This diploma thesis is concerned with the use of symbolism in three selected novels by William Golding, Pincher Martin, The Spire and The Double Tongue. The theoretical part presents a brief biography of the writer and outlines theoretical background of literary symbolism, focusing especially on Northrop Frye's Theory of Symbols and the psychoanalytic perspective. It is concluded by listing sources of inspiration behind the selected Golding's works, taking his own experiences as well as literary influences into account. The practical part begins with characterization of Golding's use of symbols in general, including his methods, recurring topics and symbolic patterns. Its main part focuses individually on the three chosen books, in the order of their publication. Each section analyses symbolism of setting of the story and the protagonists' names, symbolic imagery, and it seeks for Christian and psychoanalytic symbols. In addition, it presents possible interpretations of other significant symbols occurring in the particular novel. The use of symbolism is put in context with outer influences to show the variety of topics and specificity of the author's style.

La figure mythique et légendaire, suggestive, occupe une position centrale dans l’esthétique du symbolisme européen (fin XIXe ̶ début XXe siècle). Cette thèse propose d’en étudier l’émergence et la fonction dans les œuvres de trois éminents représentants : Stéphane Mallarmé (1842–1898 France), William Butler Yeats (1865–1939 Irlande) et Stefan George (1868–1933 Allemagne). Un regard sur la société contemporaine (les arts, les découvertes scientifiques) permet de découvrir la place qui revient au mythe et à la légende. Au-delà des différences, affinités et contacts personnels rapprochent les trois poètes. Deux générations de symbolistes de langue différente se retrouvent dans une même vision de la création poétique. Œuvres poétiques (poésie, prose, théâtre), écrits théoriques, correspondances et entretiens révèlent une approche conjointe de l’image et du mythe : la figure mythique ou légendaire prend forme entre rêve et vision, réminiscence, évocation musicale et symbole littéraire. Du discours sur le mythe se dégage une théorie personnelle. Poésie et drame puisent aux sources hétérogènes des traditions s’enrichissent de philosophie, religion, occultisme, psychologie et vécu intime. La transposition d’art véhicule l’intertexte mythique du sujet pictural ou en sera contaminé, d’où un lien complexe entre texte et peinture (ou sculpture). Explicite dans l’œuvre de jeunesse, la figure mythique ou légendaire subira de multiples métamorphoses : syncrétique, elle fond les versions d’un mythe avec des traditions éloignées, superpose figures et faits mythiques et réels, historiques et contemporains. Implicite, elle est présente sous forme de traces dans l’abstraction du nom commun, pronom, qualificatif ou geste. La richesse des formes d’émergence lui assure son pouvoir d’irradiation. A la flexibilité de forme et contenu correspond la diversité des fonctions : la figure mythique se prête à toute figure stylistique et fonction grammaticale. Elle crée ainsi la cohésion dans l’œuvre et participe intimement à la construction du sens. La contamination atteint l’ensemble de l’œuvre mythopoétique. Autour des figures se forme une constellation d’images qui génère un nouveau mythe anthropocentrique, résumé et dépassement des traditions. D’abord « réservoir d’images » (Yeats) pour des créations futures, l’œuvre des poètes correspond de fait à une tentative bien plus ambitieuse : offrir une réponse à la quête du sens de l’Histoire et de la vie de l’Homme moderne qui ne croit plus en Dieu et dessiner les contours d’une société nouvelle. La figure mythique ou légendaire représente l’élément essentiel de la création poétique. / The suggestive mythical and legendary figure holds a central position in the aesthetic of European symbolism at the end of 19th and the beginning of 20th century. This doctoral thesis proposes to study its apparition and function in the works of three distinguished representatives: Stéphane Mallarmé (1842–1898, France), William Butler Yeats (1865–1939, Ireland) and Stefan George (1868–1933, Germany). A look on contemporary society (arts, scientific discoveries) will allow discovering the place due to myth and legend. Beyond their differences, affinities and personal contacts bring these poets closer together. Two generations of symbolists, speaking different languages, join in one and the same view on poetical creation. Poetic works (poetry, prose and theatre), theoretical texts, letters and conversations reveal joint approach to image and myth: the mythical and legendary figure takes shape among dreams and vision, reminiscence, musical evocation and literary symbol. A personal theory emerges from speech on myth. Poetry and drama draw from the heterogeneous sources of various traditions, enriching with philosophy, religion, psychology, occultism and private experience. Transposition of art conveys the mythical text of the painted subject or is contaminated by it. Hence a compound link from text to painting (or sculpture). Explicit in the poet’s early work, mythical and legendary figure will go through multiple metamorphosis: synthetic, it melts the different versions of a myth with traditions from far away, it superimposes mythical figures and facts on others taken from history and contemporary reality. Implicit, it will be present as a trace, a common noun, a pronoun, a qualifying adjective, or a gesture. Great diversity of forms provides him power of radiation. Flexibility of form and content matches with diversity of functions: the mythical figure lends itself to every stylistic figure and grammatical function. This way it creates cohesion within the work and contributes intimately to the construction of sense. Contamination affects all the mythopoetic work. Around these figures a constellation of images forms and produces a new anthropocentric myth, summarizing and going beyond traditions. Hoard of images for future creations in the beginning (Yeats), the poet’s work actually comes up to a bid far more ambitious: give an answer to the quest for sense of history and life of modern man who doesn’t believe in God any more, and draw the outline of a new society. Mythical and legendary figure represent the essential element of poetic creation. / Die mythische und legendäre Gestalt nimmt in der Ästhetik des europäischen Symbolismus (Ende des 19. – Anfang des 20. Jahrhunderts) eine zentrale Position ein. Diese Doktorarbeit stellt sich zur Aufgabe, ihr Vorkommen und ihre Funktion in den Werken von drei bedeutenden Vertretern zu untersuchen: Stéphane Mallarmé (1842-1898, Frankreich), William Butler Yeats (1865–1939, Irland), Stefan George (1968-1933, Deutschland). Ein Blick auf die zeitgenössische Gesellschaft (Kunst, wissenschaftliche Entdeckungen) ermöglicht es, herauszustellen, welche Stellung Mythos und Legende zufällt. Über alle Unterschiede hinaus sind sich die drei Dichter durch gemeinsame Interessen und persönliche Kontakte nahe. Symbolisten zweier Generationen und aus verschiedenen Sprachbereichen stimmen miteinander in dergleichen Auffassung von dichterischer Schöpfung überein. Dichterische Werke (Lyrik, Prosa, Theater), theoretische Schriften, Briefwechsel und Unterhaltungen lassen eine miteinander verbundene Betrachtungsweise von Bild und Mythos erkennen: die mythische und legendäre Gestalt nimmt Form an zwischen Traum und Vision, Erinnerung, musikalischer Evokation und literarischem Symbol. Aus der Rede über den Mythos geht eine persönliche Theorie hervor. Lyrik und Drama schöpfen aus den Quellen der heterogenen Traditionen, werden durch Philosophie, Religion, Okkultismus, Psychologie und intime Erfahrung bereichert. Die Übertragung bildender Kunst in Dichtung ("transposition d’art") vermittelt den im Gemälde zugrunde liegenden mythischen Text oder wird von ihm kontaminiert. Dadurch entsteht eine komplexe Beziehung zwischen Text und Malerei (oder Skulptur). Die mythische und legendäre Gestalt, in den Jugendwerken eindeutig erkennbar, erfährt später vielfältige Metamorphosen: synkretistisch verschmilzt sie die Varianten eines Mythos mit entfernten Traditionen, überlagert mythische Gestalten und Ereignisse mit reellen, historischen, zeitgenössischen. Implizit ist sie präsent in Form von Spuren, in der Abstraktion von Nomen, Pronomen, Adjektiv oder in einer Geste. Der große Formenreichtum sichert ihre Ausstrahlungskraft. Der Flexibilität von Form und Inhalt entspricht die Vielfalt der Funktionen: die mythische Gestalt passt sich jeder Stilfigur und jeder grammatischen Funktion an. Sie schafft somit die Geschlossenheit eines Werkes und nimmt im Innersten an der Sinnkonstruktion teil. Die Kontamination greift auf das ganze mythopoetische Werk über. Um die Gestalten herum bildet sich eine Konstellation von Bildern, die einen neuen anthropozentischen Mythos hervorbringt, der die Traditionen zusammenfasst und übertrifft. Zunächst „Bilderreservoir“ (Yeats) für zukünftige dichterische Schöpfungen, verfolgt das Werk der Dichter in Wirklichkeit einen viel ambitiöseren Versuch: auf die Frage nach dem Sinn in der Geschichte und im Leben des modernen Menschen, der nicht mehr an Gott glaubt, eine Antwort geben und die Konturen einer neuen Gesellschaft skizzieren. Die mythische oder legendäre Gestalt ist wesentliche Konstituente der Dichtung.

The following thesis discusses how bizarre food is conceptualized within the anthropology of food and how it connects to symbolic anthropology. Through the complex description of the individual experience during the process of eating bizarre foods, the perception of the experience and the various motivations behind it will be explained. From an anthropological point of view it will be examined whether bizarre foods are the carriers of cultural significance and how this is further demonstrated within the culture. Through analysis of some specific foods I will also try to reveal their symbolic meaning.

Die Unterschiede zwischen der Klavierfassung von Zemlinskys Opus 13 Nr. 1 nach einem Gedicht Maurice Maeterlincks und der Fassung für Orchester sind darauf zurückführbar, dass der Komponist in extremer Weise auf die klangfarblichen und ästhetischen Ansprüche der jeweiligen Genres reagiert. In diesem Beitrag wird untersucht, welche Eigenschaften des Orchestersatzes ein emphatisches Gattungsverständnis transportieren. Mit seiner Orchestration gehört das Lied einer Gattung an, die, als die Lieder Nr. 1–4 des Zyklus’ in dem ›Wiener Skandalkonzert‹ 1913 uraufgeführt wurden, auf der Höhe der Zeit stand. Nach 1918, mit den in ihrer Existenz bedrohten Riesenorchestern der Vorkriegszeit, ging das ästhetische Interesse an Orchesterliedern mehr und mehr verloren (vgl. Bork 2004). Zemlinsky vertrat mit der Orchesterfassung dezidiert die Position symbolistischen Komponierens am Fin de Siècle. Bevor Ähnliches in Besetzungen der Wiener Schule üblich wurde, fügte er der gewöhnlichen Orchesterbesetzung Instrumente wie das Harmonium und das Klavier hinzu. Mit der Harfe bilden diese einen eigenen Strang akkordfähiger Orchesterinstrumente. Dieser Strang offeriert drei unterschiedliche Einzelfarben und drei Weisen ihrer Kombination: Sämtliche oder je zwei von ihnen lassen sich verbinden. Die Koloristik bietet neue dramaturgische Möglichkeiten. Die drei Orte des Textes – Wald, Meer und Stadt – werden als drei Zeiten gefärbt: Mit jeweils anderem Instrumentarium schreibt Zemlinsky der Zukunft eine relative Nähe, der Vergangenheit Ferne und der Gegenwart vieldeutigen Rausch zu. Untersucht werden im Detail die Begleittexturen, die Zemlinsky für die Orchesterfassung des Liedes neu erfand, warum er Abschnitte der Singstimme oktavierte und ergänzte und welchen Sinn die mehrtaktigen Passagen erzeugen, die er hinzufügte. So vermittelt das neue Vorspiel mit den leeren Flageoletten der hohen Streicher eine Ahnung davon, wie exquisit der Tod ist, dem Maeterlincks drei Schwestern zustreben. / The differences between the piano version of Zemlinsky’s Opus 13 No. 1, based on a poem by Maurice Maeterlinck, and the orchestral version can be traced back to the fact that the composer responded in an extreme way to the timbral and aesthetic demands of the respective genres. This contribution examines which properties of the orchestral set convey an emphatic understanding of the genre. With its orchestration, the song belongs to a genre which was at its peak as the songs nos. 1–4 of the cycle were premiered in ›Vienna’s Skandalkonzert‹ in 1913 but lost its aesthetic interests with the existence of gigantic orchestras of the pre-war period after 1918 being at stake (cf. Bork 2004). Zemlinsky, with his orchestral composition, determined the position of symbolistic composing at fin-de-siècle. Before similar things even became customary in the orchestral settings of the Viennese school, he added the usual scoring instruments such as the harmonium and the piano. With the harp, they form an individual strand of orchestral instruments capable of playing chords. This strand offers three different individual colors and three modes of their combination: all or two of them can be connected. The colorfulness offers new dramatic possibilities. Three places in the text – the forest, the sea and the city – are colored as three times: with different settings in each case, Zemlinsky gives the future a relative closeness, the past a distance, and the present an ambiguous intoxication. This paper will explore in detail the accompaniment textures, which Zemlinsky reinvented for the orchestral version of the song: specifically, why he octavated and supplemented some sections of the singing voice and what the sense is of the multiple bars of passages he added. Thus, the new prelude with the empty harmonics of the high strings conveys an inkling of how exquisite death is to which Maeterlinck’s three sisters strive.

Thesis--Université de Paris I. / Published in 1979 under title: La pensée alchimique et le Conte du Graal. Includes index. Bibliography: p. 625-639.

The goal of this thesis is to discuss how unusual delicacies are conceptualized in the perspective of sociocultural anthropology - specifically, in the context of anthropology of food. Unusual delicacies are to be understood as non-traditional, unique, but at the same time, shocking or perceived as "bizarre" meals. The complex description of the individual's experience during the consumption of unusual delicacies will help to analyze what is the overall perception of the experience, its pervasion into self-presentation, as well as what are the main motivations for it. Further, it is discussed what role the unusual delicacies play in the context of exploring foreign countries and whether they possess any cultural and symbolic meaning.

This thesis is focused on the decadent form of Czech symbolist literature at the turn of the 19th century and the beginning of the 20th century. The main task is to present a complex catalogue of motifs and images used by Czech decadents in their works and also to analyse the main methods and strategies they used - in particular interstatuality, also connected with the decadent effort to capture the uniqueness of each passing moment, and synaesthesia. The thesis also focuses on the radical individualism of decadent authors and its connection with both the motifs used and the symbolist style in itself - in the form of self-stylization of the decadent authors who tend to identify with their own works and become (even in real life) their own literal subjects. Because of the prominent visual aspect of decadent literature, the thesis also takes into consideration contemporary art works and the relations between words and images.

This master's thesis deals with the analyse the poem in prose "Walled-in" by Brazilian black symbolist poet João da Cruz e Sousa. At the beginning it outlines the author's life and work. An insight into the starting points of Symbolism follows, accompanied by a detailed characterization of the essential features of its poetics as represented in the works by Cruz e Sousa. The analysis itself begins with the definition of the poem genre in prose and a brief outline of the content of the "Walled-in", which is a synthesis of the poet's artistic and life options resulting from being a black man. On this basis, I have determined the fundamental themes (Night, Art, Pain and Blackness), in which the poet's exclusion as an artist and as a negro. The initial intimate confession turns into a fiery speech that fights back narrow- minded artistic production of the period and the Negro discrimination.

Die vorliegende Arbeit befasst sich mit dem Phänomen der neuchristlichen Kunst in Russland nach der Oktober-Revolution 1917. Es gilt hier die philosophischen, geistesgeschichtlichen und kunsthistorischen Hintergründe zu erforschen, die zur Erscheinung der spätsymbolistischen Künstlervereinigung Kunst-Leben bzw. Makowez geführt haben. Dabei handelt es sich um eine scheinbar unzeitgemäße Vereinigung, deren Mitglieder sich den zeitgenössischen nihilistischen Tendenzen der russischen Kunst zum Trotz - den geistigen Traditionen der Weltkultur zuwandten. In ihren Kunstwerken thematisierten sie die Probleme der Religion, Mythologie, Spiritualität. In ihrem Manifest proklamierten sie die Entwicklung einer neuen, universellen Kunst, die als wahres Schöpfertum das Leben selbst erschaffen sollte. Das Anliegen der Verfasserin besteht darin, die Ursprünge dieses damals so untypischen Denkens in Russland zu nachvollziehen. Diese liegen in einem kulturhistorischen Phänomen der Jahrhundertwende vom 19. zum 20. Jahrhundert, das als russische religiöse Renaissance in die Kulturgeschichte Russlands eingegangen ist. Im ersten Kapitel werden die Voraussetzungen für die Entstehung dieses Phänomens aufgezeigt, welche die Verfasserin von der Ästhetik des deutschen Idealismus und von der Gesinnung der deutschen Romantik ableitet. Im zweiten Kapitel werden die genuin russischen symbolistisch-neuchristlichen ästhetischen Konzepte abgehandelt, die auf die ästhetischen Vorstellungen der russischen Künstler zu Beginn des 20. Jahrhunderts einen großen Einfluss ausübten. Dieser Einfluss ist das Thema des dritten Kapitels dieser Arbeit, in dem es um die theoretischen Auseinandersetzungen der russischen bildenden Künstler geht. Die vorliegende Dissertation trägt dazu bei, ein klareres Bild der damaligen Epoche der zwanziger Jahre in Russland zu gewinnen und ermöglicht ein tieferes Verständnis der Entstehung und Entwicklung der symbolistischen Weltanschauung in Russland.

Der russische Komponist Nikolaj Karlovič Metner (1880–1951) hat vierzehn Klaviersonaten veröffentlicht, die in ihrer Gesamtheit eine erstaunliche Vielfalt an Formen und dramaturgischen Konzepten aufweisen. Der Werkkorpus beinhaltet sowohl kompakte einsätzige Sonaten, die mitunter in Zyklen von Charakterstücken eingebettet sind, als auch große Strukturen von geradezu symphonischen Dimensionen. Die Sergej Rachmaninov gewidmete Sonate in e-Moll op. 25/2 (1910–12) ist mit ca. 35 Minuten Spielzeit das längste und vielschichtigste Solowerk Metners; ihre spieltechnischen Anforderungen transzendieren den Anspruch der meisten zu dieser Zeit entstandenen Klavierkompositionen. Damit markiert sie einen Höhepunkt in Metners Sonatenschaffen und nimmt auch im Vergleich mit anderen Sonatenkonzepten des frühen 20. Jahrhunderts eine besondere Stellung ein. In einer strukturell ambivalenten, einsätzigen Großform integriert das Werk nicht nur gattungstypische Merkmale (zwei sonatensatzartige Teile, die durch eine ausgedehnte Einleitung und deren Reiterationen miteinander verschränkt werden), sondern auch Elemente der Ritornellform und verschiedene Kanon- und Fugato-Techniken. Die Beigabe eines lyrischen Mottos von Fëdor Tjutčev (»Wovon heulst du, Wind der Nacht?«) und eine suggestive Vortragsbezeichnung (»Das ganze Stück [ist] in einem epischen Geist«) legen außerdem eine hermeneutische Deutungsebene nahe, die auf Einflüsse durch die Philosophie und Literatur des russischen Symbolismus verweist. Alle diese Eigenschaften lassen das Werk als einen Kulminationspunkt in der Gattungsgeschichte der Klaviersonate erscheinen. Dieser Beitrag diskutiert die genannten Aspekte aus analytischer, musikästhetischer und rezeptionshistorischer Perspektive. / The Russian composer Nikolai Karlovich Medtner (1880–1951) wrote fourteen piano sonatas, which, in their entirety, show an astonishing variety of musical forms and dramaturgic conceptions. This body of work features compact single-movement sonatas of different types – some of which are embedded in cycles of piano miniatures—as well as large structures of quasi-symphonic dimension. The E minor Sonata, Op. 25 No. 2 (1910–12) is Medtner’s most complex and extensive work for solo piano, with its interpretive and technical challenges surpassing the demands of most other piano literature from that time. In this way the sonata (which is dedicated to Sergei Rachmaninov) marks a climax in Medtner’s sonata output and also holds a prominent position in comparison to other sonata conceptions of the early twentieth century. In a large and structurally ambiguous single-movement form, the sonata incorporates not only features typical of the genre (such as two separate sonata-allegro sections, linked by an extended introduction and its reiterations), but also elements of ritornello form, as well as canon and fugato techniques. In addition, a poetic motto by Fyodor Tyutchev (»What do you howl about, night wind?«) and an imaginative performance indication (»The whole piece [is] in an epic spirit«) suggest a hermeneutic interpretation, with particular reference to philosophy and literature of the Russian Symbolist movement. These traits and qualities allow the work to be seen as a culmination point in the history of the genre of piano sonata. The present article discusses the abovementioned aspects from the perspectives of music aesthetics, analysis, and history of reception.