Wajdi Mouawad artiste québécois d'origine Libanaise n'accepte pas l'étiquette de « théâtre politique ». Cependant son travail est le reflet d'un théâtre engagé tant par les thèmes qu'il aborde que par son refus de compromis dans le domaine de la création artistique. Mouawad est un artiste qui aime prendre la parole quitte à se faire des ennemis dans la presse, dans l'opinion publique, dans le monde du spectacle, mais aussi parmi les politiciens. Malgré son refus d'appartenir au courant de théâtre politique nous verrons au sein de cette thèse en quoi son art se rapproche de ce cette mouvance artistique dont il est important de (re)définir les contours. De plus, nous verrons de quels messages son théâtre est porteur. Nous tenterons aussi de comprendre les raisons de sa méfiance face à ce courant qui « rebute » plus d'un auteur contemporain. / Wajdi Mouawad is a Lebanese - born Canadian playwright turned actor who refuses the label of political playwright. And yet, his work reflects political theatre by the themes he chooses and by his refusal to make compromises in his art. Mouawad is someone who likes to speak up even if it means making enemies in the press, in the public opinion, in the world of theatre, and also in the world of politics. Despite the fact that he refuses to be labelled à political playwright, in this thesis, my aim is to study to what degree his art resembles political theatre, a genre that needs to be redefined. In addition, I will examine the message his plays relay and the reasons of his distrust towards this genre that doesn't seem to appeal to many a contemporary writer.

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Thèse numérisée par la Direction des bibliothèques de l'Université de Montréal.

Thèse numérisée par la Direction des bibliothèques de l'Université de Montréal. / La première partie est abordée par le biais de trois courants épistémologiques; le rationalisme de Gaston Bachelard, la dialectique matérialiste de Karl Marx et de Friedrich Engels puis le constructivisme de Pierre Bourdieu. La deuxième partie se voit consacrée à l'historique du marché de l'art, à la définition de tableau, à la terminologie et au phénomène de la contrefaçon. La troisième partie repose sur le droit d'auteur au Canada. La quatrième partie présente l'apport critique de l'expertise légitimée par le travail de faussaire et ses limites. La cinquième partie démontre qu'il ne peut y avoir de protection légale sans article spécifique aux différentes lois civiles et criminelles. La sixième partie tend à démontrer que si certaines dispositions légales peuvent endiguer le phénomène du faux en art, la prévention par la connaissance demeure à la base de toute civilisation.

Ce mémoire aborde en profondeur diverses notions et concepts interreliés en art, philosophie et psychologie sociale comme la représentation du corps et son instrumentalisation dans l’image publicitaire ou encore l’hypermédiatisation et son conditionnement esthétique. Les différentes parties de cet ouvrage sont construites dans la même lignée que ma démarche de création, c’est-à-dire de manière fragmentée et dont la finalité témoigne d’un art de l’assemblage. En m’appuyant sur une vision personnelle étoffée par des recherches sur l’image du corps et sa médiatisation, j’exprime comment notre rapport à la société et à notre production d’images me sert de filon artistique. J’illustre mes propos avec des travaux d’artistes d’avant-garde des années 1960 et, bien entendu, avec les images issues de ma pratique artistique des deux dernières années. Ces dernières présentent principalement des installations vidéo multiécran comprenant des mosaïques d’images qui mettent de l’avant un travail de montage vidéo et de composition visuelle conçue d’images d’archives, de captures vidéographiques ainsi que macrovidéographiques d’ordre documentaire.

La présente recherche porte sur le développement de la nature morte et sur la problématique du sujet en art au Québec de 1887 à 1907. En étudiant l’intérêt pour la représentation des objets en peinture à la fin du XIXe siècle, le texte identifie les conditions culturelles et sociales dans lesquelles un nombre important de natures mortes ont été réalisées. Par une analyse des thèmes et des langages formels suivie d’une étude sur la réception de la nature morte québécoise par la critique d’art francophone, sont mises à jour les différentes conceptions sur l’art éclairant en retour le contexte d’émergence de la nature morte. La question du sujet en art se présente alors comme l’élément clé permettant de comprendre l’émergence d’une relation dynamique entre les préoccupations propres au genre et celle du contexte artistique de l’époque. / The present research relates on the development of the still life and the subject in art problematic in Quebec from 1887 to 1907. By studying the interest for the representation of objects in painting at the end of the XIXth century, the text identifies the cultural and social conditions under which a significant number of still life were carried out. An analysis of the topics and of the formal languages, followed by a study on the reception of the Quebec still life by the French-speaking art critics, stress on the various conceptions on art which, in return, gives enlightenments on the context of emergence of the Quebec still life. The question of the subject in art then appears as a key element to understand the emergence of a dynamic relation between the main concerns of the genre and those of the artistic context of the time.

Saint-Denys Garneau est connu pour être le premier poète québécois moderne, mais sa pensée philosophique et esthétique est peu connue du grand public, sans doute parce qu'elle est dispersée dans des fragments de son journal, de sa correspondance et quelques articles de revue. Ce mémoire s'est donné comme objectif de rassembler cette pensée pour en montrer la cohérence profonde et la beauté. « C'est l'être qui fut présent, visible, par le côté de la beauté », écrit Garneau. Cette phrase illustre bien comment l'auteur situe le beau, dans le sillage de la pensée thomiste, comme un transcendantal, c'est-à-dire un versant de l'être, comme le sont la bonté, l'unité et la véracité. La mission de l'artiste consiste à aborder le réel par ce versant; d'en pénétrer les richesses pour en gravir les degrés, et en indiquer le sommet dans l'être subsistant.

Titre de l'écran-titre (visionné le 19 janvier 2024) / En ces pages, je propose questionnements, idées, créations et recherches sur le développement de ma pratique artistique entourant ma Maîtrise en arts visuels. Ce corpus se penche sur le concept du vide quotidien qui affecte par sa motion vers le sensible du vécu. Ces brèches de la vie sont présentées en images aux côtés d'objets courants du quotidien qui habitent l'idée d'un chez-soi par l'absence qu'ils portent. Fragments de textes, images, matérialité et installation se rencontrent dans un amalgame organisé par les sentiments de l'artiste. Ceux-ci ont guidé le processus de création de son commencement jusqu'à la mise en place de l'exposition. Tout au long de cette évolution, le cheminement est questionné pour être mieux approfondi par diverses recherches et lectures présentées dans ce texte. Les réponses de cette progression se retrouvent visuellement dans l'exposition La passéité du paysage pour le poétique du vécu. Dans l'œuvre, la temporalité des paysages en nature vient être confrontée à celle vécue de manière individuelle par son regardeur, ouvrant sur la possibilité de l'inscrire de contemplateur à voyeur par la nostalgie. Du bout des doigts, je tente simplement de tracer la présence de l'absence. Partout.

Titre de l'écran-titre (visionné le 2 février 2024) / Ce mémoire définit ma démarche en photographie, où en marchant, je collecte des images à même les apparences du réel. J'y rends d'abord compte de cette pratique qui a lieu à l'extérieur, dans le paysage, dans le mouvement, avec les éléments naturels. Ce mémoire montre aussi comment la mise en espace, liant ma pratique de l'architecture à celle des arts, permet de donner une autre dimension à mon travail de l'image, en le mettant en relation avec l'échelle du corps notamment. À travers la mise en espace de grandes photographies argentiques noir et blanc, je cherche à créer des installations où les formes, organiques ou géométriques, apparaissent dans les compositions. Ces images évoquent parfois le dessin ou encore les volumes en jouant sur les ombres portées ou les nuances de gris, la texture et la finesse des détails. En vue de présenter dans tout leur foisonnement et à grande échelle les surfaces du visible. Ce texte est une invitation à me suivre dans mon parcours entre l'art et l'architecture, à travers les explorations de ces dernières années de maitrise. C'est ce bagage qui m'a mené à réaliser l'exposition La chambre à dormir dehors dans l'espace d'Arprim, du 22 novembre au 2 décembre 2023.

C'est l'histoire d'une artiste métissée un peu découragée de ne pas trouver sa place dans un système qui semble privilégier le capitalisme. Armée de plantes, de bouette, et d'autocollants, cette artiste prend part à la guerre à l'équité et à la reconnaissance des savoirs artistiques en dehors des réseaux normatifs du circuit de l'art actuel. Anarchique et chaotique, son travail s'infiltre dans le tissu social comme une provocation qui invite à prendre position dans cet affrontement. Abordant des sujets tels que l'attitude artistique des bouettes, la philosophie des plantes et ENRI, une intelligence artificielle (IA) sans accès à Internet, ce texte d'accompagnement encourage une réflexion sur les défis posés par le circuit de l'art actuel. / This is the story of a mixed-race artist feeling discouraged from finding her place in a system favouring capitalism. Armed with plants, mud, and stickers, this artist takes part in the battle for equity and recognition of artistic knowledge outside the normative networks of the current art scene. Anarchic and chaotic, her work infiltrates the social fabric like a provocation that invites one to take a stand in this confrontation. Addressing subjects such as the artistic attitude of mud, plant philosophy, and ENRI, an artificial intelligence (AI) without Internet access, this accompanying text encourages reflection on the challenges of the contemporary art circuit.