Orientador: Angelo José Fernandes / Banca: Adriana Giarola Kayama / Banca: Josani Keunecke Pimenta / Resumo: Este trabalho tem como objetivo, estudar, através de pesquisa bibliográfica e entrevistas com profissionais da área, a versatilidade vocal do cantor crossover ao transitar por vários estilos de canto oriundos de outras culturas e algumas diferenças básicas entre o canto erudito e popular. Essa pesquisa possui caráter descritivo de natureza qualitativa, descrevendo as características e a complexidade do canto crossover, compreendendo os processos dinâmicos vividos pelos profissionais que atuam nessa abrangente área, com o intuito de possibilitar, um entendimento das particularidades desse tipo de canto. Para a investigação do tema deste trabalho, foram feitas entrevistas com profissionais que atuam hoje no mercado como cantores e professores crossover. Como resultado, observamos que esses profissionais, conseguem desenvolver uma voz flexível e versátil através da manipulação do seu trato vocal e que a conscientização do modelo fonte/filtro constitui uma importante ferramenta para ajudar nisso. Outro achado dessa pesquisa, foi destacar algumas características bem específicas e distintas entre o canto lírico e o popular as quais o cantor multi-estilístico precisa estar atento. / Abstract: The aim of this thesis is to study, through bibliographical research and interviews with professionals in the field, the vocal versatility of the crossover singer when moving through various styles of singing originated from other cultures, and several basic differences between classical and popular singing. This research has a descriptive aspect of qualitative nature, describing the characteristics and the complexity of crossover singing, understanding the dynamic processes experienced by the professionals that work in this wide field, in order to allow comprehension of the peculiarities of this type of singing. For the investigation of the thesis' theme, interviews were conducted with professionals who currently act in the market as singers and crossover teachers. As a result, it was observed that these professionals are able to develop a flexible and versatile voice through the manipulation of their vocal tract, and that the awareness of the source/filter model is an important tool for achieving it. Another finding of this research was to highlight some very specific and distinct characteristics between classical and popular singing, which the multi-stylist singer needs to be aware / Mestre

Orientador(a): Achille Guido Picchi / Banca: Wladimir Fatto Contesini de Mattos / Banca: Humberto Amorim Neto / Resumo: Neste trabalho buscamos compreender a relação que o violão estabelece com a voz e o texto na canção de câmara brasileira do século XX, e a maneira como essa relação constrói uma unidade discursiva indivisível. A forma como o violão atua nesta tridimensionalidade traz consigo um lastro histórico-sócio-cultural, e transcende o idiomático do violão. Essa categoria de atuação, a qual chamamos de violonismo, passa por processos de simbolização e representação, e permite certas atribuições de sentido. Para amparar esta discussão buscamos, no primeiro capítulo, traçar um percurso histórico dos instrumentos de cordas dedilhadas com ênfase na sua relação com a voz. Veremos no segundo capítulo que tal percurso levou o violão a um posicionamento, no qual seu repertório escrito para voz e violão, evidencia um uso específico e exclusivo do instrumento. As implicações deste uso são discutidas no terceiro e último capítulo, no qual, sem buscar respostas definitivas, descortina questionamentos fundamentais acerca das possibilidades do violonismo / Abstract: In this work, we seek to understand the relationship that the guitar establishes with the voice and text of Brazilian chamber song of the 20th century and the way in which this relationship builds an indivisible discursive unit. The way in which the guitar acts in this three-dimensionality brings with it historical and sociocultural weight and transcends the idiomatic characteristic of the guitar. This type of action which we call guitarism, goes through processes of symbolization and representation, and allows certain sense assignments. To support this discussion we seek, in the first chapter, to trace a historical trajectory of plucked string instruments, emphasising in their relationship with the voice. In the second chapter we will observe that this trajectory has taken the guitar to a position in which its repertoire written for voice and guitar, demonstrates a specific and exclusive usage of the instrument. The implications of this usage are discussed in the third and last chapter, which without seeking definitive answers, unveils fundamental questions about the possibilities of guitarism / Mestre

Orientador: Carlos Eduardo Di Stasi / Banca: Wladimir Farto Contesini de Mattos / Banca: Arthur Ferreira Rinaldi / Resumo: Esta pesquisa tem como objetivo geral propor um Modelo Vocal para Percussionistas (MVP), na execução de obras solo em que o uso da voz é requerido, explorando elementos físicos e musicais que fazem parte das práticas diárias do estudante e do profissional da percussão. Para tanto, foram escolhidas três importantes peças do repertório percussivo para a aplicação dos conceitos propostos: ?Corporel, para um percussionista e sons do seu corpo (1985), de Vinko Globokar (1934); To the Earth (1985), de Frederic Rzewski (1938); e URSONATE (1922 - 1932), de Kurt Schwitters (1887 - 1948). Por possuírem características distintas, quanto ao uso da voz, cada uma delas possibilita o entendimento do MVP, como um paradigma teórico amplo o suficiente, para resolver problemas técnicos e interpretativos diversos, a partir da compreensão do contexto em que estão inseridas: a Música-Teatro. Sob as considerações da pesquisadora Claudia Hansen, e do professor Wladimir Mattos, foram estipuladas as bases deste gênero musical, bem como os perfis do percussionista e da percussão que o representam, além daquilo que deve ser levado em conta como sendo a voz e a fala. A partir de três pilares teórico-práticos - a fonoarticulação, a coarticulação e a realização prosódica - as obras escolhidas foram analisadas e preparadas para a performance, levando-se em conta as discussões ocorridas no âmbito da fonética e da fonologia, e as soluções encontradas foram esquematizadas por meio de tabelas, visando a facilit... (Resumo completo, clicar acesso eletrônico abaixo) / Abstract: This research aims to propose a Vocal Method for Percussionists (VMP) for playing solo pieces where using the voice is required. The physical and musical elements that are part of the percussionist's daily practice were analyzed. In order to achieve that, three major, well established, percussion pieces were drafted regarding the application of the proposed methods: ?Corporel, for one percussionist using her/his body (1985), by Vinko Globokar (1934); To the Earth (1985), by Frederic Rzewski (1938); and URSONATE (1922 - 1932), by Kurt Schwitters (1887 - 1948). Despite their differences regarding how the voice is used, each one of them enables the reader to assimilate the VMP, as a theoretical paradigm broad enough to figure out a wide range of interpretative and technical issues, fully understanding the context in which they belong: the music-theater. Under Claudia Hansen's and professor Wlad Matos' research analysis, we established the basis of this music genre, as well as the percussionist's and percussion characteristics that define them, and what should be considered as voice and speech. Starting off from three practical-theoretical pillars - articulation of speech, articulatory gesture and the prosodic conduction - the selected pieces were thoroughly analysed, looking for any issues regarding the use of the voice and singling out schematic solutions that would emerge. Thus, we hope that our work may assist future research, interpretation and discussion regarding percussion and voice. Taking into consideration the very gentle and symbiotic confluence within the musical and theatrical environments / Mestre

Orientador: Paulo Augusto Castanha / Banca: Vitor Gabriel de Araújo / Banca: Mônica Lucas / Resumo: Esta pesquisa tem como objetivo traçar um panorama da prática interpretativa ligada ao repertório vocal que existiu no Brasil entre 1730 e 1850, sob o ponto de vista das mudanças estéticas e funcionais que esse gênero musical tem sofrido desde suas primeiras execuções na década de 1950. A partir do levantamento por amostragem de registros fonográficos brasileiros realizados entre 1957 e 2005, organizado em discografia e listas, localizamos e comparamos por meio de fichas obras que foram gravadas mais de uma vez por diferentes intérpretes e em épocas distintas. Essa comparação nos revelou uma diversidade de soluções de ordem prática e interpretativa que tem sido adotada por músicos brasileiros para a execução de um repertório que durante décadas foi considerado desconhecido. A escassez de referências histórico-musicais, indispensáveis para uma melhor compreensão da música setecentista e oitocentista, dificulta a prática interpretativa desse repertório e uma tradição musical que se perdeu ao longo do tempo faz com que não exista consenso entre as diferentes gravações de uma mesma obra. Este trabalho conclui que não existe uma escola de interpretação da música praticada no Brasil entre 1730 e 1850, e que nos últimos 50 anos, por opção ou desconhecimento, cada músico tem adotado soluções particulares de acordo com sua realidade musical disponível. / Abstract: This study has as its objective the mapping out of a panorama of interpretative practice linked to the vocal repertoire, which existed in Brazil between 1730 and 1850, as it relates to the aesthetic and functional changes that this music has undergone since its first performances in the 1950's. From the survey carried out with Brazilian recordings done between 1957 and 2005, which have been organized in the discography and repertoire lists, we located and compared those that have been recorded more than once, by different interpreters and at distinct periods of time. This comparison disclosed a variety of solutions, both practical and performatic, which were adopted by Brazilian musicians to perform this repertoire, considered unknown for decades. The scarcity of historic and musical references, as indispensable as they are for the best understanding of the music of the 18th and 19th centuries, makes the interpretative practice of this repertoire more difficult, added to the loss of the musical tradition through time. For these reasons, there does not exist a consensus between the different recordings of the same piece. We conclude that a specific school of musical practice in Brazil between 1730 and 1850 does not exist and that in the last fifty years, as a result of their own option or out of ignorance, each musician or musical group has adopted his own particular solutions in accordance with the musical reality available. / Mestre

Made available in DSpace on 2016-04-27T18:12:43Z (GMT). No. of bitstreams: 1 Natalia Fonseca Pacheco.pdf: 727251 bytes, checksum: 03a7a20750cc5c2285e13cf18091aad2 (MD5) Previous issue date: 2009-10-27 / Coordenação de Aperfeiçoamento de Pessoal de Nível Superior / INTRODUCTION: one of the branches of the Phonology actuation is the refinement of the professional voice and the expressiveness is one of the focuses of this work. Researchers have primordially come to grips with the spoken voice and a few works study the singing expressiveness, otherwise. PURPOSE: analyze the conceptualization and characterization of the expressiveness according the lyric singer. METHOD: as the method, 40 over 21 year old lyric singers were interviewed, and having all of then 3 year or more professional career. The instrument used for the data collection was the half-open questionnaire, elaborated for the research. The interviews were recorded and afterwards transcribed. The data analysis was based upon the methodology of Minayo (2004). RESULTS: data were initially coded. Then, were re-grouped according to their sense nucleuses, called thematic axles. From the singers answers, seven thematic axles were extracted: emotion/ feeling, surrender/donation, communication with the public, knowledge/study, vocal technic and text. According to the results, the lyric singer concept of expressiveness is connected to the emotion, feeling and also to the surrender. CONCLUSION: as final considerations, according to professional lyric singers, the expressiveness reports to the psyche, once, by those singers, the emotion and feelings are pointed as the expressiveness conductors. It is also clear that expressiveness is a subjective concept / INTRODUÇÃO: um dos ramos de atuação da Fonoaudiologia é o aprimoramento da voz profissional e a expressividade é um dos focos desse trabalho. Por outro lado, as pesquisas têm abordado primordialmente a voz falada e poucos trabalhos estudam a questão da expressividade no canto. OBJETIVO: analisar a conceituação e a caracterização da expressividade segundo o cantor lírico. MÉTODO: como método entrevistou-se 40 cantores líricos, acima de 21 anos e com mais de três anos de atuação profissional. O instrumento de coleta de dados foi um questionário semi-aberto, elaborado para a pesquisa. As entrevistas foram gravadas e posteriormente transcritas. A análise dos dados baseou-se na metodologia de Minayo (2004). RESULTADOS: os dados foram, inicialmente, codificados. Em seguida, foram reagrupados de acordo com os núcleos de sentido, chamados eixos temáticos. Das respostas dos cantores foram extraídos sete eixos temáticos: emoção/ sentimento, entrega/doação, comunicação com o público, conhecimento/ estudo, características pessoais do cantor, técnica vocal e texto. De acordo com os resultados, o conceito de expressividade para o cantor lírico está ligado à emoção, ao sentimento e também à entrega. CONCLUSÃO: como considerações finais, segundo os cantores líricos profissionais a expressividade relaciona-se com o psiquismo, já que a emoção e os sentimentos são apontados por eles como os condutores da expressividade. Fica também explicito que, para eles, a expressividade é um conceito subjetivo

Made available in DSpace on 2014-06-11T19:27:27Z (GMT). No. of bitstreams: 0 Previous issue date: 2008-08-28Bitstream added on 2014-06-13T18:31:39Z : No. of bitstreams: 1 anzai_rs_me_ia.pdf: 1584178 bytes, checksum: 635f0ee8959e318051b8171bf2fc8ca3 (MD5) / Esta pesquisa tem como objetivo traçar um panorama da prática interpretativa ligada ao repertório vocal que existiu no Brasil entre 1730 e 1850, sob o ponto de vista das mudanças estéticas e funcionais que esse gênero musical tem sofrido desde suas primeiras execuções na década de 1950. A partir do levantamento por amostragem de registros fonográficos brasileiros realizados entre 1957 e 2005, organizado em discografia e listas, localizamos e comparamos por meio de fichas obras que foram gravadas mais de uma vez por diferentes intérpretes e em épocas distintas. Essa comparação nos revelou uma diversidade de soluções de ordem prática e interpretativa que tem sido adotada por músicos brasileiros para a execução de um repertório que durante décadas foi considerado desconhecido. A escassez de referências histórico-musicais, indispensáveis para uma melhor compreensão da música setecentista e oitocentista, dificulta a prática interpretativa desse repertório e uma tradição musical que se perdeu ao longo do tempo faz com que não exista consenso entre as diferentes gravações de uma mesma obra. Este trabalho conclui que não existe uma escola de interpretação da música praticada no Brasil entre 1730 e 1850, e que nos últimos 50 anos, por opção ou desconhecimento, cada músico tem adotado soluções particulares de acordo com sua realidade musical disponível. / This study has as its objective the mapping out of a panorama of interpretative practice linked to the vocal repertoire, which existed in Brazil between 1730 and 1850, as it relates to the aesthetic and functional changes that this music has undergone since its first performances in the 1950's. From the survey carried out with Brazilian recordings done between 1957 and 2005, which have been organized in the discography and repertoire lists, we located and compared those that have been recorded more than once, by different interpreters and at distinct periods of time. This comparison disclosed a variety of solutions, both practical and performatic, which were adopted by Brazilian musicians to perform this repertoire, considered unknown for decades. The scarcity of historic and musical references, as indispensable as they are for the best understanding of the music of the 18th and 19th centuries, makes the interpretative practice of this repertoire more difficult, added to the loss of the musical tradition through time. For these reasons, there does not exist a consensus between the different recordings of the same piece. We conclude that a specific school of musical practice in Brazil between 1730 and 1850 does not exist and that in the last fifty years, as a result of their own option or out of ignorance, each musician or musical group has adopted his own particular solutions in accordance with the musical reality available.

Made available in DSpace on 2016-12-08T16:03:15Z (GMT). No. of bitstreams: 1 122483.pdf: 1963252 bytes, checksum: 6b821ae472770788d6e7c669341477db (MD5) Previous issue date: 2015-03-16 / Coordenação de Aperfeiçoamento de Pessoal de Nível Superior / The focus of this thesis is the role of the listening in the formation and vocal/scenic creation processes, and also the developments that a qualified listening can generate in both practical and theoretical vocal researches to the scene. This research departure from the following perspective: what happens when I begin to think the scenic voice beginning from the listening? What questions emerges from this change of perspective? Which kinds of listening appear in the study of the voices? The listening approached on this study evokes a comprehension of the sonic dimension of the voice, not only through the ear, but also involves aspects from the conceptual, aesthetical, expressive and poetical thought elaboration of the human voice s sonority on the scenic performance. Thus the listening as a practical and multi-dimension concept consolidates itself here through a strategy: as we say that is necessary diversify the points of view of a theme, the work departures from the idea of diversify the points of listening of the voice in performance. The structural organization it is done by seven independent texts, at the same time connected to each other, in which the point of convergence it is the centrality of the body in a theoretical discussion that proposes itself to think the vocality of the scenic artist in performance. The concepts of embodied listening, of diversity of the bodies of the voice, of the inverted body, of the body-voice metaphors, of the musical body or the nomadic voices permeate this writing, choosing to show the diversity of the voice and its possible paradoxes. / O foco desta tese é o papel da escuta nos processos de formação e de criação vocal e cênica e os desdobramentos que uma escuta qualificada pode gerar em pesquisas vocais teóricas e práticas para a cena. A pesquisa parte da seguinte perspectiva: o que acontece quando passo a pensar as vozes a partir da escuta? Quais questões emergem dessa mudança de perspectiva? Quais os tipos de escuta que aparecem no estudo das vozes? A escuta abordada neste estudo evoca uma compreensão da dimensão sonora da voz não só através do órgão do ouvido, mas envolve também aspectos da elaboração do pensamento conceitual, estético, expressivo e poético acerca da sonoridade da voz humana na cena. Sendo assim, a escuta, como termo e prática multiforme, se desenvolve por meio da seguinte estratégia: assim como se diz que é necessário diversificar os pontos de vista de um tema, o trabalho parte da ideia de diversificar os pontos de escuta das vozes em performance. A organização estrutural se dá por textos independentes e ao mesmo tempo conectados, nos quais o ponto de convergência é a centralidade do corpo em uma discussão teórica que se propõe a pensar a vocalidade do/a artista em performance. As ideias de escuta encarnada, de diversidade dos corpos das vozes, do corpo invertido, de metáforas do corpo-voz, de corpo musical ou de vozes nômades permeiam essa escrita, escolhendo mostrar a diversidade e seus possíveis paradoxos.

Made available in DSpace on 2016-12-08T17:06:43Z (GMT). No. of bitstreams: 1 114569.pdf: 4861591 bytes, checksum: 9fe65a6b26c2e97fe649436d94ac949d (MD5) Previous issue date: 2013-12-02 / Coordenação de Aperfeiçoamento de Pessoal de Nível Superior / This dissertation is addressing the study of Scenic Choir (Coro Cênico) as a modality which transforms the choir movement in Brazilian Music and aims to research the history of the innovation of the Scenic Choir in Brazilian Music. The research question was formed from transformations occurring in vocal groups and choirs throughout the twentieth century in Brazil: what were the consequences of the process of creation and systematization of the scenic choir in music production in Rio/São Paulo and later in the southern region of the country. From a historical perspective, the elements which contributed for the arising of this choral singing modality were addressed: Canto Orfeônico and vocal groups between the thirties and the sixties that developed a new edification in the arrangements of Brazilian Popular Music; the cultural landscape in the second half of the twentieth century with the movements of the Counterculture, Festivais da Canção (song festivals), Tropicalism, Experimentalism and the Vanguarda Paulista (São Paulo vanguard), which were, among others, responsible for the introduction of the experimental music in choral singing. The conceptions of Scenic Choir and integrated arts, which aggregated theater and dance within choral singing, are exposed through the testimony of its principal agents. In this process, the need for readjustment of group singing assumes a central function. This new function of the singer is discussed from the perspective of the "emancipated singer", which must incorporate knowledge in the areas of physiology and vocal technique, music in general scope, theater and movement, thereby supplying the needs this art requires. As an object of study, three vocal groups from the southern Brazil were chosen Vocal Brasileirão , from Curitiba/PR, Expresso 25 , from Porto Alegre/RS and the group Aretê , from Itajaí/SC - with analytical emphasis in the latter, of which the creative process of the show Aretê, o boi , was studied in detail. / Esta dissertação tem como tema o estudo do Coro Cênico como uma modalidade transformadora do movimento coral no Brasil e, como objetivo principal pesquisar a história da renovação do canto coral na música brasileira. A questão de pesquisa se constituiu a partir das transformações ocorridas nos grupos corais e vocais ao longo do século XX no Brasil: quais foram os reflexos do processo de criação e sistematização do coro cênico na produção musical do eixo Rio/São Paulo e posteriormente na região Sul do país. Em uma perspectiva histórica, são abordados os elementos que contribuíram para o surgimento desta modalidade de canto coral: o Canto Orfeônico e grupos vocais entre os anos de 1930 e 1960 que desenvolveram uma nova edificação nos arranjos de Música Popular Brasileira; o panorama cultural na segunda metade do século XX com os movimentos da Contracultura, os Festivais da Canção, Tropicalismo, Experimentalismo e a Vanguarda Paulista, que foram, entre outros, responsáveis pela introdução da música experimental no canto coral. As concepções de Coro Cênico e artes integradas, que agregam o teatro e a dança dentro do canto coral, são expostas através do depoimento de seus principais agentes. Neste processo, a necessidade de readequação do canto em grupo assume um papel central. Esta nova função do cantor é discutida a partir da perspectiva do cantor emancipado , que deve incorporar conhecimentos nas áreas de fisiologia e técnica vocal, música num âmbito geral, teatro e movimento, suprindo assim as necessidades que esta arte exige. Como objeto de estudo, foram escolhidos três grupos vocais do Sul do Brasil Vocal Brasileirão de Curitiba/PR, Expresso 25 de Porto Alegre/RS e o grupo Aretê de Itajaí/SC com ênfase analítica neste último, do qual o processo criativo do espetáculo Aretê, o boi foi estudado detalhadamente.