Comment comprendre ce qui lie la passion musicale au territoire, ou en d’autres termes, ce qui articule la « scène » au « local » ? Le monde du metal constitue un objet de choix pour observer les manifestations de la passion musicale de ses amateurs au travers d’un continuum de pratiques, qui les inscrivent à la fois dans les sphères de la consommation et de la production des scènes locales. Pour attayer ce propos, il s’agit de faire l’étude ethnographique des mécanismes de coordination de la production musicale en région, en s’appuyant sur l’observation de trois scènes locales de musique metal en France. La thèse montre comment l’action collective de ces amateurs est toujours attachée à un territoire, autant qu’aux objets musicaux qui guident leurs pratiques et leurs trajectoires. L’observation des ancrages et des mobilités, à la fois des objets et des humains qui composent ces scènes, démontre ainsi que l’action collective au sein d’un territoire de proximité est toujours pris dans de multiples enchevêtrements d’échelles et de réseaux d’acteurs qui ne peuvent se réduire à l’observation d’un monde musical à huis-clos / A multisited ethnography of three local metal scenes in France. Amateurs practices, networks and territory. How a musical passion can be connected to the territory or, in other words, what links a musical "scene" — in the sense of a local world of art — to its location ? The world of metal inform the manifestations of the musical passion of its fans through a continuum of practices, which are the supports of the sphere of consumption and production of local metal scenes. To reach a better understanding of this local anchoring of the world of metal, we have implemented an ethnographic study of the coordination mechanisms of musical expression and production in the context of local scenes, through the observation of three local metal scenes in France. This ethnographic study shows that the collective agency of music amateurs is always attached to a territory, as well as depending of the musical objects — local and translocation — that guide their practices and their trajectories. The observation of the forms of anchoring and of the mobilities, both of objects and humans, that contribute to the production of these scenes, reminds us that music amateurs always operate within the frame of a local territory. Their collective action is always caught in an entanglements of scales and networks actors, meaning that we cannot reduce the observation of a musical world to practice operated alone and behindclosed doors

Le présent travail se veut une analyse des enjeux jalonnant le développement du courant musical appelé « folk du Kansai ». Apparu au milieu des années 1960, ce genre incarne avec vigueur la contestation sociale qui traverse les pays, en proposant notamment des titres anti-guerre comme l’émouvant « Betonamu no sora » [« Le Ciel du Vietnam »] de Takaishi Tomoya ou l’ironique « Jieitai ni hairô » [« Entrons dans les forces d’autodéfense »] de Takada Wataru. Pourtant, la thèse que nous portons désire montrer toute la richesse d’un courant musical qui a jusqu’à aujourd’hui été largement réduit à sa facette engagée. Si la folk du Kansai réclame haut et fort la remise en question d’une société jugée belligérante et structurellement inégalitaire, elle reflète également de profondes interrogations quant à la place de l’art dans le quotidien, au rôle de l’artiste au sein de la société, ainsi qu’au sens donné à une musique dite populaire, pourtant modelée par une industrie en place au Japon depuis plus de 40 ans. A travers la reconstitution du développement de la scène de la folk du Kansai de ses début en 1966 à sa disparition à l’orée des années 1970, ainsi qu’une analyse de son répertoire composé d’une centaine de titres, ce travail s’attache à démontrer comment les artistes du genre ont rendu musicalement et scéniquement concrète une profonde aspiration à une indépendance artistique, source à la fois d’expressions individuelles créatives et de regards citoyens sur le monde. / The present work proposes an analysis of the musical genre called “Kansai Folk”. Born in the mid-1960’s, this musical genre embodies the japanese social movement, expliciting for exemple strong anti-war feelings, as Takaishi Tomoya’s moving “Betonamu no sora” or Takada Wataru’s ironic “Jieitai ni hairô” illustrate it. However, our dissertation aims to show that the Kansai folk was more than political protest put in music. If its artists indeed wanted to firmly question a society judged belligerent and unequal, their work also reflected on other questions such as the place of art in the everyday life, the role of the artists in their society and the meaning of a so-called popular music that has been shaped by an industry existing in Japan since the end of the 1920’s. Throught the reconstitution of the development of the Kansai folk musical scene, from its beginning in 1966 to its disparition in 1970, and an analysis of the hundred of tunes composing its repertoire, this works aims to show how these ambitious artists made real their aspiration toward a scenic independence, used as a musical plateforme to imagine and perform creative self-expressions and citizen’s critical views.

Au début du XXe siècle, deux acteurs de l'industrie phonographique canadienne ont eu un impact déterminant sur la production d'une musique populaire canadienne-française. Herbert Berliner et Roméo Beaudry sont au centre de l'émergence du champ canadien-français de la phonographie car leur compétences techniques et artistiques ont participé au passage d'un champ hétérogène à un champ plus structuré. C'est notamment par le biais de la Compo Company, fondée en 1918, qu'ils ont orienté de manière décisive le développement d'une musique canadienne-française. L'étude des interactions et des facteurs qui déterminent l'évolution de ce champ utilise les bases théoriques de la sociologie du champ de Pierre Bourdieu. Cette recherche veut pousser plus loin la compréhension des circonstances historiques et factorielles entourant la structuration du champ phonographique canadien-français, et ce, en se concentrant sur les contributions de Berliner et Beaudry pour la période 1918-1932. / In the beginning of the 20th century, Herbert Berliner and Roméo Beaudry were implicated in the Canadian phonographic industry and had an important impact on the emergence of a French-Canadian popular music field. The technical and artistic expertise of these two actors notably participated in the field's transition from a heterogeneous to a more structured state. Through the Compo Company, founded in 1918, they oriented the establishment of a French-Canadian music in a significant way. Using Pierre Bourdieu's field sociology, this study will determine and analyze the interactions and factors involved in the field structuration with a special interest for Berliner and Beaudry's contribution for the period 1918-1932.

La version intégrale de ce mémoire est disponible uniquement pour consultation individuelle à la Bibliothèque de musique de l’Université de Montréal (www.bib.umontreal.ca/MU). / Ce mémoire de maîtrise examine les processus d’intertextualité liés à la représentation de la femme dans la culture musicale folk ou soft rock et examine les mécanismes par lesquels ils sont récupérés par les tenants du suprémacisme blanc. Le mémoire se consacre exclusivement à l’analyse d’une ballade folk pour voix et piano: Tomorrow Belongs To Me, telle qu’enregistrée par la chansonnière suédoise raciste Saga. Cet arrangement d’un extraitde la trame sonore du film Cabaret soulève la problématique de l’apparition des femmes sur la scène musicale suprémaciste, ainsi que celle de la réception de leur musique par les militants masculins. La recherche montre que le choix esthétique de Saga lui permet concurremment de se complaire aux codes d’un milieu à nette dominance masculine et de les défier, assimilant du coup l’idéologie fasciste à l’expression et à l’expérience de la féminité. Le présent travail est basé dans un premier temps sur l’analyse sémiologique des composantes musicales de l’oeuvre, appuyée à la fois sur la littérature musicologique et sociologique sur le folk et la musique de masse, ainsi que sur des entrevues visant à recueillir chez les sujets des matériaux de comparaisons interobjectives, ceci d’après le modèle de Tagg. L’analyse s’appuie ensuite sur une approche holistique intégrant l’analyse du texte, sa mise en contexte et la compréhension de cette pièce en tant que propagande,cela afin de saisir les nouvelles formes de rhétorique employées dans le créneau musical raciste. / This Master’s thesis examines the intertextuality processes related to female gender representation in the folk and soft rock music culture and examines the mechanisms by which those are hijacked by tenants of white supremacism. The research focuses solely on the analysis of a folk ballad for voice and piano: Tomorrow Belongs To Me, as recorded by Swedish racist songstress Saga. This arrangement of an excerpt from the movie soundtrack Cabaret raises the issue of the emergence of women on the racist musical scene, as well as the issue of the reception of their music by male militants. The thesis shows that Saga’s esthetic allows her to conform herself to the codes of a male-dominated milieu, as well as to defy them simultaneously, thus allowing her to assimilate a fascist ideology to the expression and experience of womanhood.In its first section, the paper is based upon the semiological analysis of the musical components of the piece, supported by musicological and sociological literature about folk and mass music, as well as by interviews aiming at collecting inter-objective comparison material from the participants, according to Tagg’s model. The analysis is then grounded ona holistic approach, which integrates a text analysis, providing the setting as context in addition to the understanding of that piece as propaganda, with the aim to understand the new forms of rhetoric employed in racist music.

Cette recherche relève de la sociologie politique et aborde la musique, objet peu commun en politologie. Elleexamine le rebetiko, une musique populaire urbaine grecque, en postulant que l’analyse de musiques populairesoffre un accès privilégié aux représentations ambivalentes du pouvoir, à la participation au politique et à salégitimation. La construction d’un cadre théorique dynamique, capable de prendre en compte le changementincessant, tant musical que social, et de faire fusionner forme et contenu, approches extérieures et intérieures,conduit à adopter une méthode plurielle : historique, musicale et sociologique. La première partie propose derevisiter l’histoire du rebetiko, d’examiner ses conditions de production et sa réception pour la période quis’étend de la fin du XIXe à l’aube du XXIe siècle. A travers des articles de presse, je mets en évidence laconstruction et la fluidité de cette catégorie musicale, sa place dans l’ensemble plus large de la musiquepopulaire, ainsi que les processus de son authentification et traditionalisation. Un corpus de vingt-cinq chansons,encore populaires aujourd’hui, est ensuite analysé. Y sont décelés emprunts et appropriations, traces du passé,mais aussi potentiels oublis de réserve. Enfin, j’explore la réception actuelle du rebetiko et interprète différentsrécits tissés sur cette musique, recueillis grâce à la méthode des entretiens collectifs non-directifs enrichie parl’écoute d’extraits musicaux. Tout au long du parcours, des passerelles entre le musical et le social sont établies.Echafaudées à partir et dans le rebetiko, de multiples configurations identitaires et mémorielles dévoilentl’ambiguïté des divisions et des transformations de la société grecque. / This research derives from political sociology and is concerned with music, an uncommon entity in regard topolitical science. It explores rebetiko, an urban kind of Greek popular music, and postulates that the analysis ofpopular music offers a privileged access to the ambiguous representations of authority, to the participation topolitics and its legitimation. Constructing a dynamic theoretical frame, capable of undertaking constant change,musical and social, as well as capable of integrating form and content, external and internal approaches, resultsin adopting a pluralistic methodology: historical, musical and sociological. The first part attempts to revisit thehistory of rebetiko, to study the conditions of its production and reception during the period extending from theend of the 19th up to the dawn of the 20th century. Through press articles, I intend to highlight the constructionand fluidity of this musical category, its place in the broad entity of popular music, as well as the process of itsauthentication and its adherence to tradition. Furthermore, a corpus of twenty-five songs, still popular to this day,is analysed. Loans and adaptations are detected, traces of the past, as well as “reserved oblivion” (oublis deréserve). Finally, I survey the actual appreciation of rebetiko and interpret various stories told about this kind ofmusic, being collected by means of collective, non-directive interviews, enriched with the listening of musicalexcerpts. All along the way bridges are being built between the musical and the social realms; scaffolding in andout of rebetiko, multiple identity and memory configurations unveil the ambiguity of divisions andtransformations of the Greek society.

La figure de la chanteuse populaire reflète au Japon la réalité de la condition féminine dans ce pays. Alors que l'archipel a traversé, à l’instar de la France ou des États-Unis, une période marquante des mouvements féministes, qui généra une timide amélioration de la place des femmes dans la société, la majorité des Japonaises est toujours aux prises avec une norme sociale qui leur demeure ingrate et défavorable : selon le rapport du « Forum économique mondial sur les disparités entre les sexes » publié en 2017, le Japon se situerait en terme d'égalité des sexes au 114e rang sur 144 pays. Derrière cette réalité, c'est avec une notion du genre hypernormée et bien ancrée dans la société que les Japonaises sont contraintes de composer, quel que soit leur milieu d'origine. Dans le monde de la musique populaire japonaise, cette norme sociale régissant les représentations féminines se répercute sur la posture de bien des chanteuses, soit dans l'immaturité naïve renvoyant à la vulnérabilité, soit dans une certaine magnanimité fondée sur la maternité, ces deux attitudes n'étant pas nécessairement incompatibles. Là où nombre de leurs homologues d’autres styles musicaux intériorisent ce carcan social, certaines idoles féminines se montrent particulièrement représentatives de ce phénomène.Depuis le 11 mars 2011, la société nipponne a vu grossir les rangs de ses artistes opposés au nucléaire, non sans alimenter la réflexion sur les rapports entre musique et politique de celles et ceux qui s’interrogent sur les postures engagées des musiciens. Il est cependant à souligner qu'en la matière, les artistes de sexe féminin attirent nettement moins l’attention publique. Malgré une large participation des femmes aux mouvements antinucléaires depuis la catastrophe de Fukushima, les chanteuses et musiciennes engagées semblent souvent être reléguées à un moindre rang par rapport à leurs confrères masculins. Cette méconnaissance de l’engagement des musiciennes et cette rupture entre la société civile et le monde musical populaire s’expliquent par — tout autant qu'ils sont liés à — la condition des femmes dans une société obstinément patriarcale. Si un tel état de choses ne soulève pas, du moins à l’heure actuelle, une opposition radicale chez les artistes, il se développe toutefois chez elles des stratégies, des arrangements qui leur assurent une place, une visibilité aux yeux de la société.Notre étude examine la situation contemporaine des artistes femmes et leur posture en tant que musiciennes engagées à travers l’analyse de leur expression artistique, en lien direct avec le contexte social et sociétal où celle-ci s'inscrit. Le cadre temporel choisi s'étend des années 1970, lorsque surgissent au Japon les mouvements de libération des femmes, à nos jours — et plus précisément à la période post-Fukushima, qui voit la participation des femmes aux mouvements sociaux du pays se faire plus saillante. Le cœur de nos recherches portera plus particulièrement sur la caractérisation des musiciennes engagées et de leurs postures dans le Japon des années 1990 à ce jour, révélant la possibilité pour les femmes japonaises, désormais, d'une pluralité de positionnement selon leur milieu social et économique d'appartenance. / The figure of the Japanese pop singer reflects the reality of women’s status in Japan. Although Japan went through a crucial feminist movement, like France or the United States, which resulted in a slight improvement in women’s situation in society, the majority of women are still struggling with social norms that remain unrewarding and unfavorable to them. According to the Global Gender Gap Report the World Economic Forum published in 2017, Japan ranks 114th out of 144 countries in terms of gender equality. In this reality, one may notice that Japanese women, whatever their social milieu, are forced to comply with the notion of hyper-normed gender that is anchored in society. In the sphere of Japanese popular music, this social norm dominating female representation has repercussions for many female singers’ positions, either in naive immaturity relating to vulnerability or in a certain magnanimity based on motherhood, two notions not necessarily incongruent. Certain female idols are particularly representative of this phenomenon, whereas their counterparts in other musical styles internalize this social straitjacket. Since March 11, 2011, artists against nuclear increase in Japanese society have fueled reflection on the relationship between music and politics by those who question the postures of politically committed musicians. It should be pointed out, though, that female artists attract quite a bit less public attention than their male counterparts. Although women significantly participate in movements against nuclear programs since the Fukushima disaster, committed female singers and musicians often seem to be relegated to a lower rank than their male colleagues. This ignorance of female musicians’ commitment and the breaking-off between civil society and the popular musical scene can be explained by—as much as it is linked to—the condition of women in a stubbornly patriarchal society. If such a state of affairs does not, in the present time, raise radical opposition among artists, it nevertheless develops in them strategies and arrangements that ensure them a place and visibility in society.Our study examines the contemporary situation of female artists and their positions as committed musicians, by analyzing their artistic expression and considering the social and societal contexts in which they are implicated. The time frame ranges from the 1970s, when women's liberation movements emerged in Japan, to today—and more specifically to the post-Fukushima period, when women's participation in the country's social movements became more prominent. The core of our research focuses particularly on the characterization of committed female musicians and their postures in Japan from the 1990s to the present, revealing the possibility for Japanese women to have positioning plurality based on their social and economic backgrounds.

La proposition sur laquelle je fais reposer mon analyse est que le rap montréalais est plus qu’un genre musical, mais un lieu qui est le résultat changeant de l’intersection de forces, d’interactions sociales, ce que Doreen Massey (1993 et 2005) appelle des «trajectoires». Pour elle, un lieu se construit continuellement, à la fois dans le temps et dans l’espace, par l’interaction simultanée, à plusieurs niveaux, de ces «stories-so-far» (Massey, 2005). Mon objectif est de circonscrire quelques-unes des «trajectoires» qui composent le rap à Montréal, et d’identifier celles quisemblent être les plus pertinentes. Pour ce faire, j’ai effectué une filature de trois groupes/artistes faisant du rap à Montréal. En suivant ces artistes dans leurs activités professionnelles sur une période de quatre mois, je suis entré en contact avec des acteurs humains (journalistes,programmateurs de festivals, agents d’artistes, fans) et non-humains (salles de spectacles, studio, locaux de répétition, boutiques restaurants, stations de métro). Ce sont leurs interactions qui forment les trajectoires qui recomposent continuellement le rap comme lieu. / The research proposition that guides my thesis is that rap in Montreal is more than a musical genre, it can best be understood as a place. The (re)definition of rap-as-place is the product of intersecting lines of force and social relations which Doreen Massey (1993, 2005) calls trajectories. According to the feminist geographer, place is constantly constructed, both in time and in space, by the simultnaeous interactions, at different levels, of «stories-so-far» (Massey, 2005). In this thesis, I identify and discuss three of the most prominent and pertinent «trajectories» that constitute rap in Montreal. I have conducted ethnographic work that consisted mainly in the shadowing of three rap groups/artists in Montreal. For a period of four months I have accompanied and followed these artists through a wide range of professional activities (media interviews, live performances, studio recording sessions, rehearsals). Through this process, I have met and dealt with the human (journalists, festival programmers, agents, fans) and non-human (venues, recording and practice studios, shop restaurants, métro stations) actors that inform both their practice and the music they make. It is their interactions that shape and (re)compose rap as a place.

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La présente thèse se propose de comprendre la production musicale d’Astor Piazzolla, notamment la façon particulière dont le compositeur réalise le dialogue entre musique populaire urbaine et musique savante. Pour ce faire, nous avons repéré quatre courants musicaux principaux dont il a été possible de tracer les origines dans son œuvre : le tango, base structurelle de sa musique, le jazz, la musique baroque et la musique savante moderne. Après avoir montré leur présence dans la première partie, nous procédons à l’analyse de l’articulation particulière de ces éléments dans la deuxième. Certains traits du tango semblent privilégiés dans ce métissage, en constituant des éléments de base repérables principalement par des gestes mélodiques, des modèles d’accompagnement et des timbres caractéristiques très fréquemment employés, qui assurent aussi bien la cohésion et l’unité musicale que l’identité du genre urbain argentin. Cette fusion musicale utilise à de nombreuses reprises des caractéristiques communes des musiques métissées comme stratégie de réussite de l’alliage musical ; on constate dans certains passages un subtil et soigneux dosage des ingrédients musicaux utilisés. Le discours du compositeur, analysé au dernier chapitre, nous a permis en outre de dégager trois aspects de ce rapport entre populaire et savant : la recherche d’une identité, en produisant une musique qui représente la ville de Buenos Aires et l’Argentine ; un rapport aux avant-gardes modernistes, en cherchant à exprimer l’ère de son temps et à symboliser la nouveauté à travers une musique moderne ; la recherche d’une légitimité, apparue notamment sous l’expression de l’« élévation » du tango. / The aim of the present thesis is to understand the musical production of Piazzolla, especially the particular dialogue between popular and art music in his work. To do so, we located four main musical streams which origins were possible to trace: the tango, structural basis of his music, the jazz, the baroque music and the modern art music. Having shown their presence in the first part, we proceed to the analysis of the particular articulation of these elements in the second one. Certain features of the tango seem favored in this junction, constituting the basic elements mainly through the presence of melodic gestures, accompaniment models and characteristic timbres very frequently used, which assure the cohesion and musical unity as well as the identity of the Argentine urban genre. On numerous occasions, his fusion employs common characteristics of the several music crossed as a strategy for reaching the musical jointure; we also noticed in certain passages a subtle and careful dosage of the musical ingredients used. The speech of the composer analyzed in the last chapter still allowed us to identify three aspects of this relationship between popular and art music: the search for an identity, by producing a music which represents the city of Buenos Aires and Argentina; a relationship with the modernist avant-gardes, in an attempt to express the present time and to symbolize the novelty through a modern music; and the quest for legitimacy, appeared notably under the expression of the "rise" of the tango.

Doctorat en sciences sociales, politiques et économiques / info:eu-repo/semantics/nonPublished