Pour respecter les droits d'auteur, la version électronique de cette thèse a été dépouillée de ces documents visuels. La version intégrale de la thèse a été déposée au Service de la gestion des documents et des archives de l'Université de Montréal. / Au cours du XIXe siècle, la notion de détail s’est imposée comme un outil théorique majeur pour l’appréhension des représentations visuelles. Menée à travers l’analyse de textes variés rendant compte de la réception des images dans le contexte de cas précis (exposition de peinture, inauguration d’un panorama, publication d’un ouvrage illustré, etc.), l’étude historique de la notion de détail révèle les différents préjugés et réseaux de signification qui lui étaient alors attachés. Le détail étant le produit d’un cadrage opéré par la perception visuelle, l’examen de cette notion nous renseigne non seulement sur le rapport que l’époque entretenait avec le visible, mais aussi sur la nature des liens qu’elle tissait entre la partie et le tout. Ainsi, il apparaît que le détail était propre à satisfaire les besoins d’une période associant voir et savoir et cherchant dans le contrôle du visible les moyens de maîtriser un réel en constante mutation. À ce titre, c’est sur l’argument du détail que reposait l’attribution d’une valeur scientifique, historique ou documentaire aux représentations. Toutefois, le détail devait confirmer le statut de l’ensemble dont il était tiré, car, s’il était discordant, il devenait un indice trahissant un mensonge. Pour cette raison et aussi parce le rendu détaillé dans les représentations témoignait d’une observation rigoureuse du réel et d’un travail patient de restitution, le détail était souvent investi de connotations morales reflétant les valeurs bourgeoises en train de s’imposer. Cependant, alors que le détail était censé servir une meilleure connaissance de l’ensemble, sa prolifération était redoutée, car elle faisait paradoxalement courir à la perception du tout le risque de la dislocation. De plus, dans la mesure où il relève toujours du particulier et d’une observation jugée objective, le détail était souvent perçu comme contrevenant à la valeur artistique des représentations. Ainsi, cette question s’est cristallisée dans les débats portant sur le caractère artistique de l’image photographique qui se distinguait par un rendu inédit et systématique des détails. Enfin, l’analyse de cet argument polymorphe que constitue la notion de détail au XIXe siècle fait apparaître les limites de l’engouement dont elle a fait l’objet. Étant toujours envisagé dans sa dimension figurative, comme instance iconique minimale, le détail tel qu’il était conçu à l’époque ne permettait pas de saisir le substrat matériel qui commençait à émerger dans la peinture moderne. Ainsi, jusque dans ses limites, la notion de détail révèle des enjeux majeurs de la modernité. / Over the course of the nineteenth century, the notion of detail became an established theoretical tool in the understanding of visual representations. Conducted through multiple text analyses taking into account the reception of images in specific contexts (a painting exhibition, the opening of a panorama show, the publication of an illustrated literary work), this historical study reveals the prejudices and networks of meaning attached to the notion of detail. Because detail is the product of visual perception, a study of this notion reveals not only the relationship with the visible that existed at the time, but also the nature of links between parts and the whole. Detail was essential in meeting the needs of a time that associated “seeing” with “knowing” and that attempted to find a means of controlling the ever-changing reality through the visible. As such, the attribution of scientific, historical, or documentary value relied on the argument provided by detail. Nonetheless, detail was supposed to confirm the status of the whole from which it was derived, since when these did not match, the detail became a sign of a lie. For this reason, and also because a detailed depiction signified a rigorous observation of the real conveyed through a careful reproduction, details were often imbued with moral connotations that reflected the bourgeois values of the time. However, while details were meant to help know the whole better, their proliferation was also feared, because it increased the risk of interfering with the perception of the whole. In addition, insofar as it is always derived from the specific and from an observation deemed objective, the detail is often perceived as being in conflict with the artistic value of the representation. This issue became crystallized in the debates on the artistic qualities of photography, an art form characterized by a hitherto unparalleled level of detail. In the end, the analysis of this polymorphic argument encapsulating the notion of detail in the nineteenth century reveals the limits of the infatuation of which it was the object. Previously envisioned in its figurative dimension, the detail as it was perceived at the time did not allow the capture of a material substratum, which started to emerge later with the advent of modern painting. Even in its limitations, the notion of detail reveals the principal issues of modernity.

Au cours du XIXe siècle, la notion de détail s’est imposée comme un outil théorique majeur pour l’appréhension des représentations visuelles. Menée à travers l’analyse de textes variés rendant compte de la réception des images dans le contexte de cas précis (exposition de peinture, inauguration d’un panorama, publication d’un ouvrage illustré, etc.), l’étude historique de la notion de détail révèle les différents préjugés et réseaux de signification qui lui étaient alors attachés. Le détail étant le produit d’un cadrage opéré par la perception visuelle, l’examen de cette notion nous renseigne non seulement sur le rapport que l’époque entretenait avec le visible, mais aussi sur la nature des liens qu’elle tissait entre la partie et le tout. Ainsi, il apparaît que le détail était propre à satisfaire les besoins d’une période associant voir et savoir et cherchant dans le contrôle du visible les moyens de maîtriser un réel en constante mutation. À ce titre, c’est sur l’argument du détail que reposait l’attribution d’une valeur scientifique, historique ou documentaire aux représentations. Toutefois, le détail devait confirmer le statut de l’ensemble dont il était tiré, car, s’il était discordant, il devenait un indice trahissant un mensonge. Pour cette raison et aussi parce le rendu détaillé dans les représentations témoignait d’une observation rigoureuse du réel et d’un travail patient de restitution, le détail était souvent investi de connotations morales reflétant les valeurs bourgeoises en train de s’imposer. Cependant, alors que le détail était censé servir une meilleure connaissance de l’ensemble, sa prolifération était redoutée, car elle faisait paradoxalement courir à la perception du tout le risque de la dislocation. De plus, dans la mesure où il relève toujours du particulier et d’une observation jugée objective, le détail était souvent perçu comme contrevenant à la valeur artistique des représentations. Ainsi, cette question s’est cristallisée dans les débats portant sur le caractère artistique de l’image photographique qui se distinguait par un rendu inédit et systématique des détails. Enfin, l’analyse de cet argument polymorphe que constitue la notion de détail au XIXe siècle fait apparaître les limites de l’engouement dont elle a fait l’objet. Étant toujours envisagé dans sa dimension figurative, comme instance iconique minimale, le détail tel qu’il était conçu à l’époque ne permettait pas de saisir le substrat matériel qui commençait à émerger dans la peinture moderne. Ainsi, jusque dans ses limites, la notion de détail révèle des enjeux majeurs de la modernité. / Over the course of the nineteenth century, the notion of detail became an established theoretical tool in the understanding of visual representations. Conducted through multiple text analyses taking into account the reception of images in specific contexts (a painting exhibition, the opening of a panorama show, the publication of an illustrated literary work), this historical study reveals the prejudices and networks of meaning attached to the notion of detail. Because detail is the product of visual perception, a study of this notion reveals not only the relationship with the visible that existed at the time, but also the nature of links between parts and the whole. Detail was essential in meeting the needs of a time that associated “seeing” with “knowing” and that attempted to find a means of controlling the ever-changing reality through the visible. As such, the attribution of scientific, historical, or documentary value relied on the argument provided by detail. Nonetheless, detail was supposed to confirm the status of the whole from which it was derived, since when these did not match, the detail became a sign of a lie. For this reason, and also because a detailed depiction signified a rigorous observation of the real conveyed through a careful reproduction, details were often imbued with moral connotations that reflected the bourgeois values of the time. However, while details were meant to help know the whole better, their proliferation was also feared, because it increased the risk of interfering with the perception of the whole. In addition, insofar as it is always derived from the specific and from an observation deemed objective, the detail is often perceived as being in conflict with the artistic value of the representation. This issue became crystallized in the debates on the artistic qualities of photography, an art form characterized by a hitherto unparalleled level of detail. In the end, the analysis of this polymorphic argument encapsulating the notion of detail in the nineteenth century reveals the limits of the infatuation of which it was the object. Previously envisioned in its figurative dimension, the detail as it was perceived at the time did not allow the capture of a material substratum, which started to emerge later with the advent of modern painting. Even in its limitations, the notion of detail reveals the principal issues of modernity. / Pour respecter les droits d'auteur, la version électronique de cette thèse a été dépouillée de ces documents visuels. La version intégrale de la thèse a été déposée au Service de la gestion des documents et des archives de l'Université de Montréal.

Portant sur la période de tensions politiques extrêmes 1937-1982, la thèse propose de considérer autrement le statut de la traduction à partir des œuvres d’Aragon, de Landolfi et de Nabokov, écrivains et traducteurs de Pouchkine. Discutant et prolongeant la pensée d’Henri Meschonnic, ce travail défend, à travers le cas exemplaire de ces écrivains-traducteurs, l’existence de liens étroits entre le contexte, l’écriture et la traduction. Après une présentation des trois circuits éditoriaux principaux de la période, le face à face entre le traducteur et les forces politiques est étudié. L’analyse du corpus de traduction permet de révéler la grande activité d’Aragon, de Landolfi et de Nabokov sur la période considérée. Il s’agit ensuite de réfléchir aux modalités des échanges éditoriaux Est-Ouest en s’intéressant notamment aux anthologies et aux retraductions. La question de l’historicité des traductions de Pouchkine conduit à revenir au contexte. L’étude révèle que les communistes comme les capitalistes refusent de prendre en compte véritablement l’expérience du mal absolu que résume le nom d’Auschwitz. En guise de réponse, le littéralisme, souvent affiché durant la Guerre froide, a eu l’ambition de prendre en compte la volonté de l’auteur disparu. Le choix de traduire Pouchkine entend également apporter une réponse à la division du monde. Pouchkine questionne le face à face dans ses œuvres, le poète russe affrontant ainsi la question du mal tout en proposant une écriture morale. La dernière partie de ce travail défend l’idée d’une continuité entre l’activité de traduction et l’œuvre des écrivains. Elle montre combien le nom, la figure, les œuvres de Pouchkine nourrissent le travail d’Aragon, de Landolfi et de Nabokov. Elle propose enfin de considérer d’une autre manière la prose poétique, la parodie et l’histoire littéraire. / Focusing on the extreme political tensions during the 1937-1982 time span, this work suggests that the status of translation can be considered from a different angle based on the works of Aragon, of Landolfi and of Nabokov, writers and translators of Pushkin. Studying the examples of those writers and translators, discussing and expanding upon the theory of Henri Meschonnic, this work defends the idea that close links exist between context, writing and translation. The three main translation circuits of the period are initially presented introducing the study of the confrontation between the translators and the political forces. A closer look at the corpus of translations shows the important activity of Aragon, Landolfi and Nabokov at that period. The third part of this work concentrates on the ways of editing translations of Russian literature in the West through the study of anthologies of translations and retranslations. The historical character of the translations of Pushkin’s works leads to reconsider their links to the context. The study reveals that Communists and Capitalists refused to actually take into account the Evil experience that the name “Auschwitz” summarizes. In response, on a literary level, literalism promoted by Aragon, Landolfi and Nabokov during the Cold War has for vocation the respect of the will of the deceased author. The decision to translate Pushkin also represents a reaction to the division of the world. The Russian poet questions the conflict in his works and does not refuse to confront the question of Evil through a literary style based on morals. The final section of this thesis promotes the idea of continuity between the translations and the other works of Aragon, of Landolfi and of Nabokov. It demonstrates to what extent the name, the figure and the works of Pushkin influenced those writers and translators. Finally, poetic prose, parody and literary history are reconsidered from an entirely new angle.

Partant du constat de l’extraordinaire pérennité de Katharine Hepburn en tant que star hollywoodienne de premier plan, ce travail se propose d’élucider les raisons de ce succès durable en examinant la réception dont l’actrice a fait l’objet aux États-Unis tout au long de sa carrière. À la croisée des star studies et des études de réception, cette étude articule analyse de sa persona (rôles interprétés à l’écran et à la scène, jeu d’actrice et image médiatique) et des traces de sa réception auprès du public états-unien (critiques de professionnels, courriers de fans, sondages, données de box-office, etc.). Grâce à une approche diachronique, les évolutions de son image et de sa réception sont réinscrites dans un contexte socio-historique en perpétuelle évolution, auquel la star a tenté de s’adapter avec plus ou moins de succès suivant les périodes. L’examen des matériaux extra-filmiques participant à la construction de son image ou témoignant de sa réception permettent d’éclairer sous un nouveau jour les performances de Hepburn, analysées dans leur dimension socio-culturelle, esthétique et actorale. Une attention particulière est portée aux dimensions de genre, de classe et de génération de sa persona. / Acknowledging the extraordinary longevity of Katharine Hepburn as a high-profile Hollywood star, this study seeks to shed light on the reasons behind this lasting success by examining her reception in the United States throughout her career. Combining both star studies and reception studies, this thesis articulates the analysis of her persona (her theater and film roles, her acting and media image) with evidence of her reception by the United States audience (critics, fan letters, polls, box-office figures, etc.). Using a diachronic approach, the evolutions of her image and its reception are incorporated within the framework of a socio-historical context in constant evolution, to which Hepburn tried to adapt with differing success depending on the period. The examination of the extra-filmic materials that contribute to her image or testify to her reception allow us to shed new light on Hepburn’s performances, analyzed from a socio-cultural, aesthetic and acting perspective. Special attention is given to the gender, class and age-related dimensions of her persona.

Notre thèse a pour but de refonder les études de réception rimbaldiennes en substituant à la notion négative de mythe, forgée par Étiemble dans les années 1950, la notion positive de rimbaldisme. Alors que le mythe envisage la réception rimbaldienne comme une erreur d’interprétation collective et veut séparer l’œuvre de Rimbaud de sa réception, le rimbaldisme entend évaluer ce qui unit l’œuvre et sa réception, en adoptant un point de vue avant tout poétique. Notre corpus comprend les auteurs de réception les plus importants de la fin du XIXe siècle, moment de la réception symboliste de Rimbaud, au début des années 1950, au moment où la critique universitaire prend le relais d’une critique d’écrivains : Aragon, Breton, Claudel, Jacques Rivière, Léon-Paul Fargue, Max Jacob, Gustave Kahn, Verlaine notamment en sont les figures les plus importantes. Les enjeux d’une telle réflexion (historiographiques, herméneutiques, poétiques) sont rimbaldiens et extrarimbaldiens. L’approche littéraire de la réception permet de penser le devenir de l’œuvre rimbaldienne au XXe siècle, tout en livrant des enseignements sur cette œuvre elle-même. Elle permet aussi d’envisager une langue de la modernité poétique, une grammaire mentale selon laquelle la poésie moderne elle-même est théorisée sur notre période. / The aim of this thesis is to reforge the rimbaldian reception studies by substituting rimbaldism, a positive notion, for the negative notion of myth, invented by Étiemble in the early 1950’s. While myth is described as a collective error of interpretation and distinguishes between Rimbaud and the reception, rimbaldism is a way to pay attention to the links between these two fields ; the point of view is strictly poetical. The corpus includes the most important rimbaldian authors from the end of the 19th century, at a time when a symbolist reception was promoting Rimbaud’s works, to the middle of the 20th century, at a time when the writers criticism is progressively overwhelmed by universitary criticism : Aragon, Breton, Claudel, Jacques Rivière, Léon-Paul Fargue, Max Jacob, Gustave Kahn, Paul Verlaine are the most important authors of this corpus. The issues of such an analysis (historiographical, hermeneutical and poetical) are rimbaldian and extrarimbaldian. The literary approach of reception is a way to think about what becomes of Rimbaud’s poetry during the 20th century, and at the same time it is an original way to study this poetry. But the main issue is the approach of an original modern language, a sort of collective mental grammar according to which modern poetry itself is theorized during the period.

Beaumarchais n’est pas seulement un dramaturge célèbre du XVIIIe siècle, c’est avant tout le père de Figaro, cette figure familière qui s’invite dans le débat public dès qu’il est question de liberté d’expression ou de lutte contre l’injustice. Récusant le concept de mythe, dont les études de réception sont friandes, cette étude s’interroge sur la manière dont l’usage systématique de Figaro dans des domaines extra-littéraires détermine l’ensemble du discours critique sur Beaumarchais. Aux origines de la figaromania, il y a un parcours de la subversion à l’institutionnalisation, qui s’opère à la fin du XIXe siècle, lorsque la Révolution « entre au port », avec l’avènement des républicains. Cette enquête propose donc une histoire de la réception qui puisse montrer la convergence entre les significations d’une œuvre appartenant au patrimoine national et les multiples usages et appropriations dont elle fait l’objet, envisagés dans leur diversité à l’échelle européenne. / Beaumarchais is not only a famous 18th century playwright, but first and foremost the architect of Figaro; the well-known character who slides his way into the public debate as soon as liberty of expression or the fight against injustice is evoked. Challenging the idea of a myth, endorsed by other reception studies, this study analyses how the systematic use of Figaro outside the literary domain shapes the entire critical discourse on Beaumarchais. At the origins of figaromania, there is a transition from subversion to ‘institutionalisation’ at the end of the 19th century as the French Revolution came to an end, with the arrival of the Republicans. Therefore, this study proposes a historical context of the reception of Beaumarchais’ work, at the European level, that shows the convergence between the meaning of an oeuvre that belongs to the national cultural heritage and the many different roles and appropriations that this oeuvre assumes.

Comment l’étude de la réception d’une littérature étrangère dans les revues – objets hybrides et fluides dont les spécificités essentielles sont l’inscription dans la durée et le rapport entretenu avec le temps historique, ainsi que le fait d’être le résultat polyphonique d’une création collective – permettrait-elle de dépasser les distinctions entre les approches de l’« esthétique de la réception » et de l’« histoire de la réception » (et encore, de la sociologie et de la sociopolitique), et entre les notions de « réception critique » et de « réception créatrice » ? Notre recherche, portant sur un corpus hétérogène composé de trente revues littéraires et politico-littéraires italiennes, s’est articulée autour de cette question. En s’appuyant sur les notions de transfert et de réseaux et en croisant les approches quantitative et qualitative des textes français, des traductions et des contributions critiques publiés dans les revues, notre travail vise à identifier les lieux et les modalités de la réception, ses évolutions et ses invariants après la Deuxième Guerre mondiale. L’optique interdisciplinaire adoptée, s’attachant aux multiples facettes de ce phénomène, porte un nouveau regard sur les histoires croisées des littératures française et italienne, ainsi que sur l’activité des revues et les pratiques de la critique littéraire. En interrogeant les mécanismes par lesquels les revues s’approprient la littérature étrangère, ce sont les rapports qui existent entre la réception des œuvres littéraires, l’histoire d’un champ littéraire national et les facteurs extra-littéraires (historiques, politiques, idéologiques…) que nous nous proposons de sonder. / Being periodicals a hybrid and fluid object, whose essential particularities are periodicity and the relationship with historical time, as well as being the polyphonic results of a collective creation, how would the study of the reception of a foreign literature in periodicals allow to overcome the distinctions in approaches between the aesthetics of reception and the history of reception, and between the notions of critical reception and creative reception? My research focuses on this question through the analysis of a heterogeneous corpus of thirty Italian literary and politicalliterary periodicals. Building on the notions of “transfer” and “networks” and by crossing quantitative and qualitative approaches in the analysis of French texts, translations and criticism edited in the reviews, my research aims at identifying reception’s places and modalities, its evolutions and invariants after World War II. The interdisciplinary point of view adopted, focusing on the phenomenon’s many aspects, takes a new look on the intermingled histories of French and Italian literature, as well as on the periodicals’ activity and forms of literary criticism. By questioning the mechanisms through which periodicals adapt foreign literature, I aim at surveying the relationships between the reception of literary works, the history of a national literary field and the extraliterary factors (history, politics, ideologies…).