L’entrée de la Pologne dans l’Union européenne, en 2004, a coïncidé avec une plus grande visibilité de figures de l’homosexualité dans la société et au cinéma. Avant les années 2000, en effet, les personnes associées aux minorités sexuelles – et leurs représentations fictionnelles – se pliaient davantage à des conventions sociales et esthétiques (rester à l’écart ou ne pas rendre visible son orientation sexuelle). Comme l’écrit Robert Biedroń, depuis cette entrée dans l’Union européenne, le « discours entourant l’homosexualité s’[est] inscrit [...] dans la dispute contemporaine qui a cours [dans la société polonaise] au sujet des valeurs en général », qu’il s’agisse de la reconnaissance des minorités sexuelles, du droit à l’avortement ou de l’ouverture à l’immigration. Puisque les productions culturelles de toutes sortes témoignent de leurs relations à la société et aux idéologies, on peut s’interroger sur les manières dont certains films de fiction récents s’inscrivent dans le dialogue socioculturel auquel la Pologne se prête à propos de l’homosexualité. Nous avons retenu les œuvres suivantes : Au nom de... (W imię..., 2013), Ligne d’eau (Płynące wieżowce, 2013), La Chambre des suicidés (Sala samobójców, 2011), Les amants de Marone (Kochankowie z Marony, 2005), Somnolence (Senność, 2008) et Dissimulation (W ukryciu, 2013). La notion de « figure », annoncée par le titre, se présente sous les traits de personnages que ces films mettent en récit sous le mode fictionnel. Certains « aspects » de la figure aident particulièrement à réfléchir aux rapports qu’entretiennent la fiction et la réalité. Ils incitent à concevoir que l’homosexualité et des personnages peuvent agir comme des connecteurs entre les propositions apparemment ludiques de films et des réalités sociales et des idéologies. Ces aspects sont les suivants : l’histoire, la société, l’imaginaire et l’espace. L’histoire implique des références au passé (ou l’absence significative de telles références), que des personnages sont susceptibles de pointer. Leurs comportements indiquent aussi des processus qui assurent le fonctionnement collectif ou social. L’identité des personnages se prolonge imaginairement par les types qu’ils représentent (ou dont ils s’écartent), et elle implique des valeurs qui servent à la définir. L’espace, quant à lui, est le support même des jeux fictionnels auxquels les films se prêtent. Des figures historiques, sociales et imaginaires en forment le relief. En plus, les films invitent à considérer certains « concepts » dont l’identité, l’étrangéité, la persona tisation et l’hospitalité (qui supposent un rapport à soi et à autrui, rapport qui est au cœur des préoccupations actuelles en Pologne et ailleurs) ; le romantisme et le positivisme (des paradigmes susceptibles d’être transformés par les événements historiques et les œuvres qui les interprètent) ; la manifesteté et la mutualité (qui proposent des modes pour renouveler en fiction le désir homosexuel hors de champs plus restreints) ; l’actualité et la virtualité (les rapports de l’identité au vrai et au faux, à l’authenticité et à la feintise), etc. Ces concepts guident la lecture des films et de leurs figures. Enfin, des « thèmes », motifs ou, comme y songeait Pierre Sorlin, des « points de fixation » émergent des films : nature et ville, virilité/masculinité, nudité/érotisme, couple hétérosexuel, famille, religion/foi, collectivité, communication. À tout prendre, une certaine tradition du cinéma polonais semble continuer de porter ses fruits : ce cinéma demeure, à travers les « petits » récits contemporains, une manière privilégiée de réexaminer certaines certitudes idéologiques. / The integration of Poland into the European Union in 2004 coincided with an increased visibility of gay figures in society and in cinema. Before the 2000s, sexual minorities—and their fictional representations—were more inclined to correspond to certain social and aesthetic conventions of their time (to step aside or abstain from making their sexual orientation known or visible). As Robert Biedroń writes, since the country’s integration into the European Union, “the discourse surrounding homosexuality [is] included in [Polish society’s] contemporary dispute regarding the subject of values in general”, whether this dispute concerns the recognition of sexual minorities, the right to abortion or the openness to immigration. Since it is usually agreed that cultural products of all kinds bear witness to their own relations with society and its ideologies, it is possible to question the ways in which certain recent fictional films are part of Poland’s sociocultural dialogue about homosexuality. We have selected the following works: In the Name of (W imię..., 2013), Floating Skyscrapers (Płynące wieżowce, 2013), Suicide Room (Sala samobójców, 2011), The Lovers of Marona (Kochankowie z Marony, 2005), Drowsiness (Senność, 2008) and In Hiding (W ukryciu, 2013). The notion of “figure”, announced by the title, is presented in the guise of certain characters that these films put into narrative and fiction. Certain “aspects” of the figure help to consider the relationship between fiction and reality. They compel us to conceive of homosexuality and certain characters as connectors between the fictional propositions of films and a number of social realities and ideologies. These aspects are: history, society, imaginary and space. History implies certain references to the past (or the notable absence of certain references), which fictional characters are likely to point to. Their behaviors also indicate processes that ensure collective or social functioning. The identity of the characters is imaginarily extended by the social types they represent (or from which they deviate); it also contains its self-defining values. As for space, it is that which holds or gives way to the fictional games in which the films participate. Historical, social and imaginary figures form the relief of that surface. The films also invite us to consider certain “concepts”, including identity, otherness, persona-tisation and hospitality (which presuppose a relationship to oneself and to others, a theme that permeates Poland and other countries), romanticism and positivism (paradigms that can be transformed by historical events and works of art that interpret them), manifestation (Offenbarkeit) and mutuality (which suggest ways to renew in fiction homosexual desire outside narrower fields), actuality and virtuality (relations of identity to truth and falsehood, to authenticity and feint), and so on. These concepts guide our readings of the films and of their figures. In addition, “themes”, motifs or, as Pierre Sorlin wrote, “fixation points” emerge from the films: nature and city, virility and masculinity, nudity and eroticism, heterosexual relationship, family, religion and faith, community, communication. On the whole, a certain tradition of Polish cinema seems to continue to bear fruit: this cinema remains, through the “small” contemporary narratives, a privileged way of re-examining certain ideological certitudes.

La présente thèse étudie la transformation de l’Italie vers la postmodernité (1957-1978) à travers le cinéma de trois auteurs : Michelangelo Antonioni, Federico Fellini et Pier Paolo Pasolini. Elle explore l’historicité du cinéma, en interrogeant la manière par laquelle le septième art constitue une mise en forme et une écriture de l’histoire. Dans la convergence de deux histoires, celle humaine et celle du cinéma, elle met en récit l’expérience de la transformation sociétale et artistique. En dernière analyse, il est question d’étudier le cas italien comme un paradigme. En réactualisant les propositions des trois cinéastes dans le contexte contemporain de la mondialisation, de l’hypermédiatisation et de la domination technologique, le présent travail nous invite à repenser la vie humaine et la création artistique face aux défis de la postmodernité. / This thesis examines the transformation of Italy towards postmodernity (1957-1978) through the cinema of three film directors: Michelangelo Antonioni, Federico Fellini, and Pier Paolo Pasolini. It explores the historicity of cinema, by questioning the concrete means through which film constitutes a form and a writing of history. In the coming together of two histories, the human one and that of the cinema, the thesis recounts the experience of a societal and artistic transformation. In the final analysis, it is a question of studying the Italian case as a paradigm. By updating the proposals of the three filmmakers in the contemporary context of globalization, hypermedia and technological domination, this work invites us to rethink human life and artistic creation, facing the challenges of postmodernity.

Ce travail cherche à comprendre comment le cinéma d’animation en Tunisie, une pratique artistique « en marge », à la fois dans son monde de l’Art et dans la société dans laquelle elle est produite, puisse s’ériger en tant que vecteur de contestation dans un contexte autoritaire. Il s’agit de tracer l’histoire méconnue de cet art depuis sa genèse et sur toute la période étudiée (1965-1995). Une histoire qui se confond avec celle des changements sociopolitiques du pays sous les deux régimes autoritaires postindépendance. Nous entendons dégager la ou les forme(s) de contestation en interrogeant, d’une part le matériau filmique etd’autre part les sources orales, mémoires vivantes de cet art. Nous confrontons deux discours celui du régime (du centre) et celui de l’art (la périphérie) afin de révéler le mécanisme de formulation du propos contestataire dans le cinéma d’animation tunisien. / This work seeks to understand how animation in Tunisia – an artistic activity on the fringes, both in the art world and in the society in which it is produced - became a vehicle for political protest within an authoritarian context. It recounts the hitherto untold history of this art form together with the socio-political changes under the two post-independence authoritarian regimes. We intend to reveal the form(s) of protest by examining, on the one hand, the cinematic material and, on the other, live testimonials, first-hand memories of the art form. We confront two different types of rhetoric, that of the regime (core values) and the art of animation(marginal culture) to reveal the mechanisms used to formulate the protest statements in Tunisian animation.

Ce mémoire a pour objet d'étude le film Rubber (2010) de Quentin Dupieux. Nous nous intéressons en particulier à l'examen du spectateur idéal (celui qui répond aux offres de lecture proposées par le film) ou de l'énonciataire (cette instance du film à qui l'on prête la réception du discours) du second long-métrage du réalisateur français. Bon nombre de films de fiction semblent se dérouler « naturellement » ou en l'absence plus ou moins avérée des marques d'énonciation. Il arrive cependant que l'énonciation soit marquée ou se reconnaisse à l'emploi d'interpellations faites au spectateur, à la mise en présence d'un narrateur, à l'utilisation d'une mise en abyme (film dans le film, image dans l'image), voire à la déconstruction du récit. Lorsque l'énonciation du film est marquée, celui-ci met en présence l'instance de l'énonciation à qui il s'adresse. Cette mise en évidence des procédés mobilisés par le film change la dynamique de réception habituelle du cinéma narratif classique. La posture idéale du spectateur prévue par le film narratif classique, le spectateur idéal, celui qui reçoit et répond idéalement aux offres de lectures du film, en est nécessairement changé. Parce qu'il diffère du cinéma narratif classique, le film Rubber forme le dessein d'une nouvelle figure du spectateur.

Notre mémoire se penche sur un corpus de films spécifique; il s’agit des westerns américains racontant la construction d’un chemin de fer. Nous traitons ces films comme un sous-genre du western que nous intitulons Railroad Building Story. Est proposé dans notre étude que la structure narrative étant à la base de tous les récits du sous-genre provient d’une idéalisation des faits historiques entourant la construction du premier chemin de fer transcontinental aux États-Unis. Dans le premier chapitre, nous présentons une adaptation de la méthode d’analyse de Vladimir Propp, telle que présentée dans la Morphologie du conte, dans le but d’identifier la structure narrative stable des films du corpus et d’en décrire les unités narratives constantes. L’application de la méthode est effectuée dans le second chapitre, où chacune des unités narratives constantes est expliquée. De plus, nous confrontons ces unités narratives à l’histoire du chemin de fer transcontinental afin d’analyser les rapports idéologiques existant entre ces récits fictionnels et leur référent historique. Cette description sémionarrative et historique de la Railroad Building Story met en évidence sa fonction idéologique permanente en tant que mythe cinématographique du chemin de fer américain. Dans le troisième chapitre, les films sont analysés d’après leur contexte sociohistorique de production. Le chapitre est divisé selon les quatre périodes historiques dans lesquels les films du sous-genre furent réalisés, soit les années 1920, la Grande Dépression, l’ère maccarthyste et le début des années 1960. En analysant les films d’après une approche sociocritique, nous démontrons comment ceux-ci traduisent des préoccupations idéologiques liées au climat social de la nation américaine. Nous expliquons donc comment le mythe du chemin de fer américain se voit réapproprié à chaque période historique, et ce, afin de répondre aux exigences idéologiques contemporaines à la production des films de la Railroad Building Story. / This master’s thesis takes a close look at a very specific corpus of films; the westerns that narrate the construction of a railroad. We treat these movies as a sub-genre of the western that we call the Railroad Building Story. Our study proposes that the narrative structure at the basis of all the sub-genre’s stories comes from an idealization of the historical facts surrounding the construction of the first American transcontinental railroad. In the first chapter, we present an adaptation of Vladimir Propp’s method of analysis, as found in his Morphology of the Folktale, in order to identify the stable narrative structure of our corpus and to describe its constant narrative units. The application of said method takes place in the second chapter, in which each constant narrative unit is thoroughly explained. We also confront these narrative units in the history of the transcontinental railroad as to analyze the ideological relations existing between these fictional narratives and their historical referent. This semionarrative and historical description of the Railroad Building Story highlights its permanent ideological function as the cinematographic myth of the American railroad. In our third chapter, we analyze the films in the light of their sociohistorical context of production. The chapter is divided between the four historical periods in which these movies were produced, that to say the 1920’s, the Great Depression, the mcccarthyism era and the early 1960’s. By analyzing these films with a sociocritical stance, we demonstrate how they express ideological concerns linked to the social climate of the American nation. Thus we explain how the American railroad myth is being reappropriated in each historical period in order to address the ideological exigencies that are contemporary to the production of the Railroad Building Story’s films.

Cette étude s’intéresse au discours des anciens combattants dans le cinéma français mettant en scène la Grande Guerre entre 1918 et 1939. L’objectif est de démontrer que le film propose une contre-histoire en permettant aux poilus d’exprimer leurs visions et leurs opinions sur 14-18 et sur la société de l’entre-deuxguerre. Utilisant leur expérience du front, les cinéastes deviennent historiens et témoins à la fois. Le film répond à un souci de préservation de la mémoire. Ayant été écarté de l’écriture de l’Histoire officielle, le témoignage des combattants se transpose dans l’image. Ils rétablissent ainsi les omissions et les inexactitudes. Parallèlement, le contexte politico-social influence l’interprétation du conflit, donnant lieu à des films commémoratifs ou politisés. Plus largement, cette étude s’interroge sur les permanences et les ruptures dans le discours dans l’entre-deux-guerre. Elle permet d’observer que la fiction peut en même temps être un témoignage historique de la Grande Guerre et une représentation du temps présent, en proposant une relecture des évènements. / The main focus of this study is based upon the views and opinions on the Great War from the point of views of the soldiers whom fought in the Great War through the medium of French cinema between 1918 and 1939. The objective is to give an alternative perspective of allowing the soldiers to give their point of view of the events and experiences during the four years of the great war of 1914-1918. Using first hand experiences from being on the front line, the filmmaker becomes a historian as he tells the story of the war veterans; the film can then be used as a way to preserve the memory of these events. There has been an omission of these testimonies from official historical documentation and so these films allow for some inaccuracies to be resolved. Meanwhile, the political and social context influences the interpretation of the conflict, giving rise to films or politicized memorials. More broadly, this study examines the continuities and ruptures in the discourse during the period between the two World Wars. It can be seen that fiction can simultaneously be a historical viewpoint of the Great War and a representation of the times, providing a reinterpretation of events.

Cette étude s’intéresse au discours des anciens combattants dans le cinéma français mettant en scène la Grande Guerre entre 1918 et 1939. L’objectif est de démontrer que le film propose une contre-histoire en permettant aux poilus d’exprimer leurs visions et leurs opinions sur 14-18 et sur la société de l’entre-deuxguerre. Utilisant leur expérience du front, les cinéastes deviennent historiens et témoins à la fois. Le film répond à un souci de préservation de la mémoire. Ayant été écarté de l’écriture de l’Histoire officielle, le témoignage des combattants se transpose dans l’image. Ils rétablissent ainsi les omissions et les inexactitudes. Parallèlement, le contexte politico-social influence l’interprétation du conflit, donnant lieu à des films commémoratifs ou politisés. Plus largement, cette étude s’interroge sur les permanences et les ruptures dans le discours dans l’entre-deux-guerre. Elle permet d’observer que la fiction peut en même temps être un témoignage historique de la Grande Guerre et une représentation du temps présent, en proposant une relecture des évènements. / The main focus of this study is based upon the views and opinions on the Great War from the point of views of the soldiers whom fought in the Great War through the medium of French cinema between 1918 and 1939. The objective is to give an alternative perspective of allowing the soldiers to give their point of view of the events and experiences during the four years of the great war of 1914-1918. Using first hand experiences from being on the front line, the filmmaker becomes a historian as he tells the story of the war veterans; the film can then be used as a way to preserve the memory of these events. There has been an omission of these testimonies from official historical documentation and so these films allow for some inaccuracies to be resolved. Meanwhile, the political and social context influences the interpretation of the conflict, giving rise to films or politicized memorials. More broadly, this study examines the continuities and ruptures in the discourse during the period between the two World Wars. It can be seen that fiction can simultaneously be a historical viewpoint of the Great War and a representation of the times, providing a reinterpretation of events.