danse artistique à la danse festive, du mime au cinéma, du rite à la création numérique. Ce choix de ne pas réduire a priori le champ d'étude permet a posteriori de redessiner une frontière nette entre la danse et les autres formes de mouvement ou de pratiques corporelles. En effet, notre travail tend à réaffirmer la spécificité fondamentale de la danse, quels que soient les environnements, moments et corps dans lesquels elle apparaît – une spécificité tenant à ses processus symboliques uniques, et aux sens qu'elle peut ainsi construire ou faire émerger. / The aim of our work is to consider and study dance as a sense-Building activity. Sense is a complex notion, which has been variously conceptualized in the course of dance history but merely investigated. In order to do so, we build upon the works of Suzanne Langer, a 20th century American philosopher whose writings explore the concept of “symbol”. She elaborated an original thought about dance and came up with concepts that allowed her to circumscribe the symbolic processes happening during the non-Discursive practices, in art especially. Rather than looking at dance from an ontological point of view or as a category that gathers certain types of moves, we choose to study it as something that may appear on an intermittent basis. Watching dance this way makes it possible for us to give an account of the possibility of its emergence in any kind of movement, whether it happens in the course of artistic dance, festal dance, mime, cinema, rite or within a digital creation. This decision not to reduce a priori the field of study allows us to draw a posteriori a clear distinction between dance and any other kind of moves or bodily practices. Indeed, our work tends to claim the fundamental specificity of dance, whatever environments, moments or bodies in or during which it occurs – a specificity that may be explained by its unique symbolic processes and the meanings or senses it may build or give birth to.

Dans En route, (1895) de J.-K. Huysmans, Durtal, le protagoniste, est à la recherche de ce que l’on pourrait appeler son idéal esthétique. Cette recherche, qui est l’une des étapes de sa conversion, le mène d’église en église, à travers Paris et jusqu’à l’abbaye Notre-Dame de l’Âtre, en quête d’art religieux, du plain-chant le plus authentique, des messes les plus touchantes, des plus belles figures de piété. Or, on observe que cette recherche obsessionnelle d’un idéal esthétique est l’un des leitmotivs de la littérature décadentiste. Comment expliquer qu’elle ait une importance aussi grande dans En route, sachant que la conversion, ainsi que le laisse entendre la fin célèbre d’À rebours, signale la fin des obsessions du décadentisme ? Ce mémoire s’attarde à cerner les objets auxquels s’attache Durtal, à examiner leur rapport avec ceux auxquels s’attache le décadentisme et à déterminer si la conversion, dans En route, peut être considérée comme une extension de la crise du sujet décadentiste. Il interroge la figure du personnage huysmansien, les notions de poétique propres au décadentisme huysmansien et ce que Freud identifie dans l’essai Un souvenir d’enfance de Léonard de Vinci (1910) comme une tendance de l’homme célibataire à sublimer ses pulsions sexuelles en une forme d’idéalisation et d’enthousiasme pour l’art, en une soif difficilement contentée d’art, de beauté et de connaissance. L’enjeu de ce travail est de démontrer que la quête de l’idéal esthétique, dans En route, se situe entre l’obsession décadentiste et la sublimation du désir. / In J.-K Huysmans 1895 novel En route, Durtal, the protagonist, is in search of what one might call an aesthetic ideal. This quest, which is one of the stages of his conversion, takes him from church to church, through Paris and ultimately to the Abbey of Notre-Dame de l’Âtre, in search of religious art, of the most authentic Gregorian chant, the most touching masses, the most beautiful figures of piety. This obsessive search for the aesthetic ideal is one of the leitmotifs of decadent literature. However, how can we explain that it has such great importance in En Route, given that religious conversion, as the famous ending of À rebours suggests, should be the end of the decadent movement’s obsessions? This research focuses on identifying the art to which Durtal is attracted, and will examine their relationship with decadent art to determine whether conversion, in En Route, can be considered as an extension of the crisis of the decadent subject. It also studies the figure of the Huysmansian character, the notions of poetics specific to Huysmansian decadentism and what Freud identifies in the essay Leonardo da Vinci and a Memory of His Childhood (1910) as a tendency of the celibate man to sublimate his sexual drives into a form of idealization and enthusiasm for art, a hard-satisfied thirst for art, beauty and knowledge. The goal of this research is to demonstrate that the quest for the aesthetic ideal, in En Route, lies between the old decadent’s obsessions and the sublimation of sexual desire.

Thèse diffusée initialement dans le cadre d'un projet pilote des Presses de l'Université de Montréal/Centre d'édition numérique UdeM (1997-2008) avec l'autorisation de l'auteur. / Thèse numérisée par la Direction des bibliothèques de l'Université de Montréal. / Des Provinciales (1909) à La folle de Chaillot (1945), l'œuvre de Jean Giraudoux est traversée de part en part par une réflexion sur la condition humaine dont on n'a pas assez souligné l'originalité et la cohérence. Elle a pourtant sa place dans une époque où les écrivains se sont souciés de représenter un monde inquiet et en rapide changement et s'interrogent sur le destin de l'homme; mais tandis que la plupart ont choisi, dans les années 20-30, de décrire des consciences déchirées ou l'engagement d'individus, sont attirés par les questions sociales et le militantisme, et vont jusqu'à la prédication, Giraudoux propose une révolution du regard et se donne la mission de lutter contre la laideur et la dégradation de la vie par la poésie. Il est possible d'échapper à la vision désespérée de l'existence en changeant d'angle de vue, de porter le poids du monde en adoptant le regard poétique. Cet idéal_ aussi fragile à tenir que difficile à atteindre réside dans la synthèse de la poésie et de la prose et c'est le métier de l'écrivain que d'en trouver le langage : « je suis le sourcier de l'Éden », a-t-il déclaré. Il a payé cher cette positivité et cette originalité. On a ignoré la force critique et la profondeur métaphysique de son œuvre, surtout après la guerre où l'on n'a plus vu en lui qu'un magicien du langage et de l'image. C'est dans son théâtre que ses idées se sont exprimées sous leur forme la plus critique et la plus philosophiquement articulée. Mais l'esthétique qui s'y déploie s'était constituée bien avant dans son œuvre narrative qui demeure méconnue et trop peu étudiée. Notre étude a pour but de montrer le lien chez Giraudoux entre la « mission » du Sourcier de l 'Éden et les choix stylistiques et génériques du romancier. La thèse examine comment, à partir du modèle des idylles de Théocrite, Giraudoux élabore une esthétique du « sublime provincial » dont la stratégie est la poétisation de la prose, et la forme le roman-poème ou idylle, surtout dans les œuvres narratives d'avant la période dramatique sur lesquelles la thèse se concentre pour montrer qu'elles constituent un exemple particulièrement remarquable du tournant politique de l'esthétique au XXe siècle.

Cette thèse se situe à la jonction de l'approche foucaldienne de l'idéologie néolibérale, de l'anthropologie politique du corps et du féminisme. Il s'agit de la première étude prenant pour objet les pratiques de beauté féminine à Taïwan. Ces dernières, dans leurs formes contemporaines, visent un idéal, celui de la zhenmei (正妹), plaisant aux hommes, mais aussi source d'une grande satisfaction pour les femmes qui l'atteignent. Ces pratiques sont coûteuses en énergie, temps et argent et contribuent significativement à une vie jugée réussie, que ce soit sur le marché du mariage, de l'emploi, ou encore dans les relations sociales en général, ainsi que pour la satisfaction de soi. L'idéal de beauté est atteint par une surveillance constante du corps des femmes, une surveillance qui tantôt réprime, mais qui tantôt produit aussi des comportements jugés désirables. Je nomme cette surveillance et les pratiques qui en découlent le « travail esthétique » (aesthetic labor). Dans un contexte où les relations entre les femmes et les hommes sont clairement inégales, ce travail, qui se voit naturalisé et « invisibilisé », peut être vu comme une inégalité de plus. Dans le cadre de cette thèse, plutôt que de condamner les pratiques de beauté, je souhaite comprendre la rationalité qui sous-tend un si grand investissement dans l'apparence des répondantes qui ont participé à ma recherche. Ces femmes (80), rencontrées au cours d'une collecte de données de type ethnographique, étaient urbaines, instruites et elles maîtrisaient les compétences nécessaires au travail esthétique. Certaines étaient même des actrices critiques de l'idéal de la zhenmei et des pratiques qui en découlent. En appréhendant ce phénomène à partir d'une perspective critique de l'idéologie néolibérale, je montre que le travail esthétique participe de l'idéal d'un entrepreneur de soi responsable de la valorisation de son capital humain (dont la beauté est une composante) afin d'en tirer la reconnaissance des autres ainsi qu'une satisfaction personnelle. Mon analyse illustre que la satisfaction de soi, en tant que revenu immatériel de la valorisation du capital humain, est la visée du jeu d'appréciation-dépréciation que l'idéologie néolibérale implique. Les années de pratiques investies dans le travail esthétique sont menacées de dépréciation par le passage du temps et nécessitent un travail constant d'autosurveillance. Les processus visant à conjurer la dépréciation se trouvent particulièrement bien exemplifiés dans le cas de la grossesse qui représente, dans ce contexte, une vraie menace pour le capital. Les femmes se retrouvent alors devant une situation qui les amène à choisir entre la possibilité de sacrifier leur capital humain pour la poursuite de la lignée de leur époux ou la possibilité de s'engager dans des pratiques visant à corriger au mieux ce qui a été « brisé » par le fait de porter un enfant. Ces pratiques sont diffusées dans des magazines de maternité et institutionnalisées dans des centres de repos où les mères séjournent durant le mois suivant l'accouchement (月子中心). Des conseils spécifiques y sont dispensés concernant l'allaitement ainsi que la nourriture à consommer non plus tellement pour « se remettre » de la naissance, mais pour « redevenir comme avant ». Finalement, des pratiques traditionnelles sont réinterprétées par ce que je nomme le « souci pour la beauté ». Les femmes que j'ai rencontrées ont insisté sur l'importance de tenter de répondre de l'idéal de beauté et d'investir dans les pratiques jugées nécessaires malgré la maternité et le passage du temps. Enfin, ce ne sont pas toutes les femmes qui adhèrent ou peuvent adhérer à l'idéal de la zhenmei, certaines sont, en effet, réfractaires au modèle valorisé et mettent parfois de l'avant d'autres domaines de valorisation. / This thesis is located at the junction of feminism, political anthropology of the body and Foucauldian approach to neoliberal ideology. It is the first in-depth research on the phenomenon of women's practices of beauty in Taiwan. These practices aim at an ideal, the zhenmei (正妹), pleasing male gaze but also a source of great satisfaction for those women who reach it. Beauty practices are costly in time and in money and if they are seen as a condition for a successful marriage and career, they are also repeatedly said to be for one own satisfaction. The ideal is reached through a constant surveillance of their body which I call aesthetic labor. This labor is naturalized and invisibilized and in a context where gender relations are clearly unequal this could be seen as another example of inequality. However, my aim is not to condemn these practices but rather to understand the rationality underlying it. The women I met during the fieldwork (80) were educated and urban and mastered requirements of the aesthetic labor, though as reflexive actors some were critical of it. In addressing the phenomenon from the perspective of a critique of neoliberal ideology, I show that aesthetic labor contributes to the ideal of an entrepreneur of the self, responsible for enhancing her human capital (beauty capital) to get self-satisfaction and appreciation from others. I show that self-satisfaction is the real stake of the human capital appreciation-depreciation prescribed by neoliberal ideology. However, these years of work are threatened of depreciation (with the passage of time) and therefore need constant labor and self-monitoring. This becomes particularly clear with pregnancy which is seen as a significant threat to this capital. Women are faced with a choice, either they sacrifice their own human capital for the benefit of the children and hence the husband lineage, or they engage in a variety of practice to correct what has been "broken" by the fact of bearing a child. These practices have already been diffused in popular magazines, and institutionalized for example in rest houses to spend the "month" (月子). They also bring advice concerning breastfeeding and other concerns with appropriate food. Women explained the importance to keep up with the beauty ideal and self-manage to preserve their beauty capital even though mothering and aging. Finally, it is not all women of the Taipei Chic who want to abide by the beauty ideal. Some of them contest those norms and propose other domains of valorization.

Je m’intéresse à la figure du spectateur prévue par le film, à partir des travaux de Francesco Casetti, Roger Odin, Umberto Eco et Martin Lefebvre. Mon objectif est de montrer que la figure du spectateur est plurielle. Dans cette perspective, nous verrons que tout film fait une offre à son spectateur, mais que celui-ci y répond de manières différentes selon le contexte dans lequel il voit le film et les positions éthiques qu’il fait siennes. Le film Pink Flamingos, de John Waters (1972), cherche, par tous les moyens, à provoquer la sensation d’un dégoût intéressant. Il s’inscrit en faux contre l’institution du film de fiction traditionnel, puisqu’il propose au spectateur d’« interagir » avec lui. Nous verrons toutefois que cette proposition implique une distinction entre, pour simplifier, un « bon » et un « mauvais » spectateur, selon qu’il soit ou non participatif.

Chez les Modernes, il était fréquent qu'un intérêt pour les exercices ou arts de la pensée soit intimement lié à une conception de la philosophie comme formation de l'individu pour lui-même. L'éthique pouvait alors être comprise comme consistant en une telle formation, et le développement d'un art des concepts, l'exercice du jugement ou le raffinement du caractère à l'aide des arts libéraux pouvaient être conçus comme différents aspects de l'activité esthétique en un sens large. Puis la philosophie s'est scindée en plusieurs disciplines, si bien que nous distinguons aujourd'hui les différents domaines que sont l'éthique, l'esthétique, la politique, la théorie de la connaissance, la théorie du langage ou la métaphysique, par exemple. Il s'agira dans ce mémoire de montrer que le courant moderne pour lequel l'éthique et l'esthétique sont intimement liées se poursuit toujours aujourd'hui, et de trouver à exercer une pratique artistique, plutôt que théorique, de la philosophie, dans la perspective d'une réflexion sur les rapports du développement d'une telle pratique avec la formation de l'individu pour lui-même et à partir des Jeux de concepts de Gilbert Boss, une oeuvre philosophique sur ordinateur. La conception originale de la liberté rendue possible par le déploiement d'un ensemble de jeux de concepts permettra de montrer comment celle-ci peut mener à l'élaboration d'un projet de société ainsi qu'à un renouveau de notre rapport à la philosophie.

Depuis l'émergence de la science-fiction au cinéma, ce genre s'est souvent démarqué de son équivalent littéraire grâce à deux spécificités majeures : l'utilisation abondante d'effets spéciaux et un accent marqué sur la représentation d'une iconographie futuriste. Ces éléments visent à subjuguer le spectateur par des effets visuels attirants et à éveiller en lui un « sense of wonder ». Cependant, des sous-courants de ce genre émergent graduellement et acquièrent une importance croissante, méritant une attention particulière et une réflexion approfondie. Dans le cadre de ce mémoire, afin de restreindre le champ de recherche, nous nous concentrerons uniquement sur une tendance spécifique et qui s'est affirmée de manière significative entre 2010 et 2015. Ces nouveaux films de science-fiction, principalement issus d'auteurs indépendants, se distinguent par une réduction notable des effets spéciaux et de l'iconographie traditionnelle associée au genre. Contrairement aux productions hollywoodiennes où l'ampleur des événements, des lieux et des visuels prédomine, ces films n'ont plus pour intention d'étonner le spectateur par un éventail d'images spectaculaires et sensationnelles ou de le surprendre par les plus récentes innovations techniques. Ils se démarquent radicalement par une approche minimaliste et narrative, privilégiant l'exploration de thématiques profondes plutôt que la surenchère visuelle. Cette recherche se veut être un premier exercice d'affiliation de ces films entre eux, en explorant leurs caractéristiques distinctives. L'objectif principal de ce mémoire est de justifier l'appartenance de ces films au grand genre de la science-fiction en démontrant que leur cadre narratif peut être interprété différemment. En analysant ces films produits entre 2010 et 2015, cette étude cherche à mettre en lumière comment ces œuvres, bien que dépouillées de nombreux traits visuels traditionnels, continuent à incarner et à enrichir le genre de la science-fiction par leur approche narrative innovante et leurs thématiques exploratoires.

Tableau d’honneur de la Faculté des études supérieures et postdoctorales, 2013-2014. / Le présent mémoire a pour objet la vérité dans les arts poétiques telle que la conçoit Paul Ricœur. Nous concentrant sur ce procédé de langage qu’est la métaphore, nous cherchons à montrer que même les productions langagières qui paraissent déliées des contraintes de la concordance au réel mettent en jeu une référence. Le déni de cette référence relève, selon Ricœur, d’une conception réductrice du langage et de la réalité induite par l’importation de présuppositions scientifiques dans les divers domaines de l’expérience humaine. À la faveur du déploiement d’une référence indirecte, la métaphore donne à voir et à sentir, sur le mode du « comme si », des aspects de la réalité qui ne passent pas dans les usages simplement descriptifs du langage. Il apparaîtra en conclusion que la métaphore vive peut dire l’expérience vive, qui n’est autre que l’être lui-même sous les modalités de l’acte et de la puissance. / The purpose of this dissertation is to investigate Paul Ricœur’s concept of truth in the poetic arts. Taking the linguistic process of metaphor as an object, we try to show that the linguistic utterances that seem to be freed from the constraints of correspondence to reality still involve a reference in the Fregean sense. According to Ricœur, the denial of this reference is the consequence of the importation of scientific presuppositions in various domains of the human experience. Through the unfolding of an indirect reference, metaphor allows us to see and feel, in a fictitious mode, aspects of reality that cannot be expressed in the simply descriptive uses of language. In conclusion, it will appear that lively metaphor can enunciate lively experience, which is none other than Being itself as act and potency.