O objetivo da tese é discutir e analisar filmes realizados entre 1967 e 1971 que, ainda no estrito campo do cinema, estabeleciam franco diálogo com as experiências mais recentes das vanguardas nas artes visuais. Os dois eixos da investigação se referem a produções de duas vertentes cinematográficas contemporâneas que se consolidaram em Nova York e no Rio de Janeiro sob os rótulos de \"Cinema estrutural\" e de \"Cinema marginal\", respectivamente. Ambas tendências, qualificadas como \"cinema experimental\", surgiam no rastro de vanguardas artísticas com fortes desdobramentos nas artes visuais, no que ficou conhecido como minimalismo nos Estados Unidos e o um \"pós-tropicalismo\" ou marginália no Brasil. Nos filmes que podem ser tomados como mais representativos desta relação - Wavelength (1967), de Michael Snow; Serene Velocity (1970), de Ernie Gehr; Mangue Bangue (1971), de Neville d\'Almeida e Lágrima-Pantera, a Míssil (1971), de Júlio Bressane - busca-se analisar as principais operações formais a partir de questões e posicionamentos provindos de tendências das artes visuais ao lado de discussões teóricas cinematográficas, principalmente aquelas relativas à vanguarda no cinema. No segundo eixo, aproxima-se as contemporâneas experiências de Hélio Oiticica no cinema e em demais meios audiovisuais. Acompanhada desta análise formal buscamos situar estas obras no percurso de seus autores e no contexto artístico e cultural no qual se inseriam. Propõe-se assim, ao final, observar os paralelos e contrastes entre essas experiências e as razões de suas descontinuidades. / The main purpose of the thesis is to discuss and analyse films from the late 60\'s and early 70\'s that, althought in the strict field of cinema, established a frank dialogue with the most recent experiences of the avant-garde. The two axes of the investigation refer to productions of two contemporary cinematographic strands that took place in New York and Rio de Janeiro known respectively as \"Structural film\" and \"Cinema marginal\". Both tendencies, usually considered in the same field of an \"experimental cinema\", emerged after and in direct association with the artistic avant-garde tendencies with strong ramifications in visual arts, like what became known as minimalism in the US and the \"post-tropicalism\" or marginália in Brazil. In the films that can be taken as the most representatives of this link - Wavelength (1967), by Michael Snow; Serene Velocity (1970), by Ernie Gehr; Mangue Bangue (1971), by Neville d\'Almeida and Lágrima-Pantera, a Míssil (1971), by Júlio Bressane - we seek to analyse its main formal operations based on questions and standings derived from contemporary visual arts tendencies next to theoretical discussions especifically cinematografic, especially those related to avant-garde cinema. On the second axis, the closeness with the contemporary experiences of Hélio Oiticica in film and in other audiovisual media is one of the focus. Accompanied by this formal analysis we also seek to situate these works in the path of their authors and in its artistic, cultural and political context in which they were placed. It is thus proposed, at the end, to observe the parallels e contrasts between these experiences and the reasons of their discontinuities.

Em Júlio Bressane, artes plásticas e erotismo são dois dos principais elementos de uma constelação particular que inclui a literatura, o modernismo brasileiro, a canção popular e, é claro, o próprio cinema. Em Filme de amor (2003), Bressane coloca em pauta o corpo nu e a questão do olhar, em uma pesquisa estética ligada a uma tradição pictórica que vai do Renascimento italiano (Sandro Botticelli, Raphael Sanzio) e da pintura espanhola (Diego Velázquez, Francisco Goya) até o realismo (Gustave Courbet) e o surrealismo de Balthus - nome central para o longa de 2003 - passando pela psicanálise (Lacan). Para Bressane, \"cinema inocente\" pode referir-se tanto aos filmes eróticos do Primeiro Cinema quanto ao momento da história das formas cinematográficas em que, dada a falta de referências anteriores, tudo é invenção. Nesse sentido, liberdade formal e liberalidade comportamental aproximam-se para criar uma espécie de utopia, uma \"Arcádia\" pessoal idealizada por seu cinema - época \"inocente\" e mitológica, anterior ao homem provar da árvore do fruto do conhecimento. A questão da melancolia (Benjamin) será central para entender o cinema de Bressane, bem como a ideia da História como fragmento e ruína. / Painting and eroticism are two main elements in Júlio Bressane\'s own private constellation that also includes literature, Brazilian modernism, popular Brazilian music, and cinema itself. Filme de amor (2003) deals with the questions of the naked body and the gaze, and connects itself with a large tradition, from Italian Renascence (Sandro Botticelli, Raphael Sanzio) and Spanish painting (Diego Velázquez, Francisco Goya) to realism (Gustave Courbet) and Balthus\' surrealism - a main artist for the 2003 film. Besides all that, it touches psychoanalysis\' issues related to Lacan\'s theory. To Bressane, \"innocent cinema\" may refer to erotic films from Silent Cinema or to the moment in the history of film forms when, as there were no previous references, everything is an invention. So, both formal and sexual freedom came closer and creates some kind of utopia, an own personal \"Arcadia\" idealized by Bressane\'s films: an \"innocent\" and mythological age, previous to man has proved the forbidden fruit of knowledge. From Benjamin, the director learns the ideas of Melancholy and of History as fragment and doom.

Made available in DSpace on 2016-04-26T18:10:30Z (GMT). No. of bitstreams: 1 Adriano Carvalho Araujo e Sousa.pdf: 1717923 bytes, checksum: fb39b932ad6590307221a9cd6eb01246 (MD5) Previous issue date: 2010-11-12 / Coordenação de Aperfeiçoamento de Pessoal de Nível Superior / The analysis uses the concept of transcreation in Julio Bressane s films to consider the interaction between three languages: paintings, literature and music. The corpus consists of feature films from Brás Cubas (1985) to A Erva do Rato (2009). Turning to four of these films as a starting point and then stepping through the others, the purpose is to start by: paintings, from Filme de Amor (2003); literature, from Miramar (1997); and the music, since O Mandarim (1995) and Days of Nietzsche in Turin (2002). Transcreation (transcriação) was chosen as parsing support concept designed by Haroldo de Campos. And also proposing a certain debate with Henri Meschonnic to question the passage of these languages to cinema; and hold the debate over the essays about Julio Bressane s films. Instead of analyzing scene by scene or to bring a reference movie, as occurs in most of the bibliography about the filmmaker, I propose a collation sequences taken from a decoupage panel. The criterion of this division is not what paintings, literature and music means but what they build in order to the tone and rhythm of translations of signs to the cinema. There is thus an approach less alien to the bressanean poetic which founds a concept and interrogates what may prove to be a cinema of transcreation / Objetivos: Analisar o cinema de Júlio Bressane como transcriação de signos da cultura, avaliando a interação entre três linguagens: pintura, literatura e música. O corpus compõe-se dos longas-metragens desde Brás Cubas (1985) até A Erva do Rato (2009). Voltando-se para quatro desses filmes como ponto de partida e depois percorrendo os demais, mira-se: a pintura, a partir de Filme de Amor (2003); a literatura, iniciando com Miramar (1997); e a música, desde O Mandarim (1995) e Dias de Nietzsche em Turim (2002). Bases Metodológicas: Foi escolhido como suporte de análise o conceito de transcriação elaborado por Haroldo de Campos. Num diálogo com Henri Meschonnic, problematizo a passagem dessas linguagens ao cinema; e situo o debate em relação aos ensaios sobre a trajetória artística de Júlio Bressane. Em vez da análise cena a cena ou de trazer um filme de referência, como ocorre na maior parte da bibliografia sobre o cineasta, proponho um cotejo de sequências retiradas a partir de uma decupagem. O critério dessa divisão não é o que pintura, literatura e música dizem, mas o que constroem no sentido de dar o tom e o ritmo das explorações tradutórias de signos para o cinema. Vislumbra-se assim uma abordagem menos alheia à poética bressaneana e, para fundar um conceito, interrogar o que pode vir a ser um cinema da transcriação

Em Júlio Bressane, artes plásticas e erotismo são dois dos principais elementos de uma constelação particular que inclui a literatura, o modernismo brasileiro, a canção popular e, é claro, o próprio cinema. Em Filme de amor (2003), Bressane coloca em pauta o corpo nu e a questão do olhar, em uma pesquisa estética ligada a uma tradição pictórica que vai do Renascimento italiano (Sandro Botticelli, Raphael Sanzio) e da pintura espanhola (Diego Velázquez, Francisco Goya) até o realismo (Gustave Courbet) e o surrealismo de Balthus - nome central para o longa de 2003 - passando pela psicanálise (Lacan). Para Bressane, \"cinema inocente\" pode referir-se tanto aos filmes eróticos do Primeiro Cinema quanto ao momento da história das formas cinematográficas em que, dada a falta de referências anteriores, tudo é invenção. Nesse sentido, liberdade formal e liberalidade comportamental aproximam-se para criar uma espécie de utopia, uma \"Arcádia\" pessoal idealizada por seu cinema - época \"inocente\" e mitológica, anterior ao homem provar da árvore do fruto do conhecimento. A questão da melancolia (Benjamin) será central para entender o cinema de Bressane, bem como a ideia da História como fragmento e ruína. / Painting and eroticism are two main elements in Júlio Bressane\'s own private constellation that also includes literature, Brazilian modernism, popular Brazilian music, and cinema itself. Filme de amor (2003) deals with the questions of the naked body and the gaze, and connects itself with a large tradition, from Italian Renascence (Sandro Botticelli, Raphael Sanzio) and Spanish painting (Diego Velázquez, Francisco Goya) to realism (Gustave Courbet) and Balthus\' surrealism - a main artist for the 2003 film. Besides all that, it touches psychoanalysis\' issues related to Lacan\'s theory. To Bressane, \"innocent cinema\" may refer to erotic films from Silent Cinema or to the moment in the history of film forms when, as there were no previous references, everything is an invention. So, both formal and sexual freedom came closer and creates some kind of utopia, an own personal \"Arcadia\" idealized by Bressane\'s films: an \"innocent\" and mythological age, previous to man has proved the forbidden fruit of knowledge. From Benjamin, the director learns the ideas of Melancholy and of History as fragment and doom.

Made available in DSpace on 2016-04-26T18:16:09Z (GMT). No. of bitstreams: 1 Iara H Magalhaes.pdf: 1225338 bytes, checksum: ea1a4ace24b813af850a8da1762a94c7 (MD5) Previous issue date: 2007-05-22 / Coordenação de Aperfeiçoamento de Pessoal de Nível Superior / This paper aims to study the compositional technique of cinema, researching the technique of creation of the movie São Jerônimo, by Júlio Bressane, based in the design of the time. São Jerônimo was constructed from a series of documents, readings, paintings, thesis that traverse between fascination for iconography linked to the saint and the immanence of the film construction. A process of translation of the process of translating. The focus of this research is the time. The time that arises from the emancipation of the movement through light and sound time in the cinematographic image and drama. This paper was based theoretically in two works by Gilles Deleuze The image-movement and The image-time. The study of the concept image-time time emancipated from movement as the original regime of imagine and sign of the modern cinema, made it possible for us to see, hear and feel the time in São Jerônimo. We also studied the Peircian semiotics, the principles of the filmic analysis, the role of the sound in the cinema, the theoretical production of Brazilian researchers on critique of movies and unpublished works about photography in the creation of films.The method used to do the reading of the film involved three stages: in the first we studied the qualities, the shapes, the codes and their materialization in the composition of the audio-visual images, observing the framing, decoupage, the movement of the camera, the montage and materialization of the rhythmical ideas and their interactions; in the second stage we investigated the audiovisual images as aesthetical objects through the image-time concept; in the third stage we analyised the disjunction between the visual and audio images of the movie.The analysis of São Jerônimo made us to come to the following conclusion: its images immobilized the visual and sound aspects. The sound tries to take the film out of the visual field framed in the screen, in a centrifugal movement, but it detains itself in several deviations, tending to the purity of sound, while the visual aspect rapidly drags us to territories of excess or shortage of light the desert and Rome in a centripetal movement that leads, however, to disconnected and decentralized places, resisting to the photo grams and the images in movement. São Jerônimo, design of a moving material that cuts the cinematographic plan and rearrange the cuts that present the time. Jerônimo, Bressane and Deleuze s intercessor / Esse trabalho destina-se a estudar a técnica composicional no cinema, pesquisando a técnica de criação do filme São Jerônimo, de Júlio Bressane, segundo um desenho do tempo. São Jerônimo foi construído a partir de uma série de documentos, leituras, pinturas, teses que transitam entre o fascínio pela iconografia ligada ao santo e a imanência do filme sendo realizado. Um processo de tradução do processo de traduzir. O foco dessa pesquisa é o tempo. O tempo que nasce da emancipação do movimento pela luz e pelo som. O tempo na imagem e no drama cinematográficos. Esse estudo orientou-se pelas obras A imagem-movimento e A imagem-tempo, de Gilles Deleuze. O estudo do conceito imagem-tempo, tempo emancipado do movimento, como o regime original das imagens e signos da modernidade do cinema, possibilitou-nos pensar as técnicas de ver, ouvir e sentir o tempo em São Jerônimo. Ancorando a pesquisa, estudamos a semiótica Peirciana, os fundamentos da análise fílmica, o papel do som no cinema, a produção teórica de pesquisadores brasileiros sobre análise e crítica de filmes, e trabalhos inéditos sobre a fotografia na criação de filmes. A análise da técnica de luteria do filme compreendeu três etapas: na primeira estudamos as qualidades, as formas, os códigos e suas materializações nas composições das imagens audiovisuais, observando os enquadramentos, as decupagens, os movimentos de câmera, as montagens e as materializações de idéias rítmicas e suas interações; na segunda etapa investigamos as imagens audiovisuais como objetos estéticos através do conceito imagem-tempo; e na terceira etapa estudamos a disjunção entre as imagens visuais e sonoras do filme. A análise de São Jerônimo nos conduziu a uma constatação: suas imagens imobilizam o visual e o sonoro. O sonoro ensaia levar o filme para fora do campo visual enquadrado na tela, num movimento centrífugo, mas se detém em diversos desvios, tendendo à pureza do próprio som; e o visual se apressa a tragar-nos para territórios fundados pelo excesso ou escassez de luz, o deserto e Roma, num movimento centrípeto, todavia para lugares desconexos e sem centros, resistindo aos fotogramas e às imagens em movimento. São Jerônimo, desenho de uma matéria movente a cortar os planos e re-encadeando os cortes a nos apresentar o tempo. Jerônimo intercessor de Bressane e de Deleuze