En marzo de 2020, la COVID-19 generó una crisis sanitaria, económica y social a nivel mundial, de la que aún nos seguimos recuperando. En cuanto al sector cultural, el confinamiento provocó que los espacios culturales cerrasen sus puertas y que las actividades se paralizasen sine die. En este contexto, una treintena de asociaciones profesionales del sector de las artes escénicas y de la música en España se unió para hacer frente a esa situación y conseguir que los agentes que componen el sector no se viesen desprotegidos. Este Trabajo de Sustentación Profesional tiene como objetivo sistematizar las estrategias de gestión cultural empleadas por estas asociaciones en la implementación de políticas culturales para el sostenimiento, desarrollo y mejora de las condiciones del sector de las artes escénicas y de la música en España, en el contexto de crisis de la COVID-19. Para ello, el primer capítulo contextualiza al lector/a, a través de un breve resumen histórico y explicación de la estructura y funcionamiento del sector de las artes escénicas en España. Para abordar así, en el capítulo 2, las estrategias y acciones llevadas a cabo por las asociaciones sectoriales en España entre marzo de 2020 y marzo de 2022. El principal aprendizaje de esta experiencia es que, si trabajamos de manera unida, dejamos de lado nuestros intereses particulares y nos concentramos en el bien común, trabajaremos mejor, nos haremos más fuertes y llegaremos a mejores resultados. / In March 2020, COVID-19 generated a global health, economic and social crisis, from which we are still recovering. As for the cultural sector, the lockdown caused cultural venues to close their doors and activities to come to a standstill sine die. In this context, around thirty professional associations of the performing arts and music sector in Spain came together to face this situation and ensure that the agents that make up the sector were not left unprotected. This Professional Supporting Work aims to systematise the cultural management strategies used by these associations in the implementation of cultural policies for sustaining, developing and improving the conditions of the performing arts and music sector in Spain, in the context of the coronacrisis. For this, the first chapter contextualises the reader through a brief historical summary and explanation of the structure and functioning of the performing arts sector in Spain. Then, in chapter 2, the strategies and actions carried out by the sectorial associations in Spain between March 2020 and March 2022 are dealt with. The main learning from this experience is that, if we work together, put aside our particular interests and focus on the common good, we will work better, become stronger and achieve better results.

El Proyecto Escuela Superior de Artes Escénicas se ubica en la ciudad de Trujillo, como solución a la demanda existente por espacios educativos que dicten música, teatro y danza a nivel profesional. Su emplazamiento se ubica en el Distrito Víctor Larco Herrera, cerca de entidades educativas superiores y medias; a su vez cuenta en su frente principal con un gran parque lineal sin uso; es por esta razón que el partido arquitectónico considera la relación espacial con el contexto público y áreas verdes, proporcionando a la ciudad una plaza como ingreso tanto a la edificación como al teatro propuesto, y consolidando este sector de la ciudad como un polo educativo cultural. / The School of Performing Arts Project is located in Trujillo city, as a solution to the existing demand for educational spaces that dictate music, theater and dance at a professional level. The project location is in the Víctor Larco Herrera District, close to upper and middle educational entities. At the same time, it has a large unused linear park on its main front; for that reason: the architectural program considers a connexion with the public context and green areas, providing the city with a place as an entrance to both the building and the proposed theater, and consolidating this sector as a cultural educational pole. / Tesis

Esta investigación se desarrolla en un contexto en que el cuerpo tiene protagonismo en la construcción de sentidos y de símbolos culturales. De acuerdo a Kogan funciona la siguiente lógica (mental y física) en la formación de sujetos: “dime cómo es tu cuerpo y te diré quién eres” (2010: 6). Así, los cuerpos se configuran constantemente como un territorio con fronteras más o menos delimitadas dando lugar, según sostienen Le Breton (2008, 2010) y Kogan (2010), a procesos de individuación y búsqueda de autenticidad. A la par, la cultura se hace visible como un importante capital (Yúdice 2002, Sommer 2006) en el campo de la denominada economía creativa.

El propósito de la presente investigación fue describir la forma en que las organizaciones sin fines de lucro culturales gestionan el proceso de colaboración con instituciones de los sectores empresarial, público y tercer sector identificando los beneficios y limitaciones que se generan para las primeras. La investigación se fundamentó en referencias teóricas acerca de la gestión de las organizaciones sin fines de lucro. Para ello, se adaptó el enfoque sobre gestión de colaboraciones intersectoriales propuesto por Austin (2000), el cual aborda sucesivamente las etapas de establecimiento de contacto inicial, ajuste estratégico, creación de valor y gestión de la colaboración. Este enfoque fue complementado con referencias de distintos autores (Drucker, 2004; Berger, Cunningham & Drumwright, 2004; Instituto de Comunicación y Desarrollo [ICD] de Uruguay, 2015; Schiller & Almog-Bar, 2013; AL-Tabbaa, Leach & March, 2014) que aportaron a la comprensión de las colaboraciones con instituciones de los tres sectores. A continuación, se presentó el contexto de las artes escénicas en el Perú. Se obtuvieron datos al 2013 en los que se identifica una oferta concentrada en la ciudad de Lima (31% de organizaciones) y una demanda limitada, pues el 76% de la población peruana reportó nunca haber asistido al teatro, porcentaje que se incrementa en relación a otros tipos de disciplinas dentro del sector. Así mismo, se identificó que, en los últimos seis años, la inversión del Estado en el sector cultura se ha mantenido por debajo del 1% del presupuesto nacional (cifra recomendada por la UNESCO). La hipótesis general que orienta la investigación plantea que la forma en que las asociaciones culturales gestionan sus colaboraciones es empírica y por ello no es posible la maximización de beneficios obtenidos de ellas. La metodología empleada tuvo un enfoque cualitativo y en total se realizaron 37 entrevistas a profundidad semi estructuradas. Se aplicaron 18 entrevistas a los directivos de seis asociaciones del rubro de las artes escénicas ubicadas en Lima, Trujillo y Arequipa, pues se diseñaron tres versiones de esta herramienta a fin de conocer sus características generales, profundizar en la gestión de colaboraciones y aspectos financieros. Adicionalmente, se entrevistaron a 16 aliados, representantes de organizaciones del sector empresarial, público y tercer sector; y a 3 expertos, profesionales del sector cultural. La información fue codificada en el programa ATLAS.ti 7 y los hallazgos se analizaron de dos formas: por etapas del proceso de gestión de colaboraciones y de manera comparativa por sector.

La presente investigación evidencia la problemática del artista escénico y la sobrecargar laboral que genera un gran impacto en su equilibrio emocional, perjudicándolo personal y profesionalmente. Tiene por objetivo demostrar la importancia del cuidado personal para hallar estabilidad en su calidad de vida y lograr un óptimo desenvolvimiento laboral. Para tal efecto, este estudio teórico presenta las causas y consecuencias más relevantes de la sobrecarga laboral del artista escénico. Respecto a las causas principales están relacionadas con la falta de reconocimiento sobre el valor de su trabajo y la estabilidad económica, ambas residen en la falta de oportunidades laborales como desconocimiento del mismo, por la informalidad en el desarrollo del trabajo; hallándose así una precariedad laboral en el ámbito de las artes escénicas. Esta información es sustentada por las investigaciones de Nancy Fraser (2006) y Abril Becerra (2017). Y en cuanto a las consecuencias de la sobrecarga laboral del artista escénico se van generando fuertes grados de estrés y ansiedad los cuales llevan a desarrollar el síndrome de Burnout, definido por Maslach y Jackson (1981) como un síndrome psicológico de agotamiento emocional. Este campo de información es sostenido por lo expuesto en artículos científicos y documentos web de Quiceno, J. & Vinaccia Alpi, S. (2007), Fátima Díaz e Ingrid Gómez (2016) y Barlow (2000). Se concluye que las artes escénicas al ser un campo tan vasto de disciplinas, subdivididas en sectores como la dirección, producción y gestión, presenta la posibilidad de ejercer labor en todas las áreas o varias a la vez; y es allí precisamente donde se toma relevancia en mantener un equilibrio emocional para poder sostenerse óptimamente en las labores realizadas, caso contrario se podrá generar repercusiones negativas en el entorno personal y profesional.

En un laboratorio que busca una exploración de la percepción de los sentidos es importante cuestionarse sobre lo que se percibe. Gracias al concepto de “verdad” en “Sobre verdad y mentira en sentido extramoral” de Nietzsche se puede acceder a una teoría filosófica que brinda un punto de partida para reforzar la idea de una interpretación constante de lo que nos rodea. Es por eso que el concepto de “verdad” serviría para ampliar a nivel teórico los ejercicios de percepción espacial de naturaleza práctica. La pregunta que resumiría esta inquietud sería ¿cómo el concepto de “verdad” nietzscheano sirve como punto de partida teórico para el desarrollo de un laboratorio de investigación escénico-sensorial?

Esta investigación tiene como objetivo conocer y analizar cuáles son las construcciones del self que elabora un grupo de jóvenes mujeres y varones internas e internos en el Penal Modelo Ancón II de la ciudad de Lima. Propongo emplear el término self como unidad de análisis, porque supone la configuración de un sujeto escindido e incorpora una serie de elementos que dan cuenta de la percepción y enunciación que elabora desde y sobre sí mismo, a partir de lo cual busca establecer sus vínculos con los demás y configurar su entorno. El self, es una categoría de naturaleza dinámica en la que interviene tanto la agencia y recursos individuales, como las condiciones y el contexto en el que se desenvuelven y relacionan los sujetos. En ese sentido, nos pemite analizar los paradigmas y mandatos sociales en los que se insertan los y las jóvenes y qué estrategias elaboran para pertenecer y formar parte del sistema social. Por otro lado, acoge la colectividad, supone la creación de uno mismo desde el cuerpo, la subjetividad y la sensibilidad. Propongo, como parte medular del diseño etnográfico, la constitución de un campo en el que la creación escénica va generando tanto las narrativas y performances que se anclan en la historia de vida y son puestas en escena (entendiéndose como acontecimiento socialmente compartido). Todo esto en medio de un espacio complejo en el que los mandatos individuales, institucionales, familiares y sociales están en tensión permanente. El self, se enuncia como sujeto solidario, maduro, reflexivo y sensible; buscando romper el estigma asociado a su condición. Su principal referente y motivación lo constituye la familia, tanto la propia, como la que construye dentro del recinto penitenciario. Se encarna un self conciente tanto de la responsabilidad individual de las consecuencias de los actos cometidos como de su futura reinserción social y de las limitaciones y desafíos que desde el presente enfrenta y debe superar para restaurar el vínculo con su familia y la sociedad, y formar parte de ellas.

Esta investigación identifica cuales son los elementos que permiten la inclusión de personas con diversidad funcional dentro de la Facultad de Artes Escénicas (FARES) de la PUCP. Reconoce las herramientas que permiten garantizar sus derechos y el bienestar de los miembros a partir de identificar los facilitadores sociales y mejoras en accesibilidad. Los objetivos de la investigación son reconocer los elementos que garantizan los derechos de las personas con diversidad funcional a partir del dialogo con diversos autores y una entrevista realizada a la directora de estudios de la Facultad de Artes Escénicas. Este dialogo permite identificar los trabajos por realizar y la importancia de los facilitadores sociales que contribuyen al goce del derecho a la educación a partir de la igualdad de condiciones; además, presenta la importancia de la figura institucional para organizar las diversas tareas por realizar que contribuyen a una educación que aprecie la diversidad. Dentro de los hallazgos resalta la necesidad de sensibilizar a todos los miembros de la facultad y reconcer la importancia de los ajustes y detalles que permiten que el estudiante pueda ejercer su derecho a la educación con las herramientas y elementos necesarios que contribuyen a su desempeño y bienestar.

Esta investigación tiene el objetivo de encontrar la manera en que la ética de la representación influye en el teatro visto como instrumento de transformación social en Hispanoamérica durante los últimos 20 años. Se busca argumentar que esto ocurre cuando al representar una persona, comunidad, historia o símbolo de gran significación personal o colectiva, sucede una deconstrucción del representante, que permite el empoderamiento de lo representado, sin darle paso a la victimización o ridiculización. Se utiliza la teoría de la ética de la representación desarrollada por José Antonio Sánchez, para luego abordar ejemplos de propuestas escénicas del teatro sociopolítico hispanoamericano, con el objetivo de identificar, o no, la influencia de la ética de la representación en cada una de ellas. Encontrando cuáles son las propuestas expuestas, principalmente de Jerzy Grotowski y Eduardo Pavlosky, para que los artistas escénicos puedan contar historias responsablemente, sobre todo las que tienen un claro carácter sociopolítico, ya que presentan una intensa sensibilidad en la memoria colectiva de una o varias comunidades. / This research aims to find the way in which the ethics of representation influences the theater, seen as an instrument for social transformation in Hispano-America during the last 20 years. It seeks to argue that this takes place when representing a person, community, story or symbol of great personal or collective significance, a deconstruction of the representative takes place and allows the empowerment of what is represented, without letting victimization or ridicule happen. The theory of the ethics of representation developed by José Antonio Sánchez is going to be used to address examples of scenic performances of the Hispano-American social and political theater, with the goal of identifying, or not, the influence of the ethics of representation in each one of them. Finding the proposals exposed mainly by Jerzy Grotowski and Eduardo Pavlosky, so that performing artists can identify them and used them to tell stories responsibly, especially those that have a strong social and political purpose, as they present an intense sensitivity in the collective memory of one or several communities.

Este trabajo parte de mi interés por profundizar en los discursos hegemónicos sobre las artes escénicas difundidos principalmente desde el Estado, y los centros de formación superior y la prensa dedicada a cubrir dichas expresiones. Como hipótesis planteo que el entendimiento de las artes escénicas se basa esencialmente en una visión de mercado que obedece a influencias capitalistas y coloniales, que diferencia entre las manifestaciones tradicionales y las de fuente occidental. Para corroborar esto identifico las características más resaltantes de los discursos hegemónicos del Estado mediante el análisis de leyes, planes y diversas iniciativas. Además, señalo sus aspectos en común con los discursos que se realizan en ámbitos de educación superior y prensa escrita, a través de sus producciones escénicas de carácter institucional, y los recuentos anuales sobre lo mejor de las artes y la difusión en fechas conmemorativas. Para ello aplico herramientas del análisis crítico del discurso y conceptos como colonialidad del poder, eurocentrismo, derechos culturales, multiculturalismo, entre otros. Concluyo que las artes escénicas en el Perú se promueven a partir de una multilógica propia del capitalismo, donde se difunden y valorizan todas las expresiones culturales, bajo diversas estrategias y mecanismos que ocultan las contradicciones sociales y la discriminación, con el objetivo de transmitir un aparente equilibrio y respeto hacia todos los grupos culturales. Y todo ello apunta a generar un sentido común sobre las artes que las relaciona a productos de mercado, antes que como un derecho cultural, esencial para el desarrollo integral de las personas y los grupos sociales.