Postítulo en composición musical / La presente tesina propone un trabajo de tipo compositivo e investigativo en paralelo. Desde la composición se plantea la creación de una obra para orquesta sinfónica que busca abordar características musicales referentes al concepto de “textura armónica”. Dicho concepto es abordado desde el planteamiento de alturas y sus relaciones, aludiendo principalmente a una idea armónica que muta a través de las variables tímbricas, dinámicas y temporales. Este objetivo estético surge de la influencia sobre procedimientos musicales posteriores al último cuarto del siglo XIX, desde la emancipación de la disonancia y las variables de una armonía extendida más allá de los márgenes de la tonalidad. Es preciso considerar también el aporte sustantivo que ejercieron los compositores de la escena nacional e internacional que se presentaron a través de clases, charlas y conciertos en la Facultad de Artes de la Universidad de Chile. Desde el punto de vista investigativo, este trabajo abarca el análisis musical de los movimientos I y III de “Música para cuerdas percusión y celesta” de Béla Bartok y “Atmospheres” de Gyorgy Ligeti. La importancia que representa el estudio de estas piezas para el trabajo de tesis se sostiene en lo significativo que resulta el análisis musical para la formación de un compositor, ya que a través de éste podemos reconocer y comprender de qué forma ha sido organizada la música, ya sea desde lo técnico y/o estético. Es por esto que el análisis musical constituye una parte importante de este trabajo. Para la elección de este repertorio se consideró en primera instancia música escrita para orquesta o agrupación orquestal, y en segundo lugar música que escapara a la organización tradicional de alturas. El análisis de estas obras tienen un gran valor informativo y descriptivo sobre cómo fueron construidas estas piezas, resultando un material de estudio útil para la formación de un compositor.

El presente Seminario de Título es un trabajo de investigación sobre el uso de la armonía clásico-romántica en el lenguaje musical del repertorio de Tango. A través del análisis armónico de su discurso musical, hemos querido demostrar que este género logra constituir notables ejemplos para el estudio de ciertas temáticas específicas de la armonía, posibles de ser utilizados en el ejercicio de la docencia de esta asignatura básica para la formación musical especializada. Para ello, se realizó un estudio exhaustivo sobre el Tango, su historia y evolución, su relevancia social y su estilística musical, cuya síntesis se expone en la Introducción de este escrito. Con respecto a la Armonía, abordamos las temáticas de Modulación, Progresiones Armónicas, Intercambio Modal, Armonía Alterada y Ritmo Armónico, ejemplificadas a través de 92 trozos musicales analizados, extraídos de 23 tangos. Nuestro objetivo fundamental consiste en brindar un material didáctico de análisis armónico como un apoyo a la enseñanza de la Armonía, basado en un repertorio alternativo al tradicionalmente usado, en este caso de música popular urbana latinoamericana, que motive y estimule al estudiante en su aprendizaje

La eliminación de los residuos sólidos constituye desde hace mucho tiempo un gran problema para nuestra sociedad, a través del proyecto de desarrollo local: Aprovechamiento de los residuos sólidos con arte y armonía para desarrollar una cultura ecológica en el centro poblado El Nazareno – San José, desde el punto de vista artístico y armónico las intenciones de este proyecto reside en la capacidad de transformar objetos de poco valor y uso en piezas altamente estéticas y útiles, para ello se desarrollaran un conjunto de actividades preventivo promocional como talleres de capacitación, sesiones demostrativas, concursos de viviendas saludables, visitas domiciliarias, preparación de abono orgánico, campaña de recojo de inservibles, y la formación del comité de vigilancia comunal. Al final del proyecto se habrá desarrollado una adecuada orientación en la eliminación de residuos sólidos; se habrá promovido adecuadas prácticas de manejo de residuos sólidos; se habrá fortalecido la capacidad de los líderes comunales para una adecuada organización comunal y se habrá fortalecido la gestión municipal. Con el desarrollo del componente de educación y sensibilización se pretende lograr cambios de actitud en la población urbana y rural con respecto al manejo de los desechos sólidos, con el fin de lograr una mejor calidad de vida y crear un entorno saludable y atractivo, reducir el impacto ambiental que representa el mal manejo de la basura con la emanación de malos olores, contaminación del ambiente. Las metodologías de trabajo serán de corte participativo, buscando el involucramiento permanente de las familias y población en general del centro poblado El Nazareno. Así también, se promoverá la articulación y fortalecimiento de las organizaciones sociales y líderes comunales del centro poblado El Nazareno. El presupuesto es de 93,581.50 nuevos soles. / Trabajo académico

Este ensayo busca evaluar la optimista afirmación de Leibniz según la cual el nuestro es el “mejor de los mundos posibles”. para ello, se intenta leerla a la luz del contexto original del cual se extrae dicha frase, es decir, adentrarse aunque sea brevemente en el sistema que Leibniz formuló para rastrear los motivos que lo llevaron a expresarse de ese modo. en suma, se intenta comprender no solo el sentido de dicha frase, sino (en contra de voltaire quizá) al propio Leibniz, o en todo caso, a su optimismo. Con eso en mente, primero se plantea la tesis leibniziana de la multiplicidad de mundos posibles (§1), para preguntarse luego por qué, de entre ellos, nuestro mundo habría de ser el mejor, lo cual conduce a examinar el principio de razón suficiente (§2). Al hacerlo aparece inevitablemente el tema de dios, lo cual motiva a su vez la pregunta de por qué dios eligió crear este mundo en particular en vez de otro (§3). Finalmente se vincula la armonía preestablecida con el optimismo.

Estudio sobre la utilización del lenguaje armónico con fines expresivos. Un modelo de aplicación: la ópera Der Freischütz de Carl Maria von Weber Doctorando: Pedro Hontanilla Alfonso ABSTRACT Throughout history, societies have used organised sound as music in different fields in their activities. From soft songs to sleep babies to energetic war marches, with cheerful festive songs or religious invocations, music scorts human beings as an inherent expression of its existence, and on each of these areas, music adapts to the features of each situation. Something similar happens with abstract pieces of music, those whose object is the aesthetic pleasure without any links with another kind of communication. Music adquires a structure within the musical composition according to the composer¿s expressed, implicit or explicit, instinctive or conscious intentions. A kind of organisation of a musical piece is the one in which the composition moves forward towards a point of maximum expressiviness, the climax point, which is its objective. For its part, the musical pieces that do not present this climax moment, are not unaware of the expressive intensifications though, as much as phrases arrangements as observed from a wider prespective of sections or the piece of music as a whole. The tonal system has been for a wide historic period the arranging frame on which composers have developed their talent in their work. Frame that covers approximately from mid Baroque, covers Classicism and widely developed, continues along Romanticism, still remaining alive in subsequent insertions.This system bases its working in a group of techniques and internal procedures that involve its own logic, idiosyncrasy.Whithin its paradigms it is considered that certain harmonious arrangements require an intensification in the expression of the musical performance. A musical piece will need the use of the different sonorous components which constitute it to obtain these maxima of expression. If the musical work belongs to the tonal period, the elements of the tonal system will necessarily participate in this structure, and among them, the accords will come or join inevitably. In the present thesis we show, based on the study of the tonal system, the features for which we consider that certain harmonic arrangements are inherently more expressively intense, stating in the hypothesis those chords that, therefore, are supposed will have been used with the purpose of emphasizing the expression. Likewise we express a relationship between the chords and their interaction with respect to the different elements of the musical language, exemplifying the previous aspects from the study of the different numbers of a concrete composition, in this case, the opera Der Freischütz by Carl Maria von Weber. The supporting and driving objective of the investigation is the exploration of the link between the logic of a system -the tonal system- which responds to its own internal laws and its possibilities of use in the expressivity creation in an artistic work. The investigation has been carried out through a process in which, relying on a graphics presentation, the appropriate information is gradually extracted and classified at the same time. The analysis results provide information which, on the one hand, supports or empowers the intuitive knowledge belonging to the common heritage and, at the same time, broadens the perspectives about the resources that the composers have provided and the ones they have needed to create and highlight passages of expressivity in their works. / Estudio sobre la utilización del lenguaje armónico con fines expresivos. Un modelo de aplicación: la ópera Der Freischütz de Carl Maria von Weber Doctorando: Pedro Hontanilla Alfonso RESUMEN Las sociedades, en el transcurso de la historia, han utilizado el sonido organizado como música en los diferentes ámbitos de sus actividades. Desde suaves canciones para arrullar a los niños hasta las viriles marchas guerreras, con alegres canciones festivas o invocaciones religiosas, la música acompaña a los seres humanos como manifestación inherente a su existencia; y en cada uno de estos ámbitos, la música se adecúa a las características de cada situación. De igual manera sucede con las obras musicales abstractas, aquellas cuyo objeto es el goce estético sin vinculación con otro tipo de comunicación. La música adquiere una conformación dentro de la composición según las intenciones, manifestadas, veladas o implícitas, instintivas o conscientes, del compositor. Un tipo de conformación de una obra musical es aquel en el que la composición avanza dirigiéndose hacia un momento de máxima expresividad, el punto culminante, que es su objetivo. A su vez, las obras que no presentan este momento cumbre no son sin embargo ajenas a las intensificaciones expresivas, tanto en la configuración de las frases, como observadas desde una perspectiva más amplia de secciones o del conjunto de la obra. El sistema tonal ha sido durante un amplio período histórico el marco configurador sobre el que los compositores han desarrollado en su quehacer su talento; marco que abarca desde aproximadamente el Barroco medio, cubre el Clasicismo y, ampliamente desarrollado, continúa a lo largo del Romanticismo, perviviendo aún en inserciones posteriores. Este sistema basa su funcionamiento en un conjunto de técnicas y procedimientos internos que comportan una lógica propia, idiosincrática. Dentro de sus paradigmas se contempla el que ciertas configuraciones acórdicas comporten una intensificación en la expresión del discurso musical. Una obra musical requerirá de la utilización de los diferentes componentes sonoros que la conforman para obtener estos máximos de expresión. Si la obra pertenece al período tonal, los elementos del sistema tonal participarán necesariamente de esta conformación, y de entre ellos concurrirán, ineludiblemente, los acordes. En la presente tesis presentamos, basándonos en el estudio del sistema tonal, las características por las que consideramos que ciertas constituciones armónicas son inherentemente más intensas expresivamente, exponiendo en las hipótesis aquellos acordes que, por tanto, cabe suponer habrán sido utilizados con el propósito de acentuar la expresión. Planteamos asimismo una relación entre los acordes y su interacción con respecto a los diferentes elementos del lenguaje musical, ejemplificando los aspectos anteriores a partir del estudio de diferentes números de una composición concreta, en este caso, la ópera Der Freischütz de Carl Maria von Weber. El objetivo marco e impulsor de la investigación es la exploración del vínculo entre la lógica de un sistema -el sistema tonal- que responde a sus propias leyes internas y sus posibilidades de utilización en la creación de expresividad en una obra artística. La investigación ha sido llevada a cabo mediante un proceso en el cual, apoyándose en una presentación en tablas, paulatinamente se extrae, al tiempo que se clasifica, la información pertinente. Los resultados del análisis aportan información la cual, por una parte, refrenda el conocimiento intuitivo perteneciente al acervo común y, a la vez, amplía las perspectivas acerca de los recursos de los que han dispuesto y a los que han recurrido los compositores para crear y realzar pasajes de expresividad en sus obras. / Estudio sobre la utilización del lenguaje armónico con fines expresivos. Un modelo de aplicación: la ópera Der Freischütz de Carl Maria von Weber Doctorando: Pedro Hontanilla Alfonso RESUM Les societats, en el transcurs de la història, han utilitzat el so organitzat com a música en els diferents àmbits de les seues activitats. Des de suaus cançons per a amanyagar als xiquets fins a les virils marxes guerreres, amb alegres cançons festives o invocacions religioses, la música acompanya als éssers humans com a manifestació inherent a la seua existència; i en cadascun d'aquests àmbits, la música s'adequa a les característiques de cada situació. D'igual manera succeeix amb les obres musicals abstractes, aquelles l'objecte de les quals és el gaudi estètic sense vinculació amb un altre tipus de comunicació. La música adquireix una conformació dins de la composició segons les intencions, manifestades, vetlades o implícites, instintives o conscients, del compositor. Un tipus de conformació d'una obra musical és aquell en el qual la composició avança dirigint-se cap a un moment de màxima expressivitat, el punt culminant, que és el seu objectiu. Al seu torn, les obres que no presenten aquest moment cim no són no obstant açò alienes a les intensificacions expressives, tant en la configuració de les frases, com observades des d'una perspectiva més àmplia de seccions o del conjunt de l'obra. El sistema tonal ha sigut durant un ampli període històric el marc configurador sobre el qual els compositors han desenvolupat en el seu quefer el seu talent; marc que abasta des d'aproximadament el Barroc mitjà, cobreix el Classicisme i, àmpliament desenvolupat, continua al llarg del Romanticisme, pervivint encara en insercións posteriors. Aquest sistema basa el seu funcionament en un conjunt de tècniques i procediments interns que comporten una lògica pròpia, idiosincràtiques. Dins dels seus paradigmes es contempla el que certes configuracions acòrdiques comporten una intensificació en l'expressió del discurs musical. Una obra musical requerirà de la utilització dels diferents components sonors que la conformen per a obtenir aquests màxims d'expressió. Si l'obra pertany al període tonal, els elements del sistema tonal participaran necessàriament d'aquesta conformació, i d'entre ells concorreran, ineludiblement, els concordes. En la present tesi presentem, basant-nos en l'estudi del sistema tonal, les característiques per les quals considerem que certes constitucions harmòniques són inherentment més intenses expressivament, exposant en les hipòtesis aquells concordes que, per tant, cal suposar hauran sigut utilitzats amb el propòsit d'accentuar l'expressió. Plantegem així mateix una relació d'entre els concordes i la seua interacció pel que fa als diferents elements del llenguatge musical, exemplificant els aspectes anteriors a partir de l'estudi de diferents nombres d'una composició concreta, en aquest cas, l'òpera Der Freischütz de Carl Maria von Weber. L'objectiu marc i impulsor de la recerca és l'exploració del vincle entre la lògica d'un sistema -el sistema tonal- que respon a les seues pròpies lleis internes i les seues possibilitats d'utilització en la creació d'expressivitat en una obra artística. La recerca ha sigut duta a terme mitjançant un procés en el qual, recolzant-se en una presentació en taules, gradualment s'extrau, al mateix temps que es classifica, la informació pertinent. Els resultats de l'anàlisi aporten informació la qual, d'una banda, confirma el coneixement intuïtiu pertanyent al patrimoni comú i, alhora, amplia les perspectives sobre els recursos dels quals han disposat i als quals han recorregut els compositors per a crear i realçar passatges d'expressivitat en les seues obres. / Hontanilla Alfonso, P. (2017). Estudio sobre la utilización del lenguaje armónico con fines expresivos. Un modelo de aplicación: la ópera Der Freischütz de Carl Maria von Weber [Tesis doctoral no publicada]. Universitat Politècnica de València. https://doi.org/10.4995/Thesis/10251/90433 / TESIS

En la primera etapa de análisis la información buscada y elaborada fue toda la relacionada entre el tema de color-música. Se analizaron las propuestas de relación entre el color y la música expuestas por diversidad de autores a lo largo de más de tres siglos de ciencia y arte. Personajes ilustres como Isaac Newton, Louis Bertrand Castell, A. Wallace Rimington, Alexander Scriabin, Roy de Maistre, Olivier Messiaen y otros han propuesto relaciones entre el color y la música. Algunos de ellos relacionaron color y música por puro misticismo, otros buscando un nuevo arte y otros por pura deformación sensitiva (sinestésia). Ningún autor ha justificado científicamente la relación propuesta. Como hipótesis de trabajo se consideró la correspondencia de las dimensiones físicas del color (tono, luminosidad y saturación) con las dimensiones físicas del sonido (altura, volumen y timbre) respectivamente. En un primer estudio se comparó entre sí la dimensión tono de color con la dimensión altura de sonido utilizando los valores de los espectros de luz visible y del sonido musical buscando una relación matemática entre los mismos. Tras varios ensayos se obtuvo la expresión matemática que relaciona el tono de color con la nota musical correspondiente: ¿c = 72,135¿ln(¿m) + 577,76. Un segundo estudio trató sobre el timbre musical. Se analizaron los sonidos del violonchelo y del fagot. Se generaron los sonidos y se obtuvieron los espectros de las notas musicales centrales A2, E3 y B3 de ambos instrumentos. A partir de las amplitudes de señal se obtuvo la sensación de sonoridad de cada armónico y se obtuvo la sonoridad valorada; pudiendo establecer un orden de pureza de sonido en los instrumentos musicales analizados. Según el estudio realizado el violonchelo emite un sonido más puro que el fagot siendo que tiene una menor cantidad de armónicos disonantes. En un tercer trabajo se han conjugado los atributos del color percibido con los del sonido musical buscando un encuentro armónico mediante la psicología de la percepción. Mediante un test de comparación entre colores y notas musicales, ubicado en http://clapton.alc.upv.es/jperez/, se invitó a participar a un grupo de personas, se analizaron los resultados y se obtuvieron unas primeras conclusiones. Unas cuestiones relacionaron tonos de colores con la misma claridad y el mismo croma con notas musicales emitidas por diversos instrumentos musicales. Otras cuestiones relacionaron colores con el mismo tono y claridad y con variación de croma con respecto a las mismas notas musicales emitidas, al mismo volumen, por diversos instrumentos musicales. Actualmente se están llevando a cabo los estudios de las relaciones entre la luminosidad del color y la intensidad del sonido musical. / Pérez Fuster, J. (2014). COLOR Y MÚSICA: ESTUDIO DE LAS RELACIONES FÍSICAS Y PSICOLÓGICAS ENTRE EL COLOR Y EL SONIDO [Tesis doctoral no publicada]. Universitat Politècnica de València. https://doi.org/10.4995/Thesis/10251/39310 / TESIS

[EN] In this thesis they are studied cadences in various formulas which are used by the composer Franz Liszt to finish his piano works. This particular aspect of his harmonic language, we call «cadential experimentation», is developed further in his last creative period extending between 1877 and 1885. The detailed analysis of the end of all works written in these years is accompanied by the exam of the terminal cadence writing of his main pieces for keyboard all their previous production. Also we incorporate the investigation of this harmonic process in the most important works of the most prominent pianists-composers contemporaries: Felix Mendelssohn, Robert Schumann y Frédéric Chopin. This comparative study allows us to show the relevance of the figure of Liszt acquired in the renovation of the links in the final cadences and in the process of eliminating the cadence as the punctuation final of the works. His contribution, in quantity and variety, is decisive in this area, becoming the most daring romantic musician, who creates original and revolutionary conclusions for the epoch and even he becomes prescient of an advanced harmonic language. We confirm as well as his constant curiosity and desire for innovation in the harmonic field, which will lead to develop along its production a script that makes it in one of the great innovators of the harmonic vocabulary of the nineteenth century, they are also reflected in the field investigated, and the final «cadential experimentation» becomes in a prominent aspect of the evolution of his harmonic language. After analysis, has made concrete a typology of the various cadences used by the Hungarian master, and we have evaluated the influence of his «cadential activity» in the musical speech of the later composers, delimiting to the composers Claude Debussy and Maurice Ravel. / [ES] En la presente tesis se estudian las diversas fórmulas cadenciales que utiliza el compositor Franz Liszt para concluir sus obras para piano. Este aspecto particular de su lenguaje armónico, que denominamos experimentación cadencial, se desarrolla de forma más manifiesta en su última etapa creativa que se extiende entre 1877 y 1885. El análisis pormenorizado de los finales de todas las obras escritas en estos años se acompaña con el examen de la escritura cadencial terminal de las principales piezas para teclado de toda su producción anterior. Incorporamos, asimismo, la investigación de este procedimiento armónico en las obras más importantes de los pianistas-compositores coetáneos más destacados: Felix Mendelssohn, Robert Schumann y Frédéric Chopin. Este estudio comparativo nos permite mostrar la relevancia que adquiere la figura de Liszt en la renovación de los enlaces cadencias finales y en el proceso de eliminación de la cadencia como puntuación final de las obras. Su aportación, en cantidad y variedad, es decisiva en este terreno, convirtiéndose en el músico romántico más atrevido, que crea conclusiones originales y revolucionarias para la época e incluso premonitorias de un lenguaje armónico más avanzado. Comprobamos así como su constante curiosidad y anhelo de innovación en el terreno armónico, que le conducen a desarrollar a lo largo de su producción una escritura que lo convierte en uno de los grandes renovadores del vocabulario armónico del siglo XIX, se ven reflejados también en el campo que investigamos, y la experimentación cadencial final pasa a convertirse en un aspecto destacado de la evolución armónica del lenguaje lisztiano. Tras el análisis, se ha concretado una tipología de las diversas cadencias utilizadas por el maestro húngaro, y se ha valorado la influencia de su actividad cadencial en el discurso musical de compositores posteriores, delimitándola a las figuras de Claude Debussy y Maurice Ravel. / [CAT] En la present tesi s'estudien les diverses fórmules cadenciales que utilitza el compositor Franz Liszt per a concloure les seues obres per a piano. Este aspecte particular del seu llenguatge harmònic, que denominem experimentació cadencial, es desenrotlla de forma més manifesta en la seua última etapa creativa que s'estén entre 1877 i 1885. L'anàlisi detallat dels finals de totes les obres escrites en estos anys s'acompanya amb l'examen de l'escriptura cadencial terminal de les principals peces per a teclat de tota la seua producció anterior. Incorporem, així mateix, la investigació d'este procediment harmònic en les obres més importants dels pianistes-compositors coetanis més destacats: Felix Mendelssohn, Robert Schumann i Frédéric Chopin. Este estudi comparatiu ens permet mostrar la rellevància que adquirix la figura de Liszt en la renovació dels enllaços cadències finals i en el procés d'eliminació de la cadència com a puntuació final de les obres. La seua aportació, en quantitat i varietat, és decisiva en este terreny, convertint-se en el músic romàntic més atrevit, que crega conclusions originals i revolucionàries per a l'època i inclús premonitòries d'un llenguatge harmònic més avançat. Comprovem així com la seua constant curiositat i anhel d'innovació en el terreny harmònic, que li conduïxen a desenrotllar al llarg de la seua producció una escriptura que ho convertix en un dels grans renovadors del vocabulari harmònic del segle XIX, es veuen reflectits també en el camp que investiguem, i l'experimentació cadencial final passa a convertir-se en un aspecte destacat de l'evolució harmònica del llenguatge lisztiano. Després de l'anàlisi, s'ha concretat una tipologia de les diverses cadències utilitzades pel mestre hongarés, i s'ha valorat la influència de la seua activitat cadencial en el discurs musical de compositors posteriors, delimitant-la a les figures de Claude Debussy i Maurice Ravel. / Yuste Martínez, LJ. (2016). Franz Liszt: La experimentación cadencial en los finales de las últimas obras para piano (1877-1885) [Tesis doctoral no publicada]. Universitat Politècnica de València. https://doi.org/10.4995/Thesis/10251/68493 / TESIS

La eliminación de los residuos sólidos constituye desde hace mucho tiempo un gran problema para nuestra sociedad, a través del proyecto de desarrollo local: Aprovechamiento de los residuos sólidos con arte y armonía para desarrollar una cultura ecológica en el centro poblado El Nazareno – San José, desde el punto de vista artístico y armónico las intenciones de este proyecto reside en la capacidad de transformar objetos de poco valor y uso en piezas altamente estéticas y útiles, para ello se desarrollaran un conjunto de actividades preventivo promocional como talleres de capacitación, sesiones demostrativas, concursos de viviendas saludables, visitas domiciliarias, preparación de abono orgánico, campaña de recojo de inservibles, y la formación del comité de vigilancia comunal. Al final del proyecto se habrá desarrollado una adecuada orientación en la eliminación de residuos sólidos; se habrá promovido adecuadas prácticas de manejo de residuos sólidos; se habrá fortalecido la capacidad de los líderes comunales para una adecuada organización comunal y se habrá fortalecido la gestión municipal. Con el desarrollo del componente de educación y sensibilización se pretende lograr cambios de actitud en la población urbana y rural con respecto al manejo de los desechos sólidos, con el fin de lograr una mejor calidad de vida y crear un entorno saludable y atractivo, reducir el impacto ambiental que representa el mal manejo de la basura con la emanación de malos olores, contaminación del ambiente. Las metodologías de trabajo serán de corte participativo, buscando el involucramiento permanente de las familias y población en general del centro poblado El Nazareno. Así también, se promoverá la articulación y fortalecimiento de las organizaciones sociales y líderes comunales del centro poblado El Nazareno. El presupuesto es de 93,581.50 nuevos soles.

Este trabajo se centra en la didáctica de la Armonía y en la propuesta de un modelo basado en la teoría del aprendizaje significativo (basado en las ideas del psicológo americano David Ausubel) que mejore la eficacia del proceso de enseñanza-aprendizaje en dicha área. La razón de tal propuesta estriba en la comprobada validez de la teoría sobre la que se sustenta y ls beneficios que ésta ha reportado en otras áreas del conocimiento. Por esa razón, partiendo de la hipótesis de que su aplicación en la asignatura de Armonía debe tener resultados similares, se abordó este proyecto. La investigación comienza haciendo un recorrido por el pasado y presente de las enseñanzas teóricas musicales, particularmente en lo que respecta a la Armonía. Dicho recorrido, en su parte final, descubre cómo en España, hasta hace muy poco, ha tenido gran peso la enseñanza armónica basada en la práctica tradicional del bajo cifrado, como así puede comprobarse al consultar la mayoría de tratados españoles publicados hasta la fecha, práctica que se ha mostrado insuficiente en la formación integral del graduado en Música, como así se exponen los hechos que se relatan seguidamente. Afortunadamente, durante los últimos años, al amparo de las nuevas directrices de nuestro sistema educativo, ha ido apareciendo una serie de trabajos en el campo musical que ha supuesto nuevas vías en la investigación e innovación pedagógica, en el propósito de subsanar las deficiencias que se exponen más adelante. La segunda parte de la tesis, como no podía ser de otra forma, está dedicada al estudio dirigido que se realizó durante el curso 2010-2011. Tal investigación se caracteriza por tener un enfoque mixto (cualitativo y cuantitativo). La información recabada, gracias a las distintas herramientas empleadas, fue, posteriormente, codificada y analizada con el programa AQUAD, e interpretada para la extracción de las pertinentes conclusiones. Las conclusiones extraídas ofrecen motivos suficientes para la aplicación del modelo propuesto en esta tesis doctoral y, por tanto, para validar la hipótesis de partida.

El País Fértil es una investigación que aborda el significado del proceso creativo específico de la arquitectura mediante su comparación con otras disciplinas artísticas. Esta premisa metodológica implica el reconocimiento del carácter artístico de la arquitectura. Insistir en la pertenencia de la arquitectura al campo del arte, algo que nadie cuestionaba, se vuelve hoy imprescindible en un contexto social y universitario que potencia excesivamente el peso del factor tecnológico en detrimento del artístico/humanístico. La idea del medio expresivo -el que diferencia a las artes- permite acercarse de modo original al concepto de "proporción", el principio proyectual abstracto con que la arquitectura construye su arte. Enseñar a diseñar arquitectura significa transmitir los mecanismos de la práxis arquitectónica, la esencia misma del proceso creativo -que todas las artes comparten-. Enseñar a diseñar, enseñar a proyectar, o enseñar a crear son diferentes expresiones de la materia que está en el origen de esta investigación. El proceso de proyecto que es necesario transmitir a los estudiantes de arquitectura es el conjunto de estrategias que permiten trabajar la imaginación -como actividad no acotada y sin límites- para que se convierta en productiva. De esta forma se reivindica una vez más el rol del dibujo de arquitectura como uno de los hilos conductores que permiten desplegar las infinitas posibilidades de una imaginación así concebida.Siguiendo un proceso abierto, análogo al del proyecto arquitectónico, este trabajo descubre un campo fértil susceptible de evolucionar hacia nuevas y diferentes propuestas. Esa y no otra es su utilidad: sugerir otros paisajes para el área siempre experimental de la pedagogía de la arquitectura.La relación entre el dibujo y el proyecto en las escuelas de arquitectura, suele guardar importantes similitudes con el proceso real de diseño que desarrollan los arquitectos. Para explorar esa hipótesis se concertaron una serie de conversaciones con destacados arquitectos y diseñadores que reflexionan sobre la relación entre experiencia docente y actividad profesional. Una selección de esas conversaciones integra el anexo que acompaña la tesis. En ellas se habla esencialmente del proceso de diseño, del proceso creativo. Un proceso común a todas las disciplinas de las cuales se espera que resuelvan problemas o necesidades, inventando algo nuevo, apoyadas en la singular potencia constructiva de la imaginación.Cada capítulo va precedido por una "perspectiva", las reflexiones de un autor sobre su particular proceso creativo. Se trata de la recuperación de una serie de textos clásicos de la modernidad, algunos olvidados, pero todos completamente actuales, que ofrecen una visión particular sobre la relaciones entre diferentes artes y sus procesos de creación, en completa sintonía con las preocupaciones que dieron origen a esta investigación. / El País Fértil is an investigation focused in the specific meaning of the architectural creative process through comparison to other artistic disciplines. This research methodology is based on the premise that conceives architecture as an art. It is today essential to emphasize Architecture belonging to the realm of the fine arts, in a social context where technology has been converted in the main value against the artistic and humanities factors. The idea of the expressive medium -what differentiate arts- allows an original approach to the concept of "proportion", the abstract project principle architecture builds his art with. Teaching architectural design means transmitting the architectonic praxis, which is the essence of the creative progression shared by all arts. Teaching design, teaching project, or teaching to create are different expressions of the same subject which is on the root of this research. The project mechanism that needs to be transmitted to architecture students is the compendium of strategies that makes possible imagination works in the more productive way. Once again, architectural drawing is claimed the main driver to develop the unlimited possibilities of the power of imagination.Following an open evolution, like in the architectural project, this study finds a fertile ground to evolve into new and unexpected proposals. Nothing would be more useful to suggest other landscapes for the always experimental area of architecture pedagogy.The relationship between drawing and project has many affinities in architecture schools with the real design routines that architects use in their work. In order to explore this hypothesis a series of conversations with leading architects and designers were organized reflecting on both their teaching experience and professional activity. All of them talk mainly about the creative procedure, a common method to all disciplines expected to resolve problems or needs, inventing something new, supported by the unique imagination's constructive power.Every chapter is preceded by a "perspective": the thinking of an artist on his personal creative way. This is the recovery of a series of beautiful modern classical texts, some forgotten, but even at the forefront nowadays. These documents can help to illuminate the search for answers to the concerns that gave rise to this investigation.