Ce travail trouve son origine dans une carence du discours critique sur la religion dans le roman québécois et chez Anne Hébert en particulier, soit une absence d'analyse du jansénisme. Cette doctrine est pourtant considérée comme un élément structurant de la mentalité québécoise du XXe siècle. Et c'est une idée reçue, encore aujourd'hui, que l'Église du Québec en a été imprégnée. Il nous a paru qu'une étude sociopoétique, centrée sur les figures de l'ange et de la sorcière (appartenant à la fois au code catholique et au code folklorique), inscrites dans trois romans clés de notre auteure, nous permettrait d'aller plus avant sur cette question. À cette fin, notre thèse présente d'abord une typologie sommaire du jansénisme. Vient ensuite une description du paradoxe né du fait qu'une Église ultramontaine puisse être janséniste. Pour mieux comprendre le phénomène, nous esquissons l'horizon idéologique d'Anne Hébert et dégageons son projet d'écrivain pour aborder, dans un deuxième volet, les marques du phénomène janséniste dans notre corpus. Nous trouverons en filigrane, dans l'intertexte catholique et janséniste, des traces discursives du fameux manifeste des artistes: Refus global. Dans le troisième volet, notre analyse des procédés structuraux utilisés par Anne Hébert fera voir une transformation de la sorcière-magicienne en artiste-magicienne, nous amenant à constater le renversement des signes ange et sorcière, en même temps que le passage d'une dévalorisation à la valorisation de la femme et de l'art. Ce faisant, nous découvrirons enfin que la révolte d'Anne Hébert contre le mensonge et les contradictions que nous avons cherché à accentuer équivaut à une révolte contre un faux « jansénisme », c'est-à-dire contre une mentalité qui est, en grande partie à tort, considérée comme représentative des port-royalistes. Car il s'agit chez elle d'une satire de la mentalité et du discours social ultramontains qui ont, pour ainsi dire, récupéré le vocabulaire janséniste, porteur de thèmes et de motifs qui intéressaient jadis profondément les port-royalistes (et sur lesquels ceux-ci ont médité avec tant d'intégrité), mais pour le détourner. L'usage qui est fait de l'intertexte catholique et folklorique dans les trois oeuvres examinées ici opère donc bel et bien un renversement des signes chrétiens, mais il n'y a pas renversement des valeurs évangéliques. En fait, ces valeurs sont rehaussées: elles sont très savamment, et de façon surprenante, mises en évidence. Par cette grande conclusion où se révèle l'art très raffiné d'Anne Hébert, nous pensons contribuer à remédier à l'occultation que nous avons au départ observée, dans le discours critique québécois. Nous espérons avoir tiré au jour un refoulé authentiquement chrétien à travers un discours et des formes narratives exemplaires. ______________________________________________________________________________ MOTS-CLÉS DE L’AUTEUR : Intertextes catholique, Folklorique et borduasien, Inversion parodique des images religieuses, Marques jansénistes positives et négatives (XVIIe – XXe siècles), Sorcière-magicienne-artiste, Écrivain fictif.

La figure mythique et légendaire, suggestive, occupe une position centrale dans l’esthétique du symbolisme européen (fin XIXe ̶ début XXe siècle). Cette thèse propose d’en étudier l’émergence et la fonction dans les œuvres de trois éminents représentants : Stéphane Mallarmé (1842–1898 France), William Butler Yeats (1865–1939 Irlande) et Stefan George (1868–1933 Allemagne). Un regard sur la société contemporaine (les arts, les découvertes scientifiques) permet de découvrir la place qui revient au mythe et à la légende. Au-delà des différences, affinités et contacts personnels rapprochent les trois poètes. Deux générations de symbolistes de langue différente se retrouvent dans une même vision de la création poétique. Œuvres poétiques (poésie, prose, théâtre), écrits théoriques, correspondances et entretiens révèlent une approche conjointe de l’image et du mythe : la figure mythique ou légendaire prend forme entre rêve et vision, réminiscence, évocation musicale et symbole littéraire. Du discours sur le mythe se dégage une théorie personnelle. Poésie et drame puisent aux sources hétérogènes des traditions s’enrichissent de philosophie, religion, occultisme, psychologie et vécu intime. La transposition d’art véhicule l’intertexte mythique du sujet pictural ou en sera contaminé, d’où un lien complexe entre texte et peinture (ou sculpture). Explicite dans l’œuvre de jeunesse, la figure mythique ou légendaire subira de multiples métamorphoses : syncrétique, elle fond les versions d’un mythe avec des traditions éloignées, superpose figures et faits mythiques et réels, historiques et contemporains. Implicite, elle est présente sous forme de traces dans l’abstraction du nom commun, pronom, qualificatif ou geste. La richesse des formes d’émergence lui assure son pouvoir d’irradiation. A la flexibilité de forme et contenu correspond la diversité des fonctions : la figure mythique se prête à toute figure stylistique et fonction grammaticale. Elle crée ainsi la cohésion dans l’œuvre et participe intimement à la construction du sens. La contamination atteint l’ensemble de l’œuvre mythopoétique. Autour des figures se forme une constellation d’images qui génère un nouveau mythe anthropocentrique, résumé et dépassement des traditions. D’abord « réservoir d’images » (Yeats) pour des créations futures, l’œuvre des poètes correspond de fait à une tentative bien plus ambitieuse : offrir une réponse à la quête du sens de l’Histoire et de la vie de l’Homme moderne qui ne croit plus en Dieu et dessiner les contours d’une société nouvelle. La figure mythique ou légendaire représente l’élément essentiel de la création poétique. / The suggestive mythical and legendary figure holds a central position in the aesthetic of European symbolism at the end of 19th and the beginning of 20th century. This doctoral thesis proposes to study its apparition and function in the works of three distinguished representatives: Stéphane Mallarmé (1842–1898, France), William Butler Yeats (1865–1939, Ireland) and Stefan George (1868–1933, Germany). A look on contemporary society (arts, scientific discoveries) will allow discovering the place due to myth and legend. Beyond their differences, affinities and personal contacts bring these poets closer together. Two generations of symbolists, speaking different languages, join in one and the same view on poetical creation. Poetic works (poetry, prose and theatre), theoretical texts, letters and conversations reveal joint approach to image and myth: the mythical and legendary figure takes shape among dreams and vision, reminiscence, musical evocation and literary symbol. A personal theory emerges from speech on myth. Poetry and drama draw from the heterogeneous sources of various traditions, enriching with philosophy, religion, psychology, occultism and private experience. Transposition of art conveys the mythical text of the painted subject or is contaminated by it. Hence a compound link from text to painting (or sculpture). Explicit in the poet’s early work, mythical and legendary figure will go through multiple metamorphosis: synthetic, it melts the different versions of a myth with traditions from far away, it superimposes mythical figures and facts on others taken from history and contemporary reality. Implicit, it will be present as a trace, a common noun, a pronoun, a qualifying adjective, or a gesture. Great diversity of forms provides him power of radiation. Flexibility of form and content matches with diversity of functions: the mythical figure lends itself to every stylistic figure and grammatical function. This way it creates cohesion within the work and contributes intimately to the construction of sense. Contamination affects all the mythopoetic work. Around these figures a constellation of images forms and produces a new anthropocentric myth, summarizing and going beyond traditions. Hoard of images for future creations in the beginning (Yeats), the poet’s work actually comes up to a bid far more ambitious: give an answer to the quest for sense of history and life of modern man who doesn’t believe in God any more, and draw the outline of a new society. Mythical and legendary figure represent the essential element of poetic creation. / Die mythische und legendäre Gestalt nimmt in der Ästhetik des europäischen Symbolismus (Ende des 19. – Anfang des 20. Jahrhunderts) eine zentrale Position ein. Diese Doktorarbeit stellt sich zur Aufgabe, ihr Vorkommen und ihre Funktion in den Werken von drei bedeutenden Vertretern zu untersuchen: Stéphane Mallarmé (1842-1898, Frankreich), William Butler Yeats (1865–1939, Irland), Stefan George (1968-1933, Deutschland). Ein Blick auf die zeitgenössische Gesellschaft (Kunst, wissenschaftliche Entdeckungen) ermöglicht es, herauszustellen, welche Stellung Mythos und Legende zufällt. Über alle Unterschiede hinaus sind sich die drei Dichter durch gemeinsame Interessen und persönliche Kontakte nahe. Symbolisten zweier Generationen und aus verschiedenen Sprachbereichen stimmen miteinander in dergleichen Auffassung von dichterischer Schöpfung überein. Dichterische Werke (Lyrik, Prosa, Theater), theoretische Schriften, Briefwechsel und Unterhaltungen lassen eine miteinander verbundene Betrachtungsweise von Bild und Mythos erkennen: die mythische und legendäre Gestalt nimmt Form an zwischen Traum und Vision, Erinnerung, musikalischer Evokation und literarischem Symbol. Aus der Rede über den Mythos geht eine persönliche Theorie hervor. Lyrik und Drama schöpfen aus den Quellen der heterogenen Traditionen, werden durch Philosophie, Religion, Okkultismus, Psychologie und intime Erfahrung bereichert. Die Übertragung bildender Kunst in Dichtung ("transposition d’art") vermittelt den im Gemälde zugrunde liegenden mythischen Text oder wird von ihm kontaminiert. Dadurch entsteht eine komplexe Beziehung zwischen Text und Malerei (oder Skulptur). Die mythische und legendäre Gestalt, in den Jugendwerken eindeutig erkennbar, erfährt später vielfältige Metamorphosen: synkretistisch verschmilzt sie die Varianten eines Mythos mit entfernten Traditionen, überlagert mythische Gestalten und Ereignisse mit reellen, historischen, zeitgenössischen. Implizit ist sie präsent in Form von Spuren, in der Abstraktion von Nomen, Pronomen, Adjektiv oder in einer Geste. Der große Formenreichtum sichert ihre Ausstrahlungskraft. Der Flexibilität von Form und Inhalt entspricht die Vielfalt der Funktionen: die mythische Gestalt passt sich jeder Stilfigur und jeder grammatischen Funktion an. Sie schafft somit die Geschlossenheit eines Werkes und nimmt im Innersten an der Sinnkonstruktion teil. Die Kontamination greift auf das ganze mythopoetische Werk über. Um die Gestalten herum bildet sich eine Konstellation von Bildern, die einen neuen anthropozentischen Mythos hervorbringt, der die Traditionen zusammenfasst und übertrifft. Zunächst „Bilderreservoir“ (Yeats) für zukünftige dichterische Schöpfungen, verfolgt das Werk der Dichter in Wirklichkeit einen viel ambitiöseren Versuch: auf die Frage nach dem Sinn in der Geschichte und im Leben des modernen Menschen, der nicht mehr an Gott glaubt, eine Antwort geben und die Konturen einer neuen Gesellschaft skizzieren. Die mythische oder legendäre Gestalt ist wesentliche Konstituente der Dichtung.

L'œuvre de l'écrivain Moacyr Scliar témoigne de la transposition de son héritage culturel juif à sa création littéraire, créant un " entre-lieu " propice à la formation de représentations hybrides issues de sa double inscription identitaire : juive et brésilienne. Le présent travail se propose d'étudier les mécanismes de son univers hybride, comprenant autant la forme (hybridité générique) que le fond (hybridité culturelle) de dix-sept récits de fiction publiés entre 1968 et 2008. La première partie de cette étude s'attache à analyser la formation d'un espace judaïco-brésilien en mouvement constant et aussi la spécificité de ses représentations métamorphiques animales. La seconde partie, réservée au genre hybride des métafictions historiographiques, est consacrée à l'analyse des stratégies de traduction culturelle concernant le rapport entre personnages juifs et personnages historiques mythiques. Dans le troisième volet, nous proposons une réflexion sur l'évolution des pratiques intertextuelles bibliques, allant de l' " impli-citation " à la parodie postmoderne.

L’œuvre de l’écrivain Moacyr Scliar témoigne de la transposition de son héritage culturel juif à sa création littéraire, créant un « entre-lieu » propice à la formation de représentations hybrides issues de sa double inscription identitaire : juive et brésilienne. Le présent travail se propose d’étudier les mécanismes de son univers hybride, comprenant autant la forme (hybridité générique) que le fond (hybridité culturelle) de dix-sept récits de fiction publiés entre 1968 et 2008. La première partie de cette étude s’attache à analyser la formation d’un espace judaïco-brésilien en mouvement constant et aussi la spécificité de ses représentations métamorphiques animales. La seconde partie, réservée au genre hybride des métafictions historiographiques, est consacrée à l’analyse des stratégies de traduction culturelle concernant le rapport entre personnages juifs et personnages historiques mythiques. Dans le troisième volet, nous proposons une réflexion sur l’évolution des pratiques intertextuelles bibliques, allant de l’ « impli-citation » à la parodie postmoderne. / The work of author Moacyr Scliar is a living testimony to the transposition of his Jewish cultural legacy to his literary creation, which gave life to a “place in between” favourable to the inception of hybrid representations coming from his twofold identity, Jewish and Brazilian. The present work intends to study the mechanisms of his hybrid world including both the form – generic hybridism – and the content – cultural hybridism – of seventeen fictional narratives published between 1968 and 2008. The first part of this study will analyse the formation of a Judeo-Brazilian space which is in constant motion but also the specificity of its animal metamorphic representations. The second chapter is devoted to the hybrid type of historiographic metafictions and to the scrutiny of the strategies dealing with cultural translation in the case of mythical Jewish and historical characters and their relations. The third part proposes to reflect on the evolution of biblical intertextual practices, ranging from implicitation to postmodern parody.

L’importance du religieux au siècle des Lumières n’est plus à démontrer, tant dans sa dimension historique que philosophique ou artistique. Mais il s’agit de savoir s’il existe une pensée du religieux au XVIII° siècle, i.e. des modes spécifiques de peser des sens qui ont à voir avec l’invisible, le surnaturel ou le divin. Plutôt qu’une idée en particulier, idée de bonheur, de nature, d’énergie ou d’inquiétude, nous étudions un rapport, une relation articulée entre l’homme et le symbolisable: comment une société donnée mesure ce rapport au surnaturel, et à travers quels médias. L’enquête privilégie la littérature d’idées, la production d’une pensée qui n’adhère jamais ni à l’identité ni au concept, mais qui est plutôt écart et mouvement, et qui par cela même peut s’aventurer sur des terra incognita ; elle privilégie aussi la peinture d’histoire, le genre où l’iconographie est par excellence cosa mentale, manifestation visuelle des méditations d’une pensée. Les analyses sémiostylistiques des œuvres sont orientées par deux pôles, l’intertextualité biblique et la praxis socio-théologique de la Querelle des refus de sacrements. Elles permettent de saisir les mutations du paradigme biblique, de la pensée rationaliste et de l’esthétique mimétique tout en mettant au jour les obstacles épistémologiques, les points de résistance, les skandalon. La pensée du religieux au XVIII° siècle, entre audace et effroi, apparait marquée par l’expérience et l’ethos, une esthétique du témoin qui doit beaucoup à la pensée janséniste du témoignage, ainsi qu’une remise en cause de la pensée rationaliste au profit d’une nouvelle philosophie du langage / The importance of Religion in the Age of the Enlightenment is no longer to be proven, whether it be historically, philosophically ar artistically. The question is to make out if there exists a way of thinking Religion in the XVIIIth century, i.e. specific modes of weighing meanings which are related to the invisible, the supernatural or the divine. Rather than one idea in particular (happiness, nature, energy, anxiety), we are studying a connection, an articulate relation between man and what can be symbolized : how a given society assesses this connection to the supernatural, and through wich media. Our investigation favours essays, the production of a thinking which never adheres to the identity or the concept, but which is rather a swerve, a movement, which allows it to explore terra incognita ; the investigation also favours history painting, the genre in which iconography is by essence cosa mentale, a visual manifestation of the mediations of a thinking. The semiostylistical analysis of the works are orientated by two poles, the biblical intertextuality and the socio-theological praxis of the quarrel over the refusal of sacraments. These analysis allow to grasp the mutations of the biblical paradigm, the rationalist thinking and mimetic aesthetics while they make light on the epistemological obstacles, the resistance points, the skandalon. Thinking Religion in the XVIIIth century, between audacity and dismay, appears marked by the jansenist thinking of testimony, as well as a questionning of rationalist thinking in favour of a new philosophy of language

Jorge Semprun, survivant de Buchenwald, entend « faire [du] témoignage un espace de création ». L’inventivité formelle du roman lui permet d’exprimer la vérité de l’expérience vécue, en créant un espace textuel réflexif où auteur et lecteur, l’un mis en scène dans l’acte d’écriture, l’autre appelé à prendre conscience de son rapport actif à la constitution du sens du récit, se rencontrent dans la relation éthique du témoignage. Mon travail concerne les caractéristiques formelles de ce roman de l’histoire, pour expliciter sa relation au discours politique en particulier, et mettre en relief l’autonomie esthétique du roman, sur laquelle repose la spécificité du rapport littéraire à l’histoire. Semprun met en place cette esthétique au moyen de multiples innovations narratives et d’une conception du récit comme performance, où le Dire est distinct du Dit (Levinas) : cette dimension performative du récit est décrite dans cette étude au moyen d’une approche phénoménologique de la lecture, centrée sur les dynamiques interprétative et imaginaire mises en œuvre par le sujet lisant. Le contraste entre esthétique narrative et discours idéologique définit non seulement les stratégies d’écriture de Semprun, mais également le rôle attribué au lecteur : ce dernier, prenant conscience des motivations et procédés rhétoriques de l’auteur, qui multiplient explicitement les trajectoires interprétatives au sein du texte, réalise que l’enjeu du témoignage réside dans l’acte de lecture, une lecture engagée, participative et en perpétuel renouvellement / Jorge Semprun, survivor of Buchenwald, intends to « make testimony a space of creation ». The formal inventiveness of the novel allows him to express the truth of his experience, by creating a reflexive textual space in which the author is presented in the act of writing, and the reader is called to realize his/her active part in the constitution of narrative meanings. Author and reader thus collaborate on establishing the ethical relationship of testimony. My dissertation examines the formal characteristics of this novel of history, to describe its relationship to political discourse in particular, and to highlight the aesthetic autonomy of the novel, which defines the specificity of literature’s approach of history. Semprun develops this aesthetics through multiple narrative innovations and a conception of narration as performance, where Saying is distinct from the Said (Levinas) : this performative dimension of the narration is described in this work through a phenomenological notion of reading, centered on the interpretative and imaginary activities brought into play by the reading subject. The contrast between narrative aesthetics and ideological discourse does not only define Semprun’s writing strategies, but also the function attributed to the reader in these texts. Becoming aware of the author’s motivations and rhetorical processes, which explicitly multiply interpretative trajectories within the text, the reader realizes that the stakes of testimony reside in the act of reading, a reading that is engaged, participative, and perpetually renewed.

Cette thèse est consacrée à l’œuvre abondante et originale de l’écrivain contemporain Éric Chevillard. Son objet est de cerner l’isotopie du cliché dans l’écriture chevillardienne où le rapport à la littérature passe essentiellement par la manipulation des stéréotypes, des topoï et des idées reçues. Ainsi, la contestation de la banalité apparaît comme une des constantes majeures de ses textes. Pour en signaler les caractéristiques et les modalités principales, le travail s’organise autour de trois axes : le rôle du cliché verbal dans l’organisation stylistique du récit, puis l’observation de sa dimension intertextuelle à travers le cliché citationnel qui dénonce la banalisation de la référence littéraire, et, enfin, la remise en question de la doxa qui régit la société moderne. Cette triple manipulation du cliché définit la posture singulière d’Éric Chevillard au sein du champ littéraire contemporain fondée sur les notions de l’écart, de la distance ironique et du rejet du réalisme prosaïque en littérature. Le dernier mouvement de l’étude vise à démontrer qu’au delà de sa propre fiction, le cliché est mobilisé par le Chevillard critique comme un des critères essentiels de la qualité littéraire que ce soit sur son blog, L’Autofictif, ou dans sa chronique hebdomadaire dans Le Monde des livres. C’est là que le cliché acquiert véritablement la valeur isotopique dans la mesure où sa contestation assure la cohésion de l’œuvre entière. / This PhD thesis is devoted to the prolific and original work of the contemporary writer Éric Chevillard. Its subject is to define the isotopy of cliché in Chevillard's writing, in which the relationship to literature mostly goes through the manipulation of stereotypes, topoi and accepted ideas. Thus, questioning the banality appears like one of the major constants of his texts. In order to indicate the characteristics and main modalities, the work is organized around three axis: the role of verbal cliché in the narrative stylistic organization, then the observation of its intertextual dimension through the cliché of quotation which denounces the trivialization of literary reference, and, finally, the questioning of the doxa ruling modern society. This triple manipulation of cliché defines Éric Chevillard singular position in a contemporary literary field based on notions of gap, ironical distance, and rejection of prosaic realism in literature. The last movement of the study aims at demonstrate that, beyond its own fiction, the cliché is being called on by Chevillard-critique as one of the essential criteria of literary quality, both on his blog, L’Autofictif, or in his weekly column in Le Monde des livres. This is where the cliché truly acquires the isotopic value insofar as its contestation provides the entire work cohesion.

Cette thèse, située dans le contexte post-Colonial au Japon, s’articule autour d’un concept crée par Yang Seog-Il, écrivain contemporain zainichi : le « corps asiatique ». Après avoir circonscrit le champ d’analyse couvert par ce terme, notre étude formule la problématique suivante : par quels moyens ce « corps asiatique » s’affronte, dans la littérature de Yang -Dite zainichi-, au dépassement de l’ère coloniale et post-Coloniale au Japon ? Au cours de cette étude, nous recourrons à l’intertexte de la littérature maghrébine d’expression française (de Azouz Begag en particulier) lu comme dans un miroir. La première partie cartographie les contextes socio-Historiques de ces deux populations diasporiques, formées de décolonisés -Zainichi au Japon et Français issus de l’immigration maghrébine en France- apparues au siècle dernier, ainsi que le processus de formation des catégories littéraires associées à ces populations. Ensuite, nous entrons dans la profondeur du corpus, en abordant la manifestation de la subjectivité des (ex-) colonisés en tant que corps asiatique, à l’aide de l’épistémologie de Mikhaïl Bakhtine. La troisième partie enfin, est consacrée à une nouvelle lecture de ces œuvres, en établissant un lien entre le thème littéraire du parricide et le « corps asiatique ». Fils du Japon post-Colonial, Yang Seog-Il désire éliminer et dépasser un père tant filial que symbolique. Cependant, sa tentative de dépassement qui se veut passer par la féminisation de ce « corps asiatique » nous invite à effectuer une ultime lecture sous l’angle de la critique féministe post-Coloniale, pour en dévoiler les restes de rapports de domination. / In the context of post-Colonial Japan this dissertation attaches itself to explore the concept of a contemporary writer, a so-Called Zainichi: Yang Seog-Il’s “Asiatic body”. Having defined the field of interpretations covered by this term, our central question will be: in Yang Seog-Il’s literature how is the “Asiatic body” engaged in a process of overcoming this colonial and post-Colonial era? While reading Yang’s works, we shall use as an intertext and a mirror, some literary cases of contemporary francophone North African descendant writers (especially Azouz Begag’s texts). The first part shall map the socio-Historical context of these two diasporic populations (the Decolonized Zainichi in Japan and the Descendant from North African immigrants in France), that appeared in the last century, and in the same time, the birth of their so-Called post-Colonial literature. In the second part, we intend to make an in-Depth interpretation of our corpus, in taking up the manifestation of subjectivity of the (ex) colonized as the “Asiatic body”, using the Mikhaïl Bakhtine’s epistemology. The third part at last is devoted to a new reading of the literary works we are interested in: by establishing a link between the parricide as a literary theme and the “Asiatic body”, the wish of the son of post-Colonial Japan, Yang Seog-Il, to eliminate the father appears to renegotiate symbolical aspects that must be analysed. Hence, the feminization of the “Asiatic body” undertaken by Yang has to be read under the light of a feminist post-Colonial criticism that might uncover new themes of domination.

Ce mémoire est une analyse comparative écocritique entre Le Roman de Tristan et Iseut, composé par Joseph Bédier en 1900, et ses sources médiévales principales : les poèmes du XIIIe siècle de Béroul, de Thomas d’Angleterre, d’Eilhart d’Oberg et de Gottfried de Strasbourg. L’objectif principal de notre étude est de chercher à savoir si la perception de la Nature dans le roman de Bédier diffère de celle des textes médiévaux. Pour atteindre ce but, nous dirigeons notre attention sur les descriptions des paysages sauvages et sur les épisodes où les forces de la Nature semblent influencer le déroulement des évènements du récit. Nous analysons ces passages, et nous les comparons avec les descriptions correspondantes tirées des sources de Bédier. Nos résultats montrent que, même si la représentation de la Nature est chez Bédier loin d’être unilatérale, elle témoigne généralement d’une vue plus positive de la nature sauvage par rapport aux textes médiévaux. De ce fait, le roman de Bédier s’éloigne de la tradition médiévale, qui consiste à voir les environnements sauvages comme étant inhospitaliers et périlleux, et s’approche plutôt de la tradition romantique qui célèbre les merveilles de la Nature. / This essay is a comparative ecocritical analysis of The Romance of Tristan and Iseult, composed by Joseph Bédier in 1900, and its principal medieval sources: the thirteenth-century poems of Béroul, Thomas of Britain, Eilhart von Oberge and Gottfried von Strassburg. The overall aim of the study is to investigate how the perception of Nature in Bédier’s work differs from that in the medieval texts. To meet this aim, we turn to the textual descriptions of wild landscapes and the episodes where the forces of Nature seem to have a powerful influence on the unfolding of the events in the story. These passages are analysed and compared with the corresponding descriptions in Bédier’s sources. Our results show that, while Bédier’s portrayal of Nature is by no means one-sided, it generally displays a more positive view of Nature and wilderness than the medieval texts. In this regard, Bédier’s novel moves away from the medieval tradition of imagining wild environments as inhospitable and perilous and approaches the romantic tradition of celebrating the wonders of Nature.