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Master of Music / Music, Theatre, and Dance / Slawomir Dobrzanski / This Master’s report analyzes four piano compositions performed on April 9, 2015 at the author’s Master’s recital. The works under consideration are Johann Sebastian Bach’s Partita in B flat major, BWV 825; Wolfgang Amadeus Mozart’s Piano Sonata in D major, K.576; Fryderyk Chopin’s Four Mazurkas, Opus 17; and Aram Khachaturian’s Toccata. This analysis includes the discussion of the theoretical, stylistic, and historical background of each composition.

Cette version du mémoire a été tronquée des éléments de composition originale. Une version plus complète est disponible en ligne pour les membres de la communauté de l’Université de Montréal et peut aussi être consultée dans une des bibliothèques UdeM. / Ce texte présente le processus de composition ayant mené à la création de la performance Soft Revolvers. Cette œuvre repose sur la conception d’interfaces sur mesure, soit quatre toupies lumineuses évoquant les tables tournantes. Je situe la création d’un tel dispositif, connoté et totalement intégré au propos artistique, dans la continuité historique du Gesamtkunstwerk (œuvre totale). Cette perspective englobante permet de questionner tous les aspects qui affectent la réception d’une œuvre. J’exposerai donc comment la lutherie utilisée, la gestuelle développée, la forme musicale et la scénographie ont été articulées autour d’un concept central dans la performance Soft Revolvers. Je présenterai finalement deux autres œuvres connexes, la performance Tempo Deluxe, qui utilise les mêmes interfaces de toupies, et la pièce Lumens&Profits, qui revisite les mêmes thématiques et techniques de composition dans une version fixée. Cette mise en parallèle permettra de mieux cerner les limitations impliquées par la spécificité des interfaces, tout en faisant ressortir l’efficacité du dispositif créé sur mesure dans le contexte numérique. / This text examines the composition process leading to the creation of the performance Soft Revolvers. The work is based on performance specific interfaces: four luminous spinning tops that evoke turntables. These connoted devices, fully integrated in the artistic discourse, are located within the historic continuum of the Gesamtkunstwerk (total work of art). This holistic perspective allows the renegociation of all the aspects that might influence the reception of a performance. Each of these aspects - the digital instrumentation, the gestural language, the musical form and the scenography - is discussed and articulated around the central concept in Soft Revolvers. Finally, two related works are presented, the performance Tempo Deluxe, which uses the same spinning top interfaces, and the piece Lumens&Profits, which explores the same thematic material as Soft Revolvers in a fixed version. Comparing these works allows a better delineation of the limitations implied by the interfaces' specificity, while confirming the effectiveness of the performance specific device in the digital realm.

Ce mémoire de maîtrise propose des outils d’analyse permettant de souligner la cohérence harmonique du langage de Franz Schubert, en particulier dans les œuvres tardives de sa production. L’analyse d’un corpus incluant principalement sa musique de chambre, ses sonates pour piano et une sélection de lieder, nous a permis d’observer des constantes dans le discours harmonique du compositeur. Confrontée à la fois à la richesse de l’écriture tonale de Schubert et aux limites d’un mémoire de maîtrise, nous avons été amenée à concentrer notre étude sur deux traits caractéristiques de son style harmonique, soit le majeur-mineur et sa pratique modulatoire. D’une part, la typologie des emplois du majeur-mineur développée dans ce travail permet de préciser la nature des différents phénomènes s’y rapportant, tout en soulignant l’importance structurelle qu’ils occupent au sein de la forme. Ainsi, nous avons identifié trois types d’emploi de l’interchangeabilité des modes majeur et mineur : l’ornementation à l’intérieur d’un accord (coloration), l’emprunt d’accords au mode opposé à l’intérieur d’une unité structurelle harmonique (mode mixte), et le changement de modes entre deux unités structurelles harmoniques successives (opposition de modes). D’autre part, les mécanismes modulatoires expliqués dans ce mémoire, soit l’emploi du majeur-mineur lors de l’accord pivot, l’altération de la fonction VII ainsi que l’utilisation de dominantes contrariées, entraînent un accroissement de la tension tonale en reliant des zones très éloignées entre elles et agissent comme marqueurs formels dans les œuvres du compositeur. Les mécanismes présentés dans ce mémoire permettent ainsi de préciser la logique harmonique qui sous-tend les œuvres de Schubert, en mettant en valeur l’interaction entre la microstructure et la macrostructure. / This master’s thesis provides analysis tools to highlight the internal consistency of Schubert’s harmonic language, especially in his late works. The analysis of a corpus including mainly his chamber music, his piano sonatas, and a selection of lieder, reveals some constants in the composer’s harmonic organization. Confronted with both the richness of Schubert’s tonal writing and the limits of a master’s thesis, I have chosen two characteristic features of his harmonic style for study : his use of major-minor harmonies and his modulatory practice. First, the typology of the major-minor usages developed in this thesis allows for the specification of the nature of different phenomena related to them, while emphasizing their structural importance in the form. Thus, three types of application of the interchangeability of major and minor modes are identified: ornamentation within a chord (colouration), borrowing of chords from the opposite mode inside a harmonic structural unit (modal mixture), and modal shift between two successive harmonic structural units (mode opposition). Furthermore, the modulatory mechanisms explained in this thesis including the use of major-minor at pivot chords, chromatically altered VII chords, as well as the use of what Serge Gut identifies as « dominantes contrariées » cause an increase in tonal tension by linking remote tonalities and act as formal markers in the works of Schubert. The mechanisms presented in this thesis advance our understanding of the harmonic logic that underlies Schubert’s works by drawing attention to the interaction between microstructure and macrostructure.

Le visuel, et notamment la théâtralité, les gestes, la vidéo et la danse, pourraient-ils être traités en tant que matière connexe au son dans la composition musicale ? Quelles sont les stratégies à notre disposition pour intégrer de manière pertinente l’image et le son ? Qu’est-ce qu’implique l’intégration du visuel dans la création et l’interprétation d’une oeuvre musicale ? À partir de ces questionnements, sept pièces ont été composées dans le cadre de ma maîtrise entre les mois de septembre 2014 et août 2016. Ce mémoire décrit les principales étapes de conception de ces pièces ainsi que leur processus de composition dont le but était la recherche de solutions et de stratégies visant un rapport homologue entre le visuel et le sonore dans le processus de création musicale. Le premier chapitre dresse un portrait des artistes et compositeurs qui ont travaillé sur le rapport entre le son et le visuel. Quelques stratégies de ces compositeurs ont été utilisées lors du processus visant la création d’une composition musicale capable d’intégrer le visuel en tant qu’élément essentiel. Le deuxième chapitre présente des pièces dans le cadre desquelles je me suis penchée sur le lien entre la musique et la vidéo, la gestuelle ou la danse. Le troisième chapitre aborde une série de quatre pièces composées dans le but d’exprimer, à travers la musique et la mise en scène, des questions liées à notre quotidien. Le dernier chapitre présente finalement des conclusions qui ont émergé à la suite de mon processus de composition et, dans certains cas, à la suite de la performance des pièces. / Is it possible to treat visual material, in particular theatre, physical gestures, video and dance, as an equal element to sound in musical composition? What strategies are available to us to incorporate, in a relevant way, image and sound? What does the interaction between sound and visual material in the creation and the performance of a musical piece imply? Guided by these questions, I composed seven pieces as part of my Masters, between September 2014 and August 2016. This paper describes the main stages of these pieces and their composition process, which aimed to find solutions and strategies for a homologous relationship between the visual and the sound in the process of musical creation. The first chapter draws a portrait of artists and composers who worked on the relationship between sound and visual. Some strategies of these composers were used during the process of creating a musical composition capable of integrating the visual as an essential element. The second chapter presents the pieces which I have investigated the link between music and video, gesture and dance. The third chapter addresses a series of four pieces composed for the purpose of expressing, through the relation between music and staging, issues related to our daily life. Finally, the last chapter presents conclusions that emerged as a result of my writing process and, in some cases as a result of the performance of the parts.

Master of Music / Department of Music / Kurt R. Gartner / This is a report intended for musicians planning to perform any number of, or scholars seeking to enrich understanding of, the following compositions: Concerto for Marimba and Wind Ensemble by David Gillingham, XL Plus One by Alvin Etler, March from Eight Pieces for Four Timpani by Elliott Carter, 42nd Street Rondo by Wayne Siegel, and Oceanus by Steve Houghton and Wendell Yuponce. Each work is analyzed in accordance with Jan Larue's method of style analysis. For some compositions, analysis of harmony has been omitted. For all compositions, the author has added a pedagogical realm of analysis, dedicated to notable performance considerations, interpretive possibilities, and technical considerations, to Larue's organizational scheme. Therefore, the approach taken in this document can be expressed as: Sound, Harmony, Melody, Rhythm, Growth, and Performance.

Master of Music / Department of Music / Jennifer R. Edwards / This report consists of extended program notes and translations for programmed songs and arias presented in recital by Elizabeth Ann Rodina on April 22, 2008 at 7:30 p.m. in All Faith's Chapel on the Kansas State University campus. Included on the recital were works by George Frideric Handel, Franz Schubert, Reynaldo Hahn, Jules Massenet, Clifford Shaw, and Giacomo Puccini. The program notes include biographical information about the composers and a textual and musical analysis of their works.

La musique a le pouvoir d’exprimer ce qui est latent dans d’autres formes d’art, comme elle peut aussi transcender et ajouter d’autres niveaux de signification au texte d’une chanson. Mais seules les illustrations peuvent encapsuler une scène au cœur de la musique. Dans ce mémoire, j’explore différents moyens musicaux dont dispose le compositeur pour mettre en musique son interprétation d’une œuvre picturale. Cette œuvre est, par définition, privée de la dimension temporelle. Si, pour le peintre Eugène Delacroix, « Le véritable but du peintre est de nous faire prendre part à l’intensité de l’instant », la musique, elle, ne peut être appréciée et laisser sa trace sur nous qu’en fonction du temps qu’elle prend pour se déployer. Conséquemment, une question a nourri ma réflexion : sous quels angles et selon quels critères d’analyse puis-je aborder une œuvre picturale afin d’en tirer des constats qui pourront, par la suite, servir de support à la création de ma musique? Je tente de répondre à mon questionnement en approchant l’interprétation d’une illustration par quatre avenues possibles : réaliste ou descriptive, impressionniste, narrative et, finalement, par association stylistique entre le medium illustratif et le medium musical. Pour le besoin de mon étude, j’ai composé trois œuvres basées sur sept illustrations : 1) Tableaux Montmartre. Suite symphonique inspirée de Tableaux d’une exposition de Modeste Moussorgski et dont le support illustratif consiste en cinq toiles représentant le Montmartre par cinq peintres différents : Charles Malle, Armand Lourenço, Kees Van Dongen, Eugène Paul (Gen-Paul) et Georges Braque. 2) Lumière fossile. Poème symphonique ayant comme source d’inspiration une photographie du cosmos prise par le télescope spatial Planck. 3) Tennis Duet. Pièce à forme variable pour piano seul ayant comme source d’inspiration extra-musicale une photographie d’Arnold Schoenberg jouant au tennis. / Music has the power to express what may be latent in other art-forms, just as it may transcend and add new layers of meaning to the text set in a song. But only the illustrations themselves can actually encapsulate the scene, character or item at the heart of the music. In this thesis, I explore the different musical means available to the composer to set his interpretation of a pictorial work to music. This work is, by definition, deprived of the temporal dimension. If, for the painter Eugène Delacroix, « The true goal of the painter is to make us take part in the intensity of the moment », music can be appreciated and leave its mark on us only according to the time it takes to deploy. Consequently, a question nurtured my reflection: From what angles and according to what criteria of analysis can I approach a pictorial work in order to draw observations that could subsequently serve as a support for the creation of my music? I try to answer these questions by approaching the interpretation of an illustration through four possible avenues: Realist or descriptive, impressionist, narrative and, finally, by a stylistic transfer from the illustrative medium to the musical medium. For the purposes of my study, I composed three works based on seven illustrations : 1) Tableaux Montmartre. Symphonic piece inspiered by Pictures at an exhibition by Modest Moussorgsky and whose illustrative support consists of five canvases representing Montmartre by five different painters: Charles Malle, Armand Lourenço, Kees Van Dongen, Eugène Paul (Gen-Paul) and Georges Braque. 2) Lumière fossile. Symphonic poem inspired by a photograph of the cosmic radiation taken by the Planck space telescope 3) Tennis Duet. Piece, whose structural form may vary, for solo piano inspired by a photograph of Arnold Schoenberg playing tennis.

Dans ce mémoire sera présenté un cycle conceptuel de six pièces pour ensembles variés gouvernées par deux thématiques principales: le sentiment collectif et la conscience historique. La démarche est d’évoquer ces thèmes et leurs sous-thèmes respectifs par tous les moyens possibles dans le contexte donné par chaque pièce. Ainsi, l’analyse révèlera comment les textes sur lesquels la musique est basée servent à provoquer une réflexion sur les thèmes et comment le lien avec la musique circonscrit la réception du message aux sujets connexes aux thématiques choisies. L’objectif est que la musique crée un contact entre les interprètes et l’auditoire pour les amener à s’approprier le message qu’ils perçoivent à travers les oeuvres et qu’elle canalise les interprétations possibles pour qu’elles soient en ligne avec les thèmes. De plus, il sera examiné comment des procédés extra-musicaux invitent l’auditoire à se sentir interpellé par les oeuvres, soit par sa participation, soit par l’interdisciplinarité qui débloque de nouveaux canaux pour stimuler son écoute. La démarche créatrice dans son ensemble vise à être cohérente avec les thèmes choisis, parfois simplement en tant que prise de position en relation aux styles abordés. Par exemple, l’omniprésence de procédés issus de la musique folklorique et d’emprunts à différents sous-genres de musique metal, le choix des auteur.es et un hommage assumé à Claude Vivier servent à situer l’oeuvre dans notre contexte historique actuel en relation à l’histoire précédente et à aiguiser la conscience que nous appartenons à une communauté, en plus de questionner ce que cela implique. Les pièces seront traitées en un chapitre par oeuvre : Les poules à Jenny, Joco musicam ergo sum, Poussière de cèdre, Résonances, et Je ne suis pas née pour servir un mâle. / This memoir will present a conceptual cycle of six pieces for different ensembles governed by two main themes: the collective sentience and historical consciousness. The procedure of the research is to evoke these themes and their respective sub-themes through the means possible in the context given by each piece. Therefor, the analysis will reveal how the texts upon which the music is based are used to provoke a reflection on the treated subjects and how the link with the music limits the reception of the message to the chosen subjects. The objective is for the music to channel a direct contact between the performers and the audience to bring them to appropriate themselves the message they perceive in the works, but to orient those reflections on the chosen subjects. Furthermore, the research will examine how extra-musical processes invite the audience to feel engaged by the works, either by their participation or by their interdisciplinarity which unlocks new channels to stimulate listening. The entire creative process aims to be coherent with the subjects, sometimes simply by taking position in relation to the themes discussed. For example, the omnipresence of characteristics of traditional music, the imitation of different subgenres of metal music, the choice of authors and a deliberate tribute to Claude Vivier help situate the work in our current historical context in rapport to previous history and to sharpen the consciousness that we belong to a given community, questioning what that implies. The pieces will be treated as one chapter per work: Les poules à Jenny, Joco musicam ergo sum, Poussière de cèdre, Résonances, and Je ne suis pas née pour servir un mâle.

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