Ce mémoire a pour sujet d’étude Le surréalisme et la peinture d’André Breton. Nous cherchons à montrer de quelle manière Breton redéfinit le mouvement surréaliste à la lumière des arts visuels. Nous avons pour postulat qu’il s’agit du texte central de Breton pour comprendre la peinture surréaliste, et qu’il pourrait même s’agir là d’un manifeste de la peinture surréaliste. Nous étudions de quelle manière Breton s’inscrit dans une lignée d’écrivains qui abordent les arts visuels dans leurs textes, et qu’il fait cela tout en se détachant des critiques d’art de son époque. Nous croyons que Le surréalisme et la peinture est un texte qui allie à la fois un discours critique et poétique. De plus, en nous penchant sur d’autres textes sur l’art de Breton, nous montrons l’évolution de ses idées sur les arts visuels. Nous nous penchons aussi sur des concepts comme le modèle intérieur et l’automatisme pour comprendre avec quels paramètres Breton tente de définir la peinture surréaliste.

Par sa vision tragique du monde, René Char semble, à première vue, bien éloigné des penseurs utopistes, moins intéressé par les lendemains qui chantent que par les dangers imminents qui guettent l’humanité. Dans un grand nombre de ses poèmes, il s'attaque aux naïfs qui se persuadent que c'est le bien qui adviendra, valorise les pessimistes dans la mesure où « ils voient de leur vivant l'objet de leur appréhension se réaliser ». Son œuvre semble parfois rejoindre les actes d'accusation faisant de l'utopie l'antichambre du goulag et des camps, la rendant responsable de la dégénérescence des états dits socialistes en systèmes totalitaires. À plusieurs reprises, Char indique qu’entre l’ethos (qui recommande d’arrimer la poésie et la pensée au réel) et l’utopos (qui s’élabore à l’écart de la réalité du monde) il ne peut surgir qu’une incompatibilité essentielle. Mais s'en tenir là serait ignorer que tout une part de sa poésie demeure également marquée par le « principe espérance ». Si ses recueils du début des années 1930 sont traversés par le désir d’un « monde en tout renouvelé de l’attractif », certains de ses écrits plus tardifs sont également ponctués d’« images-souhaits » de la conscience désirante, d’évocations de lieux rêvés : « ville imperforée » ou « pays d’à côté », « citadelle idéale » ou « perfection à la fois territoriale et inspirée du bien commun ». Bien que Char se soit de nombreuses fois attaqué aux utopies du futur, il convient de se demander si on ne peut trouver à l'intérieur même de sa critique une invitation à penser l'utopie autrement. / By virtue of his tragic vision of the world, René Char initially appears to be far from a utopian. He is less interested in “enchanting dawns” than in the imminent dangers that await humanity. In many poems he attacks the naïve who believe that good will triumph, and values instead the pessimists “who see in their very lifetime the realization of what they most feared.” For this reason, Char has been placed alongside those who view utopia as the foyer of gulags and concentration camps, and hold utopianism responsible for the degeneration of so-called “socialist” states into totalitarian ones. Char suggests several times that between ethos (which encourages the adherence of poetry and thought to reality) and utopos (which distances us from the reality of the world) only an essential incompatibility can arise. To leave the question of utopia at this, however, is to ignore how a whole dimension of Char’s poetry is equally inspired by the “principle of hope.” His poetry from the early 1930s flows from a desire for “a world in every respect renewed by the attractive.” His later works are equally filled with “wish-images” of desiring consciousness, evocations of dreamed places – be it an “imperforate city,” a “country at the margins,” an “ideal citadel” or, indeed, “perfection, both earthly and inspired by the common good.” While Char has on several occasions taken it upon himself to attack future-oriented utopias, it is necessary to ask whether, from within this very criticism, we may find instead an invitation to think utopia otherwise

Mémoire numérisé par la Division de la gestion de documents et des archives de l'Université de Montréal. / Pour respecter les droits d'auteur, la version électronique de cette thèse ou ce mémoire a été dépouillée, le cas échéant, de ses documents visuels et audio-visuels. La version intégrale de la thèse ou du mémoire a été déposée au Service de la gestion des documents et des archives de l'Université de Montréal.

En partant de la volonté revendiquée dans le Manifeste du surréalisme de prolonger le supernaturalisme nervalien, on se propose d’examiner l’aventure d’une idée, depuis le congé qui lui est donné avec la liquidation d’une partie du romantisme français, jusqu’à sa réhabilitation à partir du milieu des années trente, en inventoriant les valeurs et les représentations que sa transformation induit dans l’évolution des discours et des productions artistiques du surréalisme, afin de montrer comment la conception de l’inconscient finit par rendre progressivement l’exploration de l’inconnu extérieur aussi nécessaire que celle de l’inconnu intérieur — l’enjeu étant d’arracher le surréalisme aux fictions qu’il a lui-même forgées pour les repenser dans un vaste panorama apte à saisir les contradictions du mouvement. Une enquête lexicale permet d’inventorier les modes de relation du sujet à la nature et de les relier ensuite aux contraintes de la poétique surréaliste. Les schèmes du métadiscours faisant apparaître une spatialisation de l’intériorité, on constate que les topiques exploratoires se recoupent dans un système de représentation qui emprunte aux sciences de la nature et donne lieu, par la pratique d’une morphologie comparée, à une anthropologie matérielle. L’étude des paysages réintroduit l’épreuve de la nature et permet en dernier lieu d’envisager de quelle manière, latente dans l’esthétique, elle devient manifeste dans la réflexion épistémologique et éthique du mouvement. / Not only could Giorgio de Chirico’s deserted squares and faceless dummies have fossilized surrealism into a metaphysics of dreams—as dalinian deserts did— but a part of the history and reception of Surrealism as well, so much so that nature has turned into a blind spot. This study aims to tear Surrealism away from the fictions it first created so as to rethink them into a comprehensive overview that could reveal the contradictions of a movement which might not have given up the nervalian supernaturalism whose spirit it meant to extend. The main issue of this work is to examine the adventure of a rejected notion through to its restoration to favour, by surveying the values and the representations that its changes lead to, in order to show to what extent the conception of the unconscious could paradoxically make the exploration of the outer unknown as essential as that of the inner unknown. After a lexical inquiry, we try to observe the different modes of relationship the subject entertains with nature, before linking them to the constraints of surrealist poetics. Studying the schemas of the metadiscourse makes it easier to perceive the spatialization of interiority and the way the topics of exploration can match in a combination of representations, which derives from natural sciences and gives rise to a material anthropology linked with comparative morphology. The review of surrealist landscapes allows to experience nature from a phenomenological standpoint and to ponder the way such a latent idea in surrealist aesthetic could become manifest in its ethical and epistemological thought.

Cette thèse apporte des éléments de description et d’analyse du registre littéraire que constitue l’humour noir. Elle s’appuie sur les réflexions développées par André Breton dans son Anthologie de l’humour noir (1966), tout en les resituant au sein des théories surréalistes et en démontrant que l’auteur construit un registre parfaitement adapté à la défense de ses opinions sur l’art et la modernité. La sélection effectuée par l’Anthologie peut alors être abordée sous un nouvel angle et étudiée d’un point de vue littéraire : l’humour noir peut ainsi être défini comme un registre bipolaire, reposant sur la confrontation entre deux tendances, l’une herméneutique et l’autre terroriste, mais qui interrogent toutes deux la valeur des discours tenus sur le monde. Les manifestations littéraires de l’humour noir peuvent ainsi être analysées, de même que les évolutions que connaît le registre à la suite de la Seconde Guerre mondiale. L’humour noir gagne en effet en popularité au sein des médias et les auteurs qui vont avoir recours à ce registre vont prendre en compte sa proximité avec des genres littéraires peu légitimes. Ces évolutions du registre sont étudiées à travers les œuvres de trois auteurs : Joyce Mansour, Roland Topor et Jean-Pierre Martinet. Leurs récits reposent sur des procédés similaires qui visent dans l’ensemble à déstabiliser les schémas narratifs traditionnels. Ainsi, l’humour noir interroge le lecteur sur ses habitudes de lecture et rompt le contrat passé avec l’auteur afin de remettre en cause l’idée d’une communauté possible à travers le partage – inégal – d’une culture et d’une langue communes. L’humour noir postule ainsi l’existence d’une communauté introuvable par la littérature, au sein de récits qui revendiquent leur illégitimité. / This dissertation offers new elements for the description and the analysis of the literary register that is dark humour. It is based on the considerations that André Breton developed in his Anthologie de l’humour noir (1966), and at the same time, it replaces them within the surrealist theories, in order to demonstrate that the author creates a register perfectly suited to the defence of his opinions about art and Modernity. The selection that is made in the Anthologie can henceforth be approached with a fresh eye and analyzed from a literary point of view : dark humour would then be defined as a bipolar register, built on a confrontation between two tendencies, a hermeneutic one and a terrorist one, but which both question the value of the speeches that pretend to represent reality. The literary features of dark humour can thus be analyzed, as well as its evolutions after the Second World War. Indeed, at that time, dark humour becomes more popular in the media, and the authors who use it take into account its acquaintances with literary genres that lack legitimacy. The evolutions of the register are studied through the work of three writers : Joyce Mansour, Roland Topor and Jean-Pierre Martinet. Their narratives follow similar patterns which, on the whole, aim to dismantle the traditional narrative schemes. Thus, dark humour questions the reader about his reading habits and breaks the contract entered into with the author, in order to call into question the possibility of a community unified by the – unequal – share of a common culture and language. Dark humour thereby postulates the existence of a community that cannot be found by literature, within narratives that claim their illegitimacy.

Le groupe surréaliste s'est livré, dès son éclosion, à un travail critique sans cesse développé au cours de l'entre-deux-guerres. La thèse se fonde sur un corpus de plus de 500 textes publiés par les poètes surréalistes entre 1917 et 1939. A vocation critique et de formes diverses, ces textes répondent à la qualification éditoriale actuelle d'écrits sur l'art. Ce corpus méritait d'être réuni et analysé davantage que pour la dimension subversive ou fantaisiste pour laquelle ils étaient considérés jusqu'à présent. La thèse identifie et analyse les enjeux que ces écrits ont représenté dans l'histoire du mouvement surréaliste notamment au moment crucial de son émergence. / From its birth, the surrealist group is engaged in a critical practice constantly developed during the interwar years. The thesis is based on a corpus of more than 500 texts published by surrealist poets between 1917 and 1939. With their critical vocation and their diverse forms, these texts can be called by the current editorial qualification of writings on art. This corpus deserved to be combined and analyzed for more than the subversive or imaginative dimension for which they were considered up to now. The thesis identifies and analyzes the stakes that these writings represented in the history of the surrealist movement in particular at the crucial moment of its emergence.

Cette thèse est consacrée à l’étude en regard l’une de l’autre des œuvres picturales et littéraires de deux artistes nées en Europe, qui fréquentèrent les cercles surréalistes parisiens dans les années 30 avant de s’exiler au Mexique durant la seconde guerre mondiale : Remedios Varo (1908-1963) et Leonora Carrington (1917-2011). Il s’agit de rechercher les points de convergence et les divergences entre les processus créatifs des deux artistes, de faire dialoguer leurs œuvres et d’interroger leurs points de collaboration créative, en se centrant sur la question des images. L’approche proposée dans ce travail est tout à la fois comparative et pluridisciplinaire, puisqu’elle s’élabore au croisement de l’histoire de l’art, de l’analyse littéraire, de l’analyse picturale et de la civilisation.Le concept d’image, dont la délimitation fait l’objet du préambule, est entendu dans quasiment toutes ses acceptions – depuis l’image picturale et l’image verbale jusqu’à l’image mentale, dont l’image onirique – et est conçu comme lieu d’intersection par excellence.La première partie de ce travail explore la question de la fabrique des images ou, pour utiliser une métaphore empruntée au langage alchimique, du laboratoire des images. Le chapitre 1 présente et théorise l’image surréaliste afin de démontrer la manière dont les deux créatrices ont su s’approprier l’« esprit » du surréalisme, invitation à une remise en cause du monde visible, pour mieux le dépasser à travers l’élaboration de « modèles de monde », en analogie avec certains processus alchimiques et occultistes. Le chapitre 2 envisage pour sa part l’exil non pas seulement comme un contexte historique et culturel ayant donné lieu à de profondes dynamiques d’influences mutuelles, mais comme une notion pivot permettant d’appréhender les phénomènes de réappropriations, d’hybridations, de transfusions créatives ou de transgressions à l’œuvre dans leurs productions.La seconde partie approfondit la mise en regard des images des deux artistes suivant un mouvement dialectique unissant images-reflets et images-distorsions. Le chapitre 3 entreprend l’analyse des autoreprésentations féminines et s’attache à mettre en évidence la façon dont celles-ci défient les images du féminin élaborées par les créateurs surréalistes masculins ; les notions de déguisement, de travestissement et de mascarade sont examinées et présentées comme inséparables de la quête de soi. Le chapitre 4, enfin, s’intéresse aux « miroirs de la relation » et à la « relation aux miroirs » des deux artistes. Dans un premier temps sont abordées les représentations de l’amitié créative unissant les deux artistes dans leur œuvre, notamment écrite, et les mécanismes de fictionnalisation qui les soutiennent. Les jeux de miroirs qu’ont disposés entre leurs images les deux femmes en écrivant à quatre mains sont ensuite analysés, ainsi que le motif pictural du miroir, lequel peut être considéré comme un emblème de la démarche créative de Remedios Varo et de Leonora Carrington, objet symbolique et magique plus que dispositif spéculaire. / This PhD dissertation focuses on a literary and pictorial comparative analysis of European-born artists Remedios Varo (1908-1963) and Leonora Carrington (1917-2011) who, in the 1930s, participated in the Surrealist group in Paris and then went into exile in Mexico during World War II. The purpose of this study is to identify points of convergence and divergence in the creative process of these two artists. Equally important, this thesis will endeavor to enable a dialogue between their artworks and to examine their creative collaboration while focusing on the concept of images. The standpoint of this dissertation is at the same time comparative and multidisciplinary, for it is formulated at the junction of art history, literary analysis, pictorial analysis, and history.The notion of image, the conceptual contours of which are explained in the preamble 2 is to be understood in almost all of its significations – from pictorial and verbal image to mind-made image, in which oneiric image is to be included – and is seen as a conceptual intersection point par excellence.The first part of this study questions the construction of images or, using a metaphor borrowed from the alchemical language, the image laboratory. Chapter 1 introduces and theorizes the notion of surrealist image in order to reveal the ways in which both artists integrated into their works the surrealist state of mind, being an invitation to question the visible world, and went beyond it through the elaboration of “world models”, by analogy with specific alchemical and occultist processes. Chapter 2 not only considers exile as a historical and cultural context that gave way to profound mutual and dynamic influences, but also as a pivotal notion that enables to comprehend, in their productions, phenomena of reappropriation, hybridization, creative transfusion and transgression.The second part delves deeper into the comparison of images realized by both artists – an analysis that follows a dialectical pattern that combines the concepts of image-reflections and image-distortions. Chapter 3 analyzes female self-representations and is dedicated to reveal the way in which these representations challenge the images of the feminine as elaborated by male surrealist creators. Notions of transvestism and masquerade are examined and presented as inseparable from the quest to self-discovery.Finally, Chapter 4 pays attention to both artists’ “mirrors of relation” and “relation to mirrors”. On the one hand, this analysis addresses the creative friendship that unites both artists in their work, more specifically in their written expression, and the mechanisms of fictionalization pertaining to it. The mirror effects that are at play in the images of both artists who created fourhanded works and the pictorial motif of the mirror are also focused on in this research. Indeed, the mirror may be considered as an emblem of Remedios Varo’s and Leonora Carrington’s creative approach, not only as a specular tool but also and more importantly, as an object of symbolism and magic.

Cette thèse explore et analyse l’œuvre littéraire et artistique de plusieurs artistes et écrivains qui ont eu un lien avec le mouvement surréaliste et se sont exilés au Mexique. Les œuvres de Remedios Varo, Leonora Carrington, Wolfgang Paalen, Alice Rahon, Kati Horna, José Horna, Benjamin Péret, César Moro et Luis Buñuel sont pour plusieurs méconnues ou peu accessibles au grand public. Leurs archives sont dispersées dans le monde et parfois ignorées. Nous avons entrepris de reconstituer une chronologie de cet épisode spécifique de leur vie, d’inventorier leurs œuvres, en particulier celles des années d’exil au Mexique (1938-1963), de montrer le dialogue esthétique qui s’est créé dans le moment exceptionnel de leur rencontre au Mexique, à la fois à partir de leur passé surréaliste et du cœur même de l’expérience exilique qu’ils partagent. Les préoccupations, les activités et les relations qui rapprochent ces artistes conduisent à s’interroger sur la possible définition d’un mouvement. Leurs interactions amicales et artistiques suggèrent, pour un temps au moins, la détermination de points communs esthétiques, littéraires et culturels. Le creuset créatif de leur exil commun est aussi un point de départ pour analyser la réception de ces œuvres et se demander s’il existe une poétique de l’exil spécifique à ces artistes qui ont vécu en proximité sur le sol mexicain. Pour traiter cette question, cette thèse analyse les représentations communes à ces artistes et observe le rôle déterminant qu’ils ont sur l’art et la littérature latino-américains de la seconde moitié du XXe siècle. / This thesis intends to explore and analyse the literary and visual work of a number of exiled artists and writers who have a particular link with the surrealist movement, and fled to Mexico. Several elements of the work of Remedios Varo, Leonora Carrington, Wolfgang Paalen, Alice Rahon, Kati Horna, José Horna, Benjamin Péret, César Moro and Luis Buñuel are often unknown or rarely accessible to a large public. Their archives are scattered around the world and are often ignored. Our aim is to establish a chronological reconstitution of their lives, to inventory their work –particularly from 1938 to 1963, focusing on the exile phase – as well as to examine the aesthetic dialogue between them. The basis, activities and relationships that connect these artists come not only from their surrealist past but also from the exile they share; nevertheless, their interactions challenge their connection as a group. Their artworks communicate with each other and their exile is our starting point in order to analyse the reception of these works. Is there an inherent poetry of the exile in the work of these artists? We will answer this question by studying their common representations and by observing their strong influence in Latin American art and literature from the second half of the 20th century.

La poète et artiste anglo-américaine Mina Loy (1882-1966) resta longtemps une figure marginale dans le canon moderniste. Adoptant une double approche poéticienne et culturelle, cette thèse étudie son esthétique hybride qui crée toujours une tension irrésolue entre des éléments disparates. Bien qu’influencée par le symbolisme, le décadentisme, le futurisme, l’imagisme, le dadaïsme et le surréalisme, Loy ne s’inscrit complètement dans aucun de ces mouvements, introduisant une tension entre plusieurs modernismes par ce changement constant de paradigme esthétique. On peut comprendre le projet artistique de Loy comme un atlas des turbulents phénomènes artistiques de son temps, qui trace des itinéraires entre des esthétiques disparates, voire opposées, cartographiant une constellation moderniste en pleine formation. La notion de constellation s’avère ainsi particulièrement fructueuse pour penser à la fois les dialogues artistiques modernistes et la dynamique formelle du poème en vers libre. En outre, on peut aborder l’oscillation permanente de son idiome entre le futur et le passé, l’avant-garde et l’obsolète, par le prisme de l’« image dialectique » définie par Walter Benjamin: « Une image [...] est ce en quoi l’Autrefois rencontre le Maintenant dans un éclair pour former une constellation ». L’oeuvre de Loy cherche à développer un « idiome météorique », qui reste brièvement en orbite autour d’une constellation artistique et s’approprie son esthétique pour rebondir ensuite dans une direction différente. L’enjeu de ce travail est d’explorer la dynamique de cette errance géographique, culturelle et artistique en quête d’une voix poétique hybride et polyphonique, qui résonne dans des cadres esthétiques multiples. / For a long time, the Anglo-American poet and artist Mina Loy remained marginal to the modernist canon.Adopting a twofold poetic and cultural approach, this dissertation focuses on her hybrid aesthetics whichcreates an unresolved tension between disparate elements. Although influenced by Symbolism,Decadence, Futurism, Imagism, Dada, and Surrealism, Loy’s work fully fits in none of these movements,introducing a tension between different modernisms through a constant shift of the aesthetic paradigm.One can understand Loy’s artistic project as an atlas of the turbulent artistic phenomena of her time,which traces itineraries between disparate and even opposed aesthetics, mapping a modernist constellationin the making. The notion of constellation thus becomes particularly far-reaching in thinking both aboutthe modernist artistic dialogues and about the formal dynamics of the free verse poem. The permanentoscillation of Loy’s idiom between the future and the past, the avant-garde and the obsolete, may betackled through Walter Benjamin’s definition of the “dialectical image”: “image is that wherein what hasbeen comes together in a flash with the now to form a constellation.” Loy’s oeuvre works towarddeveloping a “meteoric idiom,” which briefly revolves around each constellation before bouncing off in adifferent direction, introducing an ironic relativity between different loci, forms, and programs ofmodernist activity. This dissertation focuses on the dynamic of this roaming through modernist forms insearch of a unique, “polyharmonic” poetic voice which would resonate within multiple aestheticframeworks.

Notre étude a deux objectifs. En toile de fond, elle vise d'abord à faire connaître et même découvrir le collectionneur et mécène Jacques Doucet (1853-1929). Ce personnage, pour ainsi dire oublié aujourd'hui, a pourtant laissé sa marque dans plusieurs domaines au début du XXe siècle, que ce soit la haute couture, le design, l'histoire de l'art et la littérature. Ses réalisations (sa maison de couture, ses collections d'oeuvres d'art et ses deux bibliothèques), malgré leur avant-gardisme, ont été des réussites et ont influencé leur domaine respectif. Mais notre objectif principal est de mieux comprendre, à partir d'une de ses réalisations, la Bibliothèque littéraire Jacques Doucet, pourquoi et comment une institution peut être désignée lieu de la mémoire collective d'un peuple. Cette Bibliothèque, fondée pendant les années 1910, fut désignée en 2003 lieu de la mémoire du surréalisme lors de la vente aux enchères du contenu de l'appartement d'André Breton, fondateur et chef de file de ce mouvement. Notre problématique soulève trois hypothèses. Tout d'abord, nous croyons que la Bibliothèque littéraire Jacques Doucet a été désignée lieu de la mémoire du surréalisme à cause des liens qui ont existé entre Jacques Doucet et les jeunes surréalistes. Doucet a agi à titre de mécène auprès des membres de ce mouvement pendant les années 1920, alors que les surréalistes, eux, ont travaillé activement au développement de la Bibliothèque pendant cette même période. Plusieurs d'entre eux légueront leurs archives personnelles à la Bibliothèque par signe d'attachement et de reconnaissance envers Jacques Doucet. Cependant, nous pensons que même si une bibliothèque est, par définition, un lieu de conservation et d'accès à la mémoire, elle n'est pas forcément un « lieu de mémoire » tel que défini par l'historien Pierre Nora dans son ouvrage du même nom. Ceci semble être le cas de la Bibliothèque littéraire Jacques Doucet, qui n'est pas facilement accessible au public et ne dégage pas d'aura symbolique. Finalement, nous croyons que si l'État a désigné la Bibliothèque littéraire lieu de la mémoire du surréalisme et a décidé de ne pas convertir l'appartement de Breton en musée, c'est pour faire cesser la prolifération des lieux patrimoniaux, qui se sont multipliés depuis les années 1970. Afin de vérifier ces hypothèses, nous avons analysé les liens entre Jacques Doucet et les surréalistes, et l'impact que ces derniers ont eu sur le développement de la Bibliothèque. Nous avons également tracé l'histoire de cette institution depuis sa fondation, mais en insistant particulièrement sur son rôle dans la connaissance du mouvement surréaliste. Finalement, nous avons analysé, à l'aide de l'historiographie traitant des liens entre histoire, mémoire et patrimoine, la place que devrait occuper un lieu de mémoire dans la société et le rôle des gouvernements dans leur désignation. ______________________________________________________________________________ MOTS-CLÉS DE L’AUTEUR : Jacques Doucet, Surréalisme, Histoire, Mémoire, Patrimoine bibliothèque-André Breton, France, 20e siècle, Avant-garde Belle époque.