A tese enfoca os três primeiros volumes da coleção Jogos (Játékok) do compositor húngaro György Kurtág, numa abordagem que articula os campos analítico e performático, a fim de ressaltar a importância do corpo e do gesto dentro da proposta lúdica representada pela coleção. Esta nasceu com objetivos didáticos: oferecer uma abordagem contemporânea para iniciantes nos estudos pianísticos, mas logo ultrapassou tais limites, representando na verdade uma das facetas mais importantes da linguagem artística de Kurtág, sendo referência não só entre as demais obras do compositor, mas também na literatura para piano da segunda metade do século XX. Os Jogos representam um material inovador, tanto pela inclusão primordial do elemento da ludicidade, como pelo engajamento do corpo dos intérpretes numa perspectiva globalizante e, portanto, alternativa às perspectivas pedagógicas tradicionais do piano, que em geral, se preocupam desde o início do estudo com o desenvolvimento de determinadas habilidades digitais específicas. Na premissa de Kurtág, encontramos a primazia da construção de um espaço multimodal, háptico, ao tocar, bem como o estímulo fundamental ao desenvolvimento das capacidades perceptivas (em amplo sentido) dos intérpretes. Após a elaboração de um histórico da criação dos Jogos, tratando de sua concepção, proposta e dos objetivos da obra, bem como da organização dos volumes e de características gerais das peças, o trabalho enfoca os conceitos que se revelaram fundamentais para a concepção e interpretação dos Jogos, a saber, os de jogo, corpo e gesto, os quais são examinados como subsídio para uma maior compreensão das intenções composicionais e das escolhas performáticas. A última parte da pesquisa consiste numa reflexão analítica a partir de nossas escolhas interpretativas e dos referenciais conceituais tratados anteriormente, destacando sobretudo as peças nas quais se encontram propostas especiais quanto ao trabalho pianístico, sobretudo pelos tipos de exploração gestual e corporal ao piano. / The thesis approaches the three first volumes from the collection Games (Játékok) by the Hungarian composer György Kurtág, in an articulated view of the analytical and interpretation fields, to highlight the body and gestural importance within a playful proposal represented by the collection. The collection started with an educational aim: it provides a contemporary approach for beginners in pianistic studies, but soon surpassed such limits, actually representing one of Kurtágs most important artistic language facets, a landmark not just among the composers works, but also in the second half of 20th centurys piano literature. Games represent an innovative material, both through the inclusion of the fundamental recreational element, and the interpreters body involvement in a global perspective and, thus, an alternative to the piano traditional pedagogic perspectives, which are generally concerned, right from the beginning, with the development of specific fingering skills. In Kurtágs premise, we found the construction primacy of a multimodal space, haptic, at playing, as well as the fundamental encouragement to the development of the interpreters perceptive skills (in a broader sense). After the development of a history of the Games creation, consisting of the works conception, proposal and aim, as well as the volumes organization and the general characteristics of the pieces, the research focuses on the concepts which have turned out to be fundamental for the conception and interpretation of the Games, that is, those of play, body an gesture, which are looked into as a subsidy for a better understanding of the compositional intentions and performance choices. The last part of the research consists of an analytical consideration from our interpretative choices and the conceptual references previously discussed, emphasizing, above all, the pieces which contain especial proposals concerning the pianistic work, especially through the types of gestural and body exploration on the piano.

Symphony I -- Moments -- Three Chinese poems for mixed choir. / Tam Chin Fai. / Thesis (M.Mus.)--Chinese University of Hong Kong, 2004. / Includes bibliographical references (leaves 96). / Abstracts in English and Chinese. / Instrument List of SYMPHONY I --- p.iii / SYMPHONY I (2002-2003) --- p.1 / MOMENTS (2003) --- p.56 / THREE CHINESE POEMS for Mixed Choir (2004) / Chapter I. --- Chou Nu Er - Shu Bo Shan Dao Zhong Bi by Xin Qi-ji --- p.75 / Chapter II. --- Deng Le You Yuan by Li Shang-yin --- p.81 / Chapter III. --- You Zi Yin by Meng Jiao --- p.88 / Pronunciation and Translations of THREE CHINESE POEMS for Mixed Choir --- p.94 / Bibliography of the Translations of THREE CHINESE POEMS for Mixed Choir --- p.96

Clara Josephine Wieck, Clara Schumann após o casamento com o compositor Robert Schumann, foi das poucas crianças-prodígio que asseguraram sua fama e reconhecimento como virtuosas do piano por toda a vida. A história de sua longa carreira como concertista (63 anos), reflete a história da vida musical do século XIX. E seu nome aparece como grande influência na mudança de hábitos que se deu entre seu primeiro recital público, em 1828, e o último, em 1891; em termos de escolha de repertório, programação de turnês, os papéis desempenhados pela criança-prodígio e pela mulher profissional, além da atitude do público frente às propostas musicais que surgiam por vezes, antagônicas. Como compositora, porém, sua atuação não alcançou as mesmas proporções, apesar de suas peças terem agradado não só ao público, mas também a grandes mestres de seu tempo como Robert Schumann, Félix Mendelssohn, Frederick Chopin, Franz Liszt e Johannes Brahms, por exemplo. As dificuldades por que passou durante a vida a fizeram escolher entre a criação e a performance, ao que ela optou pela segunda, sem remorsos. Seus relatos atestam que a prática do instrumento, o contato com o público e a satisfação de divulgar obras cuja importância, como conhecedora do métier, sabia reconhecer, faziam parte de sua própria essência como indivíduo. Ademais, composições feitas por mulheres não eram incentivadas nem levadas a sério na primeira metade do século XIX, e a própria Clara Schumann era insegura em relação à qualidade da sua obra. Este trabalho vem demonstrar que a criação musical de Clara Schumann, relegada a um segundo plano pela própria compositora, merece ser tão divulgada como a de qualquer outro compositor do século XIX, uma vez que discute as mesmas questões propostas por eles, com um nível elevadíssimo de elaboração. Um breve histórico comentado de suas composições e a análise de seu ciclo de variações Op. 20 atestam a excelência de sua obra. / Clara Josephine Wieck, or Clara Schumann after her marriage with composer Robert Schumann, was one of the very few prodigy-children who could keep their fame and recognition as virtuosi of the piano in their lifetime. The history of her long career as a pianist (63 years) reflects the musical life of the 19th century. Her name appears as being of great influence in the change of habits that occurred between her first public concert, in 1828, and the last, in 1891 - in terms of choice of repertoire, schedule of concert seasons, the roles played by the prodigy-child and the professional woman, besides her attitude towards the audience in relation to new musical propositions, at times very antagonistic. However, as a composer, her fame did not achieve the same proportions, in spite of her pieces having pleased not only the audience, but also great masters of her time, such as Robert Schumann, Félix Mendelssohn, Frederick Chopin, Franz Liszt and Johannes Brahms. The difficulties she faced during her life made her choose between creation and performance, making her stick to the latter, without any regrets. Her testimonies speaking of the practice of the instrument, the contact with the audience and the pleasure she gained in divulging works which importance she recognized (being a connoisseur of her métier) were part of her own essence as an individual. Besides, compositions made by women were not stimulated, nor even seriously taken into consideration in the first half of the 19th century. Clara Schumann herself had doubts on the quality of her works. This work intends to make visible that Clara Schumanns musical creation, left to a second plane by the composer herself, deserves to be acknowledged as the composition of an important composer of the 19th century, for it deals with the same issues proposed by her contemporaries in a very elaborate way. A brief commented narrative of her compositions and the analysis of her cycle of variations Op. 20 are proof of the excellence of her work.

O presente trabalho trata de questões relativas à interpretação musical das Bagatelas op. 119 de Beethoven. São abordados assuntos como: dificuldades técnicas, andamentos, dinâmica, fraseado, articulação, pedalização, entre outros. A finalidade é ressaltar alguns detalhes de estrutura e de notação utilizados pelo compositor que podem ajudar e enriquecer o processo de construção de uma interpretação musical desta obra. Discorre-se também sobre as circunstâncias que levaram Beethoven a compor suas Bagatelas, primeiras edições e o paradeiro de alguns dos esboços e manuscritos relativos a essas obras. Esta dissertação utiliza os textos musicais de duas das mais conceituadas edições da obra disponíveis no mercado (G. Henle Verlag, de 1970 e Wiener Uxtert/Schott Universal Edition, de 1973) e é fundamentada em trabalhos de especialistas da área, notadamente, Sandra Rosenblum (Performance Practices in Classic Piano Music), Barry Cooper (Beethoven\'s Portfolio of Bagatelles) e Alan Tyson (The First Edition of Beethoven\'s op.119 Bagatelles). / The present work deals with issues concerning the musical interpretation of Beethoven\'s Bagatelle op. 119. Were approached subjects such as technical demands, tempo, dynamic, phrasing, articulation, pedaling, among others. The goal is to bring out some of the composer\'s structural and notational details, which may help and enrich the process of creating a musical interpretation of this piece. It has also been discussed on the circumstances that led Beethoven to compose his Bagatelles, first editions and whereabouts of some of the sketches and manuscripts relating to these works. This essay uses the musical scores of two of the most prestigious editions available (G. Henle Verlag, 1970 and Wiener Uxtert/Schott Universal Edition, 1973) and is based on works from experts in the field, notably, Sandra Rosenblum (Performance Practices in Classic Piano Music), Barry Cooper (Beethoven\'s Portfolio of Bagatelles) and Alan Tyson (The First Edition of Beethoven\'s op.119 Bagatelles).

A Sonata para Violoncelo e Piano de Almeida Prado merece ocupar um papel de destaque na produção recente para o Violoncelo. Esse trabalho servirá como ponto de apoio para violoncelistas interessados na performance da Sonata, bem como à instrumentistas de cordas que buscam melhor compreender as peculiaridades da interpretação das peças deste compositor. O procedimento metodológico constou de quatro etapas. Em primeiro lugar foi realizado um levantamento bibliográfico explorando os autores que discorreram sobre a vida e obra de Almeida Prado. Em um segundo momento, foram coletados dados através de entrevistas e aulas com o compositor e entrevistas com Sonia Rubinsky, pianista responsável pela estreia e encomenda da obra. Na terceira etapa, a peça foi apresentada em diferentes ocasiões, incluindo um recital com a pianista Rubinksy. Estas experiências, juntamente com os dados coletados, resultaram na edição da parte de Violoncelo e gravação em vídeo. Por fim, foi realizada uma análise técnico/interpretativa da obra, utilizando-se dos dados coletados nas entrevistas, pesquisa bibliográfica e recitais. / The Sonata for Cello and Piano de Almeida Prado deserves to occupy a prominent position in the recent production for Cello. This work will serve as support for cellists interested in the performance of the Sonata, as well as string instrumentalists seeking to better understand the peculiarities of interpretation of this composer\'s works. The methodological procedure consisted of four stages. First off a review of the literature was conducted exploring the authors who wrote about the life and work of Almeida Prado. Secondly, data was collected through interviews and lessons with the composer, as well as interviews with Sonia Rubinsky, pianist responsible for the premiere and commission of the sonata. In the third stage, the piece was presented on several occasions, including a recital with pianist Rubinksy. These experiences, together with the collected data, resulted in the edition of the Cello part and a video recording. Finally, a technical/interpretive analysis of the work was carried out, utilizing the data collected during the interviews, bibliographic research and recitals.

Este trabalho foi dividido em duas partes, por se tratar de uma pesquisa em que assuntos se complementam sem abrir mão de sua importância individual. Estes assuntos são a figura da pianista Beatriz Balzi e a música erudita latino-americana para piano. Seus caminhos se cruzam em 1984, ano em que Beatriz Balzi iniciou uma série de gravações deste repertório, registrando peças compostas entre 1898 e 1997 em uma coleção de CDs intitulada Compositores Latino-americanos. Uma vasta gama de técnicas, estilos e procedimentos composicionais foram exemplificados por Beatriz Balzi nas 54 peças de sua série de CDs. Oriundas de 13 países, tais composições testemunham a formação do patrimônio cultural deste continente, no período em que o mesmo lutava para ser reconhecido por suas características próprias. Esta conclusão emerge da análise realizada sobre as partituras utilizadas pela pianista em suas gravações, unida ao estudo dos encartes que acompanham os CDs, à audição dos mesmos e às entrevistas com compositores gravados. Um panorama histórico resumido da música erudita do século XX foi formulado para contextualizar este repertório. Por sua vez, a biografia de Beatriz Balzi e a dissertação sobre sua trajetória na confecção da série Compositores Latino-americanos, material inédito e peculiar na década em que foi criado, levantam a seguinte questão: por que teria a pianista se empenhado em tal tarefa, em vez de abraçar um repertório mais acessível a si mesma e ao público? A resposta que ecoa é a militância pela valorização da música destes autores e deles próprios, além da luta pela aproximação dos povos deste continente através do conhecimento mútuo. Embora este tipo de pesquisa tenha atraído a atenção de músicos e estudiosos do século XXI, a música erudita latino-americana foi sempre relegada ao segundo plano no universo da música de concerto ocidental. A série de Beatriz Balzi e o presente trabalho contribuem para preencher esta lacuna. / This paper was divided into two parts, as it deals with research where topics complement each other, without giving up their individual importance. These topics are the figure of the pianist Beatriz Balzi and the Latin American piano art music. Their paths crossed in 1984, the year when Beatriz Balzi started a series of recordings of this repertoire, registering pieces composed from 1898 to 1997 in a CD collection under the title of Latin American Composers. A wide range of techniques, styles and compositional procedures were exemplified by Beatriz Balzi in the 54 pieces of her CD series. Originated from 13 countries, such compositions testify the formation of this continent\'s cultural heritage, in the period when it struggled to be recognized for its own characteristics. This conclusion emerges from the analysis carried out on the scores used by the above-mentioned pianist in her recordings, together with the study of the inserts attached to the CDs, the listening to them, and the interviews with recorded composers. A summarized historical panorama of the XX Century\'s classical music was formulated in order to contextualize this repertoire. On its turn, Beatriz Balzi\'s biography and the dissertation on her trajectory in the completion of the Latin American Composers series, unpublished material which was distinctive in the decade in which it was created, give rise to the following question: why would the pianist devote herself to such a task, instead of embracing a repertoire which would be more accessible to herself and to the audience? The answer that echoes is the militancy for the valuing of these authors\' music as well as their own valuing, in addition to bringing together the peoples of this continent by means of mutual knowledge. Although this type of research has attracted the attention of the XXI Century musicians and scholars, the Latin American art music has always been relegated to a less important place in the universe of the Western concert music. Beatriz Balzi\'s series and the present paper contribute to fill this gap.

Este trabalho tem como objetos de estudo a terceira fase estética do compositor César Guerra-Peixe, fase nacional (1949-1993) e a obra para piano nela inserida. Buscou-se estabelecer relações entre esta fase estética e as obras nela situadas com a busca pela renovação do nacionalismo musical pelo compositor Guerra- Peixe. No estabelecimento dessas relações o ponto de partida foi a divisão da fase nacional em períodos, aos quais foram relacionadas uma ou mais obras para piano. Tendo como referencial teórico o pensamento do próprio Guerra-Peixe, cada período foi descrito dentro de um contexto histórico e musical, e buscou-se a identificação de características da estética de Guerra-Peixe, bem como de sua linguagem composicional em constante renovação. As características levantadas subsidiaram a análise das obras selecionadas para cada período. Através da análise estabeleceu-se a relação entre os períodos da fase nacional, suas respectivas obras e linguagem composicional e a busca pela renovação do nacionalismo musical pelo compositor Guerra-Peixe. / This dissertation aims to study the piano works present in the third aesthetic phase (1949-1993) of Brazilian composer Cesar Guerra-Peixe. The study established links between Guerra-Peixe\'s search for renewal of musical nationalism, his third aesthetic compositional phase and the piano works composed during this time. In establishing these relationships, the starting point was the division of the national phase in periods, which were related to one or more piano works. Each period has been described in a historical and musical context, having Guerra-Peixe\'s personal thoughts as the basis for theoretical reference. The features of Guerra-Peixe\'s aesthetics, as well as his compositional language, were identified and supported the analysis of the works selected for each period. The dissertation established the relationship between the periods of the national compositional phase, the corresponding piano works, Guerra-Peixes\'s musical language, and the search for renewal of musical nationalism undertaken by the composer.

Este trabalho visa analisar sob o ponto de vista histórico e pianístico-musical a suíte Le Tombeau de Couperin escrita para piano solo pelo compositor francês Maurice Ravel (1875-1937) durante os anos da Primeira Guerra Mundial. Além de ser um adeus aos amigos desaparecidos durante a guerra, Ravel assina nesta obra uma homenagem dos modernos ao ancestral, também compositor, François Couperin (1668-1733) esquecido durante o século XIX. / This research aims at examining from a historical and musical point of view the Suite Le Tombeau de Couperin, written for piano solo by the French composer Maurice Ravel (1875-1937) during the years of the First World War. In this work, a farewell to friends, who disappeared during the war, Ravel also signs an homage from the modern to the ancestor, François Couperin (1668-1733), also a composer, who was forgotten during the nineteenth century.

Tales of Old Grandmother, Op. 31 by Prokofiev is based on a fairy tale theme. It can be considered as both a most valuable pedagogical piece for young students and as a piece for the concert repertoire. However, this piece was under-appreciated by most piano performers and piano pedagogues for many years, even though it was praised by several well-known composers and was often played by other pianists and Prokofiev himself. The main aim of this study is to promote the Tales so that they will be performed and taught more often. All of the complex harmonic language, unique unforgettable lyricism and Prokofiev's typical compositional elements are presented in this score, allowing it to serve as a great concert repertoire choice. At the same time, the simple format setting, less demanding technique and the fairy tale theme can easily catch and hold a children's interest. Therefore, Tales of Old Grandmother contains both performance value and pedagogical value. This premise is achieved through a discussion of Prokofiev's unfailing interest in fairy tales and comparisons between Tales of Old Grandmother with Prokofiev's advanced piano works and with his Music for Children, Op. 65. Lastly, a performance guide is given suggesting different performance interpretations, various practice strategies and several efficient teaching methods regarding the Tales of Old Grandmother, Op. 31.

This study placed specific emphasis on the motor-skills and practice strategies employed by piano players when practising and performing in relation to playing-related musculoskeletal disorders (PRMDs). The survey questionnaire-instrument was designed by the researcher to investigate the prevalence of PRMDs among both professional and non-professional piano players. Five hundred and five respondents completed the self-administered survey questionnaire. Out of the total 505 participants, 42% of the players reported PRMDs. The professional players (72%) reported a significantly higher incidence (p < 0.05) of PRMDs in comparison with the non-professional group. The professional players with piano as their major instrument, using predominantly neutral wrist posture (i.e., open-kinetic chain playing technique), reported a significantly higher incidence of PRMDs. Although the present study showed a greater number of years of playing was associated with greater risk of PRMDs, the result also showed that the years of playing had no significant effect on the incidence of PRMDs (p > .05) when it was analyzed with the practice hours within seven days. Moreover, analyzing the practice hours over seven days with the piano major/non-major instrument, the various grade levels and PRMDs; the results showed that the practice hours had no significant effect on the groups with and without PRMDs (p > .05). Although women reported a significantly higher percentage of PRMDs (p < 0.05) than men, there was no significant association between the groups with and without PRMDs when analyzing practice hours over seven days by grade levels and gender. The PRMDs seem to arise when overuse is compounded by misuse and/or adverse playing conditions. The best and safest practice would be to minimize consumption of musculoskeletal force production and combine this with effective practice-breaks between sessions to achieve the optimum goal of daily practice. Keywords: hand injury, PRMDs, wrist pain, hand-span size, playing-technique, and piano player.