Thèse (M.A.)--Université de Sherbrooke (Canada), 2007. / Titre de l'écran-titre (visionné le 9 sept. 2009). In ProQuest dissertations and theses. Publié aussi en version papier.

Ce mémoire s’intéresse aux fans d’un phénomène encore mal connu au Québec. En effet, la vague coréenne surnommée le hallyu a atteint — notamment à travers la K-pop — un public féminin au sein du Québec, sans que nous en connaissions les tenants et les aboutissants. Cette recherche s’articule autour du souhait d’obtenir une meilleure compréhension de l’intérêt que portent les admiratrices québécoises envers la culture musicale coréenne et souhaite comprendre les conséquences de cette passion sur leurs quotidiens. Ainsi, on découvre que l’appréciation de la musique coréenne engendre celle de la culture coréenne et résulte en plusieurs formes d’appropriation à travers l’apprentissage du coréen, l’intérêt pour les produits de divertissements télévisuels, la connaissance des us et coutumes et le goût pour la cuisine coréenne. Cette appropriation provoquée par le soft power coréen contribue à la construction identitaire des admiratrices de K-pop. En effet, ce mémoire révèle que les interlocutrices intègrent de nouveaux critères de beauté, s’inspirent des valeurs confucéennes coréennes, se considèrent plus tolérantes et ont le souhait de voyager en Corée du Sud, voire d’y séjourner pour une longue durée.

Reproduction de : Thèse de doctorat : Littérature comparée : Paris 4 : 2007. / Titre provenant de l'écran titre. 267 références bibliographiques.

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Les transformations engendrées par l’avènement des réseaux sociaux et des plateformes d’écoute musicale numériques ont vu naître de nouvelles pratiques de réception musicale. Ce mémoire de maîtrise porte sur l’une d’entre elles, exclusive aux admirateurs de musique populaire coréenne. Plus précisément, il traite d’une activité inédite du nom de mass-streaming, populaire au sein de la communauté d’admirateurs de K-pop (Korean Pop). Cette pratique consiste en l’utilisation de méthodes visant à faire augmenter le plus rapidement possible le nombre de lectures associées à une chanson sur les plateformes d’écoute musicale numériques. L’objectif de ce mémoire est de déterminer la mesure dans laquelle le mass-streaming influe sur l’industrie musicale et les admirateurs qui s’y adonnent. Plusieurs modèles théoriques sont employés afin de formuler une réponse à ce questionnement, notamment ceux des mondes de l’art (Becker 1984), de capital symbolique (Bourdieu 1994) et de capital sous-culturel (Thornton 2013). En guise d’étude de cas, c’est le boyband coréen Beyond The Scene (BTS) et sa communauté de fans qui sont observés. La collecte d’informations a été effectuée en deux phases. La première, qui s’est déroulée entièrement sur Twitter, a consisté en la création d’une collection de tweets sur le sujet du mass-streaming rédigés par des admirateurs. La seconde a été la tenue d’entrevues individuelles semi-dirigées avec des professionnels de l’industrie musicale. Afin de présenter un portrait complet du mass-streaming, une description du contexte historique menant à son avènement est effectuée, de même que la présentation des méthodes employées par les admirateurs ainsi que les causes de l’existence du mass-streaming. Finalement, les différents impacts de la pratique sont envisagés en tant que différents types de capital symbolique (économique, social, culturel, sous-culturel) afin de représenter le plus fidèlement possible les répercussions de cette activité sur les différents partis qui y sont impliqués. / The transformations brought upon by the rise of social networks and music streaming platforms have caused the birth of new ways to consume music. This thesis is about one of them, exclusive to fans of Korean popular music. More precisely, it is about a novel activity called mass-streaming, popular amongst the K-pop (Korean Pop) fan community. This practice consists in the use of specific methods that are geared towards the quickest rise possible in streams associated to a particular song on streaming platforms. The aim of this thesis is to determine the measure in which mass-streaming has an influence on the music industry and the fan community. Different conceptual models are applied in order to formulate an answer to that question, namely those of Monde des Arts (Becker 1984), symbolic capital (Bourdieu 1994) and subcultrual capital (Thornthon 2013). As a case study, it is Korean boyband Beyond The Scene (BTS) and its fan community that are studied. Data collection took place in two distinct phases. The first, which took place entirely on microblogging site Twitter, consisted in the creation of a collection of tweets about mass-streaming. The second was made up of a series of semi-directed interviews with music industry professionals. In order to present a complete picture of what mass-streaming is, a description of the historic context and causes that lead to its emergence is made, as well as the presentation of the methods used by fans. Finally, the different impacts of the studied practice are considered as different types of symbolic capital (economic, social, cultural, subcultural) in order to represent as precisely as possible the potential repercussions of this new practice on all parties involved in its functioning.

Submitted by Andrea Hayashi (deachan@gmail.com) on 2016-06-28T12:01:53Z No. of bitstreams: 1 dissertacao-ivan-bruyn-de-ferraz.pdf: 1822392 bytes, checksum: a57290627a8daafa364cf2a8f26cf43d (MD5) / Approved for entry into archive by Andrea Hayashi (deachan@gmail.com) on 2016-06-28T12:03:10Z (GMT) No. of bitstreams: 1 dissertacao-ivan-bruyn-de-ferraz.pdf: 1822392 bytes, checksum: a57290627a8daafa364cf2a8f26cf43d (MD5) / Made available in DSpace on 2016-06-28T12:03:10Z (GMT). No. of bitstreams: 1 dissertacao-ivan-bruyn-de-ferraz.pdf: 1822392 bytes, checksum: a57290627a8daafa364cf2a8f26cf43d (MD5) Previous issue date: 2013-03 / Coordenação de Aperfeiçoamento de Pessoal de Nível Superior (CAPES) / Peus d’échecs, dans l'histoire de la musique populaire brésilienne, semblent avoir été aussi bien réussis que celui d’Itamar Assumpção. Ce travail est consacrée à l'exploration de ce paradoxe, vécu et incarné par l'artiste dans ses teintes variées. Son refus, ou même l’impossibilité de séparer sa production musicale de son expérience personnelle l'a amené à prendre des attitudes qui pointent vers un auto-boycottage. Cependant, ces mêmes attitudes, dans ses déclarations, ont été justifiées comme étant nécessaires au type de reconnaissance qu'il convoitait. Comme si, pour entretenir le désir de ce qu’il comprenait comme le succès, il faudrait éviter le succès dans les conditions où il était possible, puisque ces conditions représentaient elles-mêmes la frustration de ce qu'il pensait être la «mission» de sa vie: le succès recherché par Itamar Assumpção devrait se donner dans une "authenticité" que simplement avait cessé d'exister. Dans son travail, on trouve une démonstration explicite de ce paradoxe qui semble avoir guidé sa vie: sa musique semble démontrer que «l'authenticité» ou «pureté» qui l’ont servi d’idéal n'était plus possibles, au même temps qu’il les incorporait précisément en exposant cette impossibilité dans toute son ambiguïté. C'est cette sorte de coïncidence entre expérience et mode d'expression, inséré dans la confrontation avec le moyen culturelle qui l’a servi comme barrière, scène et matière première, qui est l'objet de notre étude. / Poucos fracassos, na história da música popular brasileira, parecem ter sido tão bem sucedidos quanto o de Itamar Assumpção. É à exploração desse paradoxo, vivido e encarnado pelo artista, em seus mais variados matizes, que esse trabalho se dedica. Sua recusa, ou mesmo impossibilidade em separar sua produção musical de sua experiência pessoal o levou a tomar atitudes que apontam na direção de um autoboicote. Mas essas mesmas atitudes, em suas declarações, eram justificadas como necessárias para o tipo de reconhecimento que tanto desejava. Como se, para manter o desejo do que entendia ser o sucesso vivo, fosse necessário afastar o sucesso nas condições em que ele era possível; como se essas condições do presente representassem a própria frustração do que julgava ser a “missão” de sua vida: o sucesso buscado por Itamar Assumpção teria que se dar dentro de uma “autenticidade” que simplesmente não mais existia. Em sua obra, uma demonstração explícita desse paradoxo que parece ter guiado sua vida: sua música parecia demonstrar que a “autenticidade” ou “pureza” que lhe serviam de ideal não eram mais possíveis, ao mesmo tempo em que as encarnava, justamente ao expor essa impossibilidade em toda sua ambiguidade. É essa espécie de coincidência entre experiência e modo de expressão, inserida e em confronto com o cenário cultural que lhe serviu de palco, barreira e matéria-prima, que constitui o objeto de nosso estudo.

Notre sujet de recherche est le compositeur brésilien Antônio Carlos Jobim. Il est né à Rio de Janeiro dans les années 1920, époque de grandes transformations socioculturelles au Brésil, mais aussi en Europe. Il est un compositeur issu de la musique populaire brésilienne, qui sera l’un de principaux acteurs responsables de transformations de cette musique. Son essence est sa caractéristique savante/populaire qui s’illustre symboliquement dans le concept de « l’anthropophagie ». Notre problématique est liée à la «modernité » dont fait partie Jobim, et à ses effets sur la musique populaire. C’est pourquoi nous avons analysé des compositions et des arrangements de Jobim, ce qui nous a servi à élucider son style, tout comme les diverses influences qu’il a reçues. En tant que compositeur et auteur, nous avons choisi une optique interdisciplinaire pour analyser son langage et son discours musical. Les principales sources d’intérêt de cette recherche sont d’abord, qu’elle traite de la musique savante européenne et brésilienne de la fin du 19e et du début du 20e siècle, de certaines musiques populaires, et de la façon dont elles s’incorporent dans la musique « moderne » brésilienne de Jobim. En effet, le manque de travaux universitaires sur le sujet, en tous cas dans cette optique musicologique, a motivé notre recherche. D’autre part, l’impact de ce compositeur à l’échelle internationale est important car, au-delà de synthétiser une partie de la musique populaire à travers son langage, il va s’inscrire comme un compositeur charnière qui aura marqué son époque. / The subject of my research pertains to the Brazilian composer Antônio Carlos Jobim. As composer and author, I have chosen an interdisciplinary approach, between music and musicology. There is an analysis of his musical language and his musical speech. He was born in Rio de Janeiro in the 1920s, during the period of the big cultural transformations in Brazil, and also in Europe. The main issue is connected to the brazilian popular music and the "modernity" of which Jobim is a representative. He is a composer bound to the brazilian popular music, and will be one of the main actors responsible for the profound evolutionary transformations of this music. My topic is connected with modernity, a specific feature of Jobim, and its impact over popular music. I have therefore analysed Jobim original themes, as well as its arrangements. From this, we have been able to characterize its style, and its influences. I have also chosen an interdisciplinary approach to analyse its musical language. The main interest of this research is that it deals with the erudite music from Europe and Brazil at the end of 19th century and beginning of 20th century, with some popular music and the way that they get intertwined. Indeed, the lack of university research work in this direction has motivated my research. Eventually, this musician appears as a key composer of its time, with a large international impact, in addition to his large synthesis capacity.

L'objectif de la thèse est d'établir une physionomie du maximalisme musical présent dans le répertoire de la popular music, plus précisément celui du Rock Progressif au travers l'exemple de King Crimson. Je me suis appliqué, pour ce faire, à identifier quels sont les éléments de l'idiome rock soumis au processus de maximalisation, et quels éléments, présents dans le langage du Rock Progressif, sont empruntés à des genres musicaux extérieurs à la popular music.La thèse comporte deux grands chapitres. Le premier explore les techniques d’écriture et l’esthétique de la popular music, en s’intéressant de près aux questions du langage musical, de l’improvisation et du sens, dans un corpus allant du blues à la pop music. La seconde partie détaille la manière dont se manifeste le processus de maximalisation des structures musicales (harmonie, rythme, forme) dans le répertoire du Rock Progressif anglais. L’exemple de King Crimson est de ce fait particulièrement remarquable dans la mesure où la démarche des musiciens était de combiner l’énergie du rock afro-américain à un vocabulaire musical issu de la musique savante occidentale du début du XXe siècle. Ainsi sont utilisées des structures de hauteurs faisant intervenir une division de l’octave par l’intervalle de triton, qui engendre, entre autres, l’échelle octotonique. L’analyse de la composition « Larks’ Tongues in Aspic » montre comment se combinent des structures de natures différentes, telles que des cycles d’intervalles, des tétracordes, l’échelle octotonique et l’échelle diatonique. / He goal of the thesis is to establish a physiognomy of musical maximalism in popular music’s repertoire, specifically that of the Progressive Rock through the example of King Crimson. I applied, for that purpose, to identify what were the elements of the rock idiom subjected to the process of maximalization, and what features of the Progressive Rock’s language were borrowed from outside musical genres.The thesis comprises two major chapters. The first explores the writing techniques and the aesthetics of popular music, as interested in issues of musical language, improvisation and meaning, in a corpus ranging from blues to pop music. The second part details the way in which occurs the process of maximalization of musical structures (harmony, rhythm, form) in the English Progressive Rock’s repertoire. The example of King Crimson is noteworthy insofar as the approach of musicians was to combine the energy of African-American rock to a musical vocabulary derived from early 20th century Western art music. So are used pitch structures involving a division of the octave at the interval-class 6, which produces, among other things, the octatonic scale. The analysis of “Larks' Tongues in Aspic” shows how are combined different pitch structures, such as interval cycles, tetrachords, the octatonic scale and the diatonic scale.

Rock’n’roll. Ce terme s’est répandu d’abord dans le monde occidental à la fin des années 1950, principalement grâce au succès d’Elvis Presley. Fusion du blues, du rhythm’n’blues, du gospel, du doo-wop et de la country. Le terme rock’n’roll désigne à l’origine une musique nouvelle, adoptée avec enthousiasme par la jeunesse américaine rompant résolument avec la musique qu’écoutaient leurs parents. Le rock’n’roll, synonyme de révolte de la jeunesse, secoua l’Amérique à la fin des années 1950. Le 9 mai 1986, un grand concert rendant hommage à « l’Année Mondiale de la paix » a eu lieu au « Gongti » gongrentiyuguan à Pékin. Cui Jian, un jeune chanteur totalement inconnu portant une longue veste est monté sur scène en sautant. Avec sa voix étrange et son énergie communicative de jeune garçon, il a chanté une chanson composée par lui – même : «rien à mon nom». Ce fut le début de l’histoire du rock chinois, le Yaogun.Pendant les trois décennies que la Chine vient de traverser, un régime « capitaliste sauvage » s’est confortablement installé dans le pays. Ces trente dernières années ont témoigné du « spectaculaire intégré », concept défini par Guy Deobrd. Dans ce contexte, la musique Rock a fait son apparition au début des années 1980 en Chine.Cette thèse se penche sur la phénomène du rock chinois, nos recherches s’organisent autour d’un objectif commun : approcher, analyser et comprendre la situation du rock en Chine. Nous tentons de faire une étude des rapports sociaux, économiques et culturels que ce phénomène artistique reflète par son apparition, son évolution, ses difficultés et ses perspectives. / The term Rock’n’roll became firstly known in the Western society in the fifties due to the phenomenal success of Elvis Presley. A combination of blues, rhythm’n’blues, doo-wop and country music, the new genre of Rock’n’roll music has been extremely popular in the US, where it is seen as the synonym of youth and rebellion.The very first page of the Chinese rock, the “Yaogun”, was turned on May 9th 1986, when a big charity concert in the name of ‘The International Year of Peace’ took place at the famous Beijing Workers’ Stadium. During this concert, a young and unfamous musician Cui Jian performed a song written by himself, which is titled “I Have Nothing”.This thesis investigates the Yaogun phenomenon in order to achieve some understanding of the mechanisms underlying cultural dynamics in contemporary China. It situates the Chinese rock in the context of the development of “market economy" in China during the last three decades. The author applies Guy Debord’s key concept of “integrated spectacle” to illustrate and analyze the development of Chinese rock in the social, historical and political nexus.

La tradition se balance entre la continuité de l’ancien et l’évolution, le changement. C’est le cas du sinawi, une des musiques instrumentales populaires de la Corée. Cette musique complexe, improvisée et hétérophonique, interprétée par un ensemble instrumental qui était utilisée lors des rituels chamaniques comme accompagnement du chant et de la danse des chamanes, est devenu au fil du temps une musique purement instrumentale de scène et artistique représentant la tradition populaire du pays. Dans cette thèse, l’auteur propose particulièrement une étude analytique des caractéristiques musicales (phrases musicales, forme) des divers sinawi à partir de ses transcriptions pour percevoir comment le sinawi parle, exprime la vie du peuple puis comment celui-ci évolue dans le temps et pour observer ainsi son évolution et son artistisation jusqu’à nos jours où il est présenté comme une musique purement instrumentale de scène. Cette musique qui est à l’origine des musiques populaires coréennes les plus connues comme le sanjo ou le p’ansori est aujourd’hui influencée de retour par ces genres. Aussi, les analyses permettent de constater que l’improvisation et l’hétérophonie qui qualifiaient cette musique complexe sont remplacées par la simplicité et la structure. / The tradition emerges from a balance between the continuity and the evolution, the change of the old. This is the case of sinawi, one of the Korean traditional instrumental music. This complex, improvised and heterophonic music played by an instrumental ensemble was used in shamanic rituals as accompaniment of song and dance of shamans. Over time, it became an artistic instrumental music representing the popular tradition of the country. Throughout this thesis, the author proposes the analytical studies of various sinawi’s musical characteristics (e.g., musical phrases, form) from her own transcriptions. This study characterizes how the sinawi speaks, expresses the life of the people and how it has been changing over time. The author also presents sinawi’s evolution and its artistisation process to the present day where it is performed on stage as a pure instrumental music. The sinawi, which is at the origin of the Korean popular music, the best known as sanjo or p'ansori, is now influenced back by these genres. Also, the analysis reveals that the improvisation and the heterophony that rated this complex music are replaced by the structure and the simplicity.