Orientador(a): Florivaldo Menezes Filho / Banca: Nahim Marun / Banca: Yara Caznok / Banca: Leonardo Martinelli / Banca: Paulo Zuben / Resumo: Nesta tese são analisadas as técnicas compositivas utilizadas por Luciano Berio e Flo Menezes e são comparadas suas respectivas concepções musicais, tentando demonstrar um comum embasamento dessas ideias no pensamento estruturalista. Para tanto, a primeira parte deste trabalho é dedicada a analisar as diversas proposições teóricas do estruturalismo com os argumentos de Claude Lévi-Strauss, Umberto Eco e Vladimir Propp. Seguimos com algumas ponderações de Ferdinand de Saussure, Roman Jakobson e Roland Barthes sobre questões de linguística e, por fim, com conceitos da estética musical, presentes nas reflexões de Enrico Fubini, considerando também algumas das especulações elaboradas por Theodor Adorno, Robert Jauss, Edmund Husserl e Maurice Merleau-Ponty. Na segunda parte, as formulações apresentadas são declinadas no universo conceitual de Berio e Menezes, evidenciando as perspectivas teóricas individuais dos dois compositores. Em seguida, são analisadas exaustivamente as duas obras para harpa solo escritas pelos dois autores: Sequenza II, de Berio, e …donde solo las plantas suenan…, de Menezes, com especial atenção ao processo genético e compositivo. Nessa etapa de análise e confronto, procuramos validar a hipótese de que a reelaboração peculiar e a aplicação subjacente de princípios filosóficos e musicais de matriz estruturalista resultam na presença do Belo nas obras dos dois compositores / Abstract: This research analyses the compositional techniques used by Luciano Berio and Flo Menezes, and compares their musical conceptions trying to demonstrate a common origin of these ideas in Structuralism. In order to reach this aim, the first part of this essay is dedicated to analyse the different theoretical propositions of the Structuralism based on the arguments of Claude Lévi-Strauss, Umberto Eco and Vladimir Propp. We then proceed with some considerations about Linguistics issues by Ferdinand de Saussure, Roman Jakobson and Roland Barthes. Lastly, there is an elaboration of musical esthetics concepts, following Enrico Fubini's perspective, and considering some of the contributions in this field by Theodor Adorno, Robert Jauss, Edmund Husserl and Maurice Merleau-Ponty. In the second part, these philosophical views are applied to Berio's and Menezes' conceptual universe, underlining the individual theoretical perspectives of the two composers. Then, we analyse the two compositions for harp solo written by the two authors: Sequenza II by Berio and …donde solo las plantas suenan…by Menezes, giving special attention to the genetic and compositional process. In this stage, we support the hypothesis that the implicit use of philosophical and musical structuralistic principles resulted in the presence of Beauty in the two composers' pieces / Doutor

Orientador(a): Sonia Ray / Banca: Sonia Albano de Lima / Banca: Gisela Nogueira / Banca: Fausto Borém / Banca: Patrícia Mihcelini Aguilar / Resumo: O presente trabalho aborda a relação entre a técnica instrumental e a expressão musical. Mais especificamente, investiga a possibilidade de as técnicas estendidas da flauta doce serem utilizadas como elemento veiculador da expressão musical neste instrumento. A relação entre a técnica instrumental e a expressão musical na flauta doce é um tema presente em momentos significativos de sua história. O fato de a flauta doce ser também um instrumento histórico, para o qual foi dedicada extensa bibliografia Renascentista e Barroca, contribuiu para que sua técnica tenha sido organizada em dois eixos principais: o da técnica tradicional (entendida como aquela contida nos tratados históricos) e o das técnicas estendidas (as desenvolvidas a partir da década de 1960). Essa distinção mostra-se, contudo, menos rígida ao proceder-se a um estudo mais aprofundado a respeito das técnicas descritas nos tratados históricos. Sob o ponto de vista conceitual, adota-se o entendimento de Ray (2005) sobre Performance Musical e Técnica; de Padovani; Ferraz, (2011) sobre Técnica Estendida; e de Lehmann; Sloboda; Woody (2007) sobre Expressividade. A metodologia da presente tese envolve trabalho de cunho analítico-reflexivo associado à coleta e execução de repertório. A Tese está estruturada em três capítulos assim organizados: Capítulo I - dedicado à revisão de literatura; Capítulo II - discussão sobre os recursos tradicionais de expressão musical na flauta doce, sobre as técnicas estendidas e sobre expressividade... (Resumo completo, clicar acesso eletrônico abaixo) / The present work deals with the relationship between instrumental technique and musical expression. More specifically, it investigates the possibility that extended recorder techniques can be used as a vehicle for musical expression. The relationship between instrumental technique and musical expression on the recorder is a subject present at significant moments in its history. The fact that the recorder is also a historical instrument, for which an extensive Renaissance and Baroque bibliography was dedicated, contributed to its technique being organized in two main axes: that of traditional technique (understood as that contained in historical treatises) and that of extended techniques (those developed from the 1960s). This distinction is, however, less rigid when a more in-depth study is carried out on the techniques described in the historical treaties. From the conceptual point of view, Ray's (2005) understanding of Musical Performance and Technique is adopted; of Padovani; Ferraz, (2011) on Extended Techniques; and Lehmann, Sloboda and Woody (2007) on Musical Expression. The methodology of the present thesis involves analytical-reflexive work associated with repertoire collection and execution. The thesis is structured in three chapters so organized: Chapter I - dedicated to literature review; Chapter II - discussion of the traditional resources of musical expression in the recorder, on the extended techniques and on the contemporary expressiveness... (Complete abstract click electronic access below) / Doutor

Orientador(a): Sonia Regina Albano de Lima / Banca: Liliana Harb Bollos / Banca: Fábio Miguel / Resumo: A dissertação realizada investiga e reflete em que medida as variadas práticas pedagógicas podem auxiliar no refinamento da escuta musical no âmbito do ensino de percepção musical. A escuta musical apurada é uma das virtudes necessárias para que o músico se prepare para as demais disciplinas relacionadas à música e também atue de forma consistente no mercado profissional. Para tanto, foram traçados quatro objetivos: 1. Verificar nas publicações e nas práticas musicais, quais as diferentes metodologias de ensino da percepção musical, com o intuito de compreender qual a melhor forma de repassar esses ensinamentos para os alunos; 2. Averiguar quais as principais dificuldades dos alunos nessa disciplina; 3. Verificar, a partir do levantamento bibliográfico realizado, quais as capacidades e habilidades necessárias para que os alunos desenvolvam uma escuta musical mais refinada e satisfatória; 4. Reavaliar a metodologia do autor da presente pesquisa, a partir dos resultados coletados no levantamento bibliográfico e nas respostas obtidas nos questionários. A pesquisa de cunho qualitativo tomou como base de análise o levantamento bibliográfico realizado com o termo "ensino de percepção musical", além da avaliação dos dois questionários dirigidos para os alunos que cursaram a disciplina "Teoria e Percepção Musical" no Conservatório Dramático e Musical "Dr. Carlos de Campos" de Tatuí, onde atuo como docente. Os questionários realizados apontaram para as dificuldades e sugestões dadas... (Resumo completo, clicar acesso eletrônico abaixo) / The present dissertation aims at checking and reflecting on pedagogical practices that contributes to a refined musical hearing related to musical perception teaching. A sharp musical hearing is required to musicians who intend to study, teach or work in the musical area. Hence, four purposes were set: 1. Checking in articles and musical practices, what are the best methods for teaching musical perception; 2. Finding out the students' difficulties when learning music perception; 3. Verifying, by means of a bibliographical survey, what are the competences and abilities required to develop a more refined and satisfactory musical hearing; 4. Reevaluating the methodology of this thesis' author from the results collected in the questionnaires and bibliography. This qualitative study was based on the term "Musical Perception Teaching" as well as two questionnaires answered by the students who studied the subject "Theory and Musical Perception" at the Drama and Music Conservatory "Dr. Carlos de Campos" in Tatuí, São Paulo, where this thesis' author works as a teacher. The questionnaires pointed the students' suggestions and difficulties... (Complete abstract click electronic access below) / Mestre

Orientador(a): Yara Borges Caznók / Banca: Graziela Bortz / Banca: Maurício Funcia de Bonis / Banca: André Luiz de Campello Duarte Cardoso / Banca: Leonardo Martinelli / Resumo: Uma das maneiras de ampliar a compreensão sobre um texto musical é abrir o leque de perspectivas de abordagem analítica frente a uma mesma obra, para que maiores possibilidades interpretativas possam advir. Partindo-se desta premissa, esta tese tem como principal objetivo a aplicação de diferentes procedimentos analítico-musicais a uma mesma composição, e posterior inter-relação entre seus resultados, cotejando as diferentes visões e interpretações encontradas. Para tanto, selecionou-se uma obra tradicional do repertório sinfônico romântico: a Sinfonia nº 2, op. 73, em Ré maior, de Johannes Brahms. Foram realizados três estudos analíticos completos de seus 4 Movimentos: Análise Formal, de acordo com Arnold Schönberg (1996), William Caplin (1998), Charles Rosen (1988) e James Hepokoski e Warren Darcy (2006); Análise Motívica, segundo Rudolph Reti (1978); e, por fim, Análise Schenkeriana, conforme Heinrich Schenker (1935), Allen Forte e Steven Gilbert (1982), Felix Salzer (1982) e David Neumeyer e Susan Tepping (1992). Posteriormente, os dados encontrados foram comparados, procurando indicar algumas possibilidades de leitura da obra por meio da intersecção das visões específicas. Ao final, esses resultados analíticos foram confrontados com três gravações realizadas por diferentes orquestras, em épocas distintas, tendo à frente regentes reconhecidos como grandes intérpretes da obra de Brahms: Orquestra Sinfônica Columbia, Bruno Walter (1960), Orquestra Filarmônica de Berlim... (Resumo completo, clicar acesso eletrônico abaixo) / Abstract: A good way to expand the comprehension of a musical text is to open the range of analytical perspectives on approaching the same work, so that greater interpretative possibilities may arise. Starting from this premise, the main goal of this thesis consists in applying different analytic-musical procedures to the same composition, and later interrelationship between its results, comparing the different visions and interpretations founded. For this, a traditional work of the romantic symphonic repertoire was selected: Symphony No. 2, op. 73, in D major, by Johannes Brahms. Three complete analytical studies were built of its 4 Movements: Formal Analysis, according to Arnold Schönberg (1996), William Caplin (1998), Charles Rosen (1988) and James Hepokoski and Warren Darcy (2006); Motivic Analysis, according to Rudolph Reti (1978); and finally, Schenkerian Analysis, according to Heinrich Schenker (1935), Allen Forte and Steven Gilbert (1982), Felix Salzer (1982) and David Neumeyer and Susan Tepping (1992). After that, the data found were compared, trying to indicate some possibilities of reading the work through the intersection of those specific views. Finally, those analytical results were confronted with three recordings performed by different orchestras at different times, with conductors recognized as great performers of Brahms' work: Columbia Symphony Orchestra, Bruno Walter (1960), Berlin Philharmonic Orchestra, Claudio Abbado (1989) and Boston Symphony Orchestra, Andris... (Complete abstract click electronic access below) / Doutor

Orientador(a): Achille Guido Picchi / Banca: Wladimir Fatto Contesini de Mattos / Banca: Humberto Amorim Neto / Resumo: Neste trabalho buscamos compreender a relação que o violão estabelece com a voz e o texto na canção de câmara brasileira do século XX, e a maneira como essa relação constrói uma unidade discursiva indivisível. A forma como o violão atua nesta tridimensionalidade traz consigo um lastro histórico-sócio-cultural, e transcende o idiomático do violão. Essa categoria de atuação, a qual chamamos de violonismo, passa por processos de simbolização e representação, e permite certas atribuições de sentido. Para amparar esta discussão buscamos, no primeiro capítulo, traçar um percurso histórico dos instrumentos de cordas dedilhadas com ênfase na sua relação com a voz. Veremos no segundo capítulo que tal percurso levou o violão a um posicionamento, no qual seu repertório escrito para voz e violão, evidencia um uso específico e exclusivo do instrumento. As implicações deste uso são discutidas no terceiro e último capítulo, no qual, sem buscar respostas definitivas, descortina questionamentos fundamentais acerca das possibilidades do violonismo / Abstract: In this work, we seek to understand the relationship that the guitar establishes with the voice and text of Brazilian chamber song of the 20th century and the way in which this relationship builds an indivisible discursive unit. The way in which the guitar acts in this three-dimensionality brings with it historical and sociocultural weight and transcends the idiomatic characteristic of the guitar. This type of action which we call guitarism, goes through processes of symbolization and representation, and allows certain sense assignments. To support this discussion we seek, in the first chapter, to trace a historical trajectory of plucked string instruments, emphasising in their relationship with the voice. In the second chapter we will observe that this trajectory has taken the guitar to a position in which its repertoire written for voice and guitar, demonstrates a specific and exclusive usage of the instrument. The implications of this usage are discussed in the third and last chapter, which without seeking definitive answers, unveils fundamental questions about the possibilities of guitarism / Mestre

Dissertação (mestrado)—Universidade de Brasília, Instituto de Letras, Departamento de Teoria Literária e Literaturas, 2017. / Submitted by Raiane Silva (raianesilva@bce.unb.br) on 2017-07-20T17:08:53Z No. of bitstreams: 1 2017_BeatrizSchmidtCampos​.pdf: 1540238 bytes, checksum: 44f73517f92424e708e6de6097101c28 (MD5) / Approved for entry into archive by Raquel Viana (raquelviana@bce.unb.br) on 2017-09-06T22:17:10Z (GMT) No. of bitstreams: 1 2017_BeatrizSchmidtCampos​.pdf: 1540238 bytes, checksum: 44f73517f92424e708e6de6097101c28 (MD5) / Made available in DSpace on 2017-09-06T22:17:10Z (GMT). No. of bitstreams: 1 2017_BeatrizSchmidtCampos​.pdf: 1540238 bytes, checksum: 44f73517f92424e708e6de6097101c28 (MD5) Previous issue date: 2017-09-06 / A presente dissertação tem como corpus a “ópera negra” Missa dos Quilombos composta em 1981 por Milton Nascimento, Pedro Casaldáliga e Pedro Tierra. A obra interartística une música, poesia, texto, dança em uma temática que reúne religião Africana e Católica Romana, uma parte da História do Brasil que aborda a escravidão e um questionamento da política racial brasileira à época. Por meio de uma provocação de Dom Hélder Câmara, o bispo e o poeta produziram o texto e Nascimento, a música. A celebração resultou em uma fusão de Música Popular Brasileira, Música Religiosa, Ritmos e componentes culturais afros produzindo um texto que une a Religião Católica e algumas Africanas com o intuito de que a Igreja e a Sociedade dominante se redimissem de algum modo, perante a história de quatro séculos de escravidão em nosso País. Além disso, esta obra propõe um questionamento quanto ao racismo ainda existente. Racismo que provoca a exclusão, a violência, a opressão e a desigualdade social. A música e o texto são sincréticos e atuam como rememoração de um povo que sofreu um dos maiores holocaustos de nossa História. Ao final, conclui-se pela constatação de uma obra sensível e estética em sua poética lítero-musical que a Missa dos Quilombos pretende suscitar a redenção, a libertação, a reunião dos povos, das religiões e a esperança. / The present dissertation has as a corpus the “black opera” Missa dos Quilombos, composed in 1981 by Milton Nascimento, Pedro Casaldáliga and Pedro Tierra. The interartistic piece unites music, poetry, text and dance in a theme that gathers African religion and the Roman Catholic religion, a part of the History of Brazil that approaches the slavery and the questioning of the Brazilian racial politics at the time. By means of a provocation of Dom Hélder Câmara, the bishop, and the poet produced the text and Milton Nascimento produced the music. The celebration resulted in a fusion of Brazilian Popular Music, Religious Music, rhythms and African cultural components producing a text that united the Catholic religion and some of the African religions with the intention that the church and the dominant society could redeem themselves before the history of four centuries of slavery in our country. Besides, this piece proposes a questioning about the still existing racism. Racism that allows exclusion, violence, oppression and social inequality. The music and the text are syncretic and act as a recalling of a people that have suffered with one of the biggest holocausts in our History. At the end, it is concluded by the finding of a sensible and aesthetic piece in its lytero-musical-poetic, that Missa dos Quilombos intends to excite the redemption, the liberation, the reunion of the peoples, the religions, and the hope.

Dissertação (mestrado)—Universidade de Brasília, Instituto de Artes, Departamento de Música, Programa de Pós-Graduação Música em Contexto, 2016. / Submitted by Raquel Viana (raquelviana@bce.unb.br) on 2018-07-18T19:32:16Z No. of bitstreams: 1 2016_EudesdeCarvalhoBraga.pdf: 105064366 bytes, checksum: 11b5cf227f515d2b1145f406f4fb9d72 (MD5) / Approved for entry into archive by Raquel Viana (raquelviana@bce.unb.br) on 2018-07-18T19:32:52Z (GMT) No. of bitstreams: 1 2016_EudesdeCarvalhoBraga.pdf: 105064366 bytes, checksum: 11b5cf227f515d2b1145f406f4fb9d72 (MD5) / Made available in DSpace on 2018-07-18T19:32:52Z (GMT). No. of bitstreams: 1 2016_EudesdeCarvalhoBraga.pdf: 105064366 bytes, checksum: 11b5cf227f515d2b1145f406f4fb9d72 (MD5) Previous issue date: 2018-07-18 / Coordenação de Aperfeiçoamento de Pessoal de Nível Superior (CAPES). / A presente pesquisa teve por objetivo compreender como a experiência profissional de Paulo André Tavares pode contribuir com o ensino do violão popular. Como objetivos específicos, têm-se os que se seguem: evidenciar os percursos formativos deste profissional; e, conhecer os conhecimentos pedagógico-musicais adquiridos ao longo dessa trajetória. Como tema norteador, fez-se importante observar a trajetória profissional docente em violão popular de Paulo André Tavares, professor aposentado da Escola de Música de Brasília. O referencial teórico se deu com base em conceitos de Michael Huberman (1989) – Ciclo de vida profissional de professores, e Marie-Christine Josso (2004) – Experiências de vida e formação. A metodologia utilizada teve como viés a abordagem (auto)biográfica na perspectiva de Christine Delory-Momberger (2012). A técnica de pesquisa incidiu na Entrevista Narrativa de Fritz Schütze (2013). As análises e interpretações evidenciaram um modo singular de ser professor de violão popular, que traz compreensões, por meio de narrativas musicais, dos modos de ensino e aprendizagem da música. De fato, as narrativas com música permitem problematizar as maneiras como o docente de música concede sentido à sua história de vida profissional, pois, ao fazer música e apreender desse processo as narrativas musicais, é possível pensar quais são os efeitos gerados dessas narrativas, e onde os problemas de apropriação e transmissão de conhecimentos musicais e pedagógico-musicais são construídos/“editados”, ainda que provisoriamente. Assim, o sujeito, ao narrar-se com música, é tomado como o protagonista desse processo/produto, sendo capaz de evidenciar quais objetivos foram construídos no e para o processo do fazer musical. Os resultados da pesquisa apontaram que as metodologias de ensino cujos objetivos vão sendo delineados no processo nascem dos princípios e conceitos advindos das experiências com música. Tem-se, portanto, uma metodologia que não está dada, mas que ocorre na ação. E isso só é possível se o fazer musical é construído com e por meio de narrativas musicais. / The theme of this research is the professional career as a teacher of the guitar player Paulo André Tavares, a retired professor of The Music School of Brasilia. The aim of this paper is to understand how the experience of Paulo André Tavares can contribute with a way to teach Brazilian guitar. The specific objectives: to highlight the professional paths of this professional; know the pedagogical musical experience acquired during his career. The theoretical framework is based on concepts of Michael Huberman (1989) - The professional life cycle of teachers and Marie-Christine Josso (2004) - Experiences of life and training. The methodology used is the (auto) biographical approach used by Christine Delory-Momberger (2012). The research technique focuses on Interview Storytelling by Fritz Schütze (2013). The analysis and interpretations showed a unique way of being popular guitar teacher who brings to a way understand through musical narratives, modes of teaching and learning music. The narratives with music allow us to problematize the ways that a music teacher gives a meaning to his own history of professional life. Make music and learn with this process of musical narratives can help us to think what are the effects generated with these narratives, where the problems of appropriation, musical transmission and pedagogical-musical knowledge are being built, or in other words "edited" even provisionally. Thus, when the subject and his narratives with music is take as the protagonist of this process / product being able to show what goals have been built to the process of making music. The results of this survey indicate that methodologies of teach whose objectives will be outlined in the process. Born from principles and concepts arising from experiences with music. It is a methodology that is not gived, but happens in the action. And this is possible if the act of make music is built with and through musical narratives.

Made available in DSpace on 2016-12-08T17:06:43Z (GMT). No. of bitstreams: 1 113291.pdf: 7552729 bytes, checksum: 4c68248498366bb48a37372ab06ded38 (MD5) Previous issue date: 2013-03-28 / Coordenação de Aperfeiçoamento de Pessoal de Nível Superior / This dissertation analyzes the cycle "light and shadow" of the brazilian composer Harry Crowl (1958) comprising the works: Na Perfurada Luz em Plano Austero (1992-93); Umbrae et Lumen (1993); Lumen de Lumine (1997) e No Silêncio das Noites Estreladas (1998); Aetherius (2002); E que Sejam Luminárias, no Céufogoágua (2004) e Tenebrae et Stellae (2005). The goal was to relate musical structures to phenomena of light and shadow that inspired these works, as well as aesthetically and historically situate the resources involved in this representation. The work of Harry Crowl makes a strong allusion to the visible with a musical language that is the synthesis of several references. First, its language is contextualized within postmodernism front of the most striking features of concert music in the second half of the century. In a second moment, considerations ball visible in music brings relationships between sound, color, light and texture. Subsequently, a survey on musical representation of light and shadow throughout history shows strategies used by other composers. Finally, through interviews with the composer, a study on the genesis of the cycle in question works and musical analysis with emphasis on texture attempts to uncover the structures involved in the musical depiction of light and shadow. / Este trabalho analisa o ciclo ¿luz e sombra¿ do compositor brasileiro Harry Crowl (1958) formado pelas obras: Na Perfurada Luz em Plano Austero (1992-93); Umbrae et Lumen (1993); Lumen de Lumine (1997); No Silêncio das Noites Estreladas (1998); Aetherius (2002); E que Sejam Luminárias, no Céufogoágua (2004) e Tenebrae et Stellae (2005). O objetivo foi relacionar estruturas musicais aos fenômenos de luz e sombra que inspiraram estas obras bem como situar historicamente e esteticamente os recursos envolvidos nesta representação. A obra de Harry Crowl faz uma forte alusão ao visível com uma linguagem musical que é síntese de várias referências. Primeiramente, sua linguagem é contextualizada dentro do pós-modernismo frente às características mais marcantes da música de concerto na segunda metade do século XXI. Em um segundo momento, considerações sobre a esfera do visível em música traz relações entre som, cor, luz e textura. Posteriormente, um levantamento sobre a representação musical de luz e sombra ao longo da história mostra estratégias utilizadas por outros compositores. Finalmente, mediante entrevista com o compositor, um estudo sobre a gênese das obras do ciclo em questão e análise musical com ênfase na textura procura desvendar as estruturas musicais envolvidas na representação de luz e sombra.

Dissertação (mestrado)-Universidade de Brasília, Faculdade de Comunicação, Programa de pós-graduação em Comunicação, 2000. / Submitted by Jaqueline Ferreira de Souza (jaquefs.braz@gmail.com) on 2011-05-08T20:08:23Z No. of bitstreams: 1 2000_GilbertoGoncalvesCosta.pdf: 751827 bytes, checksum: ac61660e6d374858e7538673343a6243 (MD5) / Approved for entry into archive by Jaqueline Ferreira de Souza(jaquefs.braz@gmail.com) on 2011-05-08T20:09:16Z (GMT) No. of bitstreams: 1 2000_GilbertoGoncalvesCosta.pdf: 751827 bytes, checksum: ac61660e6d374858e7538673343a6243 (MD5) / Made available in DSpace on 2011-05-08T20:09:16Z (GMT). No. of bitstreams: 1 2000_GilbertoGoncalvesCosta.pdf: 751827 bytes, checksum: ac61660e6d374858e7538673343a6243 (MD5) / Esta dissertação trata da formação do gosto musical. Para saber como é forjado o gosto, identificou nas memórias musicais de cantores, compositores e músicos brasileiros elementos de mediações subjetivas que se articulam com o gosto veiculado pelos meios de comunicação de massa. O material original de pesquisa é composto por depoimentos de artistas ao programa Memória Musical da Rádio Nacional de Brasília - FM. _________________________________________________________________________________ ABSTRACT / This theses is about the way that musical taste is formed. In order to know how the taste is formed, I identified within the musical memories from singers, composers and brazilian muisicians elements of subject mediation which are articulated with the taste show by mass media. The original source for the research are testimonies from artists given to the show Memória Musical from Rádio Nacional de Brasília - FM.

Orientador: Silvio Ferraz Mello Filho / Tese (doutorado) - Universidade Estadual de Campinas, Instituto de Artes / Made available in DSpace on 2018-08-16T07:25:27Z (GMT). No. of bitstreams: 1 Taffarello_TadeuMoraes_D.pdf: 3915343 bytes, checksum: 488034b29ecea2a09bad23c63f2ac6b9 (MD5) Previous issue date: 2010 / Resumo: Uma intersecção é uma conexão irreproduzível de uma multiplicidade de linhas de força constituídas pelas mais variadas imanências do Mundo. Acreditando-se que ela se manifesta também no campo musical, o presente trabalho traz uma amostra concreta de uma intersecção em música ao centrar-se na relação entre Almeida Prado e Olivier Messiaen, tendo por objetivo principal revelar algumas das potências sonoras absorvidas na formação do compositor paulista no período em que ele foi aluno de Messiaen, entre 1969 e 1973, e postas a campo na escrita da sua peça para piano solo Cartas Celestes I, de 1974. Para tanto, foi feito um estudo analítico comparativo entre essa peça e as peças para piano solo VI Momentos, 2º caderno de 1969, também de Almeida Prado, e La Fauvette dês Jardins, 1971, de Olivier Messiaen. Dentre os resultados obtidos, percebeu-se que na escrita da peça de 1969, além de Almeida Prado apresentar uma exploração textural com a qual se pôde fazer um paralelo com o ciclo de peças para piano de Villa-Lobos Prole do Bebê nº 2, o compositor paulista demonstrava um conhecimento prévio de alguns conceitos da música do seu futuro professor francês, em especial com a técnica aplicada por Messiaen em Vingt Regards sur L'Énfant-Jésus, peça para piano solo de 1944. Em Cartas Celestes I, peça posterior ao período de estudos de Almeida Prado na França, encontraram-se diferenças com o 2º caderno de Momentos de 1969 e semelhanças com a peça de Messiaen analisada, La Fauvette des Jardins, comprovando a hipótese de que houve mudanças significativas na escrita musical do compositor paulista no período. Além disso, foi possível traçar intersecções na peça de Almeida Prado de 1974 com a produção de Ligeti, de Murail e de Gaussin. Como conclusão, percebeu-se que a intersecção Olivier Messiaen-Almeida Prado se apresenta de maneira rizomática, caracterizada pelas múltiplas conexões, pela decalcomania e pela irreprodutibilidade do rizoma presentes nas Cartas Celestes I que fazem com que esta peça se torne única, insubstituível e original em seu contexto histórico e dentro do processo de formação do compositor paulista / Abstract: An intersection is a nonreproducible connection of a multiplicity of lines consisting by the most varied immanences in the World. Giving credit that it also manifests in the musical field, the present study shows a concrete sample of the intersection in music by centering itself into the relationship between Almeida Prado and Olivier Messiaen, aiming to disclose some of the sonorous potencies absorbed by the Brazilian composer during the period in which he was Messiaen's pupil, from 1969 to 1973, and put into practice while composing his piano solo piece Cartas Celestes I, from 1974. Therefore, a comparative analytical study has been done between the above mentioned piece, the piano solo pieces VI Momentos, 2nd book - 1969, also by Almeida Prado and La Fauvette des Jardins, 1971, by Olivier Messiaen. Amongst the obtained results, it has been noticed that in the compositional writing of the 1969 piece, Almeida Prado presented a textural exploration with which a parallel with Villa-Lobos cycle of pieces for piano Prole do Bebê nº 2 can be done. Furthermore, the Brazilian composer demonstrated a previous knowledge of some concepts of his future French teacher's musical production, especially from the technique applied by Messiaen in Vingt Regards sur L'Enfant-Jesus, piano solo piece from 1944. In Cartas Celestes I, piece that is subsequent to Almeida Prado's studies in France, there were found differences from the 2nd book of Momentos from 1969 and resemblances with the analyzed Messiaen's piece, La Fauvette des Jardins, proving the hypothesis that there were significant changes in the musical writing of the Brazilian composer in the period. Moreover, it was possible to trace the intersections in the piece of Almeida Prado from 1974 with the production of Ligeti, of Gaussin and of Murail. Hence, it has been identified that the intersection Olivier Messiaen-Almeida Prado presents itself in a rhizomatic way, characterized by the multiple connections, by the decalcomania and by the rhizome's non reproductability, all presented in Cartas Celestes I making it unique, irreplaceable and original in its historical context and within the Brazilian composer's developing process / Doutorado / Fundamentos Teoricos / Doutor em Música