L’identification et la définition des acteurs du verre italien actuel est complexe dans la mesure où leur situation est paradoxale : ils sont à la fois emblématiques et relativement absents dans l’art du verre « libre » actuel. Ce « mouvement » qui prit son essor dans le courant des années soixante aux États-Unis expérimenta à la fois de nouvelles pratiques et formes sculpturales, ainsi que des structures plus petites et plus souples que le traditionnel atelier-manufacture. En outre, cette révolution du Studio Glass Movement se produit aux prémices d’une postmodernité durant laquelle les arts sont eux aussi en pleine mutation, ce qui rend d’autant plus épineuse l’étude des relations qu’entretiennent l’industrie ou l’artisanat du verre avec les arts.Une première partie intitulée « Environnement et histoire, la question du modèle » constitue une approche historique suivant un fil chronologique. Elle décrit les évolutions techniques du verre ainsi que les développements particuliers à Venise et Murano. Elle permet en outre de caractériser les différents acteurs : manufactures et maestri, artisans, designers et plasticiens.La deuxième partie est consacrée aux œuvres et artefacts, leurs environnements économiques et matériels. Le propos se porte d’abord sur l’évolution des différentes productions (objets usuels, sculptures, etc.) d’un point de vue typologique et stylistique. Leur réception critique est étudiée, ainsi que leurs modes de diffusion depuis les boutiques de souvenirs à Venise jusqu’aux grandes expositions, qu’elles soient spécialisées ou non.La troisième et dernière partie (« Ontologie du verre : principes esthétiques et exigences métaphysiques ») interroge la place de l’artisanat et de la tradition du verre dans la postmodernité. Elle pose la question du matériau et de ses pratiques d’un point de vue esthétique et phénoménologique, ce qui renvoie aux conditions et moyens de sa fabrication. / The identification and definition of the actors of the contemporary Italian glass is complex insofar as their situation is paradoxical: they are both iconic and relatively setback from “free” glass art. This "movement" that took off in the course of the sixties in the United States experimented with both new practices and sculptural forms, as well as smaller and more flexible workshops than the traditional factory. In addition, the Studio Glass Movement’s revolution occurs at the beginnings of postmodernism in which the arts are also changing, making more difficult the study of the relationship between glass crafts and industries with the arts.The first part entitled "Environment and history, the issue of model" is a historical approach in chronological thread. It describes the technical developments of the glass as well as its specific developments in Venice and Murano. It also allows to characterize the different actors: factories and maestri, craftsmen, designers and artists.The second part is devoted to works and artifacts, economic and physical environments. At first, it approach the evolution of various productions (everyday objects, sculptures, etc..) with a typological and stylistic point of view. Their critical reception is studied, as well as their terms of sales from Venice’s souvenir shops to large exhibitions, specialized or not.The third and last part ("Glass ontology: aesthetic principles and metaphysical requirements") deals with the role of craft and tradition of glass in postmodernity. It also concerns the question of the material and its practices with an aesthetical and phenomenological point of view, which refers to the conditions and resources of production.

Doctorat en philosophie et lettres / info:eu-repo/semantics/nonPublished

Le site archéologique qui se trouve dans le secteur historique de la réserve abénakise d’Odanak a été occupé pendant plusieurs siècles. Des fouilles archéologiques ont été menées de 2010 à 2013 sous la direction de Geneviève Treyvaud et Michel Plourde. Elles ont permis de mettre au jour divers témoins archéologiques dont plusieurs sont reliés aux ornements personnels. Ces derniers ont été étudiés afin de déterminer de quelles chaînes opératoires ils sont issus et quelles opérations ont pu se dérouler directement sur le site d’Odanak. Des ornements en pierre, en métal, en verre et en matière organique ont été portés à travers le temps par les Abénakis. Plusieurs techniques ont été utilisées pour les fabriquer et certains artéfacts en portent les traces caractéristiques. Il a été constaté que le site est divisé en trois zones d’activité : une zone d’habitat, une zone artisanale et la palissade. Plusieurs artéfacts semblent avoir été manipulés et transformés dans la zone artisanale tandis qu’ils ont plutôt été entreposés dans la zone d’habitation et abandonnés près de la palissade. / The archaeological site located in the historical part of the Abenaki reserve of Odanak has been occupied for several centuries. From 2010 to 2013, excavations of this site were carried out under the direction of Geneviève Treyvaud and Michel Plourde. The excavations led to the discovery of several features including many artéfacts relating to personal ornaments. These objects were studied to determine which chaîne opératoire led to their presence on the site and which operations were carried out at Odanak. Ornaments crafted from stone, metal, glass and various organic materials were worn by the Abenakis. Several different production techniques were used to craft these ornaments and these techniques left characteristic traces on the objects. Three areas are apparent on the site: a domestic zone, a production zone and a palisade. Several artifacts appear to have been manipulated and transformed in the production zone, stored in the domestic zone, and abandoned near the palisade.

Du Bauhaus à De Stijl, du Constructivisme au Style international ou au Mouvement moderne, le modernisme historique n’aura pas seulement occupé les historiens de l’architecture et du design. Il est en effet devenu, depuis une vingtaine d’années, un objet d’investissement à part entière d'un grand nombre d'artistes de toutes provenances. Au tournant des années 2000, ce phénomène de références, d'évocations, de déplacements, de réappropriations, de mises à distance ou de célébrations, a pris une ampleur telle que de nombreuses expositions en Europe et en Amérique du Nord l'ont interrogé, en le réduisant toutefois le plus souvent à une mouvance ruiniste, empreinte de nostalgie, qui n'est pas confirmée par une étude attentive des œuvres. Loin de toute vaine prétention à l’exhaustivité, notre recherche a opté pour une focale centrée sur les œuvres. Au risque d’un peu de myopie où pourrait sembler se perdre une conscience globale du phénomène historique traité, le parti est ici pris d’analyser individuellement les pratiques. L’étude des divers cas retenus conduit à différentes hypothèses et lectures, qu'on espère inédites. Si tous les travaux analysés ont en commun de se référer au modernisme, de prendre celui-ci pour objet à travers telle ou telle de ses réalisations, on verra qu’il est impossible de conférer un sens unitaire à pareil tropisme. L'indispensable proximité avec les œuvres aura ainsi permis de prendre non pas l’unique mais les mesures plurielles d’un phénomène qui aura indéniablement marqué la création artistique des dernières décennies, et continue de la marquer. / From Bauhaus to De Stijl, from Constructivism to the International Style or the Modern Movement, historical modernism has kept more than architecture and design historians busy. In fact, in the last twenty years, it has become a focus of investment in its own right for a large number of artists from all walks of life. At the turn of the century, this phenomenon of references, evocations, displacements, reappropriations, distancing or celebrations took on such a magnitude that many exhibitions in Europe and North America addressed it. However, it was primarily reduced to a ruinist movement, full of nostalgia, which is not discerned by a careful study of the works. Without pretense of being exhaustive, our research has chosen to focus on the works. At the risk of being slightly myopic, where a global consciousness of the historical phenomenon treated might seem lost, we seek to analyze individual practices. The study of the various cases selected leads to different hypotheses and readings, which we hope are novel. If the common thread of all the analyzed works is to refer to modernism, to take it as object through one or other of its achievements, we will see that it is impossible to confer a unitary meaning on such tropism. The indispensable proximity to the works will thus make it possible to take not the exclusive but the plural measures of a phenomenon that will undoubtedly mark the artistic creation of the last decades, and continues to mark it.

De l'ornement architectural à l'ornement liturgique, de l'ornement langagier à l'encadrement du tableau, de l'ornement musical au tatouage, les formes variés de l'ornement témoignent d'un champ d'application illimité qui couvre tous les domaines de l'art. Si chez Kant l'ornement offre un exemple typique de beauté libre, la philosophie et la théorie de l'art lui attribuent souvent un contenu moral ou symbolique l'associant tantôt à la convenance tantôt à la dégénérescence. En tant que forme primitive d'expression artistique il est rattaché aux arts premiers et à la production artisanale, aux antipodes de la véritable création artistique tout autant que du dessin industriel ou architectural. Sa dimension cosmique, d'autre part, fait que des artistes et des historiens le mettent au centre de leur conception de l'art, le considérant comme la manifestation principale du « vouloir artistique » ou une expression privilégiée de l'impulsion artistique vers l'abstraction. Si la spécificité de l'ornement consiste en son caractère accessoire qui lui assigne un statut ontologique particulier entre l'ergon et le parergon le rendant synonyme de « style », sa transversalité met en question les hiérarchies issues de la théorie de la mimesis et brouille les limites entre art et décoration, majeur et mineur, d'autant plus que les notions dérivées de l'« ornemental » ou du « décoratif » dépassent le domaine des arts appliqués et s'emploient pour designer la forme ou la fonction d’œuvres d'art. À ce titre l'étude des différents aspects de l'ornement et des réponses théoriques qu'il a suscitées, renouvelle la réflexion sur le statut de l'art et sa relation avec la vie. / From architectural decoration to liturgical ornament, from rhetorical ornament to painting frames, from musical ornament to tattoo, the various forms of ornament testify to an unlimited scope that covers all artistic and cultural fields. Despite its being considered, from a kantian point of view, as an example of free beauty, philosophy and theory of art often attribute a moral or symbolic content to ornament, associating it to either convenience or degeneracy. As a primitive form of artistic expression, ornament is related to tribal art and to craft rather than true artistic creation or modern design. Its cosmic dimension, however, leads some artists and historians regard it as the basis for their conception of art, as the chief manifestation of the “will to art”, or as a primary expression of the artistic impulse that leads to abstraction. Since its specific character consists in that of an accessory, ornament receives an intermediate ontological status between the ergon and the parergon. Its transversality challenges the hierarchy of art forms and genres which is based on the theories of mimesis, and blurs the boundaries between art and decoration, high and low, since the derived terms of "ornamental" or "decorative" apply not only to decorative arts but also to the style and the function of art works. The study of the different aspects of ornament and of the theoretical responses it raised, contributes to regarding our understanding of the status of art and its relation to life.

Notre thèse de doctorat porte sur la chapelle de pèlerinage du Saint-Esprit de Rue (14e-16e siècle), en Picardie. Notre principal objectif fut d'étudier cette chapelle sous tous les angles afin de réaliser une monographie complète de ce monument du gothique flamboyant. Nous avons reconstitué l'ensemble architectural d' origine, soit l'ancienne église Saint-Wulphy (11e -16e siècle) et ses annexes, incluant la chapelle du Saint-Esprit, et présenté une relecture de la chapelle du Saint-Esprit et de ses rapports à l 'ensemble architectural. Par l'application d'un procédé d'analyse basé sur l'étude des moulurations des nervures des voûtes et des cadres des ouvertures (fenêtres, bases des portes et portails), nous avons pu préciser de manière scientifique la datation de chacune des parties du construit et corriger les datations qui furent proposées depuis le 19e siècle. L'étude des éléments de décor nous a permis de soulever les grandes problématiques de l'art de la fin du Moyen Âge qui ont trait à la définition des styles et du partage des tâches, mais aussi à l'utilisation de l'architecture à des fins de propagande (expression du pouvoir); nous présentons la chapelle sous un nouvel angle, en questionnant les motivations des intervenants qui fut impliqués dans son financement, dont le roi Louis XI. Nous avons aussi cru essentiel de recontextualiser ce monument d'une part dans son univers architectural en dégageant les affinités de la chapelle du Saint-Esprit avec d'autres monuments de Picardie et d'autres régions, mais aussi ses caractéristiques distinctives. D'autre part, nous avons reconxtualisé la chapelle du Saint-Esprit dans son univers socioéconomique, politique et religieux, à la lumière des plus récentes recherches dans le domaine. Nous avons opté pour une nouvelle méthode d'analyse de la chapelle du Saint-Esprit de Rue qui met en avant-plan sa fonction première, soit d'être un lieu de pèlerinage, et qui rattache tous les aspects du construit dans l'optique de ce pèlerinage. Nous proposons un nouveau procédé pour l'étude de l'organisation spatiale des lieux et de la typologie fonctionnelle du construit. La chapelle du Saint-Esprit est dotée d'une trésorerie remarquable et nous avons voulu démontrer que dans ses principes, sa fonctionnalité et ses rapports aux autres éléments architecturaux, elle s'inscrit complètement dans l'esprit de l'architecture civile de la Renaissance.

Ce mémoire est une tentative d'appréhension de la microarchitecture comme ornement singulier sur les dalles funéraires de la collection Gaignières entre les XIIe et XVe siècles. Les pistes interprétatives proposées visent à mieux circonscrire les rapports que la microarchitecture entretient avec les rites et usages par lesquels elle est performée. De surcroît, l'ornement d'architecture a longtemps été mis de côté puisqu'il pose un problème d'appréhension que nous tenterons de résoudre. Le concours d'un corpus considérable constitué de près de mille dessins interrogés à l'aune de la recherche actuelle sur la mort, l'ornement et la mémoire. Ensuite, ont été étudiés grâce à l'analyse factorielle les constances et les ruptures dans l'emploi de la microarchitecture sur les plates-tombes françaises. Le décor architecturé figurant sur le tombeau médiéval est traversé par un ensemble de relations complexes — commémoratives, spirituelles et expérientielles — qui se nouent au sein de l'espace ecclésial. La compréhension de la microarchitecture est ainsi tributaire de ces dynamiques qu'une approche tressée d'analyses quantitatives et qualitatives permet de mettre en lumière.

La présente thèse doctorale fait état du problème que soulèvent l’art d’église et ses mutations actuelles dans les paroisses catholiques du Québec. Ayant connu ses heures de gloire, cette tradition artistique mute et il est maintenant difficile d’en cerner la dynamique. Une approche méthodique s’avère donc pertinente pour situer le problème dans une juste perspective, en apprécier la nature et la pérennité et suggérer des balises aptes à en guider la solution. Tout d’abord, par l’histoire des comités d’art sacré des diocèses catholiques de Québec et de Montréal, qui sont les témoins privilégiés de l’évolution des conceptions de l’art d’église de leurs paroisses depuis le concile Vatican II, par la recension de pratiques nouvelles dans quelques-unes de ces églises et par un inventaire des constructions et des réaménagements partiels d’églises paroissiales dans les trois diocèses les plus populeux, l’on se fait une idée assez juste de la situation actuelle de l’art d’église des paroisses catholiques du Québec. Par la suite, en évaluant les chances de son acculturation, selon un outillage théorique approprié, et en retenant des leçons de l’histoire presque bimillénaire de l’art d’église, le rapport entre cette tradition artistique et ses mutations actuelles au Québec apparaît moins problématique. Malgré la baisse marquée des commandes ecclésiastiques dans les années qui ont suivi le concile, ce type d’art d’église perdure dans la sphère publique, en corrélation avec l’intérêt de nombreux citoyens envers ce patrimoine. Ainsi, cette tradition artistique se poursuit d’une manière inédite, sujette à évoluer. / In this doctoral thesis we examine the problem of the transformations taking place in church art in the Catholic parishes in Quebec. After enjoying a lengthy heyday, this artistic tradition is now in a state of mutation not always easy to grasp. We need to take a methodical approach when placing the problem in its proper perspective, attempting to comprehend its nature and timelessness, and proposing suitable guidelines for finding a solution. Firstly, we can arrive at a reasonably accurate notion of the current state of church art in the Catholic parishes in Québec through a careful examination of the history of the sacred art committees in the Catholic dioceses of Québec, Montréal and Saint-Jean-Longueuil, which were on the front lines of the evolution of church art in their parishes after the Second Vatican Council, by examining the new observances in a few of these churches, and by taking an inventory of new constructions and partial transformations of parish churches in the most heavily populated dioceses. Secondly, using an appropriate theoretical system, in order to assess the possibility for this art to integrate elements of living culture and keeping in mind what we have learned from almost two millenia of church art, we can conclude that the relationship between this artistic tradition and its present evolution in Québec is less problematic than it appears. In spite of the conspicious drop in orders for religious art objects in the years following the Council, church art survives in the public domain thanks to the interest in this area of our heritage on the part of many citizens. Consequently, this artistic tradition survives in an original way, and will continue to evolve.

Ce mémoire examine l’exploration du paysage et de la perception dans ma pratique artistique. Mon travail concerne principalement les représentations du monde naturel, la manière dont les images sont incorporées dans le quotidien et les façons dont notre perception de ces images façonne notre relation aux paysages réels. Cette étude du paysage et de la vision se manifeste par des explorations du dessin, de l’estampe et du collage numérique; ma pratique est également centrée sur une recherché du paysage dans la culture populaire, notamment au cinéma et à la télévision. Enfin, ce mémoire retrace la structure de ma démarche artistique en logique de la décoration, une logique qui fournit à mes images une certaine organisation et une cohérence visuelle, tout en déplaçant simultanément les objets du paysage commun dans le domaine du spectaculaire et de l’extraordinaire. / This dissertation examines the exploration of landscape and vision in my artistic practice. My work is primarily concerned with representations of the natural world, how these images are incorporated into the everyday, and the ways in which our perception of these images shape our relationship to landscape. This investigation of landscape and vision is executed through explorations in drawing, printmaking, and digital collage; my practice is also centred on an investigation of landscape in popular culture, notably film and television. Finally, this dissertation outlines how my artistic process is structured by a logic of the decorative, which provides visual coherency and organization to the images I create while simultaneously displacing objects of the banal landscape into the realm of the spectacular and the extraordinary.

Ozias Leduc a exécuté quinze tableaux dans l'église Notre-Dame-de-la-Présentation à Shawinigan-Sud. Six illustrent la découverte de la ville et les travaux traditionnels des Shawiniganais, ce qui est peu commun dans un lieu de culte. L'illustration de la vie des travailleurs a-t-elle suscité chez les Sud-Shawiniganais un sentiment d'appartenance à leur église ? Ce mémoire vise donc à découvrir si les peintures représentant l'histoire et la profession que pratiquent encore de nombreux citoyens, ont trouvé écho dans la population ou si elles n'intéressent que les amateurs d'art. C'est donc l'évolution du sentiment d'appartenance de la population qui est étudiée à travers les grands événements de la vie des œuvres, de la conception du projet à aujourd'hui. / Québec Université Laval, Bibliothèque 2013