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Die kubistische Bildsprache von Georges Braque, Pablo Picasso und Juan Gris unter besonderer Berücksichtigung der Entwicklung der Farbe

Mosele, Franz, January 1973 (has links)
Thesis--Zürich. / Vita. Includes bibliographical references (p. 309-317).
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Berthe Weill (1865-1951) : sourcière méconnue de l'art moderne / Berthe Weill (1865-1951) : unrecognized Diviner of Modern Art.

Le Morvan, Marianne 15 December 2017 (has links)
Cette thèse ambitionne de définir le rôle de la marchande d’art Berthe Weill dans l’avènement de l’art moderne. À l’origine du baptême d’un nombre considérable d’artistes plus tard couronnés par le marché, son patrimoine demeure méconnu et en grande partie oublié. Occupant à la fois un statut de mécène et de découvreuse, de médiatrice et d’éditrice, elle initia à l’ouverture de son commerce en 1901 une impulsion vers la jeune peinture alors encore dépourvue de représentant. Pionnière féministe, elle usa des moyens de communication à sa disposition pour diffuser ses opinions, osant un usage véritablement politique de ses cimaises et de ses colonnes. Cette étude vise à mieux appréhender sa position dans la hiérarchie du marché de l’art moderne, en observant le contexte sociétal qui encouragea et brida ses initiatives. En quarante ans de carrière, cette femme issue d’une famille juive pauvre traversa les deux guerres mondiales, en s’imposant comme une personnalité incontournable de la vie culturelle parisienne. Sans fonds préexistant auquel se référer, des archives relatives à la Galerie B.Weill ont été entièrement reconstituées, permettant un premier bilan validant son rôle de pivot dans la carrière d’artistes majeurs de la première moitié du XXe siècle. A travers le truchement de ces archives sont soulevées des problématiques plus larges liées à la discipline de la recherche de provenance : sur les questions d’authentification, mais aussi sur les spoliations antisémites durant l’Occupation et la difficulté d’accès aux données marchandes malgré les mesures légales en place pour garantir la probité du patrimoine. / The ambition of this thesis is to define the role of the art merchant Bethe Weill, in the birth of modern art. Behind the discovery of a considerable number of artists who were later crowned with success by the market, her legacy remains misunderstood and mostly forgotten. In her multiple roles as sponsor and discoverer, mediator and editor, she initiated, with the opening of her gallery in 1901, a drive toward new painting, a movement until then bereft of a spokesperson. A feminist pioneer, she used all the means of communication at her disposal to disseminate her opinions, daring to make her gallery walls and columns a site for political statements. This study hopes to elucidate her position in the hierarchy of the modern art market, looking at the societal context which encouraged or restrained her initiatives. In a career spanning forty years, this woman from a poor Jewish family lived through two world wars and established herself as a major figure in Parisian cultural life. Without a pre-existent archival foundation to which one might refer, the archives relating to the B. Weill Gallery had to be entirely reconstructed, giving initial results which validate her pivotal role in the careers of major artists of the first half of the twentieth century. Through the intermediary of these archives larger issues are raised in connection to research on provenance: questions of authentication, but also on Anti-Semitic spoliations during the Occupation and the difficulty of access to market data in spite of the legal measures in place to guarantee patrimonial probity.
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An Investigation of the Relationship between Popular Music and Analytic Cubist Paintings in Prewar Paris

Yu, Lulan 01 January 1997 (has links)
This thesis addresses the connection between Analytic Cubist paintings and popular music culture in pre-World War I Paris. In particular, it focuses on popular music, performance, song lyrics, music iconography and its connected poster advertising as each relates to the Analytic Cubist paintings of Braque and Picasso. During the last years of the nineteenth century, the world of fine art came into close contact with the realm of popular entertainment, in particular institutions such as the cabaret, cafe'-concert and the music-hall. A revival of this performance which occurred around 1910, not only impacted the everyday world, but also the Cubist artists whose work reflected this renewed interest. Popular music culture provided a vocabulary of devices that were taken by the Cubists and reinterpreted to a more complex, less popular cultural ends. This is reflected in the derivation of visual elements which are essential to Analytic Cubist paintings. Some of these "borrowed" devices can be traced to techniques typically used in popular music poster advertisements. For example, elements common to posters such as the representation of illusionistically drawn objects and the use of words as well as the juxtaposition of imagery and letters can be found in Analytic Cubist work. Similar to posters, popular music also makes its way into Cubist painting. In addition to the well-documented example of Picasso's use of the "Ma Jolie" refrain from Harry Fragson's hit song Derniere Chanson, other instances of subject matter as well as attributes (sous entendre and repetitive lyrics) of popular song can be found in Cubist painting. Elements of popular-music culture, linked through performance, posters and song lyrics are in fact essential visual components of the vocabulary of Analytic paintings.
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Socrate : Autoportrait cubiste d'Erik Satie

Bourgault, Mélissa 15 May 2014 (has links)
Erik Satie fut toujours considéré comme un personnage énigmatique dans le monde musical français au tournant du siècle dernier. Sa personnalité marginale et ses œuvres dépouillées aux titres étranges ont maintes fois suscité questionnements et polémique. En 1917, Erik Satie écrivit une œuvre qui ne ressembla aucunement au répertoire antérieur du compositeur. Socrate, qui fut représenté publiquement pour la première fois en janvier 1920 à la Société Nationale de Paris, laissa le public et la critique perplexe et mitigé. Qu’avait donc de si particulier cette œuvre qui, d’un côté, passa pour une blague mais qui, pour certains dont le compositeur lui-même, fut considérée comme une manifestation pure de sagesse et de sincérité ? Socrate fut conçu au même moment où Satie entretenait des liens étroits avec le monde cubiste. Pablo Picasso et Georges Braque furent désormais les maîtres d’un courant artistique qui allait révolutionner le monde artistique. De concert avec les valeurs avant-gardistes prônées par Erik Satie, les cubistes cherchèrent à bousculer les attentes du public en modifiant l’approche visuelle de manière à stimuler les différentes perceptions sensorielles. Avec le ballet Parade, représenté en mai 1917, le compositeur collabora avec Picasso et ceci eût grandement influencé son style musical puisqu’il employa des techniques se rapprochant grandement du cubisme. Comme le soutient Daniel Albright, Satie trouva dans le cubisme son analogue artistique. Selon moi, outre Parade, Erik Satie bénéficiera de l’esthétique cubiste pour développer son œuvre Socrate. Cette thèse se concentre sur la signification de l’œuvre Socrate, plus particulièrement comment celle-ci pourrait représenter un autoportrait d’Erik Satie. De surcroît, elle examine comment cette représentation est camouflée derrière des méthodes cubistes traduites musicalement. La thèse s’appuie sur une littérature variée portant sur divers sujets relatant Socrate, dont la biographie du compositeur et sa relation avec des réseaux artistiques, intellectuels et sociaux. Cette thèse est la première étude d’envergure à suggérer une possibilité d’autoportrait cubiste musical puisque peu d’auteurs se sont attardés à résoudre cette problématique. Cette thèse décrit comment Socrate est une manifestation personnelle de sincérité et d’humilité d’un compositeur qui, persécuté tout au long de sa vie, se dévoila aux yeux de tous par le recours à cette figure emblématique de l’histoire : Socrate.
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Socrate : Autoportrait cubiste d'Erik Satie

Bourgault, Mélissa January 2014 (has links)
Erik Satie fut toujours considéré comme un personnage énigmatique dans le monde musical français au tournant du siècle dernier. Sa personnalité marginale et ses œuvres dépouillées aux titres étranges ont maintes fois suscité questionnements et polémique. En 1917, Erik Satie écrivit une œuvre qui ne ressembla aucunement au répertoire antérieur du compositeur. Socrate, qui fut représenté publiquement pour la première fois en janvier 1920 à la Société Nationale de Paris, laissa le public et la critique perplexe et mitigé. Qu’avait donc de si particulier cette œuvre qui, d’un côté, passa pour une blague mais qui, pour certains dont le compositeur lui-même, fut considérée comme une manifestation pure de sagesse et de sincérité ? Socrate fut conçu au même moment où Satie entretenait des liens étroits avec le monde cubiste. Pablo Picasso et Georges Braque furent désormais les maîtres d’un courant artistique qui allait révolutionner le monde artistique. De concert avec les valeurs avant-gardistes prônées par Erik Satie, les cubistes cherchèrent à bousculer les attentes du public en modifiant l’approche visuelle de manière à stimuler les différentes perceptions sensorielles. Avec le ballet Parade, représenté en mai 1917, le compositeur collabora avec Picasso et ceci eût grandement influencé son style musical puisqu’il employa des techniques se rapprochant grandement du cubisme. Comme le soutient Daniel Albright, Satie trouva dans le cubisme son analogue artistique. Selon moi, outre Parade, Erik Satie bénéficiera de l’esthétique cubiste pour développer son œuvre Socrate. Cette thèse se concentre sur la signification de l’œuvre Socrate, plus particulièrement comment celle-ci pourrait représenter un autoportrait d’Erik Satie. De surcroît, elle examine comment cette représentation est camouflée derrière des méthodes cubistes traduites musicalement. La thèse s’appuie sur une littérature variée portant sur divers sujets relatant Socrate, dont la biographie du compositeur et sa relation avec des réseaux artistiques, intellectuels et sociaux. Cette thèse est la première étude d’envergure à suggérer une possibilité d’autoportrait cubiste musical puisque peu d’auteurs se sont attardés à résoudre cette problématique. Cette thèse décrit comment Socrate est une manifestation personnelle de sincérité et d’humilité d’un compositeur qui, persécuté tout au long de sa vie, se dévoila aux yeux de tous par le recours à cette figure emblématique de l’histoire : Socrate.
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ROMANTIC ART IN DISTRESS: THE DESPAIR OF FRENCH AESTHETICS IN THE TWENTIETH CENTURY.

MACARTHUR, ROBERT. January 1982 (has links)
This dissertation concerns itself with the period of the 1920's and 1930's in French intellectual history. Three prominent figures have been chosen from French culture of this period--Nobel Prize-winning author Roger Martin du Gard, cubist painter George Braque, and Christian existentialist Gabriel Marcel--to illustrate the thesis that this era witnessed a major breakdown in the "romantic style." This latter term is employed to describe the prevailing culture of the West dating from the eighteenth century. It is the view of this study that beyond the catastrophic wars and destruction that afflicted the West during this time, there was an underlying crisis taking place in this "romanticism" that caused as much, as was caused by, the events. Hence, the theme of this dissertation is cultural despair and illness. The subjects are used to portray this illness in the state it had reached by the 1920's and 1930's. It is concluded that basic inherent weaknesses that were latent to romanticism came to the surface in the twentieth century because that era was marked by a culmination of historical crises which exposed the hidden cultural one. The study deals with all the general tendencies of romanticism in a critical manner. The intention is to point out the dangers of some of these tendencies, and in what manner they were dealt with by the three subjects, whose approaches to romanticism were varied.
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La structure spatiale des oeuvres cubistes de Picasso et Braque de 1910 et 1911

Perron, Katia 08 February 2019 (has links)
Cette recherche vise à développer quatre aspects particuliers qui concernent le cubisme de Braque et Picasso. D’abord quels ont été les faits marquants du cubisme au moment de sa naissance à travers les critiques du français Louis Vauxcelles. Puis, pour mieux saisir le mouvement, une synthèse des nombreuses définitions avancées par les critiques et les historiens d’art durant tout le 20e siècle, constituera la base d’une tentative de redéfinition globale du cubisme en sa phase analytique. On souligne ensuite l’importance de la réflexion cubiste en s’arrêtant à la modification de la représentation picturale par la décomposition de l’objet sur une surface plane qui aboutit sous l’empire de l’hermétisme à une nouvelle structure spatiale mettant alors l’accent sur la dissolution de l’objet et de la figure humaine. Finalement, l’analyse sémiotique de deux œuvres clés de Picasso et Braque de 1910 et 1911 permet de cerner plastiquement la notion même de réalisme que l’on trouve dans cette période analytique la plus hermétique. / Montréal Trigonix inc. 2018

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