Made available in DSpace on 2014-06-11T19:26:53Z (GMT). No. of bitstreams: 0 Previous issue date: 2007-02-28Bitstream added on 2014-06-13T19:55:19Z : No. of bitstreams: 1 silveirajunior_c_me_assis.pdf: 259737 bytes, checksum: caf36750f4887f7bb2b7f6f6455781b4 (MD5) / Coordenação de Aperfeiçoamento de Pessoal de Nível Superior (CAPES) / Esses escritos constituem-se de ensaios de diálogos com a escrita-acontecimento-João Antônio. Correspondem a uma co-operação, uma tarefa que procura capturar alguns aspectos de mentalidades, nas reportagens de João Antônio para o jornal Última Hora, escritas entre 1968 e 1976, estreitados a um desejo de restauração de modos de viver na cidade. Celebra o possível encontro-tríade: essa escrita e o pensamento sobre literatura criado principalmente por Gilles Deleuze e Nietzsche, para os quais a literatura participa na vida sempre como um acontecimento em intensidade de sangue, uma Grande Saúde aos coletivos urbanos e como um desejo de retorno de encontros que se tornem aberturas no possível das rotinas opressoras/repressoras e criem a arte dos povos urbanos. / This group of texts is composed by essays that correspond to dialogues with João Antônio-happenning-writing. This aims to capture some aspects of João Antônio thinkings, placed in the pages of Última Hora Journal between 1968 and 1976, that participate of a willing of restorating the ways of living in the cities. This also celebrates a triple meeting: João Antônio and the thought about literature developed by Gilles Deleuze and Friedrich Nietzsche, who agree that literature is always happennig in a bloody intensity, as a Great Healph for urban collective places, and as a willing of the return of meetings that surpass the routines of oppression and repression and create the art of urban peoples.

Orientador(a): Lalada Dalglish / Banca: Ricardo Gomes Lima / Banca: Sônia Carbonell Alvares / Abstract: This master's dissertation has a narrative about the pottery of Tracunhaém, a small town in the Zona da Mata of the state of Pernambuco, also known as the sugar cane zone. The clay handicrafts emerged as an alternative to the harsh conditions of labor exploitation in sugarcane cutting. Modeling saints, pots and clay pots has become a tradition in the city. A brief contextualization is developed focusing on the investigation of the ceramics processes made in Tracunhaém. Field research was carried out, observing two nuclei of artisans; The first of these is recognized by a patrimonial program of the State of Pernambuco, the Register of Living Heritage; Maria Amélia, Zezinho, and Mestre Nuca are part of this group. The second group is formed by the oldest potters of the city, Mestre Da Hora, Amaro de Tracunhaém and Mestre Jair. The theoretical reference transits between aesthetics, anthropology and cultural history. From the theoretical anthropological approach that problematizes the Eurocentric structure of the understanding about art, aspects of the processes of creation in Tracunhaém are discussed. In this way, we seek to understand the perspectives of artisans, so that we can broaden our understanding of the meanings of artisan making in this community. Using the theoretical assumptions of cultural history, approximations are made with the book The Cavern, (2010) by José Saramago, a work that presents questions related to the studied universe / Resumo: Esta dissertação de mestrado tece uma narrativa sobre a cerâmica de Tracunhaém, pequena cidade da Zona da Mata pernambucana, também conhecida como zona canavieira. O artesanato de barro surgiu como uma alternativa às duras condições de exploração do trabalho no corte da cana-de-açúcar. Modelar santos, potes e panelas de barro tornou-se uma tradição na cidade. É desenvolvida uma breve contextualização com foco na investigação dos processos da cerâmica feita em Tracunhaém. Foram realizadas pesquisas de campo, observando-se dois núcleos de artesãos; O primeiro deles é reconhecido por um programa patrimonial do Estado de Pernambuco, o Registro do Patrimônio Vivo; Maria Amélia, Zezinho, e Mestre Nuca fazem parte deste grupo. O segundo grupo é formado pelos oleiros mais velhos da cidade, Mestre Da Hora, e a Família de Amaro de Tracunhaém e Mestre Jair. O referencial teórico transita entre estética, antropologia e história cultural. A partir da abordagem teórica antropológica que problematiza a estrutura eurocêntrica do entendimento sobre arte, são discutidos aspectos sobre a cerâmica de Tracunhaém. Desse modo, busca-se compreender as perspectivas dos artesãos, para que assim possamos ampliar nosso entendimento acerca dos sentidos do fazer artesanal nesta comunidade. Utilizando-se os pressupostos teóricos da história cultural, são realizadas aproximações com o livro A Caverna, (2010) de José Saramago, obra que apresenta questões relativas ao universo estudado / Mestre

Orientador: Geralda Mendes F. S. Dalglish (Lalada Dalglish) / Banca: José Leonardo Nascimento / Banca: Zandra Coelho de Miranda / Resumo: A dissertação Mestre Galdino: o ceramista poeta de Caruaru - PE refere-se à construção poética desse artista, desde a coleta do barro, tipos de fornos e técnica utilizada. Busca catalogar suas esculturas e poesias, analisá-las quanto ao seu estilo e processo de criação, relacionando-os ao contexto social que influenciou seu trabalho. Mestre Galdino foi poeta, violeiro e ceramista. Viveu no bairro do Alto do Moura, localizado em Caruaru, Pernambuco, local onde se nota a significação e a importância de suas cerâmicas. Logo na entrada do bairro nos deparamos com uma homenagem aos dois ceramistas responsáveis pela tradição do núcleo de ceramistas de Caruaru: Mestre Galdino e Mestre Vitalino. Os ceramistas - descendentes da tradição do barro - consideram e prestigiam esses Mestres, mas, mesmo assim, há poucos estudos publicados sobre a biografia, a poesia e a cerâmica do artista popular Mestre Galdino, falecido em 1996. Suas primeiras peças são bonecos da tradição local, moringas e máscaras e, aos poucos, em seu "escritório", foi construindo sua poética pessoal. A imitação da realidade não era considerada arte para Galdino, já a expressão do seu universo imaginário foi sua busca para a "transformação" da sua arte e para a construção de sua poética, estabelecendo uma rede com seu meio social, sem separar arte, poesia e vida / Resumen: La disertación Maestro Galdino: el ceramista poeta de Caruaru - PE se refiere a la construcción poética de ese artista, desde la recolección del barro, tipos de hornos y técnica utilizada. Busca catalogar sus esculturas y poesías, analizarlas por su estilo y proceso de creación, relacionándolos al contexto social que influenció su trabajo. Maestro Galdino fue poeta, violista y ceramista. Vivió en el barrio "Alto do Moura", ubicado en Caruaru, Pernambuco, donde se observa la significación y la importancia de sus cerámicas. Tan pronto se entra en el barrio, encontramos un homenaje a los dos ceramistas responsables por la tradición del núcleo de ceramistas de Caruaru: Maestro Galdino y Maestro Vitalino. Los ceramistas - descendientes de la tradición del barro - consideran y honoran a esos Maestros, pero, todavía, hay pocos estudios publicados sobre la biografía, la poesía y la cerámica del artista popular Maestro Galdino, fallecido en 1996. Sus primeras piezas fueron muñecos de la tradición local, cántaros y máscaras y, a los pocos, en su "oficina", se construyó su poética personal. La imitación de la realidad no era considerada arte para Galdino, pero la expresión de su universo imaginario fue su ideal para la "transformación" de su arte y para la construcción de su poética, estableciendo una red con su medio social, sin separar arte, poesía y vida / Mestre

Orientador: José Leonardo do Nascimento / Banca: Agnus Valente / Banca: Maria José Elias / Resumo: Num primeiro momento procura-se buscar as origens do primitivismo na arte moderna como forma de justificar a importância desse movimento para a arte naïve. A partir daí, foi feito uma distinção entre os termos naïf e primitivo e em seguida uma breve biografia de Henri Rousseau, levantando em conta as características de sua obra. Apresenta-se também o surgimento da arte primitiva no Brasil bem como um histórico da Bienal Naïfs de Piracicaba, desde o seu início até a última edição que ocorreu em 2010, pelo importante papel que vem representando no cenário nacional. Porém o foco da pesquisa se centraliza na vida e obra dos artistas selecionados, assim como a análise feita de três obras de cada um. Depois, tendo como base o depoimento de um crítico de arte e um galerista, buscam-se aproximações da arte naïve com o mercado e com a crítica, para em seguida retomar alguns conceitos acerca das análises tendo como base o sistema binário de Wölfflin e a alternância do naturalismo na história da arte. Todos esses elementos ofereceram um embasamento para as aproximações finais com um novo olhar sobre a representatividade da arte naïve / Abstract: As a first step is tried to seek the origins of primitivism in modern art as a way to justify the importance this movement has for naïve art. From there, is made a distinction between the terms naïve and primitive, and then began a brief biography of Henri Rousseau, highlighting the characteristics of his work. Is also presented the emergence of primitive art in Brazil as well as develop a report on the Biennial Naïfs of Piracicaba, from its inception to the final edition which came out in 2010, for the important role which it represented on the national scene. However the focus of the research centered on the life and work of the selected artists, as well as an analysis made of three works from each one of them. Then, based upon the testimony of an art critic and a gallery owner, is looked for approximations to the naïve art market and through criticism to then reestablish some opinions about the analyses based on the binary system of Wölfflin and the alternation of naturalism in art history. All of these elements provided a basis for the final approximations with a new view regarding the representation of naïve / Mestre

Submitted by ALEXANDRE ROSALINO SILVA (arosalino@arosalino.com) on 2012-10-25T22:37:19Z No. of bitstreams: 1 Dissertacao Rosalino FINAL e ENTREGUE a PUBLICAÇÃO E SECRETARIA ACADEMICA.pdf: 1379945 bytes, checksum: e62a2b800001a9e45466c5d67e9f3575 (MD5) / Approved for entry into archive by Rafael Aguiar (rafael.aguiar@fgv.br) on 2012-10-31T17:10:38Z (GMT) No. of bitstreams: 1 Dissertacao Rosalino FINAL e ENTREGUE a PUBLICAÇÃO E SECRETARIA ACADEMICA.pdf: 1379945 bytes, checksum: e62a2b800001a9e45466c5d67e9f3575 (MD5) / Approved for entry into archive by Rafael Aguiar (rafael.aguiar@fgv.br) on 2012-11-12T17:10:14Z (GMT) No. of bitstreams: 1 Dissertacao Rosalino FINAL e ENTREGUE a PUBLICAÇÃO E SECRETARIA ACADEMICA.pdf: 1379945 bytes, checksum: e62a2b800001a9e45466c5d67e9f3575 (MD5) / Made available in DSpace on 2012-11-13T12:13:14Z (GMT). No. of bitstreams: 1 Dissertacao Rosalino FINAL e ENTREGUE a PUBLICAÇÃO E SECRETARIA ACADEMICA.pdf: 1379945 bytes, checksum: e62a2b800001a9e45466c5d67e9f3575 (MD5) Previous issue date: 2012-07-24 / The objective of this work is to propose a project with the aim of bringing the student from public school to knowledge and reflection about a particular period of social and political history of Brazil, known as the military dictatorship of the 1960s, through the work of folk artist Waldomiro de Deus. We propose the use of Triangular Approach (TA) for the teaching of art, consisting of a methodology based on three main axes: contextualization, appreciation and practice. The contextualization of the art work on the project is for the student to understand the era in which it was created, and establish social relations and cultural seamlessly. The appreciation of the work is the critical reading of the images, which will help the students to form their own ideas about the artwork thereafter analyzed. The practice refers to work in the studio, visual setting, the use of the materials for the composition of the work. These works will be drawn from the study of the artist's work, not a copy, and the student will have the freedom to express yourself within your reality. This project aims to bring to your beneficiaries the discussion of art and its role in elementary school. To share with the children a daily education proposed by this project is to involve different artistic languages, as practical dynamic between teachers and students in the development process and creation of art and appropriation of ethical values. It is expected by the end of the project that the students learn the artist's work Waldomiro de Deus, which involved the issue and its importance to the knowledge of this historical period of the country. / O objetivo deste trabalho é propor um projeto com o intuito de levar o aluno de ensino fundamental da rede pública ao conhecimento e à reflexão acerca de um determinado período social e político da historia brasileira, conhecido como a ditadura militar da década de 1960, através da obra do artista popular Waldomiro de Deus. Para tanto, propõe-se a utilização da Abordagem Triangular (AT) para o ensino da arte, que consiste em uma metodologia baseada em três eixos principais: a contextualização da obra, a sua apreciação e a prática. A contextualização da obra de arte no projeto é para o aluno entender a época na qual foi criada, e estabelecer as relações sociais e culturais de forma integrada. A apreciação da obra é a leitura crítica das imagens, que ajudará ao aluno a formar seus próprios conceitos sobre os trabalhos artísticos a partir daí analisados. A prática refere-se ao trabalho no ateliê, a criação visual, a utilização dos materiais para composição dos trabalhos. Estes trabalhos serão elaborados a partir do estudo da obra do artista, não sendo uma cópia, e o aluno terá a liberdade para se expressar dentro de sua realidade. Este projeto pretende trazer para os seus beneficiários a discussão da arte e o seu papel no ensino fundamental. Compartilhar com as crianças um cotidiano educativo proposto por este projeto é envolver linguagens artísticas diferentes, como prática de dinâmicas entre professores e alunos, no processo de desenvolvimento e criação da arte e na apropriação de valores éticos. Espera-se ao final do projeto que os alunos conheçam a obra do artista Waldomiro de Deus, a temática que envolveu e a sua importância para o conhecimento desse período histórico do país.

Orientadores: Olga Rodrigues de Moraes von Simson, Marcius Cesar Soares Freire / Dissertação (mestrado) - Universidade Estadual de Campinas, Instituto de Artes / Made available in DSpace on 2018-08-01T03:54:54Z (GMT). No. of bitstreams: 1 Lima_SandraFerreirade_M.pdf: 6398967 bytes, checksum: 12be762d4b0c31794c27b8dad75d3e3f (MD5) Previous issue date: 2001 / Resumo: A presente dissertação teve como objetivo compreender a formação do núcleo de cerâmica figurativa do Alto do Moura, avaliando as resistências dessa comunidade às tentativas de dominação exercidas pela sociedade mais ampla, sobre seu processo de produção, criação e comercialização das peças artesanais. A reconstrução da trajetória da comunidade foi o ponto de partida para a compreensão dos fatores internos e externos que contribuíram para a transformação de um pequeno grupo de artesãos ceramistas utilitários em um grande núcleo de artesãos ceramistas figurativos. Esta dissertação resultou de uma pesquisa de campo, utilizando-se da análise de relatos orais coletados junto aos artesãos do Alto do Moura, e trabalhou com os conceitos da Comunicação Social no diálogo com a "História Oral", tanto para a produção dos documentos histórico-sociais quanto para a elaboração de um audiovisual para a divulgação dos resultados da pesquisa / Abstract: Not informed. / Mestrado / Mestre em Multimeios

Los Negritos de Garibaldi es una danza que se realiza en honor a la Virgen de Cocharcas en el distrito de Sapallanga en Huancayo y es una forma de recordar la liberación de los esclavos negros en el Perú, su traje distintivo de marineros, recuerdan al héroe italiano Giuseppe Garibaldi que fue conocido por su oposición firme a la esclavitud. En las esclavinas que portan los danzantes permiten que el artista bordador pueda plasmar no solo un recuerdo histórico de héroes pasados, sino que a la vez se convierten en un testimonio de un hecho histórico del presente. Una constante vemos en los bordados, la imagen del militar, del luchador que defiende del enemigo, que lucha por ideales patrióticos, del que cuida y protege. Y los bailarines utilizan estos bordados para honrar a la Virgen de Cocharcas, la madre protectora, dadora de vida y que ha de proveer del cuidado y valor que el luchador necesita para enfrentarse en batalla. El Taller Fabián, a lo largo de tres generaciones de artistas bordadores, han logrado plasmar estos ideales, mediante una elaborada técnica del bordado en alto relieve, que combina iconografía con antepasados virreinales representado en las flores y animales, con referentes visuales de héroes como Simón Bolívar, Ramón Castilla o Andrés Avelino Cáceres o personajes más cercanos históricamente como Velasco, Odría, o incluso, Fidel Castro, que a ha ido evolucionando con el paso del tiempo y que hasta ahora sigue sufriendo cambios debido la incursión de nuevos materiales y de competencias industriales, pero manteniendo una estética creativa que se muestran en la adaptación de los referentes visuales. Para encontrar las soluciones técnicas y estéticas que realiza el taller Fabían es necesario conocer que hicieron otros talleres, para lo cual se realizó una búsqueda de colecciones privadas que han almacenado estas esclavinas, incluso se encontraron piezas en colecciones extranjeras. Es la creatividad que se muestran en los bordados lo que hace que puedan llamarse arte popular diferenciándose de la artesanía, término utilizado frecuentemente para diferenciarse de aquellos objetos productos que se venden de manera masiva y tienen una finalidad de ‘souvenirs’. El bordado popular demuestra que es un arte vivo y no una mera repetición de patrones, y que se vuelve un lienzo en el cual se conjuga la técnica, un gran estudio de los referentes visuales y los saberes pasados de generación en generación, de esta manera el artista muestra su devoción a la Virgen y a la vez busca la apreciación y reconocimiento de los bailarines y espectadores. / Los Negritos de Garibaldi is a dance performed in honor of the Virgin of Cocharcas in the district of Sapallanga in Huancayo and is a way to remember the liberation of black slaves in Peru, their distinctive costume of sailors, reminiscent of the Italian hero Giuseppe Garibaldi who was known for his firm opposition to slavery. In the short cloaks that the dancers carry, they allow the embroiderer artist to capture not only a historical memory of past heroes, but at the same time they become a testimony of a historical fact of the present. We can see a constant in the embroidery, the image of the military man, of the fighter who defends from the enemy, who fights for patriotic ideals, of the one who cares for and protects. And the dancers use these embroideries to honor the Virgin of Cocharcas, the protective mother, giver of life and who must provide the care and courage that the fighter needs to face in battle. The Fabian workshop, along three generations of embroidery artists, have managed to capture these ideals, through an elaborate embroidery technique in high relief, combining iconography with virreinal ancestors represented in flowers and animals, with visual references of heroes like Simon Bolívar, Ramón Castilla or Andrés Avelino Cáceres or historically closer personages like Velasco, Odría, or even, Fidel Castro, that has been evolving with the passage of time and that until now continues undergoing changes due to the incursion of new materials and competencies industrial, but maintaining a creative aesthetic that is shown in the adaptation of the visual referents. In order to find the technical and aesthetic solutions that the Fabian workshop carries out, it is necessary to know what other workshops were done, for which a search was made of private collections that have stored these short cloaks, even pieces were found in foreign collections. It is the creativity that is shown in the embroidery which makes it popular art, differentiating itself from crafts, a term frequently used to differentiate from those objects that are mass-produced and have a purpose of 'souvenirs'. Popular embroidery shows that it is a living art and not a mere repetition of patterns, and that it becomes a canvas in which technique is combined, a great study of visual referents and past knowledge from generation to generation, in this way the artist shows his devotion to the Virgin and at the same time seeks the appreciation and recognition of the dancers and spectators. / Tesis

Esta pesquisa teve no debate teórico sobre ready made, pop art e arte conceitual, sua motivação inicial, surgida da crítica ao fechamento intelectual e estético presente nos cânones exigidos pelos currículos escolares no Brasil. As implicações destes conceitos são discutidas em paralelo à elaboração de uma visão crítica das classificações europeias e norte-americanas como matrizes adequadas para a compreensão da criação de artistas como Arthur Bispo do Rosário, Brasil (1919-1988) e de Georges Adéagbo, Benin (1942). De forma complementar, o percurso do pesquisador-artista participa do processo de compreensão e análise. O foco recaia de um lado no material e matéria dos objetos do cotidiano, utilizados na obra de Arthur Bispo do Rosário e nos itinerários das obras de Georges Adéagbo, artista autodidata que expõe suas ideias e narrativas em forma de objetos escultóricos, ocupações de espaços públicos. Eles têm ainda em comum, as metodologias e os processos que espelham conceitos próprios e arqueologias de saberes ligados às suas próprias culturas e sociedades, além de constante construção de suas identidades. Esses processos de pensamento envolvem a ação mental (conceituação ou projeto mental) e a execução das ideias que se reflete em seus trabalhos de arte. O interesse principal de ambos está na análise do cotidiano representado por objetos de origem endógena e exógena que são fundidos e geram aspectos diferentes à materialidade, à narrativa, à desconstrução do próprio objeto como fenômeno (logia) da metamorfose a ele impressa, retirado de seu espaço de significação original, resignificado e ambientado no espaço-ser da arte como pensamento a partir do objeto de Bispo e, na auto-arqueologia inversa de Adéagbo. / This research had its initial motivation the theoretical debate on ready-made, pop art and conceptual art, which comes up from criticism of intellectual and aesthetic closure present in the canons required by the school curriculum in Brazil. The implications of these concepts are discussed in parallel with a critical view of the European and American statements of these matrices for understanding the creation of Arthur Bispo do Rosário, Brazil (1919-1988) and Georges Adéagbo, Benin (1942). In addition, the path of the researcher-artist himself, participates on the understanding and analysis proposed. The focus lies on the one hand, in the everyday objects materials used in the work of Arthur Bispo do Rosário and in the routes of Georges Adéagbo, who is a self-taught artist that exposes his ideas and narratives shaped objects \"sculptural\" and public spaces interventions. They still have in common, their methodology that mirror their own concepts and archaeologies of knowledge linked to their own cultures and societies as well as constant construction of their identities. These thought processes involve mental action (concept or mental project) and implementation of the ideals reflected in his works of art. Both have as their main concern the everyday life presented by fused endogenous and exogenous objects that generate different materiality, narrative and even the deconstruction of the object itself as phenomenology of its metamorphosis, once it was removed from its place of original of meaning, reframed in space-being for Bishop, or in reverse self-archeology for Adéagbo.

La presente tesis tiene como finalidad evaluar la viabilidad técnica, económica y financiera de un estudio de pre-factibilidad para la implementación de una empresa productora y comercializadora de artesanías de mate burilado, que tenga como mercado objetivo la provincia canadiense de Ontario. En el análisis estratégico se presentan los aspectos más representativos del macroentorno para llevar acabo el proyecto y del sector a través del análisis de las cinco fuerzas competitivas y del análisis FODA. En el estudio de mercado se determina: la demanda insatisfecha que será atendida por el proyecto, las especificaciones de los productos, el precio de comercialización, los canales de distribución y las estrategias de mercadotecnia a ser empleadas. En el estudio técnico se muestra la justificación de la ubicación del taller de producción, se define el tamaño de la capacidad de planta instalada, se describe el proceso productivo, se elabora el programa de producción anual y se establece la política de inventarios. En el estudio legal se mencionan los aspectos tributarios y laborales involucrados con la implementación del proyecto. Por otro lado, en el estudio organizacional se expone la estructura de la empresa y el perfil de cada puesto. En el estudio económico y financiero se especifica el cronograma de inversiones, la estructura del capital, las necesidades de financiamiento, el presupuesto de ingresos y egresos, el punto de equilibrio anual y la proyección de los estados financieros. Finalmente, se evalúa la viabilidad del proyecto en diversos escenarios a través de los resultados de los indicadores de rentabilidad: valor actual neto (VANE y VANF), tasa interna de retorno (TIRE y TIRF) y la relación costo beneficio (C/B). / Tesis

Lançando um olhar sobre a saga dos imigrantes ucranianos e de seus descendentes na comunidade de Iracema, em Itaiópolis Santa Catarina, temas como identidade cultural e diáspora são abordados, além de um estudo sobre a dádiva na modernidade, relacionado ao fato das pêssankas serem dadas como presentes na Páscoa para parentes e amigos. A simbologia dos elementos visuais que compõem a pintura da pêssanka também é analisada, junto à forma tradicional de pintura e a outras formas que estão surgindo, demonstrando aspectos de inovação na tradição / Looking over the saga of the Ukrainian immigrants and their descendants in the Iracema community, in Itaiópolis Santa Catarina, themes as cultural identity and Diaspora are treated, besides a study on the gift in the modernity, related to the fact of pysanky being given at Easter to relatives and friends. The symbology of the visual elements that compounds the pysanky paintings is also analyzed, along with the traditional way of painting and other forms coming out, demonstrating aspects of innovation in the tradition