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Téspis cibernético: o ator/atriz na prática da performance capture e as transformações da natureza da atuação / Cyber Thespian: The actor/actress in the practice of performance capture and the transformations of the naturePinheiro, Patricia Leandra Barrufi 03 August 2017 (has links)
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Previous issue date: 2017-08-03 / Fundação de Amparo à Pesquisa e Inovação do Estado de Santa Catarina - FAPESC / This text proposes a reflection on the work of the actor in contemporary times, considering
the creative practices that uses the captures of image and performance capture. The study
begins with the realization that the profession of actor is now practiced in different
environments or media, such as theater, television, cinema, internet, and digital games. The
study focuses on the use of Performance Capture, which can be allied to the work of the actor,
but at the same time calls into question the nature of this work, as this is an instrument of
manipulation by digital technology. Is there a new concept of acting? The actor's work,
mediated by Motion Capture or Performance Capture, can be qualified as an interpretation?
This thesis aims to reflect on the creative processes related to the technology called
Performance Capture and the definition of the concept of specific actor for this medium using
concepts of actuation, corporality, virtuality and capture of performance. For this, the notion
of expanded field in relation to the performance is used to consider what seems exclusive of
the cinematographic productions to the territory of the art, particularly of the performance.
Consequently, the thesis explores technical and ethical issues arising from the practice that
appropriates the images generated by the expressions, acting and the bodies of the actors. / Este texto propõe uma reflexão sobre o trabalho de ator na contemporaneidade considerando
as práticas criativas que utilizam as capturas de imagem e captura de atuação. O estudo parte
da constatação de que a profissão de ator é hoje exercida em diferentes ambientes ou mídias,
tais como o teatro, a televisão, o cinema, a internet, e jogos digitais. O estudo tem seu foco na
utilização da Performance Capture, que pode ser aliada ao trabalho de ator, mas, que ao
mesmo tempo coloca em questão a natureza deste trabalho, pois este é um instrumento de
manipulação pela tecnologia digital. Existiria então um novo conceito de atuação? O trabalho
do ator, mediado pelo Captura de Movimento ou Atuação, pode ser considerado
interpretação? Esta tese busca refletir sobre os processos criativos relacionados com a
tecnologia denominada Performance Capture e a definição do conceito de ator específico
para esse meio, utilizando-se de conceitos de atuação, corporalidade, virtualidade e captura de
atuação. Para tanto, utiliza-se a noção de campo expandido em relação à atuação para
considerar isso que parece exclusivo das produções cinematográficas ao território da arte,
particularmente da atuação. Consequentemente, a tese explana sobre questões técnicas e éticas
decorrentes da prática que se apropria das imagens geradas pelas expressões, atuação e dos
corpos dos atores.
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A direção de arte servidora de dois amos : o teatro e o cinema / The production design servant of two wasters: the teacher and the cinemaPereira, Luiz Fernando 20 May 2016 (has links)
Submitted by Luiza Kleinubing (luiza.kleinubing@udesc.br) on 2018-03-06T18:44:02Z
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Previous issue date: 2016-05-20 / This research aims to highlight production design and the work of a production designer
showing through the latest studies their role in theater making. Cinema, which has
emerged from theater, has developed and incorporated the function of production design
to such a degree that it has become a major narrative language in the visuality of a film,
whereas in theater it has not happened yet. This study begins conceptualizing
production design and its constituent elements such as scenography, costumes, makeup,
characterization of a character and lighting that are essential in the construction of a
narrative language. It also highlights the importance of the acting area as a mean in
which the dramatic action takes place. It is noted that since its inception the theater, in
one way or another, has made use of the production design, although it was not so
named, which was performed by skilled workers from the most different areas. After
analyzing the development and application of production design methodology in
filmmaking and in theater, it is presented the hypothesis that a production designer must
effectively become part of a creative team when staging a play. The theoretical
framework present in this research draws on the author's experience as a production
designer both in theater and filmmaking and on works of Felisa Blas Gómez, Michael
Rizzo and Vincent LoBrutto, which support this study. What makes it relevant to
Brazilian theater is the lack of formal studies in this area. Aiming to fill this gap and
stimulate the expansion of production design, both in the job market and in the
Academy, the author presents his methodology. / O objetivo desta pesquisa é ressaltar a importância da direção de arte e do diretor de arte
evidenciando com estudos mais recentes seu papel no fazer teatral. O cinema, que
surgiu a partir do teatro, desenvolveu e incorporou a direção de arte tornando-a uma
linguagem narrativa fundamental na criação da visualidade de um filme, prática ainda
não consolidada no teatro. Este estudo inicia-se com a conceituação da direção de arte e
seus elementos constitutivos: a cenografia, o figurino, a maquiagem, a caracterização e
a iluminação, essenciais para a construção da linguagem narrativa. Destaca-se também a
importância do espaço cênico como um elemento no qual se materializa a ação
dramática. Constata-se que desde o seu surgimento o teatro, de uma maneira ou de
outra, usufruiu da direção de arte, ainda que ela não fosse assim denominada,
desempenhada por profissionais das mais diferentes áreas. Após a análise do
desenvolvimento e da aplicação da metodologia da direção de arte no cinema e no
próprio teatro, apresenta-se a hipótese de que o diretor de arte passe efetivamente a
integrar a equipe criadora nas montagens teatrais. A construção teórica presente nesta
pesquisa apoia-se na experiência do autor como diretor de arte, no teatro e no cinema, e
nas obras de Felisa de Blas Gómez, Michael Rizzo e Vincent LoBrutto, que a
corroboram. O que a torna relevante para o Teatro Brasileiro é a carência de estudos
formais nesta área. Visando preencher esta lacuna e estimular a expansão da direção de
arte, tanto no mercado de trabalho quanto na Academia, o autor apresenta sua
metodologia.
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Análise do discurso fílmico pela lente foucaultiana: uma arquegenealogia da homossexualidade em filmes do cinema brasileiro / Analysis of the fichic discourse by the foucaltian lens: an archegenealogy of homosexuality in Brazilian cinema filmsCól, Rafael Marcurio da [UNESP] 23 January 2018 (has links)
Submitted by RAFAEL MARCURIO DA COL null (rafaeldacol@hotmail.com) on 2018-03-16T05:25:41Z
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Previous issue date: 2018-01-23 / Este trabalho tem o objetivo geral de analisar procedimentos discursivos que criam subjetivações de personagens homossexuais no cinema brasileiro, verificando a emergência dessa identidade a partir dos anos 1980. Esse objetivo nos leva também a investigar as condições de possibilidade que permitiram transformações da representação do homossexual que abrangem desde um momento em que era silenciado até a sua visibilidade no contemporâneo. Nosso corpus de análise foi constituído a partir do critério de momentos de ruptura que fizeram emergir distintas representações do homossexual, em quatro (4) filmes, que são: O Beijo no Asfalto (1980), Carandiru (2003), Madame Satã (2001) e Hoje Eu Quero Voltar Sozinho (2014). Sob a luz da Análise do Discurso derivada dos estudos de Michel Foucault, pretendemos analisar as práticas discursivas, numa perspectiva arqueogenealógica, a fim de perceber as relações de poder na historicidade desses enunciados. Também são importantes trabalhos de pesquisadores brasileiros sobre discursividade e cinema como os de Milanez (2014) e Xavier (2003; 2008). Com esses pressupostos teóricos, analisaremos a interdiscursividade das imagens que evidencia transformações da identidade do homossexual, delineando um movimento que vai das margens da sociedade para o seu centro, da falta ao excesso, em consonância com mutações políticas e sociais que ensejaram o aparecimento de novas discursividades. Assim, verificamos a normalização da identidade homossexual para que seja possível constituir um filme no cenário nacional, seguindo os padrões sociais de virilidade e deixando o homossexual afeminado nas denominadas heterotopias de desvio como a prisão e o bordel. Em suma, o homossexual passa do apagamento para uma hipervisibilidade das relações homoafetivas dentro do cinema nacional a partir dos anos 2000. No entanto, é possível verificar diversas articulações do dispositivo fílmico nacional que restringe e censura o que ainda pode emergir sobre essa subjetividade no cinema nacional que por um lado humaniza a relação homoafetiva, mas que por outro a normatiza e revela um ideal que deve ser seguido para que exista a possibilidade de emergência dentro da sociedade brasileira.
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Bodas de Sangue, de Carlos Saura : releitura do musical clássico /Alves, Marcela Loureiro. January 2011 (has links)
Orientador: Dr. Sérgio Mauro Romagnolo / Banca: Dr. Pelópidas Cypriano de Oliveira / Banca: Dr. João Eduardo Hidalgo / Resumo: O gênero musical, assim como os demais, apresenta um caráter dinâmico. Revendo a história dos musicais é possível notar uma série de transformações e novos usos dos elementos cinematográficos típicos do gênero. Entre esses momentos de transformação, este trabalho destaca a realização de Carlos Saura, "Bodas de Sangue". A partir de considerações preliminares acerca das discussões teóricas sobre o cinema e uma abordagem da história dos musicais, propõe-se uma análise de "Bodas de Sangue" como uma releitura do musical clássico, sobretudo em função do uso da dança como elemento narrativo fundamental. Esse processo analítico tem como referência as considerações de Christian Metz acerca da significação no cinema e a proposta de análise fílmica de Francis Vanoye e Anne Goliot-Lété. É estabelecido ainda o diálogo desses autores com conceitos desterritorializados de Gilles Deleuze acerca da linguagem e da imagem, como "encontro" e "diálogo". Assim, investiga-se como a combinação dos elementos de diferentes linguagens - cinema e dança, sobretudo - se articulam de modo que a história seja contada pela dança e, portanto, resultem numa nova abordagem do gênero musical / Resumen: Él género musical, así como los demás, tiene un carácter dinámico. Repasando la historia de los musicales es posible notar una serie de cambios y nuevos usos de los elementos típicos de este tipo de género. De los momentos de transformación, este trabajo destaca la película de Carlos Saura, "Bodas de Sangre". Partiendo de consideraciones preliminares sobre las discusiones teóricas sobre el cine y también de la história de los musicales, se propone aquí un análisis de la película "Bodas de Sangre" como una nueva versión del género musical clásico, en particular mediante el uso de la danza como elemento narrativo fundamental. Este proceso de análisis tiene como referencia las consideraciones de Christian Metz sobre la significación del cine y la metodología de análisis de películas de Francis Vanoye y Anne-Goliot Lete. Se estableció también un diálogo de estos autores con conceptos desterritorializados de Gilles Deleuze sobre el lenguaje y la imágen, como "reunión" y "diálogo". Por lo tanto, se investiga cómo la combinación de los elementos de diferentes lenguajes - el cine y la danza en particular - están vinculados de modo que la historia es contada a través de la danza y por eso resulten en un nuevo enfoque del género musical / Mestre
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Cinema de fluxo no Brasil: filmes que pensam o sensívelCunha, Emiliano Fischer January 2014 (has links)
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Previous issue date: 2014 / This dissertation aims to analyze flux cinema, to understand how it manifested itself in recent brazilian production and to propose a film analysis approached through the sentience. In order to achieve that, at first, we will conceptualize flux cinema, seeking for its main characteristics. We then present a theoretical debate around the idea of real, time and sentience and the construction of meaning at flux cinema. For this, we rely in authors such as André Bazin, Gilles Deleuze, Emanuele Coccia and Jacques Rancière. Finally, we make an analysis, built on the concept of filmic figure (from Philippe Dubois), on a corpus consisting of two fiction features, representatives of Brazilian flux cinema: Os monstros (Pedro Diogenes, Guto Parente, Luiz Pretti and Ricardo Pretti, 2011) and Histórias que só existem quando lembradas (Julia Murat, 2011). / O objetivo desta dissertação é analisar o cinema de fluxo, compreender como o mesmo se manifestou na produção recente do Brasil e propor uma análise fílmica a partir do sensível. Para isso, em um primeiro momento, buscamos conceituar o cinema de fluxo e apreender suas principais características. Em seguida, apresentamos um debate teórico em torno da ideia de real, tempo e sensível e a construção de sentido no cinema de fluxo. Para tanto, nos apoiamos em autores como André Bazin, Gilles Deleuze, Emanuele Coccia e Jacques Rancière. Por fim, faremos uma análise, erguida sobre o conceito de figura fílmica (de Philippe Dubois), sobre um corpus composto por dois longas-metragens de ficção, representantes do cinema de fluxo brasileiro: Os monstros (Pedro Diogenes, Guto Parente, Luiz Pretti e Ricardo Pretti, 2011) e Histórias que só existem quando lembradas (Julia Murat, 2011).
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No cinema e na vida : a difícil arte de aprender a morrerBottini, Maria Emília 14 November 2014 (has links)
Tese (doutorado)—Universidade de Brasília, Programa de Pós-Graduação em Educação, Faculdade de Educação, 2014. / Submitted by Larissa Stefane Vieira Rodrigues (larissarodrigues@bce.unb.br) on 2014-12-16T14:14:56Z
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2014_MariaEmíliaBottini.pdf: 1531238 bytes, checksum: 11f0fe43629091c03800bf5e7255cb29 (MD5) / Made available in DSpace on 2014-12-17T14:10:55Z (GMT). No. of bitstreams: 1
2014_MariaEmíliaBottini.pdf: 1531238 bytes, checksum: 11f0fe43629091c03800bf5e7255cb29 (MD5) / Os objetivos desta pesquisa foram: compreender a narrativa do cinema nas suas diversas manifestações; refletir a temática da morte nos tempos atuais e analisar a narrativa fílmica veiculada pelo filme A partida (2008) de Yôjirô Takita. O cinema é visto como uma linguagem multifacetada, como um elemento constitutivo da indústria cultural, mercado, arte, espetáculo, lucro, entretenimento, diversão e da formação ideológica e possibilidade de desenvolvimento da sensibilidade. A morte, no ocidente, tornou-se interdita, inominada, tabu, mas ainda assim companheira inseparável da vida. Os elementos do filme abordados foram sonhos fenecidos; a morte como ofício; o fim dos dias; onde tudo está vivo, a morte está; nenhum tempo é tempo; o velho como o prenúncio do novo; o desassossego dos que ficam; tinha uma pedra no caminho; a vida precisa de inspiração; viver é uma honra. São relacionadas duas experiências como forma de educação para a morte e o morrer no espaço de sala de aula. A primeira, com o Corpo de Bombeiros do Distrito Federal (CBMDF) na disciplina Psicologia Aplicada ao Bombeiro Militar. E a segunda, com alunos da Pós-graduação em Educação da Universidade de Brasília (UnB) na disciplina Espaços de Cinema: Natureza e Cultura em Imagens e Sons. A discussão e análise são empreendidas mediante análise das narrativas dos cadetes e dos alunos. _____________________________________________________________________________________ ABSTRACT / The objectives of this research were: to understand the narrative of the film in its several manifestations; reflect the theme “death” nowadays and analyze the filmic narrative transmitted by the film “Departures (2008) by Yôjirô Takita. The film has been seen as a multi-faceted language, as a constituent part from the cultural industry, market, art show, profit, fun entertainment, ideological education and as the possibility of sensitivity development. Death in the West, became prohibited, innominate, taboo, but inseparable companion of life even so. The elements of the film were decayed dreams, death as a craft, the end of the days, there is death whenever there is life, no time is time, the old as a harbinger of the new, restlessness of those who remain; there was a stone in the middle of the road; life needs inspiration and living is an honor. Two experiences are related in order to learn from death and dying inside the classroom. The first one with the firemen from the Federal District (CBMDF) at Applied Psychology discipline. And the second experience with students from Postgraduate Education at the University of Brasilia (UnB) at the Film Environment discipline: Nature and Culture in Pictures and Sounds. The discussion and analysis have been undertaken from the cadets and students’ narratives.
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Valsa com Bashir : subjetividade, memória e geopolítica no documentário contemporâneoArrais, César Henrique da Rocha 09 March 2012 (has links)
Dissertação (mestrado)—Universidade de Brasília, Faculdade de Comunicação, Programa de Pós-Gradução em Comunicação, 2012. / Submitted by Elna Araújo (elna@bce.unb.br) on 2012-06-28T22:14:28Z
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2012_CesarHenriquedaRochaArrais.pdf: 25651919 bytes, checksum: 70b9e8a3125286a3162a4437b1829d17 (MD5) / Uma reflexão acerca da linguagem e das estratégias narrativas no cinema documentário contemporâneo é o objetivo deste projeto de pesquisa. A investigação é realizada a partir da análise do filme israelense Valsa com Bashir (2008), que se tornou um marco na história da não-ficção ao radicalizar tendências que há décadas vinham se constituindo de forma marginal aos postulados clássicos dessa cinematografia, encarnados, sobretudo, no estilo cinema direto e cinéma vérité. A obra do diretor Ari Folman propõe um mergulho na memória de seus personagens, construindo-se a partir de suas subjetividades. Consegue, assim, trazer para o discurso realista característico do documentário elementos pouco usuais como sonhos, alucinações e reminiscências carregadas de traumas e culpas. Mais que isso, Valsa com Bashir dá vida a tais elementos intangíveis, representando-os na realidade imagética por meio da técnica da animação, estruturando uma história em que o mundo fático e o mundo da imaginação misturam-se e revezam-se de forma caótica. Tudo isso tendo como pano de fundo um dos mais infames episódios das seis décadas de embate entre israelenses e palestinos na Terra Santa: o massacre de Sabra e Chatila durante a Guerra do Líbano em 1982. Ao expor a dor dos ex-combatentes e ao reconhecer a tragédia palestina, Valsa com Bashir aproxima-se de parte expressiva da cinematografia produzida atualmente em Israel, que caracteriza-se por apresentar visões alternativas acerca do conflito. _________________________________________________________________________________ ABSTRACT / A reflection about the language and the narrative strategies of the contemporary documentary cinema is the purpose of this project. The research is carried out from the analysis of the Israeli full-length film Waltz with Bashir (2008), which became a milestone in the nonfiction history by radicalizing tendencies which had been constituted on the borderline of the classical postulates of the nonfiction cinematography for decades, embodied, especially, in styles like the direct cinema and the cinéma vérité. The film directed by Ari Folman comes up with an excursion throughout the depths of character’s memories, building up its storyline through their subjectivities. Thereby, it brings unusual elements like dreams, hallucinations and recollections replete of trauma and guilt to the documentary’s realistic discourse. More than that, Waltz with Bashir gives life to these intangible elements, depicting it on the imagery reality through animation techniques, structuring a story where the factual world and the imaginary one mix and switch among themselves chaotically. All this considering as background one of the most infamous episodes of the six decades of clashes between Israelis and Palestinians in the Holy Land: the massacre of Sabra and Chatila during the Lebanon War in 1982. By exposing the former soldiers pain and recognizing the Palestinian tragedy, Waltz with Bashir approaches to significant part of the current cinematography produced in Israel, characterized by presenting alternative points of view about the Israel-Palestine conflict.
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Memórias de outra revolução mexicana : el compadre Mendoza (1933) e ¡Vámonos con pancho villa! (1935)Silva, Robson Nunes da 06 July 2012 (has links)
Dissertação (mestrado)—Universidade de Brasília, Instituto de Ciências Humanas, Departamento de História, Programa de Pós-Graduação em História, 2012. / Submitted by Albânia Cézar de Melo (albania@bce.unb.br) on 2012-09-13T14:14:41Z
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2012_RobsonNunesdaSilva.pdf: 1627583 bytes, checksum: baf64ad05f1f8c3b5de4d7d5a4acefb6 (MD5) / Made available in DSpace on 2012-09-14T12:35:55Z (GMT). No. of bitstreams: 1
2012_RobsonNunesdaSilva.pdf: 1627583 bytes, checksum: baf64ad05f1f8c3b5de4d7d5a4acefb6 (MD5) / O estudo que ora se apresenta nesta dissertação coloca-se num campo da pesquisa
historiográfica que propõe um diálogo na relação entre o cinema e a história. Influenciado e iluminado por alguns aspectos da filosofia da história de Walter Benjamin, procuro esquadrinhar, nos filmes El compadre Mendoza (1933) e ¡Vámonos con Pancho Villa! (1935), dirigidos pelo cineasta mexicano Fernando de Fuentes, a rememoração da experiência histórica revolucionária dos grupos camponeses zapatistas e villistas. Tomo esses filmes como objeto de análise para neles perscrutar a representação da ideia de revolução mexicana presente nestes grupos, a partir da maneira como o cineasta se apropria, encena e interpreta a
rememoração da luta armada e seus desdobramentos. ______________________________________________________________________________ ABSTRACT / The study here presented is placed in a field of historical research that proposes a dialogue on the relationship between cinema and history. Influenced and illuminated by some aspects of Walter Benjamin‟s philosophy of history, the idea is to scan the recollection of the historical experience of revolutionary zapatistas and villistas
peasant groups in the films El compadre Mendoza (1933) and ¡Vamonos con Pancho
Villa! (1935), both directed by Mexican filmmaker Fernando de Fuentes. I take these
films as an object of analysis to scrutinize within them the representation of this idea
of the Mexican revolution in these groups, from the way the filmmaker appropriates, performs and interprets the recollection of the armed struggle and its aftermath.
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O bandido e o invasor : transgressão no cinema brasileiroCarvalho, Layo Fernando Barros de January 2006 (has links)
Dissertação (mestrado)—Universidade de Brasília, Faculdade de Comunicação, 2006. / Submitted by Érika Rayanne Carvalho (carvalho.erika@ymail.com) on 2009-12-01T23:23:36Z
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Previous issue date: 2006 / O presente trabalho tem como objetivo traçar um paralelo entre os filmes “O Invasor” (2002) de Beto Brant e “O Bandido da Luz Vermelha” (1968) de Rogério Sganzerla em uma tentativa de se analisar a transgressão no cinema brasileiro. Com base no seu aparecimento na teoria cultural, estética e sociológica, reflete-se sobre o conceito de transgressão dentro da
sétima arte. Busca-se, então, uma revisão de suas manifestações na história do cinema brasileiro, apontando os filmes de Brant e Sganzerla como marcos transgressores de suas
épocas: Cinema da Retomada e Cinema Marginal (década 1960). Através da avaliação da recepção da crítica aos filmes em textos da época de seus lançamentos, as duas produções são
finalmente cotejadas em uma análise fílmica que busca unir imagem, bandidos, transgressão e contexto.
_______________________________________________________________________________ ABSTRACT / The aim of this present study is to compare Beto Brant’s film “O Invasor” (2002) and Rogério Sganzerla’s film “O Bandido da Luz Vermelha” (1968) analyzing transgression in Brazilian
cinema. Based on its appearance in the cultural, aesthetic and sociological theory, a concept of transgression is studied in cinema. The research aims to revise the manifestations of
transgression in the history of the Brazilian cinema, pointing Brant and Sganzerla’s films as marks of transgression of their times: Cinema da Retomada and Cinema Marginal (decade
1960). Through the evaluation of the reception of the critics about the films in articles published at the time of their release, the two productions are finally unified in a filmic analysis that joins image, outlaws, transgression and context.
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Um estudo das narrativas cinematográficas sobre as ditaduras militares no Brasil (1964-1985) e na Argentina (1976-1983) / A study of a cinematographic narratives about the military ditatorships in Brazil (1964-19885) and in Argentina (1976-1983)Souza, Maria Luiza Rodrigues January 2007 (has links)
Tese (doutorado)—Universidade de Brasília, Instituto de Ciências Sociais, Centro de Pesquisa e Pós-Graduação sobre as Américas, 2007. / Submitted by wesley oliveira leite (leite.wesley@yahoo.com.br) on 2009-10-15T19:39:33Z
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Previous issue date: 2007 / De que modo o cinema elabora a ditadura brasileira de 1964-1985 e a argentina de
1976-1983? Como os filmes constroem discursos imaginativos sobre a experiência
ditatorial nestes países? Neste trabalho, são discutidos e analisados filmes
brasileiros e argentinos produzidos entre 1985 e 2005 que focalizam os respectivos
períodos ditatoriais. Estes filmes são tomados como filmes-arquivo por abordar e
construir imaginativamente um passado que é, ao mesmo tempo, uma leitura do
presente. Na primeira parte, a partir de uma discussão sobre cinema, antropologia
e a questão da noção de contexto, é feita uma argumentação sobre a nação como
construção imaginativa, abrindo caminho para interrogar o papel das narrativas
fílmicas nos encadeamentos da vida social. Isso se dá, inicialmente, por meio de
uma abordagem da problemática política na produção cinematográfica brasileira e
argentina anterior às ditaduras, em contraponto com a da realização dos filmes a
partir da década de 1990. Em seguida, são discutidos aspectos das ditaduras no
Brasil e na Argentina e a importante questão dos arquivos ditatoriais: os dilemas
em torno de tornar públicos ou não os documentos da ditadura nestes países e o
trabalho social e histórico de interpretação que orbita tais arquivos são o horizonte
da noção de filmes-arquivo, a qual será retomada na conclusão. A segunda parte
apresenta os filmes argentinos tratados, assinalando sua ênfase na questão da
família e da nação por meio da análise de dois filmes – Garage Olimpo (Marco
Bechis, 1999) e Kamchatka (Marcelo Piñeyro, 2002) – que, a partir de opções
estéticas diferentes, dão destaque à temática dos desaparecidos políticos,
presente de várias maneiras no cinema argentino sobre a ditadura. Na terceira
parte, uma discussão sobre o grupo de filmes brasileiros permite ressaltar alguns
temas recorrentes nesta filmografia sobre a ditadura, destacando-se a análise de
Quase dois irmãos (Lúcia Murat, 2005) e Cabra Cega (Toni Venturi, 2005). Esses
filmes podem ser vistos como duas das principais maneiras de o cinema brasileiro
discutir, reconstruir e trabalhar os eventos do período ditatorial: de um lado, uma
ênfase mais detida nas histórias sobre a luta armada contra a ditadura; de outro, a
partir desse tipo de abordagem, a atenção à convivência entre setores antagônicos
na vida social brasileira. Na conclusão, retomando o tema da memória e do
arquivo, argumenta-se que os filmes analisados, como filmes-arquivo, insinuam
diferentes formas de reconhecimento das ditaduras, constituindo parte de uma
memória ativa, articulada politicamente à vida social, um arquivo suplementar aos
arquivos ditatoriais institucionais. ____________________________________________________________________________________ ABSTRACT / How does the cinema elaborate the periods of dictatorship in Brazil (1964–1985)
and in Argentina (1976–1983)? How do films build up imaginative discourses about
the experience of dictatorship in these countries? In this study, the Brazilian and
Argentine films produced between 1985 and 2005, focusing on their respective
dictatorial periods, are discussed and analyzed. These films are taken as filmsarchive
because they imaginatively approach and build up the past, which is, at the
same time, a way to read the present. In the first part, starting with a discussion
about cinema, anthropology and the notion of context, an argumentation about
nation as an imaginative construction is carried out, opening the path to question
the role of the film narratives in the social life enchainment. This occurs, initially,
through an approach of the political matters in the Brazilian and Argentine film
production before the dictatorships, in a counterpoint with the film making in the
1990s. After that, the aspects of the dictatorships in Brazil and in Argentine are
discussed, as well as the important issue of the archives of the dictatorial period:
the dilemmas whether making public the documents of this period in these two
countries and the social and historical work of interpretation that surrounds the
dictatorial archives, which are the horizon of the notion of films-archive, a subject
that will be retaken in the conclusion of this study. The second part presents the
Argentine films treated, signaling their emphasis on the matter of family and nation
through the analysis of two films – Garage Olimpo (Marco Bechis, 1999) and
Kamchatka (Marcelo Piñeyro, 2002) – which, from different esthetic options,
enhance the theme of people that disappeared due to political reasons, present in a
variety of ways in the Argentine cinema about the dictatorial period. In the third part,
a discussion about the Brazilian group of films permits to point out some recurrent
themes in this filmography enhancing the analysis of Quase dois irmãos (Lúcia
Murat, 2005) and Cabra Cega (Toni Venturi, 2005). These films can be seen as two
of the main ways in which the Brazilian cinema discusses, rebuilds and works the
events of the dictatorial period: on one side, emphasizing the stories about the
armed fight against the dictatorial government; on the other hand, from this kind of
approach, giving attention to the presence of antagonistic sectors in the Brazilian
social life. In the conclusion, returning to the theme of memory and archive, it is
commented that the films analyzed, as films-archive, insinuate different forms to
recognize the dictatorships, constituting part of an active memory, politically
articulated to the social life, a supplementary archive to the institutional dictatorial archives.
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