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La formación de orquestas infantiles y juveniles como instrumento de educación musical e inclusión social es algo que está ganando cada vez más adeptos en diversos países. El principal objetivo de esta investigación es analizar el proceso de formación de las orquestas infantiles y juveniles de los Núcleos Comunitarios de Aprendizaje Musical (NUCAM) en México como alternativa de acceso a la enseñanza musical de niños y jóvenes en riesgo de exclusión. El epicentro de todo este movimiento orquestal y social está ubicado en Venezuela, “El Sistema Nacional de Orquestas y Coros Juveniles e Infantiles de Venezuela, que es la raíz del programa de los NUCAM. En esta tesis se han estudiado tres aspectos básicos del proceso: las condiciones intrínsecas –origen, gestión de recursos, características socioeconómicas y culturales–, su proceso de desarrollo –características pedagógicas y musicales–, y sus resultados –impacto sociocultural, fortalezas y debilidades–. De la población de 12 NUCAM se recogieron datos de 7 de ellos. El diseño metodológico se basa en un enfoque mixto; a partir de entrevistas, cuestionarios y la revisión de fuentes documentales. Los resultados del estudio reflejan que las orquestas de los NUCAM representaron una alternativa de acceso a la educación musical de niños y jóvenes en riesgo de exclusión social. El programa generó un impacto sociocultural positivo en los niños y jóvenes de las orquestas y en su comunidad. Y finalmente se concluyó que la carencia de una adecuada planeación de enseñanza, su aplicación y el seguimiento por parte de las autoridades implicadas en el proyecto, aunado a la falta de continuidad limitó su crecimiento musical y permanencia. / The creation of Child and Youth Orchestras as a tool for musical education and social inclusion is being more and more followed by several countries. First target of this investigation is to analyse the process for the creation of these Child and Youth Orquestras in Community Centers of musical learning (NUCAM) in Mexico as an option of musical education access for communties with risk of social exclusion. The main Center of this orchestral and social movement, is located in Venezuela, the National System of Child and Youth Orquestras and Chuorus of Venezuela, which is the origin of NUCAM programs. Three key pionts have been studied in this thesis: intrinsic condition-origin, resource management, socio economic and cultural context-, development-musical and pedagogical qualitie-, and the results-socio-cultural impact. strengths and weaknesses-. From an original population of 12 NUCAM, was collected data from 7 of them. The methodological structure used is based on a combined approach: with the utilization of interviews, questionnaires and the review of documentation sources. The outcome of the study shows that the NUCAM orchestras represent an option of musical education acces for children and young people with risk of social exclusion. This program produced a positive socio-cultural impact in the orchestra's children and young people participants and in their communities. And finally, has been concluded that the lack of a good educational planning, its application and a correct follow up from the authorities to the proyect, together with a lack of continuity , has been a limitation for its musical growth and its continuation.

La presente Tesis investiga los fundamentos de la teoría sobre polifonía y contrapunto en España a finales del siglo XV y principios del XVI. Partiendo de la edición crítica del primer tratado impreso en España sobre polifonía, escrito por Domingo Marcos Durán y titulado Sumula de canto de organo, contrapunto y composicion vocal y instrumental, pratica y speculativa, edición crítica realizada por primera vez, nuestro trabajo ha establecido el contexto en el que se desarrolló esta teoría, en relación a los precedentes históricos tanto españoles como europeos, y en relación al contexto humanístico del momento. Se han determinado en primer lugar las relaciones entre los teóricos españoles de finales del siglo XV y sus contemporáneos del resto del continente, así como el papel que la enseñanza universitaria de la música tuvo en toda Europa, pero especialmente en España y en concreto en Salamanca, foco cultural que origina la principal producción musical del momento, como el mismo tratado objeto de esta Tesis. El estudio del contenido mismo del tratado de Marcos Durán ha permitido establecer con precisión el tipo de conocimientos que se consideraban necesarios para la formación del cantante en aquellos años, tanto en lo que respecta a la lectura rítmica, en la que se ha podido establecer peculiaridades propias en cuanto a la notación musical, como en lo que se refiere a la consecución de diversas voces consonantes a partir de un canto dado. Esta técnica, tal como se deduce de las enseñanzas de la Sumula, conducía especialmente a la improvisación de voces consonantes, lo cual era posible gracias al uso de herramientas de aprendizaje en forma de tablas de intervalos y de solmisación. Este mecanismo de aprendizaje de lo que se denominaba contrapunto se ha podido determinar con precisión en este estudio, y además se ha podido profundizar en el uso de las notas alteradas o conjuntas en este contexto de contrapunto improvisado, un aspecto particular de la tratadística española como se demuestra en el estudio de este tratado de Domingo Marcos. También se ha podido estudiar el compendio de ejercicios vocales que cierra el tratado, determinando su importancia y originalidad en el contexto de la época. La Tesis incorpora la edición crítica completa de la Sumula de Domingo Marcos, con la transcripción completa de todos los ejemplos musicales a notación moderna. Como complemento y en forma de apéndice, en la Tesis se incluye la edición provisional de un nuevo tratado teórico español del siglo XV, relacionado con la Universidad de Salamanca, escrito por Pedro de Osma y que se consideraba hasta ahora perdido. En el curso de nuestra investigación hemos podido localizar el tratado e incorporarlo al estudio, pues se relaciona íntimamente con el contexto de teoría musical en Salamanca en la segunda mitad del siglo XV y con el autor que ha sido objeto de nuestra Tesis, de quien constituye un precedente directo. / This thesis investigates the fundamentals of the theory of polyphony and counterpoint in Spain in the late fifteenth and early sixteenth century. Based on the critical edition of the first printed treatise on polyphony in Spain, written by Domingo Marcos Duran and entitled Sumula de canto de organo, contrapunto y composicion vocal y instrumental, pratica y speculativa, presented here edited by the first time, our work has established the context in which this theory was developed in relation to historical precedents both in Spain and the rest of Europe, and in relation to the humanistic context of the moment. In the first place we determined the relationship between the Spanish theorists of the late fifteenth century and his contemporaries in the rest of the continent, and the role that the teaching of music had in the universities throughout Europe, but especially in Spain and particularly in Salamanca, the cultural focus which originated the main musical production of the moment, as the same treatise object of this thesis. The study of the content of the treatise of Marcos Duran has allowed to establish precisely the type of knowledge that was deemed necessary for the formation of the singer in those years, both in regard to rhythmic reading, which has been established in terms of characteristic notational particularities, as in regard to the achievement of various consonants voices over a given chant. This technique, as is apparent from the teachings of the Sumula, led especially to improvised consonant voices, which was made possible by the use of specific learning tools in the form of tables of intervals and of solmization syllables. This particular mechanism of learning of what was then called counterpoint, has been determined accurately in this study, and also we have been able to deepen our knowledge of the use of the altered notes or conjunctae in the context of improvised counterpoint, a particular aspect of the Spanish treatises as demonstrated by this study of the Domingo Marcos treatise. We have also been able to study the compendium of vocal exercises that closes the treatise, determining their importance and originality in the context of the time. The thesis incorporates the complete critical edition of the Sumula by Domingo Marcos, with the full transcript of all the music examples in modern notation. Completing and as an appendix in the thesis we incorporate the provisional edition of a new found Spanish theoretical treatise of the fifteenth century, associated with the University of Salamanca, written by Pedro de Osma that was considered lost until now. In the course of our research we have been able to locate the treatise and incorporate it into our study, because it is closely related to the context of music theory in Salamanca in the second half of the fifteenth century, and to the author who has been the subject of our thesis, for who constitutes direct precedent.

METODOLOGÍA La principal metodología empleada para elaborar esta tesis ha sido la consulta de diferentes archivos, bibliografía y aportar documentación desconocida, especialmente cartas personales, fotografías, grabaciones y partituras. También, se han empleado esquemas, tablas y pies de página como apoyo al texto. Por otro lado, se ha incluido un anexo final con los documentos inéditos y un catálogo con las partituras de la compositora. OBJETIVOS Se ha intentado dar respuesta al principal objetivo de esta tesis: saber cuál fue la contribución de Carmen Ibáñez en aspectos de género, musicológicos, pedagógicos, educativos, interpretativos y compositivos durante la primera mitad del siglo XX en España. CONCLUSIONES Carmen Ibáñez Ibáñez nació en Mula, Murcia, en 1895. Comenzó a estudiar piano en su localidad natal, y posteriormente amplió sus estudios en Murcia y Madrid, con algunos de los profesores más representativos de la música española de principios del siglo XX. A pesar de que ganó un premio de piano y consiguió tocar para el público, no pudo dedicarse a la interpretación de este instrumento por las dificultades existentes hacia su sexo y, al igual que la mayoría de las mujeres de su tiempo, optó por dedicarse a la docencia. Tras aprobar la oposición de profesora de música en la Escuela Normal de Albacete se afincó en esta ciudad y comenzó a escribir en la prensa sobre aspectos musicales. En esta institución experimentó con nuevas metodologías educativas, donde puso en práctica la herencia pedagógica de Pestalozzi y de la Escuela Nueva a través de los libros pedagógicos que consiguió editar y de su novedoso invento, el Rigo-Móvil, considerado como el objeto ideal para el aprendizaje intuitivo de la música en los niños y en aquellos con problemas de audición, siendo estos métodos novedosos en nuestro país. También fue de las primeras mujeres españolas en organizar y dirigir un orfeón compuesto por sus propios alumnos, que tenía una finalidad didáctica y servía para difundir conocidas piezas del repertorio culto y popular a la sociedad albaceteña. Por otro lado, Carmen Ibáñez contribuyó a que se crease el Conservatorio de Música de Albacete, y solicitó trabajar como profesora de piano en este lugar, pero esta plaza fue asignada a un varón con menos méritos musicales que ella. En cuanto a su dedicación hacia la composición, se ha demostrado que siguió las tendencias chopinianas, más otras nacionalistas y regionalistas, aprendidas de sus maestros, y las mezcló con sonoridades complejas propias del posromanticismo e, incluso, procedentes de la música flamenca. Este estilo musical lo aplicó en géneros populares españoles y en otros recién llegados a España, como el fox-trot. La mayoría de sus composiciones estuvieron firmadas bajo un pseudónimo, como hicieron muchas mujeres, para facilitar la difusión de sus obras. Acabada la Guerra Civil Española, las autoridades gubernamentales la eligieron como instructora y asesora musical de la Sección Femenina de Albacete. Este hecho le facilitó la recopilación de la música popular de esta provincia, con la intención de crear un cancionero musical para evitar el olvido de este folclore, que se usase como recurso educativo y que algunas de sus piezas se empleasen en los concursos nacionales de música organizados por esta institución, donde los coros dirigidos por Carmen Ibáñez ganaron en alguna de sus ediciones anuales. Su cancionero fue de los más representativos de España y cuando lo finalizó se la premió con un galardón estatal. La compositora falleció en 1962, y desde ese momento le rindieron continuos homenajes y se creó un premio nacional de piano con su nombre, especialmente porque se la consideró como la musicóloga y compositora más representativa de Albacete. / METHODOLOGY The principal methodology used to develop this thesis was the consultation of various archives, bibliography and the provision of unknown documentation, especially personal letters, photographs, recordings, and scores. Additionally, there are diagrams, tables, and footnotes to support the text, a final annex of unpublished documents, and a catalogue of the composer's scores. OBJECTIVES This thesis has tried to provide answers to its principal objective: to know what was the contribution of Carmen Ibáñez in issues of gender, musicology, pedagogy, education, interpretation, and composition during the first half of the twentieth century in Spain. CONCLUSIONS Carmen Ibáñez Ibáñez was born in Mula, Murcia, in 1895. She began studying piano in her hometown, and later continued her studies in Murcia and Madrid under some of the most important professors of Spanish music in the beginnings of the 20th century. Even though she had won a piano award and performed in public, she could not pursue a career as a professional musician because of the difficulties faced by women and, like most women of her time, chose to devote herself to teaching. After passing the music teaching exams at the "Escuela Normal" of Albacete, she settled down in the city and started to write for the press about music. At this institution she experimented with new educational methods and put into practice the pedagogical heritage of Pestalozzi and the "New School" through the pedagogical books she edited and her new invention, the "Rigo-Móvil", considered an ideal object for the intuitive learning of music by children and people with hearing problems. She also was one of the first Spanish women to organize and direct a choral society composed of her own students, which had a didactic purpose and served to spread known popular and cult pieces around Albacete. On the other hand, Carmen Ibáñez contributed to the creation of the Music Conservatory of Albacete, and applied to be a professor of piano, only to have the job offered to a man with less musical merits than her. Regarding her dedication to composition, it has been demonstrated that she followed trends similar to Chopin, in addition to other nationalist and regionalist trends learned from her teachers, and mixed them with the complex sounds of post-romanticism and flamenco music. Ibáñez applied this music style in popular Spanish genres and other newly arrived genres to Spain, like the fox-trot. Like many women did at that time, the majority of her compositions were signed under a pseudonym to facilitate the dissemination of her work. After the Spanish Civil War, the governmental authorities chose her to be a musical instructor and consultant for the "Sección Femenina" of Albacete, an aspect that helped facilitate the collection of popular music in the province with the purpose of creating a songbook as a record of this folklore. Such a book was used as an educational resource and some of her pieces were used in national music competitions organized by this institutions, where choruses conducted by Carmen Ibáñez won in some of its annual editions. Her songbook was one of the most representative of Spain and when she finished it, she was given an award from the state government. The composer died in 1962, and since then, there have been continuous tributes to her music and a national piano award has been created in her name, especially because she is considered to be the most representative musicologist and compositor in Albacete.

OBJETIVOS: Esta tesis se enmarca en el ámbito de la Pervivencia de la Mitología Clásica y el objetivo es investigar sobre el tratamiento e influencia que la leyenda de Andrómeda y Perseo ha tenido a lo largo de tres periodos histórico-musicales en la ópera: barroco, clasicismo y siglo XX. El origen de este trabajo es la lectura de la leyenda de Andrómeda y Perseo en la versión canónica de Ovidio en las Metamorfosis, 4.604-803 y 5.1-235. Nuestro objetivo es examinar la proyección de este mito en la ópera a través del análisis de la producción literaria y musical de los siguientes autores: Ovidio, Pierre Corneille, Philippe Quinault, Giambattista Varesco, Michael Veber-Nino- y Salvatore Sciarrino, en la parte literaria; y Jean-Baptiste Lully, Johann Michael Haydn, Jacques Ibert y Salvatore Sciarrino en lo musical. METODOLOGÍA: El proceso de investigación se ha articulado en tres fases con la siguiente metodología: Partimos de la observación de la leyenda en Ovidio así como en otros autores que han difundido también este mito, ya sea basándose en Ovidio directamente o no. A continuación analizamos el tratamiento literario del mito en los libretos de las cuatro óperas elegidas, encuadradas dentro de diferentes estilos y épocas musicales. Y finalmente, estudiamos los recursos musicales utilizados por los compositores en sus óperas para la interpretación del mito clásico de Andrómeda y Perseo. Las tres fases citadas anteriormente nos acercan a los objetivos de este trabajo. La primera, nos sitúa en el objetivo de estudio de la investigación; la segunda nos lleva a conocer el objetivo de estudio en su contexto y sus características; y la tercera nos plantea la finalidad de la investigación en el contexto de la adecuación música-texto. CONCLUSIÓN: A lo largo de la historia siempre han estado unidas las diferentes artes, una vez más literatura y música han sido fuente de inspiración en la historia de la ópera. La propia evolución estética, literaria y musical han sido las responsables de las numerosas diferencias conceptuales a la hora de plasmar la leyenda del mito de Andrómeda y Perseo en las óperas de Lully, Haydn, Ibert y Sciarrino. A través de las cuatro óperas analizadas podemos observar cómo Lully, Haydn, Ibert y Sciarrino, ya sea por medio del bajo continuo, arias virtuosísticas, armonías impresionistas y textos silábicos u orquestación electrónica han interpretado aquella antigua leyenda recogida en las Metamorfosis de Ovidio, en la Andromède de Corneille o en las Moralidades legendarias de Laforgue. La relación más cercana con respecto al mito clásico ovidiano que se da en Lully o Haydn no lo es tanto en Ibert y menos en Sciarrino, por el final trágico que inventa el italiano en su ópera. En la presente tesis se estudia la significación del texto y la profunda relación entre éste y la música, que a través de multitud de lenguajes y procedimientos compositivos, y una vez interrelacionados y ensamblados magistralmente por el compositor hacen que la inspiración en la leyenda mitológica ovidiana se convierta en verdaderas obras de arte. / OBJECTIVES: This thesis is defined within the continued existence of Classical Mythology and its objective is to hold a research on the treatment and influence that the story of Perseus and Andromeda has had on opera over three periods of the history of Music: Classicism, Impressionism and the twentieth century. This piece of work originates in Ovid's approach to the legend of Perseus and Andromeda in the canonical version of the myth found in "Metamorphoses", 4.604-803 and 5.1-235. Our objective is to examine the impact of this myth on opera by evaluating the literature production and musical work of the following authors: Ovid, Pierre Corneille, Philippe Quinault, Giambattista Varesco, Michael Veber-Nino- and Salvatore Sciarrino as for literature; and Jean-Baptiste Lully, Johann Michael Haydn, Jacques Ibert and Salvatore Sciarrino for their musical work. METHODOLOGY: The research process has been performed in three phases according to the following methodology: The starting point of this study is the evaluation of Ovid's legend, as well as other authors' who have also spread this myth, whether basing their work on Ovid's directly or not. Then, we analysed the literary treatment of the myth found in the libretti of the four operas chosen within different music styles and periods. Finally, we studied the musical resources used by the composers in their operas to interpret the classical myth of Perseus and Andromeda. The three phases mentioned above bring us closer to the objectives of this research. The first one pictures the objective of this study; with the second one, we get to know the context and characteristics of the objective; and the third one sets out the purpose of this research work within a music and text adaptation context. CONCLUSION: Through history, the different Arts have always been linked together and, once again, literature and music have been of great influence in the history of opera. In fact, the aesthetic, literary and musical evolution have been responsible for the wide range of conceptual differences that arise when interpreting the story of Perseus and Andromeda in Lully, Haydn, Ibert and Sciarrino's operas. Through the four operas analysed, we can see how Lully, Haydn, Ibert and Sciarrino, either by using a continuous bass, virtuosistic arias, impressionistic harmonies and syllabic texts or electronic orchestration, they all have interpreted the ancient legend of Ovid's Metamorphoses, in Corneille's Andromède or Laforgue's Moralités Légendaires. Those who relate the most to the classical Ovidian myth are Lully or Haydn, whereas this closeness is less obvious in Ibert's work and gets even further away from the legend in Sciarrino's, specially due to the tragic end that the Italian composer adds to his opera. In this thesis, the meaning of the text and the profound connection between text and music via a wide variety of languages and composition processes, once masterfully interrelated and assembled together by the composer, make the influence of the Ovidian myth turn into true masterpieces.

Johann Joachim Quantz (1697-1773) es el autor del Versuch einer Anweisung zu die Flöte traversiere zu spielen (Ensayos de un método para tocar la flauta travesera), publicado en Berlín en 1752. Además de tratarse del primer compendio exhaustivo sobre la flauta travesera, el libro aborda problemáticas generales ligadas a la composición, los estilos, la profesión del músico, la expresión y la apreciación musical, y ofrece una amplia panorámica del gusto musical de su tiempo. Tras la difusión en la década de 1960 de la traducción inglesa de E. R. Reilly, el Versuch se ha convertido en una de las obras de referencia ineludibles en la praxis interpretativa de la música barroca. Sin embargo, su notoriedad contrasta con el relativo desconocimiento de la vida de su autor. Quantz fue uno de los virtuosos alemanes más famosos de su tiempo. Prolífico compositor, escribió más de 700 obras, casi todas para la flauta, hoy todavía poco conocidas. También aportó importantes innovaciones al diseño del instrumento. Su fama ha estado tradicionalmente ligada a los últimos treinta años de su vida, que transcurrió como maestro de flauta privado de Federico II de Prusia. En su juventud, había adquirido una notable competencia en varios instrumentos, como el oboe y el violín. Esto le permitió desarrollar una brillante carrera en la corte sajona de Dresde, como flautista de su célebre orquesta. En sus viajes por los principales centros musicales europeos, conoció a celebridades como Gasparini, Scarlatti, Hasse, Farinelli, Blavet y Haendel. El testimonio de esta etapa de su vida está recogido en su breve autobiografía de 1754, documento que también contiene unas claves muy valiosas para la correcta comprensión del tratado. Esta tesis investiga en profundidad los nexos existentes entre el Versuch y la biografía de Quantz, con el fin de perfeccionar su comprensión e identificar sus campos de aplicación más apropiados. Además, constituye la primera y única base de conocimiento existente en lengua castellana sobre el argumento. La primera parte de la tesis contiene una reconstrucción crítica de la biografía de Quantz, elaborada a partir de la autobiografía, y ampliada con fuentes coevas. La segunda recoge un análisis detallado del Versuch, de sus antecedentes, su difusión y de las temáticas que aborda. La tercera parte presenta una versión crítica en lengua castellana del Versuch, plasmada en estrecha conexión con los resultados de la reconstrucción biográfica y de la investigación. El estudio desentraña la relación de Quantz con su entorno cultural y artístico, explora las etapas de su formación temprana, su recepción de la ópera y de la música instrumental italiana, y evalúa la relevancia del violín y del canto en las ideas expresadas en el Versuch. Redimensionando la tradicional asociación al ambiente prusiano, la investigación destaca la importancia de la experiencia madurada en Dresde. Con el fin de individuar el lugar de Quantz en el debate musical de su tiempo, la tesis detalla su aportación a temas como la difusión del “estilo mixto” (fusión de estilo francés y estilo italiano), el desarrollo de la flauta, la articulación del concepto de “buena ejecución” y la evolución del gusto musical en Alemania. Las ideas de Quantz sobre el “cantábile” y la ornamentación, su postura moderada sobre la emancipación de la música instrumental del canto, y la creciente importancia del papel de la invención en la creación musical sobre el de la representación retórica de las “pasiones”, ponen de relieve su papel de bisagra entre dos épocas de la evolución del gusto musical. / Johann Joachim Quantz (1697-1773) is the author of the Versuch einer Anweisung die Flöte traversiere zu spielen (Essay of a method on playing the flute), published in 1752 in Berlin. Besides being the first comprehensive summary about the flute, this book covers several issues related to composition, style, profession, expression and musical appreciation, and shows a broad panorama on contemporary musical taste. Thanks to the publication en 1960 decade of the first modern English translation by E. R. Reilly, the Versuch is today considered an unavoidable authority for the interpretation of Baroque music. Nevertheless, his notoriety contrasts with the quite lowly awareness about the life of its author. Quantz was one of the most famous virtuosi of his time in Germany. A prolific composer, he wrote more than 700 works, mostly for flute, still little known today. He also brought important innovations to the design of the instrument. His fame has been traditionally linked to the last thirty years of his life, which he spent as a private flute teacher of Frederick II of Prussia. Being young, Quantz acquired substantial proficiency on many instruments, like oboe and violin. This gave him access to a bright career in the Saxon court in Dresden, as a flutist in its celebrated orchestra. He visited the main European musical centres, and met celebrities like Gasparini, Scarlatti, Hasse, Farinelli, Blavet and Handel. This stage of his life is described in his short 1754 autobiography, which provides us with valuable keys to accurate insight of the treatise. This thesis deeply investigates the links between the Versuch and Quantz biography, in order to enhance its comprehension and to identify the most appropriate application fields. In addition, this research sets up the first comprehensive knowledge base in Spanish language about this matter. The first part of the thesis consists of a critical reconstruction of Quantz’s biography, based upon the autobiography and contemporary sources. The second part gathers a detailed analysis of the Versuch, deepening in antecedents, dissemination and matters addressed. The third part introduces a critical version in Spanish of the Versuch, in close connection with the biographic reconstruction and research findings. This research disentangles the relation between Quantz and his cultural and artistic environment, explores the stages of his early education, his reception of the opera and Italian instrumental music, and assesses the role of the violin and singing in the ideas found in the Versuch. Through resizing the traditional association to Prussian environment, the thesis highlights the importance of his professional experience in Dresden. In order to precise Quantz’s place in contemporary musical debate, the thesis details his contribution to matters like the diffusion of “mixed style” (synthesis of French and Italian styles), the development of the flute, the growth of the “good execution” conception and of the German musical taste. Quantz’s ideas about the “cantabile” and the ornamentation, his moderate position in the instrumental music emancipation from singing, and the growing importance of the invention in musical creation against the rhetoric representation of “passions”, underline his role of hinge between two stages in musical taste evolution.

Este estudio aborda la faceta pedagógica de Carl Philipp Emanuel Bach. Se estructura en tres bloques: una contextualización histórico-biográfica del autor, una versión crítica de su obra pedagógica Versuch über die wahre Art das Clavier zu spielen, en sus dos partes y el análisis de las piezas didácticas que acompañaron al Versuch en la primera y tercera edición a la primera parte, los Probe-Stücke de 1753 y los Sechs neue Clavier-Stücke de 1787. El propósito inicial era determinar la trascendencia como obra didáctica de estas veinticuatro piezas de estudio que el autor escribió como material complementario al Versuch, y que, en palabras del propio autor, permitían al estudiante poner en práctica las enseñanzas del mismo en situaciones reales de ejecución musical en el teclado. Para ello, se ha realizado un análisis de las piezas desde el punto de vista del propio Versuch. Esto ha permitido comprobar hasta qué punto se ajusta cada uno de los recursos empleados en las piezas a los casos y presupuestos de la obra teórica y cómo queda unificada así esta gran obra. El trabajo analítico ha consistido en aislar los elementos tratados en cada pieza y, recurriendo a las indicaciones del autor en el Versuch, elaborar una de las posibles guías de estudio de los mismos. Podemos afirmar tras este estudio el inmenso valor didáctico de estas piezas y lo ajustado de la percepción del autor sobre su propio trabajo al insistir en el rigor del tratamiento que había dado a los mismos. Este mismo rigor es el que recomienda al teclista que decida hacer uso de ellos. Los recursos empleados en cada pieza se han recogido en unas tablas que consideramos útiles como herramienta pedagógica. La traducción del Versuch fue en un principio una herramienta imprescindible para el análisis y se descubrió enseguida como una aportación esencial que no se podía dejar de hacer a la musicología en lengua hispana. Finalmente se ha optado por una versión crítica de la obra. El estudio incluye una biografía del autor, su formación musical, su entorno, aspectos y aportaciones compositivas, su obra, especialmente su obra para teclado y una breve reseña de los estilos musicales de mediados del siglo XVIII en Centroeuropa y los instrumentos de tecla a los que se alude en el Versuch. El análisis ha permitido apreciar el interés particular que adquiere la música del autor vista desde la perspectiva de los Gedanken, la construcción a partir de ideas musicales, y la importancia que esto reviste de cara a una mayor comprensión de la música tanto de sus contemporáneos como de la generación siguiente hasta el Clasicismo musical, revalorizando el periodo que constituyen los cuarenta años que siguen a la muerte de Johann Sebastian Bach. Carl Philipp Emanuel Bach concibió la obra como un gran conjunto, en el que el ensayo teórico y las piezas de estudio están íntimamente ligados entre sí. La obra responde a un concepto racional-ilustrado, en el que los principios del arte musical aparecen enunciados científicamente en concreciones técnicas teclísticas, sin perder por ello ni un ápice de su esencia artística. Es esta esencia racionalista con la que el autor concibió y elaboró minuciosamente su obra la que ha guiado este estudio, a la vez que ha permitido descubrir y resaltar el valor artístico de la misma por encima de presupuestos estrictamente técnicos. / This dissertation approaches the pedagogic work of Carl Philipp Emanuel Bach. It is divided in three parts: a biography and historical contextualisation of the author, a critical revision of his pedagogic opus magnum Versuch über die wahre Art das Clavier zu spielen, including its two parts, and the musical analysis of the didactic compositions that were published along the first and third edition of the Versuch: the 1753 Probe-Stücke and the 1787 Sechs neue Clavier-Stücke. The original purpose of this paper was to determine the transcendency of these twenty-four étude-pieces as a didactic work, which were written by the author as a complement to the Versuch. As himself said, these pieces would allow the student to take the contents of the treaty into real situations of musical execution at the keyboard. To achieve the original purpose, a musical-analysis of the pieces has been done from the point of view of the own Versuch. This allowed us to verify up to what extent the pieces had been adjusted to each of the resources described in the theoretical treaty and how this great work remains unified in this way. The analytical approach consisted on isolating the different theoretical issues presented in every piece and, connecting them with the indications of the author upon such items in the Versuch, finally propose a sort of a practice-guide. After this study it has been proved the great didactic value of these pieces and how suitable was the perception of the author about his own work, having he insisted in several occasions on the rigour he treated these pieces with. He advices the keyboard player who chooses his pieces to approach them with the same rigour. The different resources that are described in the treaty and used in every piece have been summed up in a few charts that we consider useful pedagogic tools. The translation of the Versuch was originally intended as an indispensable tool for the analysis, revealing itself immediately as an essential contribution that we could not help to make to the discipline of the Musicology in Spanish. Finally we have chosen to make a critical translation of the work. This dissertation includes also a short biography of the author, his training as a musician, his social context, the contributions he made as a composer, his work - specially his work for keyboard, a short review of the musical styles present in the middle of the 18th century in Central Europe, and the keyboard instruments he mentions in the Versuch. Our musical analysis allows to appreciate the particular interest that his music acquires when seen from the perspective of the Gedanken - the composition by using short musical ideas or thoughts. This is capital in order to have a fuller understanding of his music and the one of his contemporaries, as the one of the following generation up to the Classic period, revaluing this period of forty years after the death of Johann Sebastian Bach. Carl Philipp Emanuel Bach conceived the work as a great whole in which the theoretical essay and the pieces of study were deeply intertwined. The work follows a rational-enlightened conception where the principles of musical art are enunciated scientifically in technical specificities for the keyboard, without loosing however not even an inch of its artistic essence. Is this rationalist essence, that the author used to conceive and elaborate meticulously his work, the same that has guided this study allowing simultaneously to discover and to stress out the artistic value of the work apart from the technical issues only.

La ciudad de Orihuela configura su historia a partir de su Reconquista en el s. XIII y la creación de su diócesis en el s. XVI. A finales de s. XIX nace Carlos Moreno Soria, un compositor cuyo destino musical se ve determinado por acontecimientos históricos, sociales y económicos como las desa¬mortizaciones, el Concordato de 1851, la promulgación del Motu Proprio y la demanda en este momento de música popular religiosa. Durante los catorce años que trabaja en la capilla de música de la catedral de Orihuela, realiza diferentes trabajos y aunque ejerce las labores de Maestro de Capilla, nunca obtiene tal nombramiento. En Orihuela compagina este trabajo en la Catedral con otros como el de pianista del Casino Orcelitano, director ocasional de orquesta en diferentes actos y la docencia para hijos de familias acomodadas de la ciudad. El estudio de la obra de Carlos Moreno va a revelar, no solo las circunstancias en las que se desenvuelve la capilla de música de la Catedral, sino también, a través de la demanda de obras por parte de las instituciones y la sociedad oriolana, la importancia de determinadas festividades, de la música popular religiosa y de los nuevos centros de cultura no religiosos: el Teatro Circo y el Casino Orcelitano. Por otro lado el maestro Moreno reside la mayor parte de su vida en Alicante donde entra en contacto con otros géneros no religiosos y realiza diversos trabajos relacionados con la música: es ayudante y copista del maestro Oscar Esplá y su nombre aparece en carteleras como maestro concertador, pianista acompañante de algún cantante en radio y miembro de un notable quinteto que actuaba en el Café Español, entre otros. Los objetivos que nos hemos marcado al abordar nuestro trabajo son los siguientes: 1- Establecer la historia musical de Orihuela vinculada desde el s. XVII y su evolución a través de sus fiestas. 2- Analizar los factores y consecuencias histórico religiosas que determinan la música del s. XIX y mediados del XX en Orihuela así como la relevancia de los nuevos centro de recreo no religiosos en la ciudad. 3- Difundir la biografía de los compositores más significativos de Orihuela así como de aquellos que no siendo oriolanos están muy vinculados musicalmente a la ciudad. 4- Buscar y recopilar todos los datos referentes a la vida del compositor Carlos Moreno Soria e integrarlos en su ciudad así como la dos de sus descendientes, la de su hijo, José María Moreno Mateo, y su nieto, Romual¬do Moreno Torres. 5- Revisar todos los inventarios y archivos donde pueda haber alguna obra del compositor Carlos Moreno para hacer un catálogo único de sus obras. 6- Analizar los factores de carácter religioso e histórico-económico que influyeron en la obra del compositor. 7- Determinar la importancia que Carlos Moreno Soria tuvo en la capilla de música de la catedral oriolana y su cargo. Este trabajo supone la búsqueda de datos a través de actas capitulares y otros documentos y boletines, prensa y entrevistas con quienes conocieron al compositor para elaborar su biografía. Además, hemos estudiado los diferentes archivos donde se pueden encontrar partituras del maestro Moreno para la recopilación y catalogación de la obra del compositor. El posterior análisis de la obra junto con el estudio de las circunstancias en que se desarrolló su vida, y por tanto su labor compositiva, nos ha permitido establecer unas conclusiones referentes a la música de este periodo en Orihuela y determinar la importancia de Carlos Moreno Soria en la capilla de música de la Catedral así como el cargo que ocupó en ella. / The city of Orihuela shapes its history from the moment of its Reconquista in the 13th century and the creation of its diocese in the 16th century. At the end of the 19th century was born Carlos Moreno Soria, a composer whose music destiny was shaped by historical, social and economic developments as the encumbrances, The Concordat in 1851, the promulgation of the Motu Proprio and the demand at that time of religious popular music. During the fourteen years working in the music chapel in the cathedral of Orihuela, performed various jobs. However, and although is serving as a chapel master, he never gets such appointment. In this work combines Orihuela Cathedral with others such as Casino Orcelitano pianist, occasional conductor in various events and teaching for children of wealthy families in the city. The study of Carlos Moreno´s work will not only reveal the circumstances in which the music chapel of the cathedral is managed but also, through the demands of works by the institutions and the society in Orihuela, the importance of certain festivities, popular religious music and the new non-religious cultural centre: El Teatro Circo y El Casino Orcelitano. On the other hand, the master Carlos Moreno lives most of his life in Alicante where he has got contact with other non-religious genres and he performs various music-related works: he is assistant and copyist of the master Oscar Esplá, and his name appears on billboards as an music director, accompanist of a radio singer and member of a remarkable quintet that performed at the Café Español, among others. The goals we have set to tackle our work are: 1- Set the music history of Orihuela linked from the 17th century and its evolution through their festivities. 2- Analyse the factors and historical and religious consequences that determine the music in the 19th and in the middle of the 20th centuries in Orihuela, and the relevance of the new non-religious recreation centres in the city. 3- Spread the biography of the most outstanding composers in Orihuela and of those who are not musically linked to this city. 4- Find out and collect all the data concerning the life of the composer Carlos Moreno Soria and integrate them into his city, as well as two of his descendants, his son, Jose Maria Moreno Matthew, and his grandson, Romualdo Moreno Torres. 5- Review the inventory and all the files where there may be some work of the composer Carlos Moreno in order to make a unique catalog of his works. 6- Analyse the religious, historical and economic factors that influenced the composer´s work. 7- Determine the importance that Carlos Moreno Soria had in the music chapel of the cathedral in Orihuela and his position. This work involves searching the data through Chapter Records and other documents and newsletters, press conferences and interviews with those who knew the composer in order to develop his biography. In addition, we studied the different files where you can find sheet music by the master Carlos Moreno for the collection and cataloguing of the composer´s work. Further analysis of the work together with the study of the circumstances in which he lived, and therefore his compositional work, has allowed us to establish some conclusions concerning the music of this period in Orihuela and determine the importance of the music of Carlos Moreno Soria in the music chapel of the cathedral and the position he held in it.

We apply the optimal fingerprint detection algorithm to three independent diagnostics of the recent climate record and derive joint probability density distributions for three uncertain properties of the climate system. The three properties are climate sensitivity, the rate of heat uptake by the deep ocean, and the strength of the net aerosol forcing. Knowing the probability distribution for these properties is essential for quantifying uncertainty in projections of climate change. We briefly describe each diagnostic and indicate its role in constraining these properties. Based on the marginal probability distributions, the 5 to 95% confidence intervals are 1.4 to 7.7K for climate sensitivity and 0.30 to 0.95 W/m^2 for the net aerosol forcing using uniform priors; and 1.3 to 4.2K and 0.26 to 0.88 W/m^2 using an expert prior for climate sensitivity. The oceanic heat uptake is not so well constrained. The uncertainty in the net aerosol forcing in either case is much less than the uncertainty range usually quoted for the indirect aerosol forcing alone. / Includes bibliographical references (p. 8-11). / Abstract in HTML and technical report in PDF available on the Massachusetts Institute of Technology Joint Program on the Science and Policy of Global Change website (http://mit.edu/globalchange/www/) / Supported in part by NOAA Office of Global Programs (NA06GP0061). Supported in part by the UK Natural Environment Research Council, and by UK DETR (PECD 7/12/37).

Este proyecto de investigación doctoral tiene como propósito contribuir a la mejora de la formación del alumnado de Magisterio en Educación Artística, a partir del conocimiento de las historias de vida de futuros maestros respecto a esta materia. El análisis de las historias de vida de alumnado de Magisterio se centrará en las experiencias en Educación Artística, que han tenido lugar tanto en la educación reglada como informal, desde la infancia hasta su formación inicial en la universidad. Serán relevantes, para desarrollar implicaciones educativas, los datos sobre Educación Artística que se desean extraer de las narrativas y respuestas de los participantes a cerca de: la figura del profesor, la duración y suficiencia de la formación recibida, los contenidos estudiados, las aptitudes pedagógicas de los enseñantes y los obstáculos de la práctica docente. Sujetos: Se describen los principales resultados del estudio llevado a cabo con una población de 206 alumnos de tercer curso de la Especialidad de Educación Infantil, del título de Maestro, de la Universidad de Alicante, en el curso académico 2009-2010, matriculados en la asignatura de Expresión Plástica. Procedimiento: Este proyecto se llevará a cabo en cuatro fases: [1] Marco Conceptual; [2] Marco empírico; [3] Conclusiones de la investigación; [4] Implicaciones educativas. [1] El marco conceptual se desarrollará en dos partes: la primera de ellas respecto al campo científico en el que se centra el estudio, y la segunda respecto a la temática concreta que se investiga. En primer lugar analizaremos, respecto a la Educación Artística: [A] Los antecedentes a nivel nacional e internacional. [B] La evolución. [C] La situación actual y las prospectivas de futuro desde un punto de vista nacional e internacional. Profundizando en cómo debe ser la Educación Artística desde el punto de vista de las principales asociaciones internacionales, las políticas educativas y los principales investigadores españoles de Educación Artística. Revisaremos cuáles son los sistemas de control de los programas de Educación Artística. En segundo lugar justificaremos el interés de la temática que se investiga desde el marco internacional y nacional. Y basaremos el estudio, a partir de las historias de vida del profesorado, en los modelos y teorías hallados. La revisión bibliográfica contribuirá a obtener referencias teóricas que estén en la base del diseño y elaboración de los instrumentos de investigación empleados, de las interpretaciones de los datos obtenidos, de las conclusiones, y de implicaciones educativas. Se revisará el estado de la cuestión a cerca de la investigación pluralista en educación y el debate en la comunidad científica sobre la conveniencia de un paradigma u otro, centrándonos en ese mismo debate en el caso del área artística. [2] En el marco empírico se abordará el problema de la formación del alumnado de Magisterio en Educación Artística, a través del método de un estudio de caso de futuros docentes en la Universidad de Alicante. Las historias de vida respecto a las enseñanzas recibidas en Educación Artística de este alumnado las conoceremos mediante una metodología de investigación plural que incluirá: una narrativa autobiográfica, investigación cualitativa a través de narrativas obtenidas de entrevistas semiestructuradas; investigación cuantitativa a través de cuestionarios de respuesta cerrada; e investigación basada en el Arte a partir de fotografías. [3] Con cada una de las metodologías empleadas en la investigación plural se expondrán resultados parciales, y se elaborarán y discutirán conclusiones parciales respecto a las cuestiones de investigación. Para a partir de todas ellas confluir de forma complementada en una serie de conclusiones finales donde se produzca la convergencia de los datos obtenidos hacia el objetivo pretendido. [4] Finalizaremos desarrollando las implicaciones educativas de la investigación respecto al marco de la Educación Artística. / This doctoral research project is aimed at contributing the improvement of Teacher Training students´ education, especially on Art Education. The knowledge of future teachers´ life stories are taken as a starting point in relation to this subject. The Teacher Training students´ life stories analysis will be focused on experiences related to Art Education. These experiences are both found in official and extracurricular education, from childhood to early University education. Individuals: the main results on the study are described taking into account 206 third-year Early Childhood Teacher Education students (Teacher Training Studies, University of Alicante). Those students were registered in Plastic Expression subject in the 2009-2010 academic year. Procedure: this project will be carried out in 4 stages: 1. Conceptual background. 2. Empirical background. 3. Research conclusions. 4. Educative implications. (1) The conceptual background will be developed in two different parts. First, dealing with the scientific field in which this study is based on. Second, regarding the specific matter which is being studied. (2) The Training Students´education matter on Art Education is discussed in the empirical background, by means of future teachers´ case studies in the University of Alicante. The students´ life stories related to the learned concepts in Art Education will be discovered using a plural methodology which will include: an autobiographical narrative, a qualitative research result of semistructured interviews; quantitative research through closed-set questionnaires. Research based on Art from some pictures. (3) Partial results will be shown according to the different and plural used methodologies. Partial conclusions will be set and discussed in relation to the research matters. Thus, those ideas will come together in a complementary way in the last conclusions where the obtained data are to converge with the expected aims. (4) Finally, the study will be completed developing the educational implications of the research, regarding the Art Education background.