Made available in DSpace on 2016-12-08T17:06:42Z (GMT). No. of bitstreams: 1 112513.pdf: 19011036 bytes, checksum: d17ef97dfa0eb821754cbb24b43940a4 (MD5) Previous issue date: 2013-04-03 / Coordenação de Aperfeiçoamento de Pessoal de Nível Superior / Nos séculos XVII e XVIII os clavecinistes utilizaram características composicionais do alaúde para gerar uma linguagem própria para o cravo, explorando e criando novas possibilidades de composição que se perpetuaram de geração em geração, ampliando e inovando o repertório do instrumento. Por meio de compositores como Jean-Joseph Cassanéa de Mondonville (1711-1772) e Jean-Philippe Rameau (1683-1764) estabeleceu-se um novo tipo de escrita para cravo obbligato que permitiu que o instrumento obtivesse destaque maior em um ensemble, compartilhando muitas vezes a função de solista junto com outros instrumentos melódicos. A partir das publicações dos compositores mencionados, seguiram-se inúmeras obras para cravo obbligato acompanhado de outro instrumento. Neste trabalho é apresentada uma reflexão sobre essa mudança de escrita cravística principalmente a partir das Pièces de Clavecin en Concert de Jean-Philippe Rameau, publicadas em 1741, e é realizada uma breve contextualização sobre características composicionais do alaúde para um melhor entendimento da tradição da linguagem do cravo.

Made available in DSpace on 2016-12-08T17:06:43Z (GMT). No. of bitstreams: 1 113291.pdf: 7552729 bytes, checksum: 4c68248498366bb48a37372ab06ded38 (MD5) Previous issue date: 2013-03-28 / Coordenação de Aperfeiçoamento de Pessoal de Nível Superior / This dissertation analyzes the cycle "light and shadow" of the brazilian composer Harry Crowl (1958) comprising the works: Na Perfurada Luz em Plano Austero (1992-93); Umbrae et Lumen (1993); Lumen de Lumine (1997) e No Silêncio das Noites Estreladas (1998); Aetherius (2002); E que Sejam Luminárias, no Céufogoágua (2004) e Tenebrae et Stellae (2005). The goal was to relate musical structures to phenomena of light and shadow that inspired these works, as well as aesthetically and historically situate the resources involved in this representation. The work of Harry Crowl makes a strong allusion to the visible with a musical language that is the synthesis of several references. First, its language is contextualized within postmodernism front of the most striking features of concert music in the second half of the century. In a second moment, considerations ball visible in music brings relationships between sound, color, light and texture. Subsequently, a survey on musical representation of light and shadow throughout history shows strategies used by other composers. Finally, through interviews with the composer, a study on the genesis of the cycle in question works and musical analysis with emphasis on texture attempts to uncover the structures involved in the musical depiction of light and shadow. / Este trabalho analisa o ciclo ¿luz e sombra¿ do compositor brasileiro Harry Crowl (1958) formado pelas obras: Na Perfurada Luz em Plano Austero (1992-93); Umbrae et Lumen (1993); Lumen de Lumine (1997); No Silêncio das Noites Estreladas (1998); Aetherius (2002); E que Sejam Luminárias, no Céufogoágua (2004) e Tenebrae et Stellae (2005). O objetivo foi relacionar estruturas musicais aos fenômenos de luz e sombra que inspiraram estas obras bem como situar historicamente e esteticamente os recursos envolvidos nesta representação. A obra de Harry Crowl faz uma forte alusão ao visível com uma linguagem musical que é síntese de várias referências. Primeiramente, sua linguagem é contextualizada dentro do pós-modernismo frente às características mais marcantes da música de concerto na segunda metade do século XXI. Em um segundo momento, considerações sobre a esfera do visível em música traz relações entre som, cor, luz e textura. Posteriormente, um levantamento sobre a representação musical de luz e sombra ao longo da história mostra estratégias utilizadas por outros compositores. Finalmente, mediante entrevista com o compositor, um estudo sobre a gênese das obras do ciclo em questão e análise musical com ênfase na textura procura desvendar as estruturas musicais envolvidas na representação de luz e sombra.

Made available in DSpace on 2016-12-08T17:06:43Z (GMT). No. of bitstreams: 1 113293.pdf: 4279175 bytes, checksum: 99074e93a492905b29913823c53fe188 (MD5) Previous issue date: 2013-04-03 / Coordenação de Aperfeiçoamento de Pessoal de Nível Superior / Arquivo protegido

Made available in DSpace on 2016-12-08T17:06:44Z (GMT). No. of bitstreams: 1 115727.pdf: 1759395 bytes, checksum: 31fd1d6a4208eba98008634894930f68 (MD5) Previous issue date: 2014-03-26 / Coordenação de Aperfeiçoamento de Pessoal de Nível Superior / The educational legislation, specially the one which demands the music education in schools, and the inclusive education are polemic subjects and invite for the reflexion of processes about musical and inclusive education inside the classroom and the teacher training. This present research then has the aim at investigating the dimensions of musical practice of a main teacher in a beginning class of primary school at a Waldorf School, in an inclusive context. It was also tried to identify the knowledge construction and how they are arranged in the pedagogical practice of this teacher, her conceptions about inclusive education and the music practice, describing which methodological strategies are used by this teacher. The chosen method was the case study in a qualitative approach. The Anabá Waldorf School in Florinanópolis/SC was set to be the case unit. The data was collected through interactive observations, semi structured interviews and the analysis of documents. The theoretical reference is divided in two parts. About the repertory of teaching knowledge it is based on the plurality of knowledge of Gauthier (et al., 2006), and in the epistemology of the teaching practice of Tardif (2008). Other writers such as Nóvoa (2009), Azevedo (2007), Pimenta (2002), Rios (2002) and Borges (2001) also extend the conceptions about competence and ability of the teacher. About the Waldorf Education it is based on the worldview of Rudolf Steiner (2013; 2007; 1996; 1990; 1988; 1986;1974). In the understanding of the child development stages it is based on Lievegoed (1996;1991) and in the indications of method and curriculum by Federação das Escolas Waldorf no Brasil (FEWB, 2010; 2007; 1999). The data analysis was built from the categories of teacher knowledge and the Waldorf Pedagogy and the musical and inclusive pedagogical practices. Each thematic axis implies the dimension of the musical education practiced in the rhythm circles, once the investigated teacher is the main teacher of the class and is not specialized in music. The results highlight the importance of participation and awareness of the whole school community in the appreciation and support of cognitive, social and human development, once the study permeated the inclusion inside the classroom. The principles of Waldorf Pedagogy in its qualitative way of evaluation, with the same teacher carrying the class for the following years and the interdisciplinary cooperation can contribute for the musical and inclusive development. The attendance of the pedagogical practices of the investigated teacher highlighted the importance of these knowledge acquired through the teacher performance and the importance of these in the inclusion of disabled students with their classmates, specially in the moments of musical practice. / A legislação educacional, em especial a que traz a obrigatoriedade do ensino de música nas escolas e a educação inclusiva são temas polêmicos e que instigam reflexões sobre os processos de educação inclusiva e musical em sala de aula e o preparo dos professores. A presente pesquisa se propôs então a investigar as dimensões das práticas musicais de uma professora de classe de série inicial do ensino fundamental de uma escola Waldorf, em contexto inclusivo. Buscou-se também identificar a construção dos saberes e como os mesmos são mobilizados na prática pedagógica desta professora, suas concepções sobre a educação inclusiva e o fazer musical, descrevendo quais estratégias metodológicas são utilizadas por esta professora. O método escolhido foi o estudo de caso, numa abordagem qualitativa. Como unidade de caso foi escolhida a Escola Waldorf Anabá de Florianópolis/SC. Os dados foram coletados através de observações participantes, entrevistas semiestruturadas e análise de documentos. O referencial teórico está dividido em duas partes. Sobre o repertório de conhecimento docente está fundamentado na pluralidade de saberes de Gauthier (et al., 2006) e na epistemologia da prática docente de Tardif (2008). Outros autores como Nóvoa (2009), Azevedo (2007), Pimenta (2002), Rios (2002) e Borges (2001) também ampliam as concepções sobre competência e habilidades do professor. Sobre a pedagogia Waldorf está fundamentado na cosmovisão de Rudolf Steiner (2013; 2007; 1996; 1990; 1988; 1986; 1974). No entendimento sobre etapas de desenvolvimento da criança fundamentado em Lievegoed (1996; 1991) e nas indicações de metodologia e currículo na Federação das Escolas Waldorf no Brasil (FEWB, 2010; 2007; 1999). A análise dos dados foi construída a partir das categorias dos saberes docentes, a pedagogia Waldorf e as práticas pedagógicas inclusivas e musicais. Cada eixo temático envolve a dimensão da educação musical praticada nas rodas rítmicas, uma vez que a professora investigada é a professora de classe da turma e não especialista em música. Os resultados evidenciam a importância da participação e tomada de consciência de toda a comunidade escolar na valorização e apoio ao desenvolvimento cognitivo, social e humano, já que o estudo permeou a inclusão em sala de aula. Os princípios da pedagogia Waldorf da sua maneira qualitativa de avaliação, acompanhamento do mesmo professor em anos sequentes e cooperação interdisciplinar podem contribuir para o desenvolvimento musical e inclusivo. O acompanhamento das práticas pedagógicas da professora investigada evidenciou a importância desses saberes adquiridos ao longo da atuação docente e a importância destes na inclusão de alunos com deficiências com os outros colegas, principalmente nos momentos de atividade musical.

Made available in DSpace on 2016-12-08T17:06:45Z (GMT). No. of bitstreams: 1 115847.pdf: 25635272 bytes, checksum: 1ec634734e012e50e7ca3a2cc9bc6e54 (MD5) Previous issue date: 2013-09-30 / Coordenação de Aperfeiçoamento de Pessoal de Nível Superior / This dissertation presents an organological study of the drum set, including the key musical contexts which had representativity for their creation, the aesthetic transformations present in the process and the development of a standardized and commercially widespread configuration, wich has reflected in the physical identity of the acoustic drum until the present day. Among the several musical contexts in which the instrument gained performance space, the Brazilian instrumental music represents a fertile field of the use of concepts and techniques developed in the drum set and also the of adaptation of ancient percussive practices that have printed rhythms and musical genres coined in Brazil. To identify some of the elements that situate musical traits of the drum set in Brazilian instrumental music, we opted for a study on the drum set performance of Marcio Bahia, from the Hermeto and Group. In this sense, are addressed historical and biographical clippings, interviews and musical analyzes that reveal the features that constitute the performance of Marcio Bahia and, consequently, elements that integrate a drum set language expressed in the investigated context of the Brazilian instrumental music. / Este trabalho apresenta um estudo organológico da bateria que inclui os principais contextos musicais que tiveram representatividade para o seu surgimento, suas transformações estéticas presentes neste processo e no desenvolvimento de uma configuração padronizada e difundida comercialmente, que tem refletido na identidade física da bateria acústica até a atualidade. Entre os diversos contextos musicais nos quais o instrumento conquistou espaço de atuação, a música instrumental brasileira representa um campo fértil do uso de concepções e técnicas desenvolvidas na bateria e também da adaptação de práticas percussivas ancestrais que imprimiram os ritmos e gêneros musicais cunhados no Brasil. Para identificar alguns dos elementos que situam traços musicais da bateria na musica instrumental brasileira, optou-se por um estudo sobre a performance na bateria de Marcio Bahia no Hermeto e Grupo. Neste sentido, são abordados recortes históricos e biográficos, depoimentos e análises musicais, que revelam as características que constituem a performance de Marcio Bahia e consequentemente elementos que integram uma linguagem de bateria expressa no contexto investigado da música instrumental brasileira.

Made available in DSpace on 2016-12-08T17:06:46Z (GMT). No. of bitstreams: 1 122535.pdf: 907444 bytes, checksum: 8f84684598cd50937027de0059b618a1 (MD5) Previous issue date: 2015-03-27 / Coordenação de Aperfeiçoamento de Pessoal de Nível Superior / arquivo bloqueado para cópia

Made available in DSpace on 2016-12-08T17:06:47Z (GMT). No. of bitstreams: 1 122564.pdf: 8857910 bytes, checksum: 376b761992f61fa66db33e2b59df2bcb (MD5) Previous issue date: 2015-03-26 / Coordenação de Aperfeiçoamento de Pessoal de Nível Superior / Esta pesquisa tem como tema principal a relação da Bossa Nova com Recife, capital pernambucana, nos anos 1959 a 1969 (período em que a Bossa Nova surgiu e se disseminou de forma mais intensa), sendo Recife o terceiro centro urbano mais populoso do país à época. Tem como objetivos compreender como se deu essa relação, numa cidade tão distante do eixo Rio/São Paulo (onde a Bossa Nova foi propagada como uma revolução jovem e intrinsicamente ligada ao Rio de Janeiro e àquela sociedade da zona sul carioca). Como Recife, tão ligada às tradições do Frevo e do Maracatu absorveu a onda bossanovista e de que forma essa relação se manifestou, inclusive no processo de surgimento do que viria se chamar de música Bossa Nova. Foram consultados os dois principais jornais da cidade (e do estado de Pernambuco) no período acima citado, além de capas e contra capas de discos produzidos na época, principalmente os da extinta gravadora pernambucana de discos: a Rozenblit, que possuía alcance nacional à época. Também são apresentados trechos de entrevistas e depoimentos de músicos, artistas e atores envolvidos no cenário artístico intelectual da cidade à época, com ênfase no fato de que em 1960 eram inauguradas duas emissoras de televisão na cidade, com aparelhagens consideradas ―supermodernas‖ e um alcance interestadual (e até internacional), que transmitiam programação musical com a presença de auditório e de calouros, como por exemplo, um, denominado Clube da Bossa, composto exclusivamente de jovens amadores da Bossa Nova que cantavam exclusivamente ao som de violões. A pesquisa demonstra que houve uma relação: Recife Bossa Nova agentes locais e que essa relação afetou a produção musical local no recorte temporal aqui proposto e trouxe reflexos que podem ser percebidos nos anos subsequentes e ainda nos dias de hoje.

Made available in DSpace on 2016-12-08T17:06:47Z (GMT). No. of bitstreams: 1 122572.pdf: 2024977 bytes, checksum: 267e2777a9a8b05edb914df323b9131e (MD5) Previous issue date: 2015-03-27 / Coordenação de Aperfeiçoamento de Pessoal de Nível Superior / O presente trabalho é um estudo etnográfico sobre a cena musical blues na cidade de Porto Alegre. A partir da experiência em campo com grupos de blues atuantes na referida cidade, proponho um estudo dessa cena musical com o objetivo de estabelecer um diálogo entre suas definições sobre o blues, bem como sua rede de significados, sob a perspectiva daqueles grupos que tocam, produzem, gravam, escutam e se envolvem com os blues representados pelos agentes envolvidos neste trabalho. Minha interpretação é que o conteúdo expressivo presente no fazer musical dessa cena local, resultado das definições locais sobre o blues e sobre o blues em Porto Alegre, organiza-se em torno de cinco chaves interpretativas: (1) blues como estado de espírito; (2) blues como um veículo de expressão do sujeito; (3) blues e as representações de características sociais expressas no discurso do sujeito; (4) blues de POA como prática musical e interação pessoal; (5) blues de POA como musicalidade local inserida na indústria fonográfica global.

Made available in DSpace on 2016-12-08T17:06:47Z (GMT). No. of bitstreams: 1 122576.pdf: 7183646 bytes, checksum: 8d73683be3d6a8ba484d21da6abccba0 (MD5) Previous issue date: 2015-03-25 / Coordenação de Aperfeiçoamento de Pessoal de Nível Superior / The purpose of this study is to analyze the musical structure of the symphonic poem Uirapuru (1917), by Heitor Villa-Lobos, and to understand how meanings are put into action by the piece through topics and narrativity. The initial hypothesis is that in Uirapuru topics are key elements of the narrative aspects of the work. The methodology is supported by the structural analysis of the musical piece, which involves harmonic, melodic, rhythmic, textural and orchestration aspects, with further interpretations of meaning based on topics and narrativity theories, and sustained by a bibliographic research of historical context. The interaction between topics in different structural levels and ad hoc elements, reveals that Villa-Lobos used an organization strategy of musical meanings, here understood as narrative, which relates to the plot of the piece´s programme and can be characterized under the concept of "external narrative program". In this work, the Brazilian Indian is represented by characteristic elements of the exotic, present in the language of modern concert music of the period and mainly in the repertoire with Debussyst heritage, with which Villa-Lobos had an open dialogue in his first compositional phase. / O objetivo deste trabalho é analisar a estrutura musical do poema sinfônico Uirapuru (1917), de Heitor Villa-Lobos, e compreender como os significados são colocados em ação pela peça através de tópicas e da narratividade. A hipótese inicial é que em Uirapuru, as tópicas são elementos determinantes dos aspectos narrativos da obra. A metodologia utilizada está apoiada na análise musical estrutural da peça, que envolve aspectos harmônicos, melódicos, rítmicos, texturais e de orquestração, com posteriores interpretações de significado fundamentadas pelas teorias das tópicas e da narratividade, e sustentadas por uma pesquisa bibliográfica de contexto histórico. A interação entre tópicas em diferentes níveis estruturais e elementos ad hoc, revela que Villa-Lobos utilizou uma estratégia de organização dos significados musicais, aqui compreendida como a narratividade, a qual se relaciona com o roteiro do argumento da peça e pode ser caracterizada sob o conceito de programa narrativo exterior . O índio brasileiro nesta obra é representado por elementos característicos do exótico presentes na linguagem da música de concerto moderna do período e, principalmente, no repertório com herança debussysta com o qual Villa-Lobos travava franco diálogo na sua primeira fase composicional.

Made available in DSpace on 2016-12-08T17:06:48Z (GMT). No. of bitstreams: 1 123186.pdf: 18784010 bytes, checksum: 25b00cfa9a351ec473406840d2b587ca (MD5) Previous issue date: 2015-03-30 / Coordenação de Aperfeiçoamento de Pessoal de Nível Superior / This work consists in a discussion of interpretive and performing questions about music for violin of the eighteenth century. As a musical reference material are studied 12 Fantasias to Georg Philipp Telemann Solo Violin TWV 40: 14-25. It is proposed in this work a theoretical and practical approach to this repertoire under the light of in two eighteenth century violin treatises: The Art of Playing on the Violin (1751) by Francesco Geminiani (1687-1762) and Versuch einer gründlichen Violinschule (1756) Leopold Mozart (1719-1787). However without the use of an antique instrument for the practical part, but thinking about its transposition into the modern violin. To understand this procedure, concepts and practice from Historically Oriented Performance are used as reference, in order to bridge the gap between some of its leading writers and the approach proposed in this work. / Este trabalho consiste em uma discussão sobre questões interpretativas e performáticas sobre a música para violino do século XVIII. Como material musical de referência são estudadas as 12 Fantasias para Violino Solo de Georg Philipp Telemann TWV 40: 14-25. Propõe-se neste trabalho uma abordagem teórico-prática deste repertório através da ótica descrita em dois tratados de violino do século XVIII: The Art of Playing on the Violin (1751) de Francesco Geminiani (1687-1762) e Versuch einer gründlichen Violinschule (1756) de Leopold Mozart (1719-1787), sem contudo fazer o uso de um instrumento de época para a sua execução, mas pensando na transposição para o violino moderno. Para o entendimento deste procedimento referencia-se o Movimento da Performance Historicamente Orientada, de modo a fazer a ponte entre alguns de seus principais escritores e a abordagem proposta neste trabalho.