A pesquisa tem por objetivo investigar o processo de construção de personagens na produção documentária brasileira contemporânea a partir da noção de autorrepresentação do sujeito filmado, tendo como hipótese inicial a ideia de que o estatuto da personagem no filme se define a partir da tensão entre a performance da pessoa real, seu projeto de atuação e as estratégias enunciativas do autor. Partindo da apresentação de uma proposta de definição da autorrepresentação - que rejeita a premissa de que a encenação deva ser analisada dentro do binômio de verdade e falsificação - a pesquisa se desenvolve tendo como recurso fundamental a análise fílmica imanente. Foram selecionados quatro filmes brasileiros contemporâneos como corpus central de análise: Entreatos (João Moreira Salles, 2004), Juízo (Maria Augusta Ramos, 2007), Serras da Desordem (Andréa Tonacci, 2008) e Jogo de Cena (Eduardo Coutinho, 2007). As análises fílmicas se organizam a partir dos diferentes níveis de consciência dos sujeitos filmados em relação à própria performance e buscam investigar até que ponto essa consciência implica num maior ou menor nível de autenticidade. Conectando os dois eixos centrais de reflexão - do desempenho e das estratégias enunciativas que o transcendem - se coloca a questão que sintetiza o desafio maior da pesquisa: como avaliar o quão bem representada é uma pessoa? / The present study aims at investigating the character construction process in contemporary Brazilian documentary film production from the notion of self-representation of the filmed subject, sustaining as initial hypothesis the idea that the status of the character in the film is defined by the tension between the performance of the real person, his acting project and the enunciative strategies of the author. Starting with the presentation of a proposed definition of selfrepresentation - which rejects the assumption that acting should be analyzed within the binomial real or fake -, the research develops, relying on immanent film analysis as fundamental resource. We have selected four contemporary Brazilian films as the central analysis corpus: Entreatos (João Moreira Salles, 2004), Juízo (Maria Augusta Ramos, 2007), Serras da Desordem (Andrea Tonacci, 2008) and Jogo de Cena (Eduardo Coutinho, 2007). Filmic analysis is organized by the different levels of consciousness of the filmed subjects in relationship to their own performance and seeks to investigate to what extent this awareness implies a higher or lower level of authenticity. By connecting the two central axes of reflection - performance and the enunciative strategies that transcend it -, the question that synthesizes the major challenge of the research arises: how to evaluate how well a person is represented?

Esta dissertação analisa os filmes Serras da desordem (2006) de Andrea Tonacci e Corumbiara (2009) de Vincent Carelli a partir da perspectiva da construção de uma memória dos vencidos. Esses filmes tratam de casos de massacres cometidos contra indígenas brasileiros em situação de isolamento, que, a pesar de terem sido amplamente divulgados na imprensa, nunca foram apurados e os culpados jamais foram condenados judicialmente. O objetivo desta pesquisa é o de compreender as estratégias utilizadas por cada um dos realizadores na reconstituição do passado e no estabelecimento no presente da memória dos grupos retratados nesses filmes. O conceito de memória usado nesta dissertação tem base nos estudos de Maurice Halbwachs. Sua aplicação nesta pesquisa demonstrou que a reconstituição do passado traz à tona a memória daqueles que historicamente vem sendo silenciados pela cultura hegemônica e letrada. Apesar da aproximação desses filmes do ponto de vista temático, a reconstituição do passado se dá de maneira distinta em cada um deles. Em Serras da desordem, Andrea Tonacci utiliza principalmente o procedimento da reencenação no presente dos episódios relacionados ao massacre por aqueles que vivenciaram essa história. Enquanto que em Corumbiara, Vincent Carelli utiliza o testemunho daqueles que sobreviveram aos massacres e dos que vivenciaram as consequências dos atentados como o principal recurso de rememoração. / The present thesis analyzes the films The Hills of Disorder (2006) by Andrea Tonacci and Corumbiara -­- they shoot Indians, don\'t they? (2009) by Vincent Carelli, and its based on memories of those who were vanquished. Both films deal with cases of massacres that were perpetrated against Brazilian Indians living in an isolated situation; cases that, although widely publicized by the press, were never investigated, and their perpetrators were never convicted in Court legally sentenced. The aim of this study is to understand the strategies that are used by each of these two filmmakers in order to reconstruct the past and to establish, in the present, the memory of the groups who are portrayed in their films. The concept of memory used in this paper is based on Maurice Halbwachs\'s studies. Its application to the present study has shown that a reconstruction of the past elicits the memory of those who have been historically silenced by hegemonic, literate culture. Even though these films are related as regards their theme, the reconstruction of the past takes place distinctly in each of them. In The Hills of Disorder, Andrea Tonacci mainly uses the procedure of a present-­-time reenactment of the events concerning the massacre, by those who have experienced the story. In Corumbiara, by contrast, Vincent Carelli uses the testimonies of those who have survived the massacres and those who have experienced the consequences of the attacks as his main resource for remembrance.

Esse trabalho discute o foley brasileiro através da apresentação de aspectos técnicos, estéticos e históricos dessa atividade. A partir de entrevistas com profissionais da área e da experiência profissional da autora em foley, é traçado um panorama da atividade que compreende: os usos do foley na trilha sonora cinematográfica; técnicas de gravação; o desenvolvimento da atividade no país dos anos 1950 até hoje; e a observação dos estúdios e artistas de foley brasileiros mais proeminentes em atividade. / The present work discusses the Brazilian foley by presenting technical, aesthetic and historical aspects of the activity. Through interviews with foley professionals and the professional expertise of the author, this overview of Brazilian foley comprehends: the use of foley in the film soundtrack, recording techniques, the development of the activity in Brasil since the 1950´s, and the observation of the most prominent foley studios and foley artists in Brazil at the present.

Essa dissertação tem por objetivo colocar em perspectiva crítica e histórica o fenômeno da individualização de personagens no documentário contemporâneo, muitos elevados a título dos filmes, e o critério de seleção desses personagens por valores como carisma, talento e rentabilidade cênica, em sintonia com a noção de performance em sentido amplo (inclusive empresarial). Os filmes centrais para essa discussão são Estamira (2006), de Marcos Prado, e A pessoa é para o que nasce (2006), de Roberto Berlinner, ambos protagonizados por mulheres em situação de déficit social e orgânico, mas inseridas em uma dinâmica de superávit cênico e produtivo, como auto-empreendedoras que trabalham para ter imagem. Nesses dois documentários, e em alguns outros, impõese um \"modelo egológico\", centrado nos indivíduos, sem muitas implicações sociais. A pesquisa não lida apenas com uma circunscrição do documentário nos anos 2000, operando ainda um breve panorama histórico do documentário brasileiro posterior a Cabra marcado para morrer (1984), de Eduardo Coutinho, além de analisar uma mudança de estratégias de enfoque na comparação com a linhagem moderna dos anos 1960, conectada ao Cinema Novo, quando o \"outro de classe\" era abordado em uma perspectiva política e social, com o posicionamento dos filmes por meio de um locutor associado a um saber, procedimento classificado por Jean-Claude Bernardet como modelo sociológico. / The objective of this dissertation is to place the phenomenon of characters\' individualization in the contemporary documentary inside a critic and historical perspective, transforming many times the name of the character in the name of the movie, and to discuss the selection criterion of these characters by values as charisma, talent or scenic´s profitability, in tune with the notion of performance in a broad sense (inclusive in a business sense). The central movies of this discussion are Marcos Prado´s Estamira (2006) and Roberto Berlinner´s A pessoa é para o que nasce (2006), both with principal female characters that are inserted in a social and organic deficit situation, but, still, in a dynamics of scenic and productive superavit, acting as selfentrepreneurial that build their own images. In these documentaries and others are imposed a self-logical model, centered in the individuals, without many social implications. The research doesn´t deal only with a documentary circumscription in the 2000´s, operating still in a brief historical panorama of the Brazilian documentary that follows Cabra marcado para morrer (1984) and analyzing a strategy change of focus in comparison with the 1960´s modern lineage, connected into the Cinema Novo, when the another of lower class was approached in a political and social situation and placing the movie through a narrator that were associated with a knowledge, procedure that is classified by Jean-Claude Bernardet as sociological model.

Na leitura histórica dos cinejornais Notícia da Semana e Atualidades Atlântida, observa-se como suas imagens (fragmentárias, colhidas do descarte iminente e historicizadas com o auxílio de documentação correlata e ferramental teóricometodológico específico), e as mediações que comportam (os interesses econômicos e políticos do seu produtor, o Grupo Severiano Ribeiro empreendimento composto por várias instâncias da atividade cinematográfica), podem contribuir à compreensão do recorte histórico de 1956 e 1961, a respeito de certos limites de sua modernização econômica e avanços políticos. A partir da documentação fílmica e não fílmica remanescente, analisaremos no discurso audiovisual desses cinejornais duas vertentes: algumas representações da nação cinematográfica em imagens de prosperidade nela contidas; e noutro viés, mais ideológico, certas tensões em cenários de crises e conciliações da política nacional e internacional, mostrados em algumas notícias. Em ambos os eixos analíticos, o pano de fundo são as escolhas do seu produtor mediante as melhores oportunidades políticas e econômicas no ápice do período nacional desenvolvimentista, bem como no seu esgotamento, e consequente rearranjo político das forças decisórias em 1961. Neste viés, dialogamos com conceitos como encomenda (Baxandall) e campo (Bourdieu), bem como uma história cultural da política para se compreender a nação cinematográfica levada às telas. Ressalta-se, aqui, o ineditismo destas imagens à cultura audiovisual do século XXI, bem como a contribuição desta categoria de filme, o cinejornal, enquanto fonte de leitura à História do Brasil. / Under a historical approach of the Notícias da Semana and the Atualidades Atlântida Newsreels, we can observe how those images (fragmentary, taken from their impending disposal and historicized with the assistance of related documentation and of specific theoretical and methodological tools) and the mediations that they comprise (the production companys economic and political interests the Grupo Severiano Ribeiro, a company consisting of several cinematographic activity segments) can contribute to understand the Brazilian historical period from 1956 to 1961, concerning some limits of its economical modernization and political developments. From remaining filmic and non-filmic documentation, two aspects will be analyzed in these newsreels audiovisual language: some representations of the cinematographic nation, through images of prosperity they comprise; and, in another strand, an ideological one, the tensions in a scenery of national and international political crisis and conciliations, presented in some of the news. In both analytical axes, the background are the producers choices through the best political and economical opportunities, at the height of the national developmental period, as well as at its depletion and the resulting decision-making forces political rearrangement, in 1961. In this approach, we dialogue with concepts such as order (Baxandall) and field (Bourdieu), together with a cultural history of politic, to understand the cinematographic nation brought to the screen. We emphasize both the uniqueness of these images in the 21st century´s audiovisual culture and the newsreels contribution as an important source for the Brazilian History.

Esta dissertação visa discutir a representação do negro em dois filmes brasileiros: Rio, Zona Norte (Nelson Pereira dos Santos, 1957) e A Grande Cidade (Carlos Diegues, 1966). Objetiva-se compreender de que modo estas narrativas fílmicas definem o lugar dos personagens negros e conjugam certas relações sociais na estrutura dramática. Nos dois filmes, a presença de personagens negros no espaço urbano do Rio de Janeiro é elemento constitutivo da diegese e revela a disposição dos diretores em abordar o tema racial, num contexto de ampliação do debate sobre a cultura brasileira, especialmente, a cultura popular. Demonstramos que a problemática racial está presente nos filmes citados, ainda que não formulada em um discurso verbal. Assim, em cada um deles, a representação do negro se articula com uma representação do popular, de forma diferente. Em Rio, Zona Norte, a incorporação do negro já demonstra tensões em uma reflexão sobre o engajamento nacionalpopular. Em A Grande Cidade estas tensões são exacerbadas em uma reflexão sobre a crise daquele engajamento. / This work discuss the representation of black Brazilians in two films: Rio, Zona Norte (Nelson Pereira dos Santos, 1957) and A Grande Cidade (Carlos Diegues, 1966). The objective is to understand how these filmic narratives define the place of black characters and combine social relations in dramatic structure. In both, the presence of black characters in urban areas of Rio de Janeiro is a element of the narrative and reveals the will of the directors to discuss the theme race in the context of the debate about Brazilian culture, especially the popular culture. We demonstrate that the racial problem is present in the films cited, though it isnt couched in verbal discourse. Thus, in each of them, the black representation is linked to a representation of popular, differently. In Rio, Zona Norte, the incorporation of the black already shows tensions in the reflection on the national popular engagement. In A Grande Cidade these tensions are exacerbated in a reflection on the crisis of that engagement.

Esta dissertação visa analisar a representação do relacionamento entre os intelectuais de esquerda e as camadas populares na obra cinematográfica Quase dois irmãos (Lúcia Murat, 2005). O filme representa, a partir de uma narrativa dramática, aspectos fundamentais das relações entre a classe média e as camadas populares. Através de três espaços temporais, década de 1950, 1970 e anos 2000, o contato entre a classe média e o morro carioca, são representadas as perspectivas dos intelectuais de esquerda referente a aproximação com o povo entre décadas de 1950 e 1970. O golpe militar de 1964 interromperia o momento de construção de projeto cultural de revolução social engendrado pelos intelectuais de esquerda, acirrando as tensões existentes entre os dois ethos sociais. Esta pesquisa busca compreender como essa construção ficcional, enquanto criação artística da diretora Lucia Murat, sedimenta na forma cinematográfica determinada compreensão do mundo, conectada à memória da ditadura militar de setores da esquerda brasileira. Configura-se uma fonte documental importante pela experiência histórica que está condensada em sua narrativa, assim como em sua estrutura estética que ratifica os movimentos históricos de permanência e cisão expostos no filme e possibilita reflexões sobre relações e problemas sociais e raciais no Brasil. / This dissertation aims to analyze the representation of the relationship between the left intellectuals and the popular strata in the cinematographic \"Almost brothers\" (Lúcia Murat, 2005). The film represents, from a dramatic narrative, fundamental aspects of the relationships between the middle class and the popular strata. Through three timelines, the 1950, 1970 and 2000 years, the contact between the middle class and the carioca Hill, are represented the perspectives of left-wing intellectuals for rapprochement with the people between 1950 and 1970 decades. The military coup of 1964 would interrupt the moment of construction of cultural project of social revolution engendered by leftist intellectuals, intensify existing tensions between the two social ethos. This research seeks to understand how this fictional construct, while artistic creation of director Lucia Murat, forms a sediment in cinematic form determined understanding of the world, connected to the memory of the military dictatorship of sectors of the brazilian left. Configures a document source important for historical experience that is condensed into your narrative, as well as in your aesthetic structure that ratifies the historical movements of permanence and spin-off exposed in the film and provides reflections on relationships and problems racial and social in Brazil.

Orientador: Claudiney Rodrigues Carrasco / Dissertação (mestrado) - Universidade Estadual de Campinas, Instituto de Artes / Made available in DSpace on 2018-08-12T06:44:24Z (GMT). No. of bitstreams: 1 Vasconcelos_AndreLuizOlzon_M.pdf: 5540786 bytes, checksum: ced45a631ed6a24750e9d8a25461994e (MD5) Previous issue date: 2008 / Resumo: Parte indissociável da composição audiovisual, a trilha sonora estabelece um diálogo com o mundo imagético proporcionando ao filme maior desenvolvimento na elaboração e desenvolvimento da sua linguagem. O objetivo desta dissertação é analisar minuciosamente os elementos sonoros ocorridos nos filmes Bye bye Brasil (1979) do diretor Carlos Diegues, Pra frente Brasil (1982) de Roberto Farias e Central do Brasil (1998) de Walter Salles e de que maneira eles atuam na construção do sentido destas obras. No recorte proposto foram escolhidos filmes significativamente representativos em suas respectivas décadas. Por meio da análise, também foi possível diferenciar as mudanças tecnológicas e estéticas em relação ao som do cinema brasileiro ocorridas durante este período. Além de revisar importantes acontecimentos na história do país sob a óptica do cinema, este trabalho também contribui para a discussão das questões referentes ao som e a música no cinema brasileiro, ampliando a bibliografia do assunto. / Abstract: Integrating piece of the audiovisual composition, the soundtrack establishes a dialog with the visual world, providing a better elaborated movie and facilitating the development of its language. The objective of this thesis is to perform a deep and thorough analysis of the sound elements of the Brazilian movies "Bye Bye Brasil" (1979) from Carlos Diegues, "Pra Frente Brasil" (1982) from Roberto Farias and "Central do Brasil" (1998) from Walter Salles. The subject movies were chosen due to their leading exposure and relevance in their respective decades. The time component of this work also allowed the discussion and assessment of the technologic and esthetic evolutions of the sound within the Brazilian cinema along the last decades. On top of revisiting some of the important facts of the history of Brazil from the perspective of the cinema, this work also contributes to the discussions around the sound and the music in the Brazilian cinema, expanding the bibliography on the subject. / Mestrado / Mestre em Música

Orientador: Marcius César Soares Freire / Tese (doutorado) - Universidade Estadual de Campinas, Instituto de Artes / Made available in DSpace on 2018-08-25T21:37:50Z (GMT). No. of bitstreams: 1 Paiva_CarlaConceicaodaSilva_D.pdf: 6331933 bytes, checksum: 902a9b81bc9c2cc5135338065a5e8c63 (MD5) Previous issue date: 2014 / Resumo: Nosso trabalho se apresenta como uma reflexão sobre as representações das mulheres nordestinas presentes no cinema brasileiro da década de oitenta, buscando, especificamente, distinguir de que forma essas mulheres são caracterizadas e qual a relação dessas encenações com o movimento feminista da época. Considerando que um filme apresenta muito da sua realidade social, partimos das relações existentes entre cinema e história e a análise do discurso para decompor as imagens de Gabriela (1983); Parahyba, mulher-macho (1983); A Hora da estrela (1985) e Luzia-Homem (1987). Ao contrário do que consideravam a maior parte dos críticos de cinema da década de oitenta, no Brasil, percebemos que nossas quatro protagonistas não eram totalmente alienadas e que suas ações não eram inócuas em termos de rompimento com as regras sociais. Não podemos assinalar os filmes corpus desta pesquisa como "sexistas", mas também não rotulamos como "cinema de mulheres". À margem desses dualismos, procuramos caracterizá-los como narrativas audiovisuais com extrema identificação com o universo feminino e com as lutas empreendidas pelas mulheres na sociedade brasileira da década de oitenta. Buscamos perceber o grau de adesão desses cineastas aos diversos tipos de "feminismos" / Abstract: This work presents a thinking on the representation of northeastern women at the Brazilian cinema in the eighties, aiming to distinguish specifically how these women are characterized in the films and what is the relationship between the films' scenarios and the feminist movement of that time. Considering that a film reflects the society and its values, among other things, we pretend to set the relationship between film and history as well as the discourse analysis to deconstruct the representation of Gabriela (1983); Parahyba, mulher-macho (1983); A hora da estrela (1985) and Luzia homem (1987). Unlike of what many film critics from the 80s in Brazil have stated, we consider that our four protagonists were not totally alienated and that their actions were not innocuous in terms of disruption to social rules. We cannot describe the films of this research as "sexists", nor label them as "women's cinema". On the fringe of this dualism we seek to characterize them as audiovisual narratives with extreme identification with the feminine universe and with the struggles waged by women in Brazilian society of the eighties. We seek to understand the level of adherence of these filmmakers to various types of "feminisms" / Doutorado / Multimeios / Doutora em Multimeios

Orientador: Iara Lis Franco Schiavinatto / Dissertação (mestrado) - Universidade Estadual de Campinas, Instituto de Artes / Made available in DSpace on 2018-08-26T05:22:58Z (GMT). No. of bitstreams: 3 Stoco_SavioLuis_M.pdf: 6109956 bytes, checksum: 83d52eed8aa776ebbb675e734a3e2066 (MD5) Stoco_SavioLuis_Anexo1.zip: 892308532 bytes, checksum: c2619bc3c29ed28102db3709ff6a817d (MD5) Stoco_SavioLuis_Anexo2.zip: 3201136005 bytes, checksum: 8e39a771566434b33059339d6f862665 (MD5) Previous issue date: 2014 / Resumo: No Rastro do Eldorado (1925) é um dos longas-metragens silenciosos mais importantes na trajetória do cineasta Silvino Santos, português radicado em Manaus. No entanto é um filme ocultado na historiografia do cinema brasileiro. Primeiro pelo fato de ser a rigor considerado perdido. O que em si dificulta acesso às suas principais motivações resultantes da relação entre o comerciante J. G. de Araújo, financiador do cineasta, e o explorador norte-americano Alexander Hamilton Rice - cuja última e estratégica viagem científica transpondo e mapeando dificultosos rios do atual estado de Roraima, o filme registra. A partir da pesquisa realizada, propomos um trabalho de reconstituição digital dessa obra incluindo os intertítulos originais, localizados na Cinemateca do Museu de Arte Moderna (RJ) e imagens em movimento do acervo da Cinemateca Brasileira (SP) e do Smithsonian Institution (EUA). Essa localização documental abre outras perspectivas para a análise do filme em suas intenções. Pretende-se no texto crítico apontar relações da obra com particularidades de aspectos econômicos, geográficos e culturais daquela região brasileira, incluindo cotejamento com outras formas visuais onde encontramos intertextualidades. Tal estudo, por sua vez, dá sustentação a um processo criativo videográfico, o curta-metragem No Rastro do Rastro, que traçou uma abordagem audiovisual crítica numa espécie de contradiscurso à narrativa do filme original em um viés pós-colonialista. Apresentamos três produtos (a reconstituição fílmica, o estudo crítico e o curta-metragem) que de várias formas, durante seus processos de produção fomentaram-se, oferecem uma metodologia de trabalho condizente com o desafio de estudo do filme em questão / Abstract: No Rastro do Eldorado (1925) is one of the most important silent feature films in the trajectory of the filmmaker Silvino Santos, Portuguese living in Manaus. However it is a film hidden in the historiography of Brazilian cinema. First because it is strictly considered lost. What itself hinders access to its main motivations resulting from the relationship between Araujo JG dealer, director of the lender, and the American explorer Alexander Hamilton Rice - whose last and strategic scientific journey spanning troublesome rivers and mapping the current state of Roraima, the film records. From the survey, we propose a digital reconstruction work of this work including the original intertitles, located at the Cinemateca do Museu de Arte Moderna (RJ) and moving images of Cinemateca Brasileira (SP) and the Smithsonian Institution (USA). This document location opens other perspectives for the analysis of the film in its intentions. It is intended in the critical text pointing work relations with particularities of economic, geographical and cultural aspects of that Brazilian region, including mutual comparison with other visual forms where we intertextuality . This study, in turn, gives support to a videographic creative process, the short film No Rastro do Rastro, which drew an audiovisual critical approach a kind of counter-discourse to the narrative of the original film in a post-colonialist bias. We present three products (the film reconstitution, the critical study and the short film) that in various ways during their production processes up fostered by providing a consistent methodology of work with the challenge of studying the film in question / Mestrado / Artes Visuais / Mestre em Artes Visuais