Made available in DSpace on 2016-04-26T18:16:02Z (GMT). No. of bitstreams: 1 Maira Cinthya Nascimento Ezequiel.pdf: 683377 bytes, checksum: f0d27e8c791fe6f4cea2b427509e9bf5 (MD5) Previous issue date: 2007-03-02 / This investigation searches for the effects of meaning resultants from the use of plasticity as a method for creating the visuality in the movie Barry Lyndon, by Stanley Kubrick (1975), and, at the same time, the intersemioticity that emerges from the blending of the aesthetic languages of cinema, painting and literature here involved. Concerning the methodology, it is based on a group of aesthetic and semiotic theories which include, especially, the model for analysis of meaning in visual arts proposed by Erwin Panofsky, the bonds between cinema and painting noted by Jacques Aumont, the concept of effect of realism such as formulated by Roland Barthes and of intersemiotic translation introduced by Roman Jakobson (and later redeveloped by Julio Plaza). The aim of this research is to follow the process of production of a realistic effect on the passages between one language and another. The hipothesis risen is that the strong sense of verosimilitude that results from the final product borrows its mode of installation from some of the eighteenth century realistic French painting. The choice of the movie is due to its stated visual exuberance as a result of a sophisticated dialogue established between the careful light capture and the rigorous use of pictorial references in correspondence with the historical time of the action, precisely the works Constable, Courbet, Corot and the so-called Barbizon Painters. Finally, Por fim, it drafts na approach between Kubrick s work and the idea of Modernity as thought by Baudelaire / O trabalho investiga os efeitos de sentido decorrentes do uso da plasticidade como método de construção da visualidade no filme Barry Lyndon, de Stanley Kubrick (1975), e, em paralelo, a intersemioticidade resultante do entrecruzamento das linguagens do cinema, da pintura e da literatura aí em jogo. Metodologicamente, ampara-se num conjunto de teorias estéticas e semióticas que envolvem, principalmente, o modelo de análise do significado nas artes visuais proposto por Erwin Panofsky, as aproximações entre o cinema e a pintura feitas por Jacques Aumont, o conceito de efeito de real tal como formulado por Roland Barthes e o de tradução intersemiótica introduzido por Roman Jakobson (e depois retomado por Julio Plaza). O objetivo da pesquisa é acompanhar o processo de produção de um efeito de real nas passagens entre uma e outra linguagem. A hipótese é que o forte efeito de verossimilhança que resulta deste filme toma emprestado da pintura realista francesa do século XVIII seu modo de se instalar. A escolha do filme deve-se à constatação de sua exuberância visual como resultado de um sofisticado diálogo estabelecido entre a minuciosa captação da luz e o rigor na utilização de referenciais pictóricos encontrados na pintura correspondente ao tempo da ação, mais precisamente nas obras de Constable, Courbet, Corot e dos Pintores de Barbizon. Por fim, esboça-se uma aproximação entre o trabalho de Kubrick e o que Baudelaire chamou de Modernidade

Made available in DSpace on 2016-04-26T18:16:09Z (GMT). No. of bitstreams: 1 Ines P Luz.pdf: 2544958 bytes, checksum: 2ca05868a11fb4a8d4906a5c488841b1 (MD5) Previous issue date: 2007-05-14 / Coordenação de Aperfeiçoamento de Pessoal de Nível Superior / The culture of the audiovisual has since 1980 been expanding as a circulating space for a set of old and new creative expressions. This movement promotes significant changes in the practices within the systems of signs and means, originating new formats whose compositions unveil the convergence of languages, regardless of the means which originate them and where they are inserted in. We start out from the hypothesis that the current Brazilian cinema is part of the audiovisual culture dynamics as a productive sphere where the hybridity of techniques and languages is predominant and, as a whole, the movement of feature films is not restricted to movie theater rooms, but rather flows through the space as a net, along with other audiovisual formats. The corpus of the research is formed by a few films made in Brazil between 1994/2004, resulting from the interaction cinema/TV and theater, and our objective was to survey the updating process of those expressions in their language compositions. Our method of analysis originates from the interlacing of the theories of I. Lotman (1996-1969), Jacques Aumont (2003, 2004), Noel Burch (1969), Gilles Deleuze (1990), M. McLuhan (1911-1980) and Umberto Eco (1987). Some of them point to languages as productions that are born from dialectical languages between the technical development and the cultural universe that shelters them, promoting the advances and ruptures of the systems of signs, from the aesthetics perspective and the knowledge production. Our research starts with some films shot by modern moviemakers, Orson Welles and Jean-Luc Godard, where we identify a thinking and a method on language interaction. We see how present they are in some contemporary formats created for the circulation in the TV medium. In the composition assessment of the film language of our corpus, we saw that they recreate the uniqueness of the systems of signs that originate them, mingling visual and audio references while the word is treated as a body where multiple expressions of literature, TV, comics, theater and songs are embedded. When making their sets visible, the films convey the creative process and one of the contemporary culture and thought perceptions, a writing that expands the dialogic thinking of cultural practices. The audiovisual formats configured by TV/cinema media to circulate in the network spaces bring in the pragmatic expression of the language, evidencing its extreme importance for the contemporary culture / A cultura do audiovisual desde 1980, tem se ampliado como espaço de circulação de um conjunto de expressões criativas antigas e novas. Esse movimento promove mudanças significativas nas práticas dentro dos sistemas de signos e meios, originando alguns formatos cujas composições revelam a convergência das linguagens, independente dos meios nos quais elas se originaram e estão inseridas. Partimos da hipótese de que o cinema brasileiro contemporâneo faz parte da dinâmica da cultura do audiovisual como uma esfera produtiva onde a hibridez de técnicas e linguagens é predominante, e no geral, o movimento dos filmes não se reduz às salas de cinema, mas passa pelo espaço em rede, junto com outros formatos audiovisuais. O corpus da pesquisa é constituído por alguns filmes produzidos no Brasil entre 1994/2004, resultados da interação cinema/TV e teatro e o nosso objetivo foi investigar o processo de atualização dessas expressões em suas composições de linguagens. O nosso método de análise tem origem no entrelaçamento de teorias de I. Lotman (1996-1969), Jacques Aumont (2003, 2004) Noel Burch (1969) Gilles Deleuze (1990), M. McLuhan (1980:220) e Umberto Eco (1987). Algumas delas apontam para as linguagens como produções que nascem das relações dialéticas entre o desenvolvimento técnico e o universo cultural que as abriga, promovendo os avanços e rupturas dos sistemas de signos, do ponto de vista estético e de produção de conhecimento. Nossa investigação tem início com alguns filmes dos cineastas modernos, Orson Welles e Jean-Luc Godard, onde localizamos um pensamento e um método sobre a interação de linguagens. Vimos como eles se encontram presentes em alguns formatos contemporâneos criados para circulação no médium TV. Na análise da composição das linguagens dos filmes do nosso corpus, vimos que elas recriam as singularidades dos sistemas de signos que lhes deram origem, misturam referências visuais e de áudio, e a palavra é tratada como um corpo onde se encontram embutidas várias expressões: literatura, TV, história em quadrinhos, teatro e canção. Ao fazer visível o conjunto delas, os filmes comunicam o processo criativo e uma das percepções e pensamento da cultura contemporânea, uma escritura que amplia o pensar dialógico das práticas culturais. Os formatos audiovisuais, configurados pelas mídias TV/cinema para circular nos espaços das redes, trazem a dimensão pragmática da linguagem, evidenciando a sua extrema relevância na cultura contempo

Made available in DSpace on 2016-04-26T18:17:36Z (GMT). No. of bitstreams: 1 Henrique Bartkevicius da Costa.pdf: 5181205 bytes, checksum: 3e41749c6437f5303bfb6b3ac0701900 (MD5) Previous issue date: 2008-12-19 / Contemporaneity is full of symbolic and imaginary products that can be called "surreal". In fact throughout the twentieth century surrealism extrapolated the sphere of the arts and left marks in many spheres of social behavior. This study aims to examine the gaze inaugurated by the film Un Chien Andalou, and investigate the relationship of certain cultural products with the unconscious. The approach is based on the surrealist movement, its meaning production techniques, its context and its historical vicissitudes, to understand in which way, and especially by means of which strategies, the "surreal" manifests itself in our everyday life. Based on the ideas of Giulio Carlo Argan and Elisabeth Roudinesco among others, this study investigates the context that gave rise to the movement. The theoretical work of André Breton and the psychoanalytic concepts of Jacques Lacan, a contemporary of Breton s, will contribute to a better understanding of the movement. An articulation is then made with Peirce´s semiotics to analyze surrealism, understood as a noun or as an adjective, specifically in the field of images. As regards the methodology used, a bibliographic review was carried out, followed by exercises in digital video after analyzing the decoupage of the sliced eye scene in the film Un Chien Andalou (1929), by Salvador Dalí and Luis Buñuel, which is considered a paradigm. The study also sought to link the sliced eye with the packed eye, the zombie eye, an eye-shaped candy found in shops in Brazilian large cities, which is a perfect example of the surrealist aesthetic assimilated to daily life / A contemporaneidade está repleta de produtos imaginários e simbólicos que podem ser chamados de surrealistas . De fato, ao longo do século XX o surrealismo extrapolou o âmbito da arte, e deixou marcas em diversas esferas do comportamento social. O presente estudo tem por objetivo analisar o olhar inaugurado pelo filme Um Cão Andaluz e, conseqüentemente, investigar as relações de alguns produtos culturais com o inconsciente. Na abordagem do tema, partimos do movimento surrealista, das suas técnicas de produção de sentido, do seu contexto histórico e de suas vicissitudes, para compreender de que forma, e principalmente por meio de quais estratégias, o surreal se manifesta no nosso dia-a-dia. Contamos com Giulio Carlo Argan e Elisabeth Roudinesco, entre outros, para investigar o contexto do surgimento do movimento. Para entendê-lo, passamos pelo edifício teórico de André Breton e pelos conceitos psicanalíticos de Jacques Lacan, contemporâneo ao anterior. A seguir, articulamos com a semiótica peirciana para analisar o surrealismo, entendido como substantivo ou como adjetivo, especificamente no campo das imagens. Do ponto de vista metodológico, realizaram-se pesquisas bibliográficas e exercícios em vídeo digital, depois da análise e decupagem da cena do olho cortado do filme Um Cão Andaluz (1929), de Salvador Dali e Luis Buñuel, considerado como paradigma. Outrossim, buscou-se relacionar o olho cortado com o olho embalado, o olho zumbi, uma guloseima em forma de olho, facilmente encontrada nos comércios das grandes metrópoles brasileiras, um exemplo perfeito da estética surrealista assimilada à vida cotidiana

Made available in DSpace on 2016-04-26T18:16:09Z (GMT). No. of bitstreams: 1 Iara H Magalhaes.pdf: 1225338 bytes, checksum: ea1a4ace24b813af850a8da1762a94c7 (MD5) Previous issue date: 2007-05-22 / Coordenação de Aperfeiçoamento de Pessoal de Nível Superior / This paper aims to study the compositional technique of cinema, researching the technique of creation of the movie São Jerônimo, by Júlio Bressane, based in the design of the time. São Jerônimo was constructed from a series of documents, readings, paintings, thesis that traverse between fascination for iconography linked to the saint and the immanence of the film construction. A process of translation of the process of translating. The focus of this research is the time. The time that arises from the emancipation of the movement through light and sound time in the cinematographic image and drama. This paper was based theoretically in two works by Gilles Deleuze The image-movement and The image-time. The study of the concept image-time time emancipated from movement as the original regime of imagine and sign of the modern cinema, made it possible for us to see, hear and feel the time in São Jerônimo. We also studied the Peircian semiotics, the principles of the filmic analysis, the role of the sound in the cinema, the theoretical production of Brazilian researchers on critique of movies and unpublished works about photography in the creation of films.The method used to do the reading of the film involved three stages: in the first we studied the qualities, the shapes, the codes and their materialization in the composition of the audio-visual images, observing the framing, decoupage, the movement of the camera, the montage and materialization of the rhythmical ideas and their interactions; in the second stage we investigated the audiovisual images as aesthetical objects through the image-time concept; in the third stage we analyised the disjunction between the visual and audio images of the movie.The analysis of São Jerônimo made us to come to the following conclusion: its images immobilized the visual and sound aspects. The sound tries to take the film out of the visual field framed in the screen, in a centrifugal movement, but it detains itself in several deviations, tending to the purity of sound, while the visual aspect rapidly drags us to territories of excess or shortage of light the desert and Rome in a centripetal movement that leads, however, to disconnected and decentralized places, resisting to the photo grams and the images in movement. São Jerônimo, design of a moving material that cuts the cinematographic plan and rearrange the cuts that present the time. Jerônimo, Bressane and Deleuze s intercessor / Esse trabalho destina-se a estudar a técnica composicional no cinema, pesquisando a técnica de criação do filme São Jerônimo, de Júlio Bressane, segundo um desenho do tempo. São Jerônimo foi construído a partir de uma série de documentos, leituras, pinturas, teses que transitam entre o fascínio pela iconografia ligada ao santo e a imanência do filme sendo realizado. Um processo de tradução do processo de traduzir. O foco dessa pesquisa é o tempo. O tempo que nasce da emancipação do movimento pela luz e pelo som. O tempo na imagem e no drama cinematográficos. Esse estudo orientou-se pelas obras A imagem-movimento e A imagem-tempo, de Gilles Deleuze. O estudo do conceito imagem-tempo, tempo emancipado do movimento, como o regime original das imagens e signos da modernidade do cinema, possibilitou-nos pensar as técnicas de ver, ouvir e sentir o tempo em São Jerônimo. Ancorando a pesquisa, estudamos a semiótica Peirciana, os fundamentos da análise fílmica, o papel do som no cinema, a produção teórica de pesquisadores brasileiros sobre análise e crítica de filmes, e trabalhos inéditos sobre a fotografia na criação de filmes. A análise da técnica de luteria do filme compreendeu três etapas: na primeira estudamos as qualidades, as formas, os códigos e suas materializações nas composições das imagens audiovisuais, observando os enquadramentos, as decupagens, os movimentos de câmera, as montagens e as materializações de idéias rítmicas e suas interações; na segunda etapa investigamos as imagens audiovisuais como objetos estéticos através do conceito imagem-tempo; e na terceira etapa estudamos a disjunção entre as imagens visuais e sonoras do filme. A análise de São Jerônimo nos conduziu a uma constatação: suas imagens imobilizam o visual e o sonoro. O sonoro ensaia levar o filme para fora do campo visual enquadrado na tela, num movimento centrífugo, mas se detém em diversos desvios, tendendo à pureza do próprio som; e o visual se apressa a tragar-nos para territórios fundados pelo excesso ou escassez de luz, o deserto e Roma, num movimento centrípeto, todavia para lugares desconexos e sem centros, resistindo aos fotogramas e às imagens em movimento. São Jerônimo, desenho de uma matéria movente a cortar os planos e re-encadeando os cortes a nos apresentar o tempo. Jerônimo intercessor de Bressane e de Deleuze

Made available in DSpace on 2016-04-26T18:16:20Z (GMT). No. of bitstreams: 1 Alessandro Flaviano de Souza.pdf: 11578053 bytes, checksum: 6debccd2bf15e7b51f186586f99fc0f7 (MD5) Previous issue date: 2007-05-07 / The dissertation studies the digital effect and its performance in sincretics joints in the felt production of the audiovisual while significant of the expression. The study object is analysed in the Constantine film directed by Francis Lawrence, in 2005, like participate with other significant in the inter-semiotic way of the cinema, an audiovisual system, and of the Novel Magazine Hellblazer, a verb-visual printed system matter. The film counts the story of a antihero John Constantine how is a occultist and exorcist wizard capable to slide of the world of the men for the hell thanks for-normal gift skill with which he was born. The majority of the actors of the film, including proper it, acts alongside with the digital effect to fulfill its narrative program. To study this constituent of the film implies to treat it in the digital topology that organizes it from the way as the enunciater manifests to the one how receives the enunciated in an aesthetic arrangement of the expression mounted for strategies of articulation of the audiovisual. The digital effect operate as fruits of the plan of the sincretic expression of the audiovisual and, as a type of actors of the speech that it commands in the spaciality, the temporality and the actoriality, the significant movie constituent: audio and the visual; it materialize in the filmic space background with depth, perspective, third dimension, of which the one how receives the enunciated is installed text to integrate the tram. The semiotics developed around Algirdas Julien Greimas and its collaborators, theoretician and methodology skills, bases this construction of the meaning of the digital effect in the filmic text / A dissertação estuda o efeito digital e sua atuação em articulações sincréticas na produção de sentido do audiovisual enquanto significantes do plano da expressão. O objeto de estudo é analisado no filme Constantine dirigido por Francis Lawrence, em 2005, como resultado de uma produção intersemiótica do cinema, um sistema audiovisual, e da HQ Hellblazer, um sistema verbo-visual impresso de significação. O filme conta a estória de um anti-herói chamado John Constantine que é um mago ocultista e exorcista capaz de deslizar do mundo dos homens para o inferno graças a um dom para-normal com o qual nasceu. A maioria dos actantes do filme, incluindo ele próprio, contracena com os efeitos digitais para cumprir o seu programa narrativo. Estudar esse formante do discurso implica em tratá-lo na topologização do digital organizado a partir do modo como o enunciador os manifesta ao enunciatário em um arranjo estético da expressão montada por estratégias de enunciação do audiovisual. O efeito digital opera como fruto do plano da expressão sincrética do audiovisual e, também, como um tipo de actante do discurso que ordena na espacialidade, na temporalidade e na actorialidade, os significantes constituintes do sistema cinematográfico: o áudio e o visual; concretiza no espaço fílmico ambientações com profundidade, perspectiva, terceira dimensão, através dos quais o enunciatário é instalado na trama. A semiótica desenvolvida em torno dos estudos de Algirdas Julien Greimas e seus colaboradores, teórica e metodologicamente, fundamenta essa construção da significação do efeito digital no texto fílmico

Made available in DSpace on 2016-04-26T18:16:54Z (GMT). No. of bitstreams: 1 Gicelma da Fonseca Chacarosqui Torchi.pdf: 2845002 bytes, checksum: 6212b8bb3bbf1187427230cc682d683b (MD5) Previous issue date: 2008-03-27 / Conselho Nacional de Desenvolvimento Científico e Tecnológico / The aim of this research is the study of the intersemiotics translations made by the filmic work of Joel Pizzini Caramujo-flor(Clam-flower) re(reading) the verbal and visual signs that are interlaced in the construction of the poetic text of Manoel de Barros´s work Gramática Expositiva do Chão-Poesia quase toda. We started from the problem that the semiotics relationships between the poetic of Manoel de Barros and the film Caramujo-flor (Clam-flower) constitute what we can call Movies of Poetry. Therefore, our aim is to analyze the film and the poems that make it, in a correlating way, to prove the raised problem. This analysis was developed around three significant axes: the metaphor of the mosaic that translates the intersemiotics relationships; the fictional imaginary and its presence in culture, going through the Baroque and the eroticism of the poetic word and its recreation in the filmic object; finally, how the proliferous relationship of the intertextual, metalinguistic and hybridization elements influence the semiotic-cultural mediations accomplished by the medias, especially the movies. We articulated, therefore, as first hypothesis, that Clam-flower, when proposing a new look on the appealing narrative structures of the independent movies, enrolls in what Buñuel and Pasolini call Movies of Poetry . As a methodological approach, we will use the necessary bibliographical research instead of the analysis of the procedures on the construction of the studied works. Based on the authors that study movies and in the translating theories between semiotics and movies, joined to Joel Pizzini's and Manoel de Barros bibliographies. The based theory is the semiotics of lotmaniana root, in which the dialogue among the cultural compounds permeates the frontier zones of the arts, promoting generating spaces of sense that move dynamically. Concerning movies, we will use the theories of Eisenstein, Pasolini and Buñuel. In order to elucidate the questions concerning the Baroque, we will read Sarduy and Haroldo de Campos. We also point out authors as Paul Zumthor, who works with the performance specification of the oral language. We also go through the translation theorists (from Benjamin to the concretes) along with those of the miscegenation (Laplantine, Gruzinski, Amálio Pinheiro, etc) / O objeto desta pesquisa é o estudo das traduções intersemióticas feitas pela obra fílmica de Joel Pizzini Caramujo-flor ao re(ler)os signos verbais e visuais que se entrelaçam na construção do texto poético de Manoel de Barros na obra Gramática Expositiva do Chão-Poesia quase toda. Partimos do problema de que as relações semióticas entre a poética de Manoel de Barros e o filme Caramujo-flor constitui o que podemos chamar de Cinema de Poesia. Nosso objetivo portanto é analisar o filme e os poemas que o constituem, de maneira correlacional, para comprovarmos o problema levantado. Análise esta desenvolvida em torno de três eixos de significação: a metáfora do mosaico que traduz as relações intersemióticas; o imaginário ficcional e sua presentificação na cultura, perpassando pelo barroco e pelo erotismo da palavra poética e sua recriação no objeto fílmico; por fim, como a relação prolífera dos elementos intertextuais, metalingüísticos e de hibridação influenciam as mediações semiótico-culturais realizadas pelas mídias, especialmente o cinema. Articulamos, portanto, como hipótese primeira que Caramujo-flor, ao propor um novo olhar sobre as estruturas narrativas recorrentes do cinema independente se inscreve no que Buñuel e Pasolini chamam de Cinema de Poesia . Como procedimento metodológico usaremos a pesquisa bibliográfica necessária à análise dos procedimentos de construção das obras estudadas. Fundamentando-nos nos autores que estudam cinema e nas teorias tradutórias entre semiótica e cinema, agregados as bibliografias de Joel Pizzini e Manoel de Barros. A teoria base é a semiótica de raiz lotmaniana, segundo a qual o diálogo entre os complexos culturais permeia as zonas fronteiriças das artes, promovendo espaços geradores de sentido que se movem dinamicamente. Sobre cinema lançaremos mão das teorias de Eisenstein, Pasolini e Buñuel. Para elucidar as questões referentes ao barroco leremos Sarduy e Haroldo de Campos. Ressaltamos ainda autores como Paul Zumthor, que trabalham a especificidade performática da linguagem oral. Perpassamos também pelos teóricos da tradução (desde Benjamin aos concretos) em conjunção com os da mestiçagem (Laplantine, Gruzinski, Amálio Pinheiro etc)

Made available in DSpace on 2016-04-26T18:17:17Z (GMT). No. of bitstreams: 1 Iralene Silva Araujo.pdf: 758728 bytes, checksum: ea0a247750f0e5753e5c74b7ecf01c4e (MD5) Previous issue date: 2008-07-01 / This Master s dissertation discusses the cultural role of documentary films in contemporary society, characterized by an overwhelming number of symbolic goods in various mediatic devices and supports. The hypothesis formulated here considers that the augmented supply of these goods has not come with an equivalent optimization of the quality of representations and conditions of access to disseminated contents. This leads to a form of sociocultural exclusion of the spectator who, unfamiliar with more complex productions or confused in front of the screen, finds it difficult to reflect on the meaning of the representations in circulation and to transit safely through this cultural context on an equal footing with whose who have access to and mastery over current codes and conventions. This situation leads to the following question: what qualities does the documentary film encompass and what cultural role does it effectively play amid today s mediatic saturation? Based on a research methodology underpinned by bibliographic reviews, theoretical and epistemological reflections, and analyses of documentaries, the proposed question presupposes an understanding of the sociocultural statute of the fruition of the aforementioned cinematographic genre. The answers to it are given in the light of philosophy (Arthur Schopenhauer, Ernst Fischer and Olgária Matos), of a critique of the communications media (John B. Thompson, Nestor Garcia Canclini and Paul Virilio), of semiotics (Charles S. Peirce), of etiology (Boris Cyrulnik), and of cinema theory (Sergei Eisenstein, Jacques Aumont and Bill Nichols), among other references. This theoretical picture enables us to see the documentary film as a medium and an art, with an attractive narrative that mobilizes cognitive articulations and critical formulations for the spectator / A presente Dissertação de Mestrado tem como objeto de estudo o papel cultural do documentário de cinema na sociedade contemporânea, caracterizada por uma vertiginosa quantidade de bens simbólicos em diversos dispositivos e suportes midiáticos. A hipótese formulada considera que o aumento na oferta desses bens não se fez acompanhar por equivalente otimização da qualidade das representações e condições de acesso aos conteúdos veiculados, resultando numa forma de exclusão sociocultural daquele espectador que, privado de intimidade com produções mais complexas ou disperso diante das telas, encontra dificuldade para refletir sobre os sentidos das representações em circulação e para transitar de maneira segura nesse contexto cultural, em igualdade de condições com aqueles que têm acesso e dominam os códigos e convenções vigentes. Em razão de tal quadro, questiona-se: quais qualidades o documentário de cinema porta e que papel cultural ele pode eficazmente desempenhar em meio à saturação mediática atual? Com base em metodologia de pesquisa embasada em levantamento e revisão bibliográficos, reflexão teórica e epistemológica, e análise de documentários, a questão proposta pressupôs a compreensão do estatuto sociocultural da fruição do referido gênero cinematográfico; e as respostas a ela se fez à luz da filosofia (Arthur Schopenhauer, Ernst Fischer e Olgária Matos), da crítica aos meios de comunicação (John B. Thompson, Nestor Garcia Canclini e Paul Virilio), da semiótica (Charles S. Peirce), da etologia (Boris Cyrulnik) e da teoria do cinema (Sergei Eisenstein, Jacques Aumont e Bill Nichols), entre outros referenciais. Esse quadro teórico permitiu entender o documentário de cinema como mídia e como arte, com narrativa atraente e mobilizadora de articulações cognitivas e de formulações críticas para o espectador

Made available in DSpace on 2016-04-26T18:16:07Z (GMT). No. of bitstreams: 1 TESE_JALLAGEAS_N_03_2007.pdf: 18626663 bytes, checksum: a452b4a7a6bcac319bef2614c7d9770e (MD5) Previous issue date: 2007-05-07 / Conselho Nacional de Desenvolvimento Científico e Tecnológico / This thesis proposes to study the strategies of construction of the Russian (Soviet) filmmaker Andriêi Arsiénievitch Tarkóvski, establishing as the scope of the analysis the seven full-length features he made between 1962 and 1986. The central hypothesis is that the Tarkovskian cinematic works were made through the articulation of procedures inherent to the world view model organized through an reverse perspective, an articulation which opened possibilities for aesthetic experimentations associated to the predominant model, organized by the linear perspective. The underlying hypothesis is that the construction strategies in Tarkóvsky s cinema present themselves as a form o resistance to the Soviet cannons of arts and communication. The primary objective is to understand how these world view models connect with the visible world to produce visual messages and in which way such models problematize the concept of realism in the Arts and one of its derivatives, the Socialist Realism. The secondary objective is to discuss the procedures that intersect in time and space in distinct constructions: the Russian Avant-Gardes, medieval painting and Andriêi Tarkóvski s cinema. The final objective is to demonstrate how associative models dynamized the construction of this cinema through the use of the reverse perspective as a procedure, counterposing itself to the cannons established by the Socialist Realism. The theoretical basis of this research lies on the studies of the dialogical processes realized by the Russian theorist Mikhail Bakhtin, especially regarding his concepts of Small and Great Time, Chronotopy and Active Comprehension, in dialog with the manifests and writings of the Russian Avant- Gardes, taking mainly into perspective the conceptual field worked by the Russian thinker Pável Floriênski concerning the Reverse Perspective, and with the thoughts of Gilles Deleuze about the Ritornello. Methodologically, sequences of the seven fulllength features are selected in light of the concepts in which this work is based on. From these sequences the paradigms that trigger the association between the world view models have been highlighted: the potential lines that connect spaces; the formation of multiple centers and the densening of the centres or chronotopical extracts. Finally, this study stands out as it contributes to the problematization of guiding models of the totalitarian aesthetics that direct artistic and communicational creation and others, that direct strategies that aim at resisting artistic and communicational totalitarianism nowadays / Essa tese propõe estudar estratégias de construção no cinema do cineasta russo (soviético) Andriêi Arsiénievitch Tarkóvski, estabelecendo o campo de análise nos sete longas-metragens realizados por ele entre 1962 e 1986. A hipótese central é que a obra cinematográfica tarkóvskiana se fez, a partir da articulação de procedimentos inerentes ao modelo de visão de mundo organizado pela perspectiva inversa, articulação essa que abriu possibilidades para experimentações estéticas associativas ao modelo predominante, organizado pela perspectiva linear. A hipótese subjacente é que as estratégias de construção do cinema de Tarkóvski configuram-se como resistência aos cânones da arte e da comunicação soviéticas. Objetiva-se compreender, primeiramente, como esses modelos de visão de mundo se conectam com o mundo visível para produzirem mensagens visuais e de que forma tais modelos problematizam o conceito de realismo nas artes e seus derivados, o Realismo Socialista. Em seguida, pretende-se identificar e discutir os procedimentos que se intersectam no tempo e no espaço nas seguintes construções distintas: Vanguardas Russas, pintura de ícones medieval e cinema de Andriêi Tarkóvski. Finalmente, demonstrar como modelos associativos dinamizaram a construção desse cinema através do uso da perspectiva inversa como procedimento, contrapondo-se aos cânones estabelecidos pelo Realismo Socialista. Elege-se como campo teórico, o conjunto de estudos dos processos dialógicos na arte realizados pelo teórico russo Mikhail Bakhtin, principalmente os conceitos de Pequeno e Grande Tempo, Cronotopia e Compreensão Ativa, em diálogo com os manifestos e escritos das Vanguardas Russas, privilegiando-se o campo conceitual trabalhado pelo pensador russo Pável Floriênski acerca da Perspectiva Inversa e ainda com o pensamento de Gilles Deleuze sobre o Ritornelo. Metodologicamente são selecionadas seqüências dos sete longas-metragens à luz dos conceitos que embasam esse trabalho. Dessas seqüências destacam-se os paradigmas que desencadeiam a associação entre os modelos de visão de mundo: as linhas potenciais conectivas de espaços; formação de centros múltiplos e o adensamento dos centros ou extratos cronotópicos. Por fim esse estudo distingue-se por contribuir para a problematização de modelos norteadores da criação artística e comunicacional da estética totalitária e outros, que norteiam estratégias que buscam resistir ao totalitarismo artístico e comunicacional na contemporaneidade

Made available in DSpace on 2016-04-26T18:16:08Z (GMT). No. of bitstreams: 1 Arthur M S Neto.pdf: 3667102 bytes, checksum: fff2b7c5390f256c23e6d208e3c8320d (MD5) Previous issue date: 2007-05-10 / The present study investigates the construction of effects of sense of justice in Hollywood movies, more specifically those that have as main plot courtroom trials. The relevance of the work surfaces from the influence that the cultural production, directed towards the mass exerts has in the setting of ideologies and the maintenance of the legal institutions as source of coordination of the conviviality in society. Through the analysis of the simulacrum of judgments personified in the films and it focus on the tension between justice and law, the work reconstructs the different impressions of reality produced by our senses and discuss how the reception of this effect of sense of justice is made by the spectator. Considering that the central problematic of the work was the analysis of the sense produced in the films, it was proved that the methodology of the gerative course of sense based on the Discursive Semiotics from Algirdas Julien Greimas and its collaborators, would be of great use as a source for our investigation process. We privilege as selected corpus, the deconstruction of the films, displaying sequences that summarized the essence of all the sense of the text, those were occur the description of the legal facts in ponder and its developments until the outcome of the workmanship. The selection and cuts of the research corpus uses as parameters: the similarity of themes between the pictures, corroborating with the proposal of scientific interdisciplinary; the production s reach (public); the model of construction; the explicit invariable aspects and dissimilarities in the discursive level between the films. For this reason, the searched corpus is composed by the films A Few Good Men (Questão de Honra, 1992), And Justice for All (Justiça para Todos, 1979) and Primal Fear (Duas Faces de um Crime, 1996), Sacco e Vanzetti (Sacco e Vanzetti, 1971). By the film analyses, for the effect of sense of justice, the category of just must became a evidence of the truth inside the legal procedure. Moreover, it was observed that, independent of the effect of sense of justice enunciated in the basic level, the values that the social ordinance always keeps are gifts / O presente estudo investiga a construção de efeitos de sentido de justiça nos filmes hollywoodianos com temática de julgamento. A relevância do trabalho surge da influência que a produção cultural voltada para a massa exerce na fixação de ideologias e na manutenção das instituições jurídicas como fonte de coordenação do convívio em sociedade. A partir do simulacro de julgamentos reproduzidos pelos filmes, focando na tensão entre justiça e direito, o trabalho revela a construção das diferentes impressões de realidade produzidas pelos nossos sentidos, discutindo como se dá a recepção desses efeitos de sentido de justiça. Uma vez que a problemática central do trabalho foi a análise da produção de sentido nos filmes, evidenciouse a necessidade de se estudar o percurso gerativo de sentido. Assim, a pesquisa teve como fundamento o arcabouço teórico e metodológico da Semiótica Discursiva, proposto por Algirdas Julien Greimas e seus colaboradores. Privilegiamos neste estudo, para a análise do corpus selecionado, a desconstrução dos filmes, elencando a sequência fílmica que resumisse a essência do todo de sentido do texto, aquela em que se tem uma descrição dos fatos jurídicos em discussão e seu desenvolvimento até o desfecho da obra. A seleção e recorte do corpus de pesquisa teve como parâmetros: a temática semelhante entre os filmes, corroborando com a proposta de interdisciplinariedade científica; o alcance da produção; o modelo de construção; as invariantes e dessemelhanças explícitas no nível discursivo entre os filmes. Dessa forma, o corpus pesquisado compreende os filmes Questão de honra (A Few Good Men, 1992), Justiça para todos (... And Justice for All, 1979) e Duas faces de um crime (Primal Fear, 1996) Hollywood e Sacco e Vanzetti (Sacco e Vanzetti, 1971). Por meio das análises fílmicas, atestou-se que, para o efeito de sentido de justiça, o justo deve estar ligado à evidência da verdade dentro do procedimento legal. Além disso, observou-se que, independente do efeito de sentido de justiça enunciado, no nível fundamental os valores que mantém a ordenação social sempre estão presentes