Diss.--Berlin, 2003. / Bibliogr. p. 361-400.

Revision of Thesis (Ph. D.)--University of Iowa, 1969. / Includes bibliographical references (p. [317]-330) and index.

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Mémoire numérisé par la Division de la gestion de documents et des archives de l'Université de Montréal. / Pour respecter les droits d'auteur, la version électronique de cette thèse ou ce mémoire a été dépouillée, le cas échéant, de ses documents visuels et audio-visuels. La version intégrale de la thèse ou du mémoire a été déposée au Service de la gestion des documents et des archives de l'Université de Montréal.

Pourquoi une thèse sur Rabelais, en 2012 ? Certes : en apparence on ne présente plus l’écrivain, qui s’inscrit ànotre Panthéon, sans conteste, comme l’un des « pères » de la littérature française. Pourtant, le constat quifonde notre propos, c’est qu’il y a, justement, une nécessité urgente à réintroduire Rabelais. Auprès du grandpublic – parce que les lecteurs la délaissent, souvent induits à penser qu’elle est illisible ou inactuelle. Leréintroduire, aussi, dans le discours de la critique généraliste, dont les recherches les plus stimulantes tendent àrejeter Rabelais, et son époque dans la sphère du non-littéraire. C’est aussi ce que les rares études sur laréception de l’écrivain indiquent : en suggérant qu’au-delà d’une série de reprises ponctuelles ou d’imitationsde second rang, l’auteur n’aurait pas eu de réelle postérité chez les écrivains modernes – et qu’il se serait heurtéà un « malentendu », sinon à une déconcertante « défiguration ». En somme, à l’époque moderne, l’oeuvre deRabelais s’identifie insidieusement à un objet du patrimoine : plus qu’à un objet littéraire – de rechercheslittéraires. Et en 2012, malgré soi, l’on en viendrait à reprendre les conclusions amères de Céline : que Rabelaisa « raté son coup ». Alors que faire ? Notre thèse sur les « fils de Rabelais », envisageant successivement les casde Nerval et d’Apollinaire, entend récuser ce constat accablant. En réhabilitant la notion de « fils » enlittérature, nous montrerons que Rabelais possède bel et bien une postérité dans la littérature moderne : qu’auXXIe siècle, son oeuvre réussit encore à faire parler d’elle – et à inspirer de nouveaux regards critiques. / Why present a thesis on Rabelais in 2012? Clearly, at first sight, we no longer need to showcase a writer who has undoubtedly earned his place in our Pantheon as one of the "fathers" of French literature. Yet, our whole thesis is based on the premise that there is a pressing need to revitalise Rabelais in our literary consciousness. Readers neglect his work – often led to believe that it is unintelligible or outdated – and the trend in the most stimulating of critical studies is to reject Rabelais and his era into the non-literary sphere. This is what the rare studies of how the writer was received show : they suggest that, aside from a series of one-off replications or substandard imitations, the author is not really a source of inspiration to modern writers – his legacy has come up against "misunderstanding" and has even bafflingly been "distorted". In short, in our modern age, Rabelais' work is insidiously identified as part of our heritage, rather than literary matter or a subject for literary study capable of inspiring critics and writers. If, in 2012, against our better judgment, we are tempted to concur with Céline's bitter conclusions: that Rabelais "failed in his design ". What should we do about it? The aim of our thesis on the "sons of Rabelais" is to challenge this damming conclusion, by considering successively Nerval’ and Apollinaire’ cases. Through a rehabilitation of the notion of a literary descendant or “son”, we will show that there is a clear thread between Rabelais and modern literature, and that in the 21st century, his work can still, and always still, succeed in attracting debate and discussion – inspiring fresh critical thought. Keywords : Rabelais – Nerval – Apollinaire – filiation – reception – posterity – analogy – manner.

Mémoire numérisé par la Division de la gestion de documents et des archives de l'Université de Montréal / Pour respecter les droits d'auteur, la version électronique de cette thèse ou ce mémoire a été dépouillée, le cas échéant, de ses documents visuels et audio-visuels. La version intégrale de la thèse ou du mémoire a été déposée au Service de la gestion des documents et des archives de l'Université de Montréal.

Thesis (D. Litt.)--Sorbonne, 1985. / Includes indexes. Includes bibliographical references (p. [737]-756).

Le Bestiaire ou Cortège d’Orphée (1911) d’Apollinaire attire toujours les mélodistes de notre temps. S’inscrivant dans une tradition ancestrale, les mises en musique des petits poèmes d’animaux guidés par Orphée constituent en effet un inestimable « jardin zoologique » pour les musiciens. Apollinaire imaginait-il une exploration de ce type ? Ces créations musicales à partir du Bestiaire sont-elles, à titre posthume, un hommage au poète ? Des plus célèbres, celles de Poulenc et Durey (1919), à celle de Régis Campo (2008) en passant par les recueils de Claude Ballif et Robert Caby (1945), chacune des versions donne lieu à un réinvestissement spécifique des poèmes. Dans cette étude diachronique allant de 1919 à 2008, les compositions concernées sont analysées dans leur contexte puis examinées à travers la pluralité des langages musicaux qu’elles mettent en oeuvre. Outre Poulenc et Durey, voici, par ordre chronologique, les auteurs abordés : Yves Nat (Dans vos viviers, dans vos étangs, 1943) ; Claude Ballif (Le Cortège d’Orphée, op. 1b, 1945-1948) ; Robert Caby (Cycle inédit de sept mélodies, 1945-1948) ; Robert Cornman (Le Bestiaire Alpha, 1961-1963, Le Bestiaire Bêta, 1972) ; Jean Absil (Bestiaire op. 58, 1964) ; Lionel Daunais (Bestiaire, 1978) ; plus près de nous : May Breguet (Bestiaire, 1982) ; Alain Corbellari (Bestiaire bis, 1991) ; Rachel Laurin (Bestiaire op. 22, 1992) ; enfin, John Carbon (Bestiaire, 2002) et Régis Campo (Bestiaire, 2008) / The poem collection Le Bestiaire or Cortège d’Orphée (1911) by Apollinaire still attracts vocal composers of our time. Drawing on ancestral traditions, the setting to music of short poems about animals guided by Orpheus constitutes an inestimable “zoo” for musicians. Did Apollinaire imagine an exploration of this type? Are these musical creations, from Le Bestiaire onward, posthumously, homages to Apollinaire? From the most famous of animal cycles by Poulenc and Durey (1919), to that of Régis Campo (2008), as well as the collections of Claude Ballif and Robert Caby (1945) , each version gives rise to a specific reingagement with the poems. In this diachronic study from 1919 to 2008, the compositions in question are analyzed in their context and examined through the plurality of musical languages that they employ. In addition to Poulenc and Durey, here, in chronological order, are the other composers discussed: Yves Nat (Dans vos viviers, dans vos étangs, 1943); Claude Ballif (Le Cortège d’Orphée, op. 1b, 1945-1948); Robert Caby (Cycle of seven songs, 1945-1948); Robert Cornman (Le Bestiaire Alpha, 1961-1963, Le Bestiaire Bêta, 1972); Jean Absil (Bestiaire, op. 58, 1964); Lionel Daunais (Le Bestiaire, 1978); more recent, May Breguet (Bestiaire, 1982); Alain Corbellari (Bestiaire bis, 1991); Rachel Laurin (Bestiaire, op. 22, 1992); and, finally, John Carbon (Bestiaire, 2002) and Régis Campo (Le Bestiaire, 2008)

Dans la poésie et dans les théories poétiques et esthétiques d’Apollinaire, de Cendrars et de Reverdy, entre « Pâques à New York », « Zone » en 1912, et Le Manifeste du surréalisme de Breton en 1924, une fracture apparaît au niveau de la forme. Liée forcément à l’abandon de la mimèsis en tant qu’imitation de la réalité, cette nouvelle poétique se veut rupture nette avec le réalisme, mais rejoint également des conceptions vitalistes de la pensée de Nietzsche et de Whitman, et à travers une nouvelle poétique de l’image et du langage poétiques, dont l’ambition est paradoxalement de réinventer le « réalisme » dans la poésie par « rapprochement des réalités éloignées » (Reverdy). Ce sont notamment des dispositifs de la « poésie visuelle » qui produisent des effets au niveau de la lecture en tant qu’expérience et expérimentation à la fois. Quels sont les enjeux de cette « poétique de la réalité » ou de ce « lyrisme du réel » et sa place dans la modernité poétique ? Les expériences et expérimentations du corpus, lesquelles se caractérisent par la fracture des formes, et utilisation des fragments « bruts », des éléments de réalité, sont étudiés avec une approche phénoménologique, mais dans une perspective essentiellement esthétique. Le mérite de la phénoménologie merleau-pontyienne est de mettre en valeur les aspects corporaux de la perception, et c’est exactement dans ce sens-là que toutes ces expérimentations représentent des stratégies poétiques d’immersion du lecteur dans l’expérience esthétique et des dispositifs d’une réception corporelle qui est « instinctive », c'est-à-dire « pré-linguistique » et, selon l’expression de Merleau-Ponty, « pré-objective », concernant ainsi également l’invention linguistique, c'est-à-dire la poésie en tant que « parole parlante ». / In the poetry and in the poetic and esthetic theories of Apollinaire, Cendrars and Reverdy, between « Pâques à New York » and « Zone » in 1912, and Le Manifeste du surréalisme by Breton in 1924, fracture determines poetic forms. Evidently connected to the abandonment of mimesis as imitation of reality, this new poetic tendency wants clean break with realism, but also rejoins the vitalist conceptions of Nietzsche and Whitman, through a new conception of poetic image and language, with a seemingly paradoxical ambition to reinvent « realism » in poetry by “bringing together distant realities” (Reverdy). Particularly the devices of “visual poetry” produce certain effects in the act of reading as an experience and experimentation both. What are the challenges of these "poetics of reality" or of this “lyricism of the real” and their place within modern poetry in general ? These experiences and experiments of the poetry, characterized by fracture of forms, and usage of “raw” fragments, elements of reality, are studied here with a phenomenological approach, but from an essentially aesthetic point of view. The merit of the phenomenology of Merleau-Ponty is that it highlights the corporal aspects of perception, and it’s exactly in that sense that all these experiments represent poetic strategies of immersing the reader in the aesthetic experience and devices of corporeal reception which tends to be more « instinctive », even « pre-linguistic », and according to the expression of Merleau-Ponty, « pre-objective », thus concerning also the invention of language, and poetry as “parole parlante”.

The early twentieth-century avant-garde has cast a long shadow over the popular imagination as producers of manifestos, public scandals, and some of the most enduring art and literature of the last century. In this study, I examine the works of three poets who are not only considered leading avant-gardists, but who are foundational to how both popular consciousness and academic scholarship have understood the avant-garde’s theory and practice: Guillaume Apollinaire, F. T. Marinetti, and Ezra Pound. In particular, this study focuses on the recurring themes of prophecy and apocalypse in their work. These themes occur through reference to prophetic and apocalyptic literary or mythical figures, but also through stylistic innovations such as the use of literary personae or the attempt to synthesise diverse artistic forms. Focusing on these themes allows this study to re-engage the question of how these poets, and the avant-garde more broadly, regarded their practice as a social act. Using a comparative methodology in this thesis, prophecy is viewed not simply as a declamatory literary style that foretells the future, but as a particular kind of social relationship to an audience that is at turns mutually supportive and antagonistic. Similarly, apocalyptic thought is presented not merely as an expectation or belief in the end of the world, but as a specific method of imagining a new world that is, in spite of itself, dependent upon the social world of the present. Apollinaire, Marinetti, and Pound were major figures in the so-called ‘Pre-war Avant-Garde’ having established their reputations in the decade prior to World War I. While they each began formulating and proclaiming their views on aesthetics prior to the war, the experience of war had a profound impact on all three. Accordingly, this thesis examines a number of poems from Apollinaire’s two major collections: Alcools (1913) and Calligrammes (1918), the latter containing significant reflections on avant-gardism and war. Marinetti acted as a journalist in the Italo-Turkish war of 1911-1912, which inspired the work central to this study: his Futurist novel-in-verse Le Monoplan du Pape (1912). Pound, unlike Apollinaire and Marinetti, did not participate in World War I, and this study explores his sequence Hugh Selwyn Mauberley (1920), a long rumination on art, war, and his engagement with Imagism and Vorticism, but also analyses poems from his collections Personae (1908), Ripostes (1912), and Lustra (1916). This study examines how the acute crisis of the war pressed each of these poets to reconsider their view of the poet-as-prophet in society. In doing so it explores the ethical or political implications of avant-garde aesthetics influenced by and as a response to war. This study also closely compares these poets’ works to the biblical literature from which they frequently derived prophetic and apocalyptic themes. Apollinaire, Marinetti, and Pound’s relationship to religion, particularly Christianity, spanned from ambivalence to hostility, but they each engage biblical literature in unique and unorthodox ways. While these poets all sought to be identifiably modern, this study demonstrates the ways in which they attempted to recover values from biblical literature that each felt was necessary to establish the independence and autonomy of contemporary art and literature. Therefore, this study’s comparative framework is intended to engage the conversation over the spiritual, religious, or transcendent values to which avant-garde art aspired. And drawing significantly from the social theories of art, religion, and culture developed by Max Weber and Pierre Bourdieu, this thesis contributes to the study of avant-gardism as a social, as well as aesthetic, phenomenon.