Si dans son aspect physique l’arc musical est simple, à l’issu de notre étude, nous nous rendons compte qu’il n’est plus indiqué de le qualifier comme tel. Car dans sa forme fondamentale (branche arquée maintenue dans cette position par une lanière), il renferme une complexité qui se dévoile à nous par les liens qui existent entre les différents éléments qui composent l’arc. Sa complexité est également apparente dans la variété des arcs musicaux, dans le jeu propre à chaque arc et dans la divergence des techniques et circonstances de jeu. L’analyse acoustique des sons de cet instrument en révèle d’avantage sa complexité à travers la variété de la nature des sons puis leur fluctuation que nous avons eu le temps de constater. Enfin, dans la signification que les populations donnent à cet instrument, la complexité de l’arc musical se fait plus flagrante car elle laisse se dévoiler un aspect de l’identité sociale des peuples aussi bien ceux qui l’observent dans les musées que ceux chez qui sont collectionnés ces instruments. Car si pour les uns il est instrument de divertissement, pour les autres, il est objet de rituel, instrument parleur et médiateur, objet chargé d’une profonde et riche histoire des peuples d’Afrique. Nous espérons enfin que notre étude permettra une bonne collaboration entre le nord et le sud, pour une connaissance plus juste de l’autre, une connaissance fondée sur des valeurs et non des préjugés. / If the mouthbow appears simple in its physical aspect, the research we have undertaken proves the opposite. In its basic form (a hooked branch held together by a strip), it contains a complex reality which could only be understood by considering the links which exist between the different elements which make up the bow. Its complexity can equally be perceived in the variety of musical bows, the uniqueness of each bow as well as the divergent techniques and circumstances under which they are played. The acoustic analysis of the sounds of this instrument reveals even more its complexity through the variety of the nature of the sounds, as well as their fluctuation that we have been able to observe through our study. Finally, through the meaning that the people give to this instrument, the complexity of the musical bow is even more blatant in the sense that it brings to bare an aspect of the social identity of the people to those who observe this instrument in the museums as well as those who keep them as private objects. If for some it is a simple instrument for entertainment, for others, it is a ritual object, a talking and mediatory instrument which encloses a deep and rich history of the people of Africa. It is our hope that our research will call for a deeper collaboration between the North and the South in such matters, a real desire to know the other based on values and not on prejudices.

Ancêtre du rebec médiéval, emblème de la musique arabo-andalouse ou encore instrument favori des bédouins arabes pour l’accompagnement de leurs récits et de leurs poèmes, le rebab, sous ses différentes variantes joue encore plusieurs fonctions et rôles qui diffèrent d’un peuple à l’autre et d’une région à une autre. Cette thèse a pour but l’étude approfondie des rebabs de l’Afrique du nord et du Moyen-Orient. Chaque variante de cet instrument est étudiée sur plus d’un plan : historique, organologique, musical et même acoustique. La classification et la muséologie de cet instrument, avec ses différentes variantes, sont aussi abordées dans ce travail. L’intérêt de cette thèse, réside dans l’étude approfondie des différents types de cet instrument, ainsi qu’aux liens existants entre eux, car nous pensons qu’aujourd’hui, tout comme pour le sujet du ‘ūd ou tout autre instrument, il faudrait avoir une approche scientifique globale sur le sujet du rebab. / Ancestor of the medieval rebec, the emblem of the Arab-Andalusian music or the favorite instrument of the Arabics Bedouins for the accompaniment of their narratives and their poems, the rebab, under its various variants, still plays several roles and functions which differ from each people and each region. This thesis aims at the in-depth study of the rebabs of North Africa and the Middle East. Every variant of this instrument is studied on more than a plan: history, organology, musical and even acoustic. The classification and the museology of this instrument, with its various variants, are also approached on this work. The interest of this thesis, lives in the in-depth study of the various types of this instrument, as well as in the existing links between them, because we think that today, as for the 'ud or any other instrument, it would be necessary to have a global scientific approach about the rebab.

LM-enc – Das lautschriftliche Akronym [ˈɛləmənts] leitet sich von der 'Library of Musical Instrument Research – encyclopedic' ab. Diese Bibliothek der Musikinstrumentenforschung der Forschungsstelle DIGITAL ORGANOLOGY am Musikinstrumentenmuseum der Universität Leipzig enthält Publikationen der akademischen Organologie, die digital, kollaborativ und transdisziplinär konzipiert sind. Alle Veröffentlichungen dieser Reihe haben ihre individuelle Entsprechung im musiXplora, der virtuellen Forschungsumgebung am Musikinstrumentenmuseum der Universität Leipzig, wo ihre behandelten Entitäten erschlossen, kontextualisiert und visualisiert werden. / LM-enc - The phonetic acronym [ˈɛləmənts] derives from the 'Library of Musical Instrument Research - encyclopedic'. This library of musical instrument research by the Forschungsstelle DIGITAL ORGANOLOGY am Musikinstrumentenmuseum der Universität Leipzig contains enhanced publications in academic organology that are digital, collaborative and transdisciplinary in design. All publications in this series have their individual counterpart in musiXplora, the virtual research environment at the Musikinstrumentenmuseum der Universität Leipzig, where their treated entities are indexed, contextualised and visualised.

L'ORGANOLOGIE est l'étude des instruments de musique. Constituant une branche de la musicologie, elle entretient un lien consubstantiel avec les sources musicales et fait appel à différents champs disciplinaires parmi lesquels on peut mentionner la connaissance technique des instruments, la facture instrumentale, l'acoustique, l'histoire des techniques, l'étude des traités théoriques mais aussi l'histoire des collections et de la restauration. Elle s'intéresse aussi à la classification des instruments, à leur origine, leur évolution, leurs variantes mais aussi à leur usage musical et leur symbolique.<br /> Ce mémoire pour l'habilitation est introduit par une présentation historiographique de cette branche de la musicologie. En effet, si les grands traités théoriques français de Marin Mersenne, de Pierre Trichet, de Diderot et d'Alembert notamment, constituent le socle de connaissances de tout organologue, l'étude des instruments de musique en tant que discipline apparaît en France au XIXe siècle avec les travaux de F.J. Fétis. Des figures comme celles de Pontécoulant, de Constant Pierre, d'André Schaeffner l'ont ensuite fortement structurée. C'est donc dans la perspective de ces pionniers et de leurs plus lointains successeurs appartenant souvent au cercle des disciples de Norbert Dufourcq, qu'est placée la réflexion. L'établissement d'une bibliographie des travaux portant sur la France montre la difficulté des chercheurs français, à quelques exceptions près, à s'affirmer dans le contexte international au moment où se mettent en place les tribunes spécialisées, tel le Galpin Society Journal.<br /> Etudier les caractéristiques organologiques des instruments dans une perspective analytique et descriptive (catalogues), mais aussi interprétative (histoire du goût, évolution des sensibilités), reconstituer l'œuvre de facteurs ayant travaillé en France, notamment aux XVIIe et XVIIIe siècles (monographies), éclairer le contexte social et statutaire du métier de facteur d'instruments, contribuer à l'histoire des collections d'instruments en France, et aussi à l'histoire de la conservation et de la restauration, voilà autant d'axes développés dans ce bilan de travaux personnels et collectifs : ils ont été approfondis lors de colloques internationaux et en créant une revue spécialisée française, Musique-Images-Instruments, soutenue par le Ministère de la Culture et le CNRS.<br /> <br />L'ICONOGRAPHIE musicale constitue le deuxième champ disciplinaire présenté dans ce travail. Centrée sur l'étude des représentations de la musique dans les arts visuels en Occident moderne, elle ne concerne pas que l'évolution de l'instrumentarium à travers les images qui en ont été données mais aussi la pratique de la danse et des arts du spectacle.<br />Si les pionniers de cette discipline au XIXe siècle en France ont consacré leurs travaux au Moyen Age, l'intérêt pour les œuvres du musée du Louvre, pour les portraits de musiciens, pour l'inspiration musicale de certains peintres, se développe progressivement au début du XXe siècle. La figure d'Albert Pomme de Mirimonde (dont les publications s'étendent de 1960 à 1984) est centrale tant il a exploré de thématiques et de collections françaises. Le bilan des travaux français, préparé dans le cadre de ce mémoire, permet de souligner l'intérêt des chercheurs pour certains sujets de prédilection parmi lesquels par exemple les œuvres de Watteau ou de Fantin-Latour.<br />Que ce soit dans des travaux personnels ou collectifs, nous avons développé au cours des vingt dernières années des thématiques mettant en évidence l'évolution de pratiques et de goûts musicaux particuliers : la mode des instruments champêtres (musettes, vielles à roue, tambourins-bourdons), la signification sociale de la pratique du luth, de la viole et du clavecin. Des portraits de musiciens de premier plan ou moins célèbres ont été analysés, voire identifiés. L'évolution de certains instruments, sur la base des sources visuelles conjuguées aux sources d'archives et musicales, a pu être mise en lumière (notamment l'émergence du cor d'orchestre en France au XVIIIe siècle ou l'évolution des archets). L'encadrement de travaux collectifs (inventaires systématiques des tableaux musicaux du Louvre ; publications d'études régionales) a pu se développer dans des catalogues d'exposition et dans la revue Musique-Images-Instruments dont les 8 volumes déjà parus ont été ouverts à des chercheurs chevronnés et des étudiants avancés. Celle-ci a contribué à une collaboration disciplinaire mêlant travaux d'organologie et d'iconographie musicale et replaçant la contribution des chercheurs français dans un contexte international.

Développée à partir d’un corpus documentaire de plus de 200 représentations iconographiques réparties entre le IXe et le XVe siècle, cette thèse s’appuie aussi sur des sources musicales en latin et des éléments pris dans la littérature profane médiévale en langues vernaculaires. Ce travail de recherche est réuni et organisé dans une base de données qui s’articule à la thèse tout au long de l’argumentation. La description de ce corpus et de la création de cet outil forme la première partie de cette thèse. Une deuxième partie, consacrée à l’étude organologique physique des instruments, vise à proposer un discours objectif sur la nature de l’instrument et de ses éléments constitutifs : formes, cordes, chevilles, chevalets, modes de jeux, tenues etc. Cette partie se termine par un exercice de reconstitution organologique. Une troisième partie étudie l’image sociale et symbolique des instruments en essayant d’englober l’ensemble des discours associés aux cithares planche autour de la notion de translatio propre à la littérature médiévale, que l’on nommera alors translatio musicae. L’ensemble du travail réalisé permettra de former en conclusion une proposition de classification instrumentale propre aux cithares planche médiévales, qui pourra être éventuellement adaptée à l’étude d’autres instruments de musique. / Developed from a corpus of over 200 iconographical sources divided between the 9th and the 15th century, this thesis also draws on Latin sources in and musical elements taken from the medieval secular literature written in vernacular languages. This research is compiled and organized inside a database articulated to the thesis throughout the argument. The description of this documentary corpus and the creation of this specific tool are given in the first part of this dissertation. A second part, devoted to the study of physical characteristics of these instruments, aims to provide an objective discourse on the nature of the instrument and its components: forms, strings, pins, holding manners, playing modes, etc. This part ends with an instrumental reconstitution exercise. A third part examines the social image and symbolic image of the instruments trying to encompass all speech – both literary and visual – related to the board zithers around the medieval notion of translatio, which will be in this particular case called translatio musicae. This work will conclude with a proposition of a specific organological classification for medieval board zithers, which might possibly be adapted to the study of other musical instruments.

La musique arabe se distingue par une riche diversité modale. Par ses quarts de tons inclus dans plusieurs modes, ses ornementations effectuées dans le jeu des interprètes et ses timbres spécifiques, son exécution devient une sorte de handicap forcé par ses modes particuliers qui sont souvent en dehors du système musical tempéré. Cela n’empêche pas la présence et l’usage du piano dans la musique arabe que ce soit en accompagnement (instrumental ou vocal) dans un groupe ou « takht » arabe ou même en solo. Cette problématique a été traitée de manière plus globale. L’étude de la relation entre Occident et Orient relève d’un défi pour énumérer le détail d’une acculturation très vaste et pluridisciplinaire (musicale, théâtrale, cinématographique, sociale, politique…) Dans plusieurs ouvrages et plusieurs recherches, l’interaction musicale entre ces deux mondes a été traitée de manière générale. Par conséquent, nous trouvons que le traitement précis et ciblé de notre recherche se présente dans l’étude de l’insertion du piano dans la civilisation arabe en premier lieu puis dans la musique arabe en second lieu. La fusion entre une icône de l’occident et une musique à caractère modal, voire ethnique, est impressionnante ce qui nous amène à traiter ce phénomène dans une thèse. / Arabic music is characterized by a rich modal diversity. For its quarter tones included in several modes, ornamentation made while playing special stamps, its execution becomes a kind of disability forced by its particular modes that are often outside the tempered musical system. This does not preclude the presence and use of piano in arabic music whether in accompaniment (instrumental or vocal) in a group or arabic "takht" or even solo. This issue was addressed more comprehensively. The study of the relationship between West and East is a challenge to list the details of a very broad and multidisciplinary acculturation (music, theater, film, social, political ...) In several books and several research projects, musical interaction between these two worlds has been treated in general. Therefore, we find that specific and targeted treatment of our research is presented in the study of the insertion of the piano in the Arab civilization at first and then in arabic music. The merger between an icon of the West and a music modal character, even ethnic, is impressive which brings us to treat this phenomenon in a thesis.

Our impact on the planet's functioning has allegedly become so profound that during the last years the scientific community has been considering assuming a shift from the Holocene - our current geological epoch - to the Anthropocene, the Age of Man. According to philosopher Bernard Stiegler, this "era of Humans" is not only visible in the devastation of natural ecosystems, but also through the destruction of human skills and methods of transmitting knowledge. The Anthropocene, which was initiated by the industrial revolution, thus passed through the industrialization of culture, and has disrupted our understanding of the world. Philosopher Rosi Braidotti proposes that with the advent of this new era, we ought to be aware of not only the ever-present environmental catastrophes, but that we also ought to use it as a tool for reappraising what it means to be Human. According to her, the Western subject was created as a product of the Humanist cultural hegemony which defined it within a logic of binary opposition. In light of these ideas, this Master's thesis attempts to show that art can provide us methods for redefining our relationship to each other, as well as to the wider world, and help us navigate the contours of the ongoing crisis. The work uses Posthumanist thought and its affiliated...

Mémoire en recherche d'ethnomusicologie / L’emblématique ville de San Basilio de Palenque est connue comme le premier village afro-colombien libre du continent américain. Depuis sa création, les habitants de Palenque ont transmis de générations en générations leurs nombreuses pratiques culturelles, sociales, religieuses et économiques. En 2005, Palenque a été proclamé Chef-d'œuvre du Patrimoine Oral et Immatériel de l'Humanité par l'UNESCO. La langue, les recettes culinaires, les coiffures, la danse, la religion et surtout la musique ont conservé beaucoup d’éléments spécifiques à leur histoire africaine et à celle relative à l’esclavage vécu par les fondateurs de Palenque. La musique tient une place particulièrement importante dans la vie des habitant.es de Palenque. Elle comporte des éléments liés à cet héritage africain que l’on retrouve dans d’autres musiques des Caraïbes et d’Afrique sub-saharienne, ainsi que des éléments empruntés aux communautés autochtones du nord de la Colombie. Néanmoins, par manque de fonds financiers et d’intérêt au niveau national, les recherches anthropologiques à Palenque n’ont commencé qu’à partir de la deuxième moitié du XXème siècle. Très peu d’entre elles sont consacrées à la musique de Palenque. De ce constat est né la motivation de cette recherche, laquelle explore la musique sous divers aspects. Nous avons mené une étude organologique des instruments qui existent physiquement au moment de ma recherche sur le terrain, mais aussi des instruments dont les musiciens et musiciennes de Palenque se souviennent à l’heure d’aujourd’hui. Les origines de chaque instrument, les techniques et styles de fabrication et de jeu seront décrits en détail dans ce mémoire. Une étude des répertoires traditionnels et modernes sera également présentée. Pour chaque répertoire, il sera fait mention de leurs danses respectives, des bases rythmiques principales afin de situer ces pratiques parfois métissées entre tradition et modernité. Nous finirons cet état des lieux par une description de la scène musicale locale de Palenque et des acteurs et actrices culturels que l’on y rencontre, lesquels ont un rôle actif dans la transmission et la transformation des traditions. / The emblematic city of San Basilio de Palenque is known as the first free Afro-Colombian village in the American continent. The preservation of several cultural, social, religious and economic traits since its creation, made this town a Masterpiece of the Oral and Intangible Heritage of Humanity in 2005 by UNESCO. The language, food, hairstyles, dance, religion and especially the music have preserved many elements of the African history and slavery lived by the founders of Palenque and transmitted transgenerational way. Music, being a particularly important element in the life of the inhabitants of Palenque, includes elements linked to the African heritage that can also be recognized in other Caribbean and sub-Saharan African music, as well as elements from the indigenous communities of northern Colombia. However, due to lack of funds and national interest, anthropological research in Palenque only began in the second half of the twentieth century. There are even less studies focused on the music of Palenque. This observation is what motivated our research, which studies many aspects of Palenque’s music. We have carried out an organological work of the instruments that physically exist during my field research and those that Palenque’s musicians still remember. The origins of each instrument, the way they are made and played are described in detail in this thesis. A study of traditional and modern repertoires is also presented. For each repertoire, we will mention their respective dances and the main rhythmic bases to situate these practices, sometimes mixed between tradition and modernity. We will finish this overview with a description of the local musical scene of Palenque and the cultural actors that we met there, who have an active role in the transmission and transformation of traditions. / El emblemático pueblo de San Basilio de Palenque es conocido como el primer pueblo afrocolombiano libre del continente americano. La conservación de varios rasgos culturales, sociales, religiosos y económicos desde su creación ha hecho que este pueblo sea proclamado Obra Maestra del Patrimonio Oral e Inmaterial de la Humanidad en 2005 por la UNESCO. La lengua, la comida, los peinados, la danza, la religión y, sobre todo, la música ha conservado muchos elementos de la historia africana y de la esclavitud que vivieron los fundadores y fundadoras de Palenque, y que se han transmitido de forma transgeneracional. La música, al ser un elemento es especialmente importante en la vida de los habitantes de Palenque, incluye elementos de la herencia africana, que también pueden reconocerse en otras músicas caribeñas y subsaharianas, así como elementos de las comunidades indígenas del norte de Colombia. Sin embargo, debido a la falta de fondos y al interés nacional, la investigación antropológica en Palenque no comenzó hasta la segunda mitad del siglo XX. Los estudios centrados en la música de Palenque son incluso mucho menos. De esta observación surge la motivación de nuestra investigación, que estudia varios de sus aspectos. Hemos conllevado un estudio de organología de los instrumentos que existen físicamente durante mi trabajo de campo, y también de aquellos instrumentos de los cuales ya no se encuentran en Palenque, pero que los músicos y músicas todavía los recuerdan. Los orígenes de cada instrumento, las técnicas y estilos de fabricación y de interpretación se describen en detalle en esta tesis. También presentamos un estudio de repertorios tradicionales y modernos. Por cada repertorio describimos sus bailes respectivos y las principales bases rítmicas con el fin de situar estas prácticas, que a veces se mezclan entre la tradición y la modernidad. Finalizamos esta panorámica con una descripción de la escena musical local de Palenque y de los actores y actrices culturales, que desempeñan un papel activo en la transmisión y transformación de las tradiciones.

This study examines the object biographies of musical instruments and the function of age in the cultural and material history of the lute. It follows the central question of why old instruments were valued more greatly than new ones and what measures had to be executed to adapt the objects to the ever-changing musical style. It traces the lute in its several cultural functions from the 17th to the 19th century: as a musical instrument, as a symbol, as a commodity, and as an object that had to be adapted, repaired, and altered by several generations of lute makers. This interdisciplinary approach uses a broad spectrum of sources from treatises, lute manuals, forewords in printed lute music, and depictions of lutes in literature, poetry, and visual arts to construct a narrative of the appreciation of old musical instruments. It investigates the material changes that were necessary to ensure their continued use by a profound study of more than 100 instruments in public and private collections. The different business models and prices in the trade of lutes are compared and connected to the common knowledge about old instruments and their brand characteristics among lute players. This study employs methods from musicology, organology, material culture studies, acoustics, economics, art history, technology, and digital humanities. This multivalent approach enhances the understanding of the general dynamics of commodities as status symbols, object biographies, and functional objects and connects them to the material and cultural history of objects using the lute as a case study. / Die Studie untersucht die Objektbiografien von Musikinstrumenten und die Funktion des Alters für die kulturelle und materielle Geschichte von Lauteninstrumenten. Sie geht der zentralen Frage nach, warum alte Instrumente höher geschätzt wurden als neue und welche Maßnahmen ergriffen werden mussten, um die Objekte an den sich ständig verändernden Musikstil anzupassen. Sie verfolgt die Laute in ihren verschiedenen kulturellen Funktionen vom 17. bis zum 19. Jahrhundert: als Musikinstrument, als Symbol, als Gebrauchsgegenstand und als Objekt, das von mehreren Generationen von Lautenbauern angepasst, repariert und verändert werden musste. Der interdisziplinäre Ansatz nutzt ein breites Spektrum von Quellen wie Traktate, Lautenhandbücher, Vorworte in gedruckter Lautenmusik und Darstellungen von Lauten in Literatur, Poesie und bildender Kunst, um die Geschichte der Wertschätzung alter Musikinstrumente nachzuverfolgen. Anhand einer eingehenden Untersuchung von mehr als 100 Instrumenten in öffentlichen und privaten Sammlungen werden die Eingriffe untersucht, die notwendig waren, um ihre weitere Nutzung zu gewährleisten. Die unterschiedlichen Geschäftsmodelle und Preise im Handel mit Lauten werden verglichen und mit dem Wissensvorrat unter Lautenisten über alte Instrumente und deren Markencharakteristiken in Verbindung gebracht. Die Studie verwendet Methoden aus der Musikwissenschaft, der Organologie, der materiellen Kulturwissenschaft, der Akustik, der Ökonomie, der Kunstgeschichte, der Instrumentenbautechnologie und der Digital Humanities. Der multivalente Ansatz verbessert das Verständnis der allgemeinen Dynamik von Waren als Statussymbole, von Objektbiografien funktionaler Objekte und verbindet sie mit der materiellen und kulturellen Geschichte der Objekte am Beispiel der Laute.

L’autonomisation de l’art instrumental arabe et, plus particulièrement, l’éclosion de l’art improvisatif du taqsīm au ‘ūd, sont concomitants à l’avènement de l’ère discographique et du 78 tours (1903) en Égypte, notamment avec les enregistrements de Sayyid a-s-Suwaysī, tandis que l’apogée de cet art attendra les années 1920, avec les développements apportés à cette pratique par Muḥammad al-Qaṣabgī, surnommé Sultan du ‘ūd. L’émergence du 78 tours est anticipée par une véritable renaissance musicale, menée par des musiciens de génie attachés à la cour d’Ismaël Pacha et ses successeurs. Le développement du pendant instrumental de cette école (nommée la Nahḏa), qui est inhérent au ‘ūd, est lié notamment à l’apparition au cours du dernier tiers du XIXe siècle d’un nouveau modèle de cet instrument. Les caractéristiques géométriques de ce nouveau model (taille, rapport entre longueur de corde vibrante et longueur du manche etc.) le distinguent nettement de son prédécesseur tel qu’il est décrit par les auteurs occidentaux (Villoteau, Lane, Fétis) et orientaux (Maššāqa et al-Jundī). Aussi, sur la période 1902-1904, plusieurs théoriciens égyptiens ont-ils rendu hommage à cet instrument par une actualisation de la théorie modale arabe abbasside, conçue en fonction des doigtés du ‘ūd, et son application au grand ‘ūd égyptien. Ce faisant, ils affirment l’importance de l’instrument dans la théorie, la performance et la transmission. Cette thèse a pour but d’étudier l’évolution de la virtuosité traditionnelle inhérente à la notion médiévale du haḍaq (liée à la perfection artistique) au sein de la tradition musicale arabe, et ce, par le biais de l’analyse de l’évolution des formes jouées, de l’accordage, et des modes de jeu. Cet examen commence par une étude organologique et acoustique des modèles d’instruments employés dans les enregistrements du début de l’ère discographique, en tant que critères externes. Il se poursuit par la segmentation des énoncés enregistrés, à partir de critères internes, liés à la métrique poétique arabe, au mode de jeu et à la configuration du discours musical. Il se termine par une modélisation sémiotique modale de deux extraits et débouche sur une mise en exergue des apports de Qaṣabgī à l’art improvisatif du taqsīm. / The autonomy of Arabic instrumental art and, in particular, the development of improvisational from (taqsīm) on the 'ūd, were concomitant with the advent of 78 rpm recordings in Egypt (1903), as represented by the recordings of Sayyid as-Suwaysī. Yet, the apogee of this art will wait until the 1920s, with the novelties brought to its practice by Muḥammad al-Qaṣabgī, dubbed Sultan of 'Ūd. The emergence of 78 rpm recordings is anticipated by a real musical renaissance, led by genius musicians attached to the court of Ismā‘īl Pasha and his successors. The development of the instrumental counterpart of this school (called the Nahḏa) which is closely related to 'ūd, is linked in particular to the appearance during the last third of the 19th century of a new model of this instrument. The geometric characteristics of this innovative model (size, ratio between length of the vibrating string and the neck length) clearly distinguish it from its predecessor as described by both Western (Villoteau, Lane, Fetis) and Oriental authors (Maššāqa et al-Jundī). Moreover, during the period 1902-1904, several Egyptian theorists expressed explicitly their appreciation of this instrument and presented it as an update of the Abbasid Arab modal theory, conceived according to the ūd's fingering, and its application to the large Egyptian ‘ūd. In so doing, they affirmed the importance of the instrument in theory, performance and education. This thesis aims at studying the evolution of traditional virtuosity related to the medieval notion of haḍaq (linked to artistic perfection) within the Arab musical legacy through the analysis of development of musical forms, tuning, and techniques. This examination begins with an organological and acoustic study of the different models used in the recordings of the early era (1904-1937) as an external criterion. It continues with the segmentation of performed sentences, based on internal criteria, related to Arabic poetic metrics, instrumental technique and the configuration of musical discourse. The study ends with a modal semiotic medialization