Hermenegild Anglada-Camarasa (1871-1959) va ser un artista català amb una trajectòria professional remarcable que es va estendre al llarg de la primera meitat del segle XX, en l’àmbit nacional però fonamentalment en l’internacional. Des d’aleshores, però sobretot a partir de l’últim quart del segle XX, s’ha generat discussió a l’entorn de la seva vida i obra, encara que des d’un punt de vista majoritàriament històric i biogràfic, i fora de tot context acadèmic. Les seves representacions de dones, que conformen un dels motius més rellevants de la seva obra plàstica, prenen diferents formes, característiques i noms, però totes esdevenen el reflex d’unes ideologies i creences pròpies de les societats contemporànies a ell: les cortesanes parisenques, les gitanes, les folklòriques espanyoles, ja siguin andaluses o madrilenyes, les dames aristòcrates o les mallorquines. A través d’una metodologia interdisciplinària que integra les teories feminista, marxista i postcolonial, s’observa que aquestes representacions de dones d’Anglada-Camarasa esdevenen el reflex d’una societat viscuda per l’artista i que emfasitza les diferències i els conflictes entre gèneres, classes socials i grups ètnics. Aquestes figures angladianes pretenen potenciar els estereotips, allunyats de la realitat en diferents graus, que Occident ha abocat sobre aquests models iconogràfics femenins. L’objectiu del projecte de recerca, doncs, és, a partir de les disciplines de la Història de l’art i l’Estètica i la Teoria de l’art, localitzar i deconstruir els tòpics d’origen romàntic i divuitesc que afecten diferents models o prototipus de dona emprats per Anglada i que eliminen la frontera entre imatge i realitat. / Hermen Anglada-Camarasa (1871-1959) was a Catalan artist with a remarkable career through the first half of the twentieth century. Their life and works have given rise to a big discussion since the last quarter of the twentieth century. However, the bibliography has taken a largely historical and biographical point of view out of academic context. His depictions of women are one of the most important motifs of his artistic work. They take different forms, features and names, as a reflection of the ideologies and beliefs of their societies: the Parisian courtesans, the Gypsy women, the Spanish folk women, whether Andalusian or Madrilenian, the aristocrat ladies or the Majorcan women. Through an interdisciplinary methodology based on Feminism, Marxism and Postcolonialism, one can notice that Anglada-Camarasa’s depictions of women reflect a society experienced by the artist. Moreover, their female depictions emphasize difference and unrest between genders, social classes and ethnic groups. These Angladian figures strengthen the iconographic female prototypes and stereotypes created by The West during the Romanticism. Therefore, the aim of this research project is to locate and deconstruct these stereotypes from the disciplines of Art History and Aesthetics and Art Theory. This view obviously regulated the different female prototypes depicted by Anglada and erased the borders between image and reality.

Presentem les figures del Mestre de Sixena (Aragó) i el Mestre d’Alzira (València). En les investigacions per a obtenir el Diploma d’Estudis Avançats ens vam dedicar a la figura del Mestre de Sixena, veient-hi algunes relacions estilístiques i formals amb el Mestre d’Alzira. Ens trobem davant dos pintors del segle XVI, dels quals només s’han fet breus estudis parcials, a partir d’alguna taula atribuïda al seus pinzells. L’aportació que es realitza rau en proposar una mirada inèdita, global i complerta, un estudi rigorós i profund, tant de la seva trajectòria vital com de la professional. És molt interessant aprofundir en l’estudi concret d’aquests dos mestres i de la seva producció, però sempre tenint en compte tots aquells factors espacio-temporals que hi puguin intervenir, ja que cada obra artística és fruit també del seu país o context social, i del seu temps i de tots aquells elements externs, que per diverses raons hi puguin influir –condicionants econòmics, socials, polítics, etc,.–. A través de la bibliografia i d’un material visual acurat i seleccionat hem realitzat una important tasca d’immersió en la pintura del Renaixement, centrant-nos fonamentalment en la Corona d’Aragó. / Presentamos aquí las figuras del Maestro de Sijena (Aragón) y del Maestro de Alcira (Valencia). En las investigaciones para obtener el Diploma de Estudios Avanzados nos dedicamos a la figura del Maestro de Sijena, viendo algunas relaciones estilísticas y formales con el Maestro de Alzira. Nos encontramos delante de dos pintores del siglo XVI, de los que sólo se han realizado estudios parciales, a partir de alguna obra atribuida a sus pinceles. La aportación que se realiza radica en proponer una mirada inédita, global y completa, un estudio riguroso y profundo de su trayectoria vital y profesional. Es muy interesante profundizar en el estudio concreto de estos dos maestros y de su producción, pero siempre teniendo en cuenta todos aquellos factores espacio-temporales que puedan intervenir, ya que cada obra artística es fruto también de su país o contexto social, y de su tiempo y de todos aquellos elementos externos, que por diversas razones puedan influir –condicionantes económicos, sociales, políticos, etc. –. A través de la bibliografía y de un material visual cuidado y seleccionado hemos realizado una importante tarea de inmersión en la pintura del Renacimiento, centrándonos fundamentalmente en la Corona de Aragón. / We present here Sixena's Master (Aragon) and Alzira's Master (Valencia). In the research carried out for Diploma d’Estudis Avançats, we focused on Sixena's Master and established stylistic and formal relations with Alzira's Master. We are in front of two painters from the 16th century who have only been studied partially through works of art attributed to their painting. The contribution being made lies in offering an unprecedented, global vision, a rigorous and deep study, both, from their lives and professional careers. It's very interesting to penetrate into the concrete study of these two masters and their production, but always bearing in mind all those spatial and temporary factors that could intervene in their work, since any artistic work is also the fruit of its country and social context, and of its time and all those external elements, that, for different reasons, could influence them - economic, social, political, etc. In the bibliography and the careful and selected visual material presented, we have carried out an important task of dip in the painting of the Renaissance, centring fundamentally on the Wreath of Aragon.

Aquesta tesi doctoral aborda la personalitat de Pere Garcia, pintor de Benavarri documentat entre 1445 i 1485. Es tracta d’un dels principals representants del tardogòtic a l’Aragó i Catalunya, i la seva activitat es documenta a Saragossa, Benavarri, Barcelona, Cervera, Lleida i Barbastre. Igualment, conservem treballs no documentats que procedeixen d’altres localitats emplaçades, bàsicament, a les actuals demarcacions de Lleida i Osca. Garcia va formar-se a Saragossa durant els anys quaranta del segle XV al costat de Blasco de Grañén, però va després va iniciar un interessant periple laboral que el va portar a col•laborar amb els hereus de Bernat Martorell i amb Jaume Ferrer II. Al final de la seva trajectòria va encapçalar un taller exitós en el qual van integrar-se Pere Espallargues i el Mestre de Vielha, al darrer dels quals es proposa identificar amb Bartomeu Garcia, pintor de Benavarri a qui cal considerar un descendent de Pere Garcia. / Esta tesis doctoral aborda la personalidad de Pere García, pintor de Benabarre documentado entre 1445 y 1485. Se trata de uno de los principales representantes del tardogótico en Aragón y Cataluña, y su actividad se documenta en Zaragoza, Benabarre, Barcelona, Cervera, Lleida y Barbastro. Igualmente, conservamos trabajos no documentados que proceden de otras localidades emplazadas, básicamente, a las actuales demarcaciones de Lleida y Huesca. García se formó en Zaragoza durante los años cuarenta del siglo XV junto a Blasco de Grañén, pero luego inició un interesante periplo laboral que le llevó a colaborar con los herederos de Bernat Martorell y con Jaume Ferrer II. Al final de su trayectoria encabezó un taller exitoso en que se integraron Pere Espallargues y el Maestro de Vielha, al último de los cuales se propone identificar con Bartomeu García, pintor de Benabarre a quien hay que considerar un descendiente de Pere Garcia. / This thesis deals with the personality of Pere Garcia, painter from Benavarri documented between 1445 and 1485. It is one of the leading representatives of Late Gothic Painting in Aragon and Catalonia, and its activity is documented in Zaragoza, Benavarri, Barcelona, Cervera, Lleida and Barbastro. Otherwise, some undocumented of his works come from other localities in the Lleida and Huesca. Garcia was formed in Zaragoza during the forties of the fifteenth century with Blasco de Grañén, but afterwards he began an interesting journey labor working with the heirs of Bernat Martorell and, also, with Jaume Ferrer II. At the end of his career he led a successful workshop in which joined Pere Espallargues and the "Mestre de Vielha", the last an anonymous painter that is proposed to identify with Bartomeu Garcia, a painter from Benavarri and who should be considered a descendant of Pere Garcia.

Nahum B. Zenil es reconocido primordialmente por su obra pictórica elaborada durante la década de los ochenta y los noventa. La crítica y la historia del arte han demarcado las interpretaciones que hasta ahora han caracterizado a sus piezas en dos posturas disímiles: la paternalista noción de la confesión como la liberación de una opresión íntima y la satanización de la escatología y la exhibición del cuerpo. La presente investigación tiene como objetivo brindar argumentos teóricos que revivan el valor crítico de su obra en los términos que siguen: la reiteración de la cita homosexual en sus autorretratos fragmentan la relación entre la normatividad del género y la identidad nacional. Para este propósito, esta tesis propone un marco metodológico que desglosa la lógica de la matriz heterosexual en sincronía con la construcción de la mexicanidad. Es decir, el aparato discursivo que fomenta la congruencia entre una identidad sexual en conjunto con la noción de pertenencia a una cultura y a un territorio. Este análisis va de la mano de la teoría de la performatividad de Judith Butler y los estudios profusos sobre el nacionalismo y la identidad homosexual en México de Carlos Monsiváis. / Nahum B. Zenil is recognized primarily for his paintings from the eighties and nineties. Art history and art criticism have circumscribed the interpretations that have characterized his pieces until the moment into two dissimilar stances: the paternalistic notion of confession as releasing an intimate oppression and the demonization of eschatology and exhibitionism of the body. This research aims to provide theoretical arguments to reinforce the critical value of his work in the following terms: the reiteration of homosexual citation in his self-portraits subverts the relationship between gender normativity and national identity. For this purpose, this thesis proposes a methodological framework that breaks the logic of heterosexuality in synchrony with the construction of mexican identity. That is to say, the discursive apparatus that promotes congruence between sexual identity in conjunction with the notion of belonging to a culture and a territory. This analysis is developed under the parameters of performativity exposed by Judith Butler and the profuse studies on nationalism and homosexual identity in Mexico elaborated by Carlos Monsivais.

El objeto de este trabajo es la vida y la obra de la artista americana Mary Cassatt, adscrita al movimiento impresionista y poco conocida en nuestro país, centrándonos en dos aspectos principalmente: su condición de mujer moderna y su larga época como pintora de retratos de mujeres con niños. Así, repasaremos algunos de los mitos de la era moderna, pasearemos por el París de finales del siglo XIX y debatiremos sobre la condición femenina en las postrimerías de dicho siglo, lo que nos llevará a cuestionarnos las ideas de libertad defendidas y difundidas por la revolución francesa, cuyas asimetrías y falacias continúan afectando aún hoy a nuestra sociedad occidental. Mary Cassatt fue una mujer luchadora que combatió con singular inteligencia y habilidad las convenciones de su siglo. Sus retratos muestran acertadamente la psicología de la dama burguesa, pero también van un paso más allá; en este trabajo hablaremos de cómo Cassatt pasó de plasmar las escenas cotidianas de los rituales burgueses que tanto atraían a los impresionistas a convertirse en pintora por excelencia de la maternidad, y cómo este cambio fue y sigue siendo malinterpretado, no solo por la crítica masculina, sino, muy especialmente, por la feminista. Trataremos de explicar cómo una mujer fuerte y trabajadora, y, tal vez paradójicamente, soltera y sin descendencia, pudo defender los derechos y la dignidad de su género retratando un tema tan manido y edulcorado, y sin embargo tan hermoso y preñado de posibilidades como las relaciones materno-filiales. Este trabajo tratará pues de unir los aspectos humanos y artísticos de una gran pintora, y, a la vez, relacionarlos con la época que le tocó vivir, como un todo inextricable. Creemos que solo así podemos entender lo comprometido de su postura, lo valiente de sus decisiones y el objeto de su obra; Mary Cassatt trató de cambiar su mundo mediante la elegancia de su arte: sus armas fueron su inteligencia y su talento, y con ellas logró hacerse respetar en un mundo de hombres, y, quizás, contribuir a un tímido cambio hacia una sociedad más justa, cambio que aún no ha terminado de hacerse efectivo en nuestros días. Intentaremos explicar cómo lo logró, en qué triunfó y en qué fracasó y el porqué de que su obra no goce hoy en día de la popularidad que merece. / This thesis is about the life and work of the American artist Mary Cassatt, who was a member of the Impressionist movement, but whose paintings are poorly known in our country; we focus in two main aspects: her condition as a modern woman and her long period as a portrait painter of women with children. With these themes in mind, we will examine some of the modern-age myths, walking through the streets of Paris as they were at the end of the XIXth century, and we will debate about the turn-of-the-century concept of femininity, which will lead us to question the idea of freedom defended and disseminated by the French Revolution: its asymmetries and fallacies are still affecting nowadays our western civilization. Mary Cassatt was a combative woman who fought against her century’s conventions with unusual ingenuity and skill. Her portraits reflect cleverly the bourgueois woman’s psychology, but they also go beyond that; in this thesis we will talk about how Cassatt made the transition from capturing the everyday scenes that fascinated her Impressionist colleagues so much, to become the quintessential painter of motherhood, and how this change was, and still is, much maligned and misunderstood, not only by regular critics, but also, and specially, by feminist ones. We will try to explain how this strong, hard-working woman, and one who was, perhaps paradoxically, single and without children, could become the staunch defender of her genre’s rights and dignity devoting herself to such a trite and watered-down – but also so beautiful and full of possibilities in the proper hands – topic. So in this thesis we will try to combine the humane and artistic aspects of a great painter, and, at the same time, relate them to her day and age, as an inextricable blend. We believe that this is the only way to understand her commitment and braveness, her decisions and the purpose of her work; Mary Cassatt tried to change her world using the elegance of her art: her weapons were intellect and talent, and with them she achieved respect in a world ruled by men, and, perhaps, she contributed to a timid advance towards a more unbiased society, a change which is still in progress during our days. We will try, in essence, to explain how she managed to do that, her triumphs and defeats, and the reasons why her work doesn’t have today the popularity it deserves.

Este trabajo de investigación se centra en la indagación analítica e interpretativa de la obra artística de Juan Bautista Sanz en su amplio volumen multimodal de alcance humanista, desde un enfoque educativo atento al provecho de integración de lenguajes y perspectivas que proporcionan las actuales corrientes teórico-literarias del hipertexto, el intertexto y la ékfrasis pictórica, donde la originalidad del autor es considerada en su proceso de formación dialógica con otros artistas que inspiraron su mirada personal. Por tanto, el objetivo fundamental se centra en el estudio de toda la obra creada por la poliédrica personalidad de Juan Bautista Sanz a lo largo de su vida (pintura, escritura periodística de perfil ensayístico, cine, televisión y radio) en atención a un enfoque semiótico hipertextual y a su proyección didáctica en la etapa de Educación Secundaria. Y los objetivos específicos que contribuyen a su consecución son: primero, estudiar la literatura científica relevante sobre la semiótica de la hipertextualidad y sus procedimientos intertextuales con la pretensión de establecer las bases teóricas de una metodología de la lectura de textos pictóricos y verbales y su tratamiento ekfrástico; segundo, investigar la producción de índole pictórica, periodística y fílmica de Juan Bautista Sanz para mostrar su itinerario poliédrico en conexión con el contexto artístico-cultural contemporáneo y los vínculos influyentes en su poética personal; tercero, establecer los parámetros poetológicos del ars pictura de Juan Bautista Sanz y un modelo de lectura simbólica y ekfrástica que permitan realizar un análisis interpretativo de una muestra representativa de la producción plástica de Juan Bautista Sanz; cuarto, proponer diversas secuencias de tareas didácticas para Bachillerato destinadas a la lectura de los motivos artísticos presentes en una selección de cuadros de Juan Bautista Sanz y a su recreación ekfrástica. El enfoque metodológico que ha seguido esta tesis doctoral se encuadra dentro de la metodología cualitativa, fundamentada principalmente en la interpretación de datos a través de un análisis triangular: investigación del tesinando, revisión de los directores de la tesis, confrontación con las ideas del autor. La recogida de datos realizada para este estudio se puede dividir en tres grandes apartados: la observación directa por parte del tesinando, las entrevistas en profundidad y el empleo de documentación relacionada con la poliédrica obra de Juan Bautista Sanz. A través de entrevistas con el artista para comprender y acotar los distintos campos de actuación en los que ha materializado su ideología estética y creadora, se ha recopilado, reducido e interpretado la información correspondiente. Igualmente ha sido analizado el conjunto de su producción artística con especial interés en su producción pictórica, y de modo pormenorizado una muestra selecta de sus cuadros más representativos, no solo en atención a la poetología del artista sino también en relación con los principales movimientos artísticos de finales de siglo XIX y principios del siglo XX que presentan interconexiones con su estilo personal: impresionismo, fauvismo y expresionismo. El estudio ha finalizado con el planteamiento de una serie de propuestas didácticas orientadas hacia alumnado de Educación Secundaria en la etapa voluntaria de Bachillerato a partir de la dicotomía lectora de las formas concebidas y las formas recibidas en la serie de cuadros analizados. Tal propuesta didáctica se destina al afianzamiento de las competencias básicas de los estudiantes contempladas en el programa de la asignatura de Lengua Castellana y Literatura, en especial las competencias en comunicación lingüística y las de carácter artístico y cultural. Los resultados de la investigación muestran que se ha contribuido a solventar el problema de investigación mostrado en esta memoria, pues se aporta aquí la primera semblanza completa de la poética que Juan Bautista Sanz ha desarrollado en su obra artística desde las premisas científicas de la semiótica del hipertexto donde han sido analizados los vínculos que sostienen su poliédrica trayectoria. Es indudable el interés didáctico que tiene tal producción de Juan Bautista Sanz en el contexto educativo murciano, pues por él, los jóvenes estudiantes de Bachillerato no solo pueden acceder a los más depurados trayectos artísticos y culturales de esta región, tanto por su labor mediadora en Galería Zero y en los medios de prensa y televisión, como sobre todo en la visión sensual y simbólica de sus pinturas y en la reflexión lúcida, crítica y sincera de sus escritos. Tal es la finalidad de proyección didáctica de esta investigación para uso y deleite estético y comunicativo de los jóvenes estudiantes murcianos. / This research work focuses on an analytical and interpretative inquiry of the work of Juan Bautista Sanz, on its vast humanistic multimodal volume, from a an educational approach for the integration of languages and perspectives that current hyper-text, inter-text and pictorical ekphrasis theoretical and literary trends provide and where the author´s originality is considered through his dialogic learning process with other artist that inspired his personal view. Thus, the fundamental target is centered in the study of all the work created by the polyhedric personality of Juan Bautista Sanz throughout his life (paintings, cinema, television, radio and journalist writings of essay profile) in relation to a semiotic approach of the hypertext and to its didactic projection in secondary education. The specific objectives that contribute to its attainment are: firstly, studying the scientific literature relevant to the semiotic of the hypertext and its intertextual proceedings with the aim of clarifying the theoretical foundations of a methodology of the reading of pictoric and verbal texts and its ekphrastic treatment; secondly, investigate the production of pictoric, journalistic and cinematic work of Juan Bautista Sanz to show his polyhedral itinerary in connection with the artistic and cultural context and the influential points on his personal poetics; thirdly, lay down the poetological parameters of Juan Bautista´s ars pictura and a model of symbolic and ekphrastic reading that allows an interpretative analysis of a sample of the plastic operum of Juan Bautista Sanz; fourthly, suggest various sequences of educational tasks for Bachillerato (A-Levels in the United Kingdom) intended to the reading of the artistic features present in a selection of paintings of Juan Bautista and to its ekphrastic recreation. The methodological perspective followed on this doctoral thesis is framed within the qualitative methodology, mainly based on data interpretation through a triangular analysis: thesis candidate analysis, reviews from the directors of the thesis and comparison with the author ideas. The data collection conducted for this study can be divided in three large sections: direct observation by the thesis candidate, in-depth interviews and the usage of documentation related to the artist's polyhedric work. Through interviews with the artist, it has been collected, reduced and construe the relevant data in order to understand and narrow the different fields of activity in which he has materialized his aesthetic and creative ideology. Similarly, it has been analyzed his artistic production as a whole with an special emphasis on his pictoric work, and in a more detail manner a sample of his most exclusive and representative paintings, not only paying attention to the poetology of the artist but also regarding the main artistic movements of the late XIX century and early XX century that have interconnections with his personal style: impressionism, fauvism and expressionism. The study finalizes with the suggestion of a series of didactic proposals oriented to the secondary education pupils in the voluntary phase of Bachillerato drawn from the reading dichotomy of the conceived and received shapes of the paintings analyzed. Such educational proposal is oriented to the strengthening of the student´s basic competences considered in the syllabus of the subject Lengua y Literatura Castellana (Spanish Language and Literature), particularly in the linguistic communication competences and in the artistic and cultural ones. The results of the research show that it has contributed to solve the research problem shown in this report, since we provide the first complete poetic biographical sketch that Juan Bautista Sanz has developed in his artistic work, from the scientific premises of the semiotics of hyper-text where the links that hold his polyhedric trajectory have been analyzed. It is unquestionable that the work of Juan Bautista Sanz has an important didactic interest in the educational sphere of his hometown, Murcia, since young Bachillerato students can access the finest artistic and cultural paths of Murcia region, as a consequence the artist's mediating work in Galería Zero, in media, as well as the sensual and symbolic views of his paintings and the clear, critical and honest reflection of his writings. Such is the case with didactic projection purpose of this research for the usage and aesthetic and communicative delight of Murcia´s young students.

Aquesta tesi investiga obres, projectes i models de creació artística contemporània que adopten, com a referents formals i conceptuals, unes senyals visuals espontànies, traces efímeres i transitòries presents en els entorns quotidians i generades pels comportaments i les interaccions de les persones. Vam definir, en el seu inici, l'àmbit d'aquesta recerca des de la nostra experiència docent a secundària, per l'interès envers la varietat de les senyals visuals espontànies generades pels adolescents a l'escola, com també en el seu valor expressiu i comunicatiu. En aquell moment fou el començament d'un projecte artístic personal. A partir d'aquí, el desenvolupament de la pròpia recerca ens va mostrar autors, connexions entre obres i projectes de creació dins d'un espai visual més ampli de materialització i de significació relatiu a la nostra societat global. Hem observat que una part significativa de la producció artística actual té com a referents de creació signes i elements visuals propis d'aspectes de la vida quotidiana, relacionats amb les complexes conseqüències de la internacionalització econòmica i cultural, així com del desenvolupament i de l'expansió de les noves tecnologies. Dins del context artístic contemporani considerem que pot haver-hi un espai per plantejar una reflexió sobre la capacitat que té l'art contemporani de formalitzar i reconfigurar dins de la seva pràctica, a partir d' aquests indicis visuals, emprats com elements de significació oberta, alguns valors culturals d'individus o de col.lectius. La metodologia d'investigació de la tesi s'ha estructurat en dues línies paral•leles: una principal de recerca sobre els processos de creació artística o plàstica, però també de construcció conceptual i projectual, desenvolupada des de les obres de diferents autors relacionades amb els referents considerats, i una segona de producció artística personal annexa. Des del començament hem vist i analitzat, amb visites a exposicions i a manifestacions artístiques internacionals i locals, obres realitzades o vinculades a aquests entorns visuals i culturals. Hem comprovat com els artistes, en les seves pràctiques, han considerat aquestes senyals, petjades i signes visuals, utilitzant llenguatges artístics sovint interdisciplinaris; i, en efecte, de com aquests procediments han definit el procés productiu i la seva conceptualització. Les obres tractades en aquesta tesi s'han organitzat, en certa mesura, per categories de significació destacades en el debat actual, evidenciades i ampliades al llarg de la investigació, com són la virtualitat, el consum, les noves tecnologies, la violència, les migracions o la comunicació mediàtica entre d' altres. Quant a la part productiva personal, s'ha generat certa reconsideració dels materials i dels suports plàstics, així com dels continguts, a través de la creació d'obres vinculades als marcs de referència examinats, que han anat evolucionant fins a concretar un projecte artístic i noves línies experimentals. Amb aquests resultats oberts i sense cap voluntat conclusiva, creiem que podem contribuir a ampliar, ordenar i aprofundir alguns aspectes rellevants de l'experiència artística contemporània, aportant arguments d'anàlisi i de significació, i ordenant recursos productius de la pràctica creativa contemporània, que es troben vinculats i proposats en aquesta tesi.

Aquesta investigació pretén mostrar la transversalitat existent entre la cultura visual popular i la pintura contemporània. Analitza l’obra dels artistes, aporta evidències iconogràfiques i identifica les fonts, posant de manifest la inserció d’imatges de diferents àmbits d’una cultura popular i global. Alhora, la recerca permet veure que la pintura es realitza en un concepte expandit, fent difosa la frontera entre el que considerem els circuits tradicionals del high art i nous àmbits per a la imatge pictòrica. Això facilita visualitzar l’existència d’un artista pintor tot-terreny que treballa en la creació d’imatges bidimensionals travessant disciplines i circuits expositius sense prejudicis. La investigació comprèn una primera part, d’aproximació més teòrica, analitzant les interaccions, transferències iconogràfiques i expansions espacials de la pintura; aquesta ens condueix a una segona part, més pràctica i visual, amb l’estudi de cas de quatre artistes: Judas Arrieta, Enric Font, Sergio Mora i Santiago Morilla, evidenciant les insercions i els processos de transferència en la seva producció. / This research intends to demonstrate the transversal interferences existing between popular visual culture and contemporary painting. It analyses the work of the artists, with reference to iconographic evidence and identifies sources, showing the insertion of images from different fields of both popular and global cultures. At the same time, the research presents evidence how painting is realizing in a now expanded concept, blurring the borders between what we consider the traditional circuits of high art, and new fields for a pictorial image. This allows for the existence of an artist/painter who creates two-dimensional images that cross disciplines and exhibition circumstances without prejudice. This research comprises a first part, with a more theoretical approach, analyzing processes, iconographic transfers and space expansions in painting. This leads us to a second part, more practical and visual, with the case of study of four artists: Judas Arrieta, Enric Font, Sergio Mora and Santiago Morilla, showing evidence of the insertion and the process of transfer in their production.

El primer límite en que situamos nuestro trabajo es de orden geográfico (y por extensión, de tipo cultural). Hunde sus raíces en la isla de Mallorca. Nuestro interés, por ello, parte de un conocimiento directo de este contexto, tanto de sus instituciones como de sus mecanismos culturales, sin dejar de lado su sistema de galerías. En el ejercicio del trabajo artístico y creativo radicado en la isla de Mallorca, si nos centramos en la pintura, podemos encontrar un grupo heterogéneo y activo de artistas, que, de forma rigurosa y profesional vienen dedicándose con asiduidad a la práctica de la pintura abstracta. Nacidos en las décadas de los años cincuenta y sesenta (con algunos antecedentes previos) y a los que han ido añadiéndose nuevas generaciones, sus autores desarrollan su trabajo en el taller y hacen pública su actividad en exposiciones en una continuidad que se extiende desde los años setenta hasta la actualidad. Su relevancia crítica puede rastrearse principalmente en la prensa de las Islas Baleares, en un contexto local. El estudio de investigación que presentamos engloba también a artistas foráneos, mayores en edad, venidos de Estados Unidos, Inglaterra o Argentina y que han ocupado un lugar relevante en el desarrollo de la plástica abstracta de la isla durante el periodo mencionado. La primera idea del estudio que nos proponemos se gestó con motivo de la exposición de pintura de la Conselleria de Cultura del Govern Balear que, bajo el título de Abstraccions (Pintura no figurativa a les Illes Balears), se realizó en la La Lonja de Palma de Mallorca (un edificio emblemático de la ciudad) durante los meses de Septiembre y Octubre del año 1996. Incluía una amplia nómina de artistas cuyo número total era de cincuenta y siete pintores, todos relacionados con la pintura abstracta. Estudiamos este grupo de artistas porque su trabajo se encuentra en muchas ocasiones oscurecido, sobre todo, por pertenecer a una rama del arte que no exhibe características de moda o actualidad. Tratamos de reafirmar la vitalidad de esta tendencia, a la que estos pintores se entregan desde el ejercicio individual, conocedores todos ellos de las corrientes actuales. La práctica de la pintura de taller exige unas cualidades de dedicación lenta que no se prodiga demasiado en la posmodernidad. El hecho de que sigan practicando la pintura, y el respeto personal hacia ellos así como la creencia en la validez artística de su trabajo, me han animado así mismo a realizar este estudio. Su elección se justifica también por el buen nivel plástico reconocido de las obras de estos artistas, motivo que les hace merecedores de un estudio que ofrezca un testimonio conjunto de su actividad, ya que todos ellos continúan trabajando en lo que creen: La práctica de la pintura abstracta, independientemente del hecho que ésta no pertenezca demasiado al discurso principal establecido por una crítica centrada principalmente en otras cuestiones (tales como el cuerpo, el lenguaje, la performance, la instalación, las cuestiones de sexo e identidad, el arte del tercer mundo y el arte dirigido a aspectos sociológicos diversos). Son asimismo válidos por la necesidad de inclusión de estas prácticas pictóricas en nuestra cultura y sociedad, por su interés por preservar la legitimidad de la identidad artística en una sociedad de masas, con la total ubicuidad de los media como agentes de transformación del pensamiento y conducta del hombre actual, por su interés en la necesaria coexistencia y dialéctica del mundo de las nuevas tecnologías y soportes electrónicos en lugar del soporte tradicional de la técnica de la pintura. Existe, por todo ello, una necesidad de definir y acotar el ejercicio de la pintura abstracta en los años en que el mundo ha sufrido grandes transformaciones -el mundo de la globalización- y ello ha afectado las características tanto del artista como de la recepción y presentación de la obra de arte. Y, finalmente, nos sigue interesando el estudio de la existencia de proyectos artísticos específicos concretos que siguen valorando la abstracción como medio expresivo.

La presente investigación realiza un estudio a profundidad de la obra de Santiago Sierra y Teresa Margolles, quienes han trabajado en México desde el inicio de la década de los 90, y que ocupan hoy un destacado lugar en el circuito artístico internacional. Suele argumentarse que la importancia de su obra radica en visibilizar los increíbles niveles de violencia y polarización de la riqueza existentes en nuestra sociedad, constituyendo no sólo una denuncia sino un llamado a la reflexión ya la toma de postura crítica. Este trabajo cuestiona estos argumentos y enuncia que en la obra de ambos productores visuales existe una clara discordancia entre el discurso que las valida y las estrategias concretas seguidas para su realización. Pone particular atención a las prácticas de denigración y maltrato, así como a las dinámicas de objetualización y comercialización de los sujetos. ¿Nos encontramos frente a un arte de denuncia o simplemente somos testigos de un ejercicio de violencia perpetrándose dos veces sobre el mismo cuerpo? La hipótesis que se pretende demostrar es que su obra se articula a partir de la reproducciónde algunas de las lógicas más brutales del sistema económico y político vigente en México. La investigación establece diversos puntos de coincidencia entre el trabajo de Santiago Sierra y Teresa Margolles, plantea la existencia de una línea de continuidad en su obra y ubica la genealogía de sus propuestas en el periodo de instauración del neoliberalismo en México. Se realiza por tanto una reconstrucción de la serie de cambios experimentados por el circuito artístico mexicano durante aquél periodo, advirtiendo cómo las modificaciones suscitadas en el terreno político fueron acompañadas de una profunda transformación en la manera de entender el sentido y los límites del quehacer artístico. Se analiza la insistencia de ambos productores visuales (muy acorde al discurso de importantes sectores de la comunidad artística mexicana a inicios de la década de los 90) en afirmar la impotencia del arte, y se recuperan diversas declaraciones en las que queda de manifiesto su abierto desinterés por incidir en la realidad social. ¿Qué sentido parece tener entonces su trabajo? Si entendemos el arte como estrategia reflexiva, como herramienta para cuestionarnos sobre nuestra realidad, su quehacer no podría limitarse a la enunciación de lo existente sino que debería dirigirse a proponer mundos posibles.La reflexión se encuentra inexorablemente ligada a la posibilidad de creación, al deseo de incidir en la realidad (que puede aparecer como algo remoto o parcial, pero sin duda irrenunciable). La investigación concluye con una reflexión teórica, y una serie de imágenes en torno a la ética como ente capaz de resistirse a la impotencia y el desencanto: es la valoración, el reconocimiento de la humanidad e infinitud del Otro, lo único capaz de poner en marcha el deseo deapostar por la posibilidad de construir realidades compartidas. / This is an in-depth study of the work of Santiago Sierra and Teresa Margolles, who have worked in Mexico since the early 90’s and today hold an important position in the international artistic circuit. It is often said that the importance of their work lies in their ability to make visible the unbelievable levels of violence and polarization of wealth which exists in our society, and in the process, not only exposing it, but calling us to reflect on this and to take a critical stance. This work challenges such a view and proposes that the work of both producers presents a clear discrepancy between their validating discourse and the concrete strategies they follow to carry it out. Special attention is placed on the practices of denigration and abuse, as well as the process of objectifying and commercializing their subjects. Is this art of exposure or are we merely witnessing an act of violence being perpetrated twice on the same body? The hypothesis intends to demonstrate that their work does not only fail to question the present economic system, but that it also reproduces some of its most brutal rationale. This research establishes several points of coincidence between the work of Santiago Sierra and Teresa Margolles, it presents the existence of a line of continuity in their work, and it places the genealogy of their proposals at the onset of neoliberalism in Mexico. Therefore, it reconstructs a series of changes observed within the Mexican artistic circuit during this period, remarking on the way in which changes made in the political arena were accompanied by a deep transformation in the way we comprehend the meaning and limitations of artistic creation. This research concludes with a theoretical reflection and a series of drawings around the issue of ethics as an entity which is capable of resisting itself to impotence and disenchantment: the value, the recognition of humanity and the infinite Other, is the only thing capable of setting forth the will to bet on the possibility of building a shared reality.