Par un corpus de bijoux allant des années 1960 à nos jours examiné selon la méthode de la théorie de la médiation, la thèse se fixe un triple objectif. Le premier ambitionne de construire une anthropologie de l’ornement par le détour de la sociologie et l’exploitation du modèle instituant/institué (première partie) qui permet de faire émerger la nature expérimentale de ces ouvrages, ainsi que leur prise de distance avec l’investiture de la personne. Le deuxième objectif vise à analyser ce matériel très spécifique selon le modèle fabriquant/fabriqué, afin de décomposer la nature des expérimentations difficiles à étudier dans un cadre traditionnel. Le troisième objectif s’attache à manifester l’unité de la recherche par la mise en lumière d’une similitude de mécanismes avec les arts contemporains (vêtement, mobilier, art), faisant état d’une communauté de projet et d’un phénomène généralisé (deuxième et troisième parties). Ce bijou importable socialement développe une invraisemblable technique, ceci en accord avec l’incommensurable de l’art contemporain. / Using a corpus of jewelry from the 1960’s to nowadays, analysed through the Theory of Mediation method, the thesis has three objectives. The first one aims at building an anthropology of jewelery through the detour of sociology, using the Instituant/Institué model (first part), which helps understanding the experimental nature of these ornaments, far away from the traditional investiture of the person. The second objective is to analyse these very specific jewels using the Fabriquant/Fabriqué model (second and third parts), as studying how the nature of these experiments is broken down is indeed too difficult to do in a traditional manner. The third objective is to show the unity of the research by highlighting a similarity with the mechanisms of contemporary arts (clothing, design, furniture, art), indicating a community of projects and therefore a global and widespread phenomenon (second and third parts). These socially unwearable jewels develop unlikely techniques, in line with the unlimited world of contemporary art.

Malgré la célébrité de certaines de ses estampes, consacrées à la mode et qui ont donné naissance à un genre appelé « bonnart », la dynastie Bonnart demeure peu connue. Ce travail vise à reconstruire l’histoire de cette famille parisienne et de ses deux boutiques de L’Aigle et du Coq, implantées rue Saint-Jacques. À l’étude de ses quatre générations succède l’analyse de la production de ses différents membres, qui furent imprimeurs, graveurs et marchands, mais aussi peintres et dessinateurs. Les Bonnart participèrent à des commandes royales et à la célébration du règne de Louis XIV tout en s’intéressant aux nouvelles tendances de l’art de leur temps. Notre catalogue comprend plus de 2 000 estampes, peintures et dessins ; il dessine un fonds qui dépasse largement les gravures de mode, résultant à la fois d’une activité de création et d’édition, comparable en bien des points à ceux de grandes familles contemporaines comme les Mariette ou les Poilly. Une grande partie de notre travail est ensuite consacrée à l’image de mode de la dynastie Bonnart, qui développe avec succès une formule influencée par les œuvres des Lepautre et de Jean Dieu de Saint-Jean. Ses membres profitent d’un intérêt général envers la mode, dont témoignent les articles du Mercure galant, et sont à l’origine de plusieurs innovations, en particulier celle du « portrait en mode ». Notre dernière partie revient quant à elle sur la réception et la fortune des Bonnart, depuis le XVIIe siècle jusqu’à aujourd’hui. Leurs images ont en effet largement été exploitées par les arts décoratifs, avant d’être considérées comme des documents historiques qui renseigneraient de manière fiable sur les mœurs de l’Ancien Régime et l’histoire du vêtement. / In spite of the fame of some of its engravings consecrated to fashion, which have given rise to a style called « bonnart », the Bonnart dynastie remains little known. This work aims to reconstruct the story of this Parisian dynasty and of its two boutiques « L’Aigle » and « Le Coq » established Rue Saint-Jacques. To the story of its four generations succeeds the analysis of the production of its different members that were printers, engravers and merchants, but also painters and designers. The Bonnart participated to royal orders and to the celebration of the reign of Louis XIV while interesting to the new tendencies of the art of their time. Our catalogue includes more than 2000 engravings, paintings and drawings ; it draws funds that pass widely beyond the « modes », resulting at once from an activity of creation and from an activity of edition, comparable in many aspects with those of great contemporaneous families such as those of the Mariette or of the Poilly families. A big part of our work, after that, is consecrated to the image of « mode » of the Bonnart dynasty that develops with success a formula influenced by the works of the Lepautre and of Jean Dieu de Saint-Jean. Its members profit by a general interest for fashion, shown in the articles of the « Mercure galant » ; they are at the origin of several innovations, in particular that of the « portrait en mode ». Our last part, as for it, come back to the reception and fortune of the Bonnart, from the 17th century until now. Their images have been, effectively, widely exploited by the decoratives arts, before being regarded as historical documents that would give valuable information about the customs of the Old Regime and the story of the clothing.

Depuis les années soixante dix en France, la photographie est au centre de nombreuses attentions. Apparaissent alors des expositions visant à valoriser le médium et à le légitimer en tant qu'expression artistique. Avant d'être reconnue par les institutions muséales et d'être l'objet d’une véritable politique volontariste de la part des services de l'Etat, la diffusion et la valorisation de la photographie revient aux photographes eux mêmes qui créent pour ce faire de nombreux lieux dédiés à l'exposition du médium. Dans les années quatre-vingt, l'autonomisation progressive du champ de la photographie s'accompagne de l'apparition d'une histoire et d'un discours critique. Au début des années quatre vingt dix apparaissent les premières expositions à présenter une photographie qui s'inscrit d'emblée dans les pratiques artistiques contemporaines. Le succès de cette production se concrétisera dans la décennie suivante et participera non seulement à la légitimation de la photographie mais aussi à une relecture de l'histoire de l'art.L'exposition est abordée ici en tant qu'interface entre les quatre acteurs principaux du monde de l'art: les artistes, les décideurs et les médiateurs et le public. Elle est aussi perçue comme un dispositif en ce qu'elle véhicule des discours visant à établir des normes artistiques et à faire autorité. L'étude de plus de trente ans d'expositions nous permet de suivre l'évolution des discours qui ont accompagné le médium durant son autonomisation mais aussi de percevoir les voies empruntées par un objet culturel dans ces différents processus de légitimation. / In France, since the seventies, the photography is the focus of much attentions. The appear exhibitions to enhance the medium and to legitimize it as artistic expression.Before being recognized by the museum institutions and being the object of a real politics on the part of State service, the distribution and the valuation of the photography returns to the photographers who create many places dedicated to the exhibition of the medium.In the eighties, the progressive empowerment of the field of the photography comes along with the appearance of a history and a critical discourse. At the beginning of the nineties appear the first exhibitions which present a photography similar to the contemporary artistic practices. The success of this production will become a reality in the next decade and will participate not only in the legitimization of the photography but also in the second reading of the art history.The exhibition is approached here as interface between four main actors of the world of the art: artists, makers, mediators and the public. It is also received as a “dispositif” in that it conveys discourses to establish artistic standards and to be a recognized as an authority.The study of more than thirty years of exhibitions allows us to follow the evolution of the discourses which accompanied the medium during its empowerment, but also to perceive the pathways of a cultural object in these various processes of legitimization.

Cette recherche doctorale examine les pratiques figuratives, les représentations symboliques et les enjeux socio-culturels des arts graphiques inuit dans les communautés de Kinngait (Cape Dorset) et de Pangniqtuuq (Pangnirtung) au Nunavut (Arctique canadien). Les notions de dessin (titiqtugaq-) et de parole (uqaq-) se placent au centre de la démarche qui est guidée par une approche interdisciplinaire, dans la perspective d’une ethnohistoire de l’art du dessin inuit. Trois parties structurent la démonstration. La première explore les configurations de la pensée inuit associées aux concepts d’art graphique, de représentation visuelle et de créateur, à partir de leur expression linguistique (chapitre II). Puis, une ethnographie de la scène artistique locale présente le dessin et les activités socio-économiques qui lui sont associées autour de la question du statut de l’artiste (chapitres III et IV). La deuxième partie envisage la figuration en rapport à la parole, à partir de la cosmogénèse et des techniques graphiques anciennes (chapitre V). Elle s’intéresse ensuite aux interactions entre le dessin et la parole sur un plan symbolique : dans le dessin, les pensées et les mots sont mis en actes (chapitres VI et VII). La dernière partie de la thèse définit l’art comme un élément de la dynamique socio-culturelle et politique des Nunavummiut. Le recours au dessin dans le cadre de projets communautaires est étudié à partir d’exemples récents (chapitre VIII), avant d’être replacé au centre des dynamiques relationnelles et des échanges socio-cosmiques dans une dimension ontologique (chapitre IX) / This doctoral research examines the themes of figurative practices, symbolic representations and the socio-cultural stakes specific to Inuit graphic arts in the communities of Kinngait (Cape Dorset) and Pangniqtuuq (Pangnirtung) in Nunavut (the Canadian Arctic). The notions of drawing (titiqtugaq-) and of speech (uqaq-) are central to the thesis, which is guided by an interdisciplinary approach within the perspective of ethno-history of Inuit sketch art. The thesis is organized into three parts. The first explores the configuration of Inuit thought associated with the concepts of graphic art, visual representation and creation, through their linguistic expression (Chapter II). In addition, ethnography of the local art scene looks at drawing and the socio-economic activities that are associated with it, in connection with the status of the artist (Chapters III and IV). The second part looks at figuration in relation to power words, from cosmogenesis and ancient graphic techniques (Chapter V). With this in hand, the second part then looks at the interactions between drawing and speaking from a symbolic perspective: through drawings, the thoughts and words are put into action (Chapters VI and VII). The last part of the dissertation continues the analysis by defining art as part of the socio-cultural and political dynamics of the Nunavummiut. Recourse to drawing, as a community project, is studied with reference to recent examples (Chapter VIII), prior to being placed, within an ontological dimension, at the centre of relational and socio-cosmic exchange dynamics (Chapter IX)

Cette thèse s'attache aux rapports au politique des artistes visuels yéménites dans un contexte de domination, recouvrant trois États (les deux républiques qui précédent l'unification du Yémen et la république actuelle créée en 1990, jusqu'en 2015). En étudiant la domination en acte à travers une démarche ethnographique, ce travail interroge les conditions de production et d'action des artistes en soutien ou en contestation au régime, comme au cours du moment révolutionnaire de 2011. On observe ainsi le processus de politisation des mondes de l'art au Yémen contemporain, processus compris en tant qu'acquisition d'une signification politique par la pratique artistique et par les réseaux de relations entretenus par les artistes visuels. Ces requalifications de leur travail ou de leur pratique se font dans un contexte traversé par des luttes concurrentielles pour la répartition du pouvoir internes et propres à leurs mondes d'activité, mais aussi externes et propres à l'espace politique institutionnel. La politisation des mondes de l'art apparaît dès lors moins comme un instrument d'accès à cet espace qu'une voie pour accéder à plus de visibilité, à la reconnaissance, et à un meilleur positionnement dans les rapports agonistiques qui configurent ces mondes. / This thesis focuses on the study of Yemeni visual artists' relation to politics in a context of domination, covering three States (the two republics that precede Yemen's unification and the current republic established in 1990, until 2015). Studying domination in action through an ethnographic approach, this work questions artists' conditions of production and of action in support to or in contestation of the regime- as in the case of the revolutionary period of 2011. The focus of this study is the politicization of art worlds in contemporary Yemen, a process understood as the acquisition of a political significance as observed in the artistic practice and in the dynamic networks that artists maintain. The requalification and reclassification of their work and their practice that results from the politicization of art worlds, takes place in a context of competitive struggles over distribution and access to sites of power. Such conflict over power occurs within their own worlds of activity as well as outside them and in relation to the domain of institutional politics. This thesis contends that the politicization of art worlds is more of a means to access visibility and recognition than a resource to participate in the political field. Through the politicization of art, artists are able to better position themselves within the agonistic relations that exist within art worlds.

Pour Boltanski et Chiapello (1999), la critique artiste a été récupérée par le capitalisme. La motivation repose aujourd’hui grandement sur certains principes au nom desquels il était critiqué dans les années 60. Pourtant n’existe-t-il pas dans certaines organisations artistiques des grandeurs, valeurs ou pratiques, des modes d’organisation et de vie commune, constituant un ferment critique qui n’a pas été récupéré par le capitalisme contemporain ? Une exploration de type ethnographique a été menée au sein d’Odin Teatret, au Danemark, une organisation où la critique artiste s’élabore et se vit. Nous avons observé et participé au total pendant six mois aux créations et activités de ce groupe hors norme. Dans un premier temps, en nous inspirant de la description dense de Geertz, nous avons constaté que, bien que parfois avec des formes et une acuité particulière, bien des ressorts décrits par Boltanski et Chiapello étaient à l’oeuvre mais que cependant certaines énigmes demeuraient. Abandonnant l’approche cognitive de Geertz pour celle plus réflexive et tournée vers les affects de Stewart, nous avons ensuite entrepris de poursuivre et re-décrire notre expérience en insistant sur le désir, la transformation, la présence, pour chercher une autre manière de faire sens, riche et affective, de l’activité à Odin. Dans un troisième temps, cette expérience à Odin est réfléchie grâce aux concepts de Stiegler. Nous comprenons alors que ce lieu est le théâtre de certains processus différents de l’entreprise capitaliste, fut-elle organisée en réseau. L’individuation psychique, collective et technique, le rôle du désir et d’une certaine économie libidinale, le rôle du non calculable, l’insistance de la recherche non de motivations mais de ce qui fait que la vie mérite d’être vécue… sont autant de facettes qui ne peuvent être que partiellement récupérées par l’économie capitaliste. Par ailleurs la présence, l’ouverture au possible, la créativité, peut-être même l’authenticité, demandent un entraînement long, répété et épuisant (exigeant). A la différence de la standardisation et de la pulsion dans la consommation, il s’agit de mettre son être en mouvement – non pour devenir une forme précise, mais cherchant le mouvement pour lui-même qui ouvre à la présence et à une intensité de vie. Une critique artiste, réinterrogeant ces éléments, peut toujours être présente, même virulente contre un capitalisme qui fait de nous des endormis et des corps stupides / [non communiqué]

Jean Millet's L Art de bien chanter (1666), describes the air de cour and its ornamentation as it existed in France during the first half of the seventeenth century. This work, translated for the first time into English and transcribed into modern notation, and B6nigne de Bacilly's Remarques curieuses sur l'art de bien chanter (1668) are the only detailed treatises explaining vocal ornamentation during this period. To clarify his ornamentation method, Millet introduces terms referring to placement of agrements, though few performers used them. Millet expresses the old style, popular under Louis XIII, and the provincial view. Bacilly's treatise deals with the air de cour under Louis XIV, which had a more Italian flavor. He gives aesthetic principles aiding the performer in placing and selecting ornaments. Though Millet and Bacilly describe the same practice, striking differences exist between the two air de cour styles.

Cette thèse sur travaux vise à reconstituer la cohérence d’une trajectoire de recherche caractérisée simultanément par : 1) le souci d’inclure l’histoire de l’art dans un cadre interdisciplinaire qui fait une place de choix à la dimension sociale et communicationnelle des formes sans toutefois l’y réduire ; 2) le projet d’interroger à nouveaux frais les rapports entre centre et périphérie artistiques à travers les textes les plus significatifs d’une carrière attachée à la conservation et la monstration. C’est la raison pour laquelle le mémoire s’ouvre sur une réévaluation de la portée heuristique des notions de centre et de périphérie. L’article fondateur d’Enrico Castelnuovo et Carlo Ginzburg est l’objet d’une relecture informée par la logique de recherche que les divers travaux révèlent. Dans un deuxième temps la grille analytique ainsi renouvelée est appliquée à un objet, la Provence. Cette région est à la fois un objet esthétique et un lieu de production. Son paradoxe est d’être un lieu de haute valeur symbolique en même temps qu’une périphérie, quelquefois même stigmatisée. Le troisième chapitre s’appuie sur une comparaison des artistes qui ont accompagné le parcours du conservateur. A cette occasion, les notions d’art, d’institution et de marché sont réinterrogées en accordant une importance particulière aux fonctions de l’exposition et de la critique d’art dans le processus de reconnaissance d’un artiste. Enfin, l’importance relative de la photographie et de l’art vidéo dans le travail de conservateur conduit à mettre à l’épreuve la notion d’« art moyen » développée par Pierre Bourdieu. On peut repérer les dynamiques propres à ces domaines qui visent à les faire sortir de la situation de relégation relative où ils se trouvent. / This dissertation based on works aims to reconstruct the cohesiveness of a research trajectory both characterized by: 1) the attempt to include art history in an interdisciplinary frame that gives a significant weight to its social and communicative dimension without being reductionist; 2) the will to question afresh the relationships between center and artistic periphery through published texts during a career devoted to curating and exhibiting. This is why the original text starts with a reassessment of Enrico Castelnuovo and Carlo Ginzburg famous article based on the research logic that different published texts reveal. Then the renovated analytical grid is applied to an object, Provence. This region is both an aesthetical object and a site of production. Its paradox leads it to be a place of high symbolic value as well as a periphery, sometimes stigmatized. The third chapter is based on a comparison between the artists that have been exhibited during the curator’s trajectory. By doing that, the notions of art, institution and market are revisited with a special attention given to the functions of exhibition and art critique in the process of artistic recognition. Last the relative importance of photo and video art in the curator’s trajectory leads to reassess the notion of middle-brow art (art moyen) developed by Pierre Bourdieu. One can thus identify the dynamics specific to those domains that aims to end the situation of relegation that has for long trapped them.

Tout être humain possède des droits et libertés intrinsèques, destinés à assurer sa protection et son épanouissement, et tous sont égaux en valeur et en dignité. C’est ce qu’affirme le préambule de la Charte québécoise des droits et libertés de la personne. Pourtant il existe encore des femmes adultes n’ayant pas eu droit au respect et à la liberté à cause du tabou qui entoure l’inceste. Les statistiques démontrent que 83 % des 5341 victimes d’agression sexuelle, enregistrées en 2008, sont de sexe féminin et plus de la moitié, soit 53 %, ont moins de 18 ans. Malgré la multitude d’interventions offertes par différents organismes, plusieurs femmes adultes ont de la difficulté à faire le deuil de cette infâme expérience pour réussir ce que Carl Jung appelle le processus d’individuation. En lien avec cette problématique, je vais faire l’essai de nouveaux outils d’intervention susceptibles de faire accomplir un pas de plus aux approches thérapeutiques déjà existantes. Pour dégager un sens et transformer cette expérience vécue, il est intéressant d’expérimenter une démarche s’articulant autour des différents axes de la méthode associée à la théologie pratique. La première partie, l’observation, qui se veut descriptive, se résume en deux temps : tracer les contours historiques, juridiques et religieux entourant le phénomène et observer et décrire l’expérience vécue par huit femmes adultes victimes d’inceste. La dramatique qui se dégage de l’observation mettra en lumière l’importance de la symbolisation pour se souvenir des éléments demeurés sous silence depuis très longtemps. Dans une deuxième partie, je procéderai à une compréhension herméneutique de la pratique. C’est en ayant recours à différents cadres théoriques des sciences humaines, plus particulièrement en psychologie et en anthropologie (Girard, Jung et Van Gennep), qu’une modélisation de la pratique deviendra possible. La partie suivante en est une d’interprétation théologique, elle cherchera à découvrir à travers le symbolisme quels sont les textes d’origine qui peuvent traduire et expliquer le drame incestueux. Mon regard se posera sur quelques mythes (OEdipe, Nyctiménée, les Indiens Tatuyo), tout autant que sur deux récits bibliques : un récit descriptif du phénomène de l’inceste dans le Premier Testament (2 Samuel 13) et un récit ouvrant la voie à une intervention thérapeutique (Marc 5,21-43). La dernière partie se proposera d’esquisser un projet d’intervention auprès des femmes incestuées, comportant un rituel de guérison qui met à profit le symbolisme et se fonde sur une vision holistique de la personne y compris la dimension spirituelle. En prospective, cela pourrait déboucher sur un travail interdisciplinaire permettant de créer une réseautique entre les différents intervenants oeuvrant auprès des femmes ayant vécu l’inceste. Every human being possesses intrinsic rights and freedoms designed to ensure his protection and development; all are equal in worth and dignity. This is what the preamble of Quebec's Charter of human rights and liberties says. Yet, there still exist adult women in 2011 that do not have the right to respect and freedom because of taboos surrounding incest. Statistics show that 83% of the 5341 victims of sexual assault, recorded in 2008, were females and more than half, that is 53%, were less than 18 years of age. Despite a multitude of interventions offered by different agencies, many adult women have problems putting this terrible experience behind them to succeed at what Carl Jung calls the process of individuation. In light of this problem, I am going to try new methods of intervention which will hopefully take existing therapeutic approaches a step further along. To find meaning and transform this experience, it is interesting to experiment with a process built around the different axis associated with practical theology. The first part, observation, which is descriptive, can be summarized in two stages: tracing historical, legal and religious issues surrounding the phenomenon, and observing and describing the experience lived by eight adult women who were victims of incest. The drama that emerges from this observation will highlight the importance of symbolisation to remember long silenced elements. In the second part, I will proceed with a hermeneutic understanding of the practice. In using various theoretical frameworks of human sciences, particularly in psychology and anthropology (Girard, Jung et Van Gennep), a modeling of the practice will become possible. The part that follows will be a theological interpretation; it will try to discover through symbolism which original texts could be used to interpret and explain the incestuous drama. My analysis will include a number of myths (OEdipe, Nyctiménée, les Indiens Tatuyo), as well as two biblical stories: a narrative description of the incest phenomenon in the Old Testament (2 Samuel 13) and a story that paves the way to a therapeutic intervention (Marc 5:21-43). The last part will sketch out an intervention project with female victims of incest, involving a healing ritual which builds on symbolism and is based on a holistic view of the human being including the spiritual dimension. In prospective, this could lead to an interdisciplinary work creating networking among different persons working with women who have experienced incest.

Le présent travail vise à établir comment l’artiste français Bertrand Lavier (1949) définit et exprime le réel dans son travail. Il s’agit aussi de fournir une réponse historique et critique à l’une des thématiques-clés de l’histoire de l’art contemporain, le rapprochement entre l’art et la vie. Ainsi, nous avons abordé les séries créées par l’artiste depuis la fin des années 1960 à nos jours, d’où émergent des interrogations récurrentes : l’ontologie de la représentation, le problème de la définition de la peinture ou la sculpture, que l’artiste s’emploie à rebâtir. Il y effectue également une critique systématique du langage en tant que constituant fiable du réel, relevant ses limites, amorçant ainsi un divorce avec l’art conceptuel, paradigme dominant de l’époque, et une conversion à la volonté de rematérialisation de l’art, redonnant une bonne place à l’esthétique, au sensible, et à l’instinct, après le règne du cérébral et de l’immatériel. Ensuite, cherchant à contextualiser son travail, nous avons établi une chronologie précise de la formation de Lavier, avant de le confronter à deux grandes figures de l’histoire du siècle, chacune ayant développé une idée précise des rapports de l’art au réel, Duchamp et Warhol, ceci à fin de nous donner des éléments de réponses quant à la place historique du travail de Lavier quant à cette problématique. Enfin, nous avons associé Lavier à deux pensées, le postmodernisme et la philosophie de Nietzsche, afin d’éclairer sa vision relative et morcelée du réel, vu comme amoral et subjectif, et d’expliquer la nécessité de le réorganiser esthétiquement, actant l’art comme remède au réel chaotique et réenchantement du quotidien. / This study aims to establish how French artist Bertrand Lavier (1949) defines and expresses reality in his work. In addition, we wanted to provide a historical and critical answer to a key problematic of contemporary art's history, the link between art and life. First, we dealt with several Lavier's series, from the late 1960s till nowadays, from which emerge recurring topics : representation ontology, the problem of paintings and sculptures definition, which the artist employs himself to rebuilt. Furthermore, he also makes a methodical critic of language as a reliable component of reality, pointing its limits and flaws, acting his divorce with then dominant conceptual art, converting himself to the rematerilization of art, bringing back aesthetics, perception and instinct, after the reign of immateriality and intellectualism. Then, trying to contextualize his work, we established a detailed chronology of the artist's education, before confronting him with two 20th Century key figures, both having developed a strong vision of connections between art and reality, Duchamp and Warhol, in order to precise the historical place of Lavier's work regarding this topic. Eventually, we linked Lavier to two thinkings, Postmodernism and Nietzsche's philosophy, allowing us to shade light on his vision of a relative and fragmented reality, seen as amoral and subjective, and to explain the necessity of its aesthetical reorganization, presenting art as the remedy of a chaotic reality, and the everydays re-enchantement.