Dissertação (mestrado)—Universidade de Brasília, Faculdade de Comunicação, Programa de Pós-graduação em Comunicação, 2015. / Submitted by Fernanda Percia França (fernandafranca@bce.unb.br) on 2016-01-21T19:26:21Z No. of bitstreams: 1 2015_ViníciusdeAraújoBarreto.pdf: 4301155 bytes, checksum: 867ea331be8b692677b4121ab6446413 (MD5) / Approved for entry into archive by Guimaraes Jacqueline(jacqueline.guimaraes@bce.unb.br) on 2016-05-03T14:23:03Z (GMT) No. of bitstreams: 1 2015_ViníciusdeAraújoBarreto.pdf: 4301155 bytes, checksum: 867ea331be8b692677b4121ab6446413 (MD5) / Made available in DSpace on 2016-05-03T14:23:03Z (GMT). No. of bitstreams: 1 2015_ViníciusdeAraújoBarreto.pdf: 4301155 bytes, checksum: 867ea331be8b692677b4121ab6446413 (MD5) / Esta dissertação tem como objetivo estudar de que diferentes maneiras se modula a produção de sentidos na trilogia de filmes do diretor Pablo Larraín sobre a ditadura vivida pelo Chile entre 1973 e 1990: Tony Manero (2008), Post mortem (2010) e No (2012). Para tanto, assume como dado que é a partir da camada narrativa dos filmes que tais sentidos vêm à tona. Assim, procura-se, no marco teórico, estabelecer uma discussão sobre as imagens, a narração e a representação, colocando temas caros a tal debate, como a relação de identificação e distanciamento que o espectador estabelece para com o espetáculo cinematográfico. O método da análise fílmica compreende os longas-metragens enquanto um espaço de comunicação, em que se configuram diferentes relações entre o autor e o espectador. Tal relação é a própria condição de produção dos sentidos, na medida em que esses se dão no entrecruzamento entre a autoria e a espectatorialidade. Nossas conclusões apontam para: a dominância da alegoria em Tony Manero, com a veiculação de sentidos desambiguados por uma marcada instância autoral; o distanciamento e o uso paramétrico da decupagem, em Post mortem, gerando uma opacidade na produção de sentidos; e a abertura de um espaço de dissenso em torno da interpretação de No, pelo emprego da ironia e do pastiche. / This dissertation aims to study in which different ways the production of meaning in the film trilogy of the director Pablo Larraín on Chile’s dictatorship – Tony Manero (2008), Post mortem (2010) and No (2012) – is modulated. Therefore, it assumes that it is from the narrative layer of the films that such senses come to the fore. Based on the theoretical framework, it looks for establishing a discussion on images, narration and representation, placing themes most relevant to the debate, such as the relationship of identification and distancing that the viewer establishes with the cinematographic spectacle. The method of film analysis comprehends feature films as a space of communication, where different relations between the author and the viewer are engaged. Such relationships are the very condition of the production of the senses, as they occur in the intersection between authorship and spectatorship. Our findings point to: the dominance of allegory in Tony Manero, with the placement of senses disambiguated by a marked authorial instance; the distancing and the parametric use of découpage in Post mortem, generating an opacity in the production of senses; and the opening of a dissent space around the interpretation of No, by the use of irony and pastiche.

Dissertação (mestrado)—Universidade de Brasília, Faculdade de Comunicação, Programa de Pós-Gradução em Comunicação Social, 2013. / Submitted by Albânia Cézar de Melo (albania@bce.unb.br) on 2013-05-02T15:43:25Z No. of bitstreams: 1 2013_PatriciaColmeneroMoreiraAlcantara.pdf: 2642180 bytes, checksum: 285d75729af4201e3437f6703cdb6d10 (MD5) / Approved for entry into archive by Guimaraes Jacqueline(jacqueline.guimaraes@bce.unb.br) on 2013-05-03T12:28:05Z (GMT) No. of bitstreams: 1 2013_PatriciaColmeneroMoreiraAlcantara.pdf: 2642180 bytes, checksum: 285d75729af4201e3437f6703cdb6d10 (MD5) / Made available in DSpace on 2013-05-03T12:28:05Z (GMT). No. of bitstreams: 1 2013_PatriciaColmeneroMoreiraAlcantara.pdf: 2642180 bytes, checksum: 285d75729af4201e3437f6703cdb6d10 (MD5) / O amor é um dos assuntos mais recorrentes em todas as formas artísticas. Escritores, artistas e diretores se debruçaram sobre ele, como assunto e como musa. Diante de uma sociedade que abandonou antigos padrões, rompendo com casamentos, inaugurando novas aventuras sexuais e questionando que tipos de relação gostariam de viver, este trabalho investigou o panorama das relações amorosas no cinema contemporâneo. Para tanto, utilizou noções de Gilles Deleuze e partiu da crise da imagem-ação e do rompimento com o cinema narrativo clássico para examinar o cinema atual diante das características da imagem-tempo. Tendo imperado um cinema romântico do happy end até os anos 60, questionamos qual o amor que surgiu a partir desse momento. Os caminhos em busca dessa resposta foram traçados pelos estudos teóricos sobre o amor, os afetos e o cinema e por meio de análise fílmica de quatro filmes principais: “Uma mulher é uma mulher” (1961), de Jean-Luc Godard; “A Bela Junie” (2008), de Christophe Honoré; “Um lugar qualquer” (2010), de Sofia Coppola e “Os sonhadores” (2003), de Bernardo Bertolucci. ______________________________________________________________________________ ABSTRACT / Love is one of the most recurrent subject in all art forms. Writers, artists and directors have looked upon it as a theme and as a muse. Faced with a society that abandoned old patterns, breaking marriages, opening new sexual adventures and wondering what kind of relationship they would like to live, this study investigated the panorama of love relationships in contemporary cinema. For this purpose, we used concepts of Gilles Deleuze and started with the crisis of the action-image and break with the classical narrative cinema to examine the current cinema on the characteristics of the time-image. Having reigned a romantic cinema with happy ending stories, until the 60s, we questioned the love that emerged from that time on. The paths in search of this response were outlined by theoretical studies about love, affections and film and film analysis through four major films: "A woman is a woman" (1961), by Jean-Luc Godard, "La belle personne" (2008), by Christophe Honoré, "Somewhere"(2010), by Sofia Coppola's and "The dreamers" (2003), by Bernardo Bertolucci.

Orientador: Luciane de Paula / Banca: Maria da Penha Casado Alves / Banca: Rosineide de Melo / Resumo: Este trabalho se volta à análise discursiva do curta metragem francês La Majorité Opprimée, dirigido por Eleonore Pourriat e lançado da rede social Youtube em 2010. A obra selecionada como corpus desta pesquisa explora as relações entre os gêneros masculino e feminino a partir da inversão das performances de gêneros na sociedade contemporânea. A inversão que embasa a narrativa critica e ironiza a desigualdade de gêneros naturalizada nessas relações no mundo contemporâneo, em específico, a sociedade francesa do século XXI. Ao destacar a inversão e a ironia da obra como objetos de análise, nos aprofundamos no estudo dos estereótipos de feminilidade e masculinidade representados em La Majorité Opprimée, bem como nos voltamos à análise da crítica ao patriarcado que é feita no curta a partir da inversão das performances de gênero. O aprofundamento dessas questões leva em consideração a constituição histórica dos gêneros masculino e feminino, que se articula, ao longo do texto, com a contextualização dos sujeitos masculino e feminino sob um olhar cultural ao longo da história. O trabalho se fundamenta nas materialidades verbivocovisuais que compõem o enunciado em questão, com base teórica nos estudos do Círculo de Bakhtin sobre enunciado, signo ideológico, sujeito, dialogia e gênero discursivo, além de ter como referência escritos de Judith Butler e Simone de Beauvoir. A partir do arcabouço teórico bakhtiniano, olhamos para os sujeitos semiotizados na obra como representações dos s... (Resumo completo, clicar acesso eletrônico abaixo) / Abstract: This work turns to the discursive analysis of the french short film La Majorité Opprimée, directed by Eleonore Pourriat and released on the social network Youtube. The video selected as corpus of this research explores the female and male gender relations from the inversion of the gender performance in the contemporary society. This inversion that bases the critical narrative and ironizes the gender inequality naturalized in this relations in the contemporary world, in specific, the twenty-first french society. By hightlitening the inversion and irony in the video as the object of the analysis, we go deeper in the studies of femininity and masculinity stereotypes represented in La Majorité Opprimée, and we turn to the analysis of the patriarchy critical that is made in the short movie from the gender performance inversion. The dedication to this problems consider the male and female gender historical constitution, that is articulated to the cultural and historical contextualization throughout the history. This work is fundamented in the verbocovisual materialities that are part of the enunciate analyzed, with theoretical basis in the Bakhtin Circle studies about enunciate, ideological sign, subject, dialogy and discursive gender, in addition to references from Judith Butlers and Simoe de Beauvoir studies. From the bakhtinian base, we consider the subjects semiotized in the video as male and female representation from the contemporary world, and we understand them as historica... (Complete abstract click electronic access below) / Mestre

Dissertação (mestrado)—Universidade de Brasília, Faculdade de Comunicação, 2009. / Submitted by Jaqueline Ferreira de Souza (jaquefs.braz@gmail.com) on 2010-06-22T17:26:17Z No. of bitstreams: 1 2009_KarinaGomesBarbosa.pdf: 1145067 bytes, checksum: b9756178275abf8f50ac5d8cdb6396fe (MD5) / Approved for entry into archive by Daniel Ribeiro(daniel@bce.unb.br) on 2010-06-22T18:26:53Z (GMT) No. of bitstreams: 1 2009_KarinaGomesBarbosa.pdf: 1145067 bytes, checksum: b9756178275abf8f50ac5d8cdb6396fe (MD5) / Made available in DSpace on 2010-06-22T18:26:53Z (GMT). No. of bitstreams: 1 2009_KarinaGomesBarbosa.pdf: 1145067 bytes, checksum: b9756178275abf8f50ac5d8cdb6396fe (MD5) Previous issue date: 2009-03 / A partir de um histórico do amor no Ocidente e de discursos teóricos produzidos contemporaneamente, a pesquisa busca criar uma tipologia amorosa e fazê-la dialogar com uma série de filmes de amor produzidos em Hollywood entre as décadas de 1970 e 2000. O principal objetivo do trabalho é buscar os conceitos e imagens de amor representados no cinema a partir do estruturalismo e das teorias da narrativa, que trabalham com o estabelecimento de modelos ou sistemas. O trabalho é ancorado ainda na compreensão de como o cinema ressignifica esses discursos e práticas amorosos ou se apropria deles para erigir uma idéia de amor baseada em valores e regras sócio-culturais relativos à família e ao casamento, por exemplo. _________________________________________________________________________________ ABSTRACT / From a history of love in the Occident and from contemporary theoretical discourses, this research aims to create a love typology and engage it in dialogue with some love movies produced in Hollywood between the decades 1970 and 2000. The analysis main goal is to try to find the concepts and images of love on the cinema, based on structuralism and theories of narrative, which work with models or systems of analysis. The thesis is also funded in the comprehension of how the cinema resignifies these love discourses and practices or takes them up to build an idea of love based on social and cultural values and rules related to family and marriage, for instance.

Dissertação (mestrado)—Universidade de Brasília, Departamento de Teoria Literária e Literatura, 2011. / Submitted by Shayane Marques Zica (marquacizh@uol.com.br) on 2011-09-30T18:40:30Z No. of bitstreams: 1 2011_MariadoSocorroAguiarPontes.pdf: 953370 bytes, checksum: 791cde1732c79271117a0835a44e4045 (MD5) / Approved for entry into archive by LUCIANA SETUBAL MARQUES DA SILVA(lucianasetubal@bce.unb.br) on 2011-10-04T16:49:22Z (GMT) No. of bitstreams: 1 2011_MariadoSocorroAguiarPontes.pdf: 953370 bytes, checksum: 791cde1732c79271117a0835a44e4045 (MD5) / Made available in DSpace on 2011-10-04T16:49:22Z (GMT). No. of bitstreams: 1 2011_MariadoSocorroAguiarPontes.pdf: 953370 bytes, checksum: 791cde1732c79271117a0835a44e4045 (MD5) / A presente dissertação trata de como o cinematográfico e também o não-cinematográfico convergem para a poeticidade da obra em análise. No primeiro capítulo, procuro trazer à baila os conceitos atinentes à linguagem cinematográfica; no segundo, estabeleço uma definição do cinema de poesia a partir de teóricos como Pier Paolo Pasolini e Luis Buñuel e, por fim, faço uma análise interpretativa de Filme de amor de Julio Bressane, à luz das teorias trabalhadas nos dois primeiros capítulos e também de três obras de Gaston Bachelard, quais sejam, Aágua e os sonhos, A poética do espaço e A poética do devaneio. Teço uma argumentação demonstrando em que medida Filme de amor se aproxima e se dista do conceito de cinema poético, de modo que a obra em análise acaba por ampliar e conferir novos matizes a este. _______________________________________________________________________________ ABSTRACT / This dissertation deals with the way the cinematographic and also the non-cinematographic converge to the poetics of the movie called Filme de amor (2003) by Julio Bressane. In the first chapter, I try to show the concepts related to cinematographic language; in the second chapter, I establish a definition of poetic cinema regarding theorists such as Pier PaoloPasolini, Luis Buñuel; and, finally, in the third chapter, I make an interpretative analysis of Filme de amor. To do so, I, also, take for granted three works by Gaston Bachelard, namelyWater and Dreams, The poetics of space and The poetics of the reverie. I pose an argument demonstrating that Filme de amor is close to the concept of poetic cinema, so that Bressane’s work gives new nuances to this concept.

Dissertação (mestrado)-Universidade de Brasília, Faculdade de Comunicação, Programa de pós-graduação em Comunicação, 2010. / Submitted by Jaqueline Ferreira de Souza (jaquefs.braz@gmail.com) on 2011-05-09T00:32:03Z No. of bitstreams: 1 2010_MichaelPeixoto.pdf: 8954661 bytes, checksum: 6dc65cafded412927c96dc0f9a4870a3 (MD5) / Approved for entry into archive by Jaqueline Ferreira de Souza(jaquefs.braz@gmail.com) on 2011-05-09T00:32:44Z (GMT) No. of bitstreams: 1 2010_MichaelPeixoto.pdf: 8954661 bytes, checksum: 6dc65cafded412927c96dc0f9a4870a3 (MD5) / Made available in DSpace on 2011-05-09T00:32:44Z (GMT). No. of bitstreams: 1 2010_MichaelPeixoto.pdf: 8954661 bytes, checksum: 6dc65cafded412927c96dc0f9a4870a3 (MD5) / O presente estudo teve como objetivo remontar o percurso histórico do conceito de autoria cinematográfica a partir da noção de circuito autoral estabelecido entre diretor e receptor e tendo como eixo central a obra audiovisual. Para tanto, buscou-se aprofundar nas múltiplas leituras e adaptações que o conceito sofreu no decorrer da história do cinema, centrando o foco em três principais momentos: a nouvelle vague (enquanto tentativa de transpor para a prática os pressupostos da “política dos autores”), o cinema novo brasileiro (que adaptou o conceito de autoria do cenário europeu para o contexto brasileiro) e o “cinema de poesia” (o manifesto pasoliniano no qual o autor era a figura central). Priorizando a obra como fonte autoral, a pesquisa, de abordagem reflexiva e exploratória, investiga as estruturas proposicionais da mise-en-scène que atravessam todos os processos do filme na tentativa de transpor um pensamento para as telas e refletir sobre a multiplicidade do pensar, fazer e experienciar cinema. _________________________________________________________________________________ ABSTRACT / The present study aims at tracing the historical background of the concept of cinematographic authorship from the notion of “authorial circuit” which is established between director and receiver, having the audiovisual work as a centerpiece. This is why, we dug into multiple readings and adjustments of the concept in the course of film history, focusing on three important moments - the nouvelle vague (as an attempt to put into practice the assumptions of the “authors´ politics”), the Brazilian New Cinema (which adapted the authorship’s conception from the European scene into the Brazilian context) and the "poetic cinema" (the ‘pasolinian’ manifest, in which the author was the central figure), in order to put it into perspective for contemporary usage. Prioritizing the cinematographic work as a source or authorship, the research itself is more reflective and exploratory than conclusive ones, it investigates the propositional structures of mise-en-scene, going through all the processes of the film in an attempt to put all thoughts into the screen and reflects about the multiplicity of thinking, doing and experiencing cinema.

Orientador: Renata Soares Junqueira / Banca: Fabiane Renata Borsato / Banca: Wiliam Pianco dos Santos / Resumo: O cineasta português Manoel de Oliveira (1908-2015) é reconhecido mundialmente pela sua estética cinematográfica singular. Uma de suas principais características é a relação intrínseca que os seus filmes ostentam com as artes de uma forma geral, como a pintura, o teatro, a literatura, a arquitetura, a escultura, a música e o próprio cinema. Do teatro podemos notar o peso da palavra proferida. Com mais de 50 filmes em sua carreira - longas, médias e curtas-metragens -, o realizador nos presenteou com diálogos antológicos que nos instigam a refletir sobre os mais variados dilemas que perturbam o ser humano. Além disso, a sua distinta estética apresenta traços épicos que causam um distanciamento entre o espectador e o que é mostrado na tela, já que, muitas vezes, seus filmes se mostram realmente como filmes, como espetáculos. Tendo isso em mente, e sublinhando alguns filmes em que os diálogos são imprescindíveis, como em Um filme falado (2003) ou em O gebo e a sombra (2012), para citar apenas dois, é interessante examinar a eloquência do silêncio em Belle toujours (2006), obra em que os diálogos existem e são importantes, mas que recorre à quietude das personagens, em planos fulcrais, para sugerir um significado maior do que aquele que qualquer palavra seria capaz de indicar. Outrossim, a mise-en-scène é composta por elementos expressivos e muito significativos, os quais parecem gritar e dar voz à mudez. Em vista desse silêncio que causa estranheza a nós, espectadores, e que se ... (Resumo completo, clicar acesso eletrônico abaixo) / Abstract: The Portuguese film-maker Manoel de Oliveira (1908-2015) is known worldwide for his singular film aesthetic. One of its main characteristics is the intrinsic relation that his films display with art forms in general, such as painting, theatre, literature, architecture, sculpture, music and cinema itself. From theatre, we may notice the weight of the uttered word. With more than 50 films in his career - feature films, medium-length films and short ones -, the director gifted us with anthological dialogues which instigate reflection about various dilemmas that affect the human being. Furthermore, his distinctive aesthetic exhibits epic conventions which create distance between the audience and what is shown on screen, since his films are several times assumed as films, as spectacles. With this in mind, and underlining some films whose dialogues are crucial, as in A talking picture (2003) or in Gebo and the shadow (2012), to name but two, it seems interesting to examine the silence eloquence in Belle toujours (2006), masterpiece in which dialogues exist in their importance, but the film invokes the characters' quietness in fundamental shots, to suggest a deeper meaning than any other possibly indicated by words. Moreover, the mise-en-scène is composed by expressive and very meaningful elements, which seem to make muteness loud and give voice to it. In face of this silence that causes us, the audience, strangeness and that shows itself meaningful, this work aims to analyse how it... (Complete abstract click electronic access below) / Mestre

Tese (doutorado)—Universidade de Brasília, Faculdade de Comunicação, Programa de Pós-graduação em Comunicação, 2018. / Por meio da identificação na cinematografia de Federico Fellini de quatro categorias estéticas não canônicas — o onírico, o mnêmico, o espetacular e o utópico —, aqui tratadas como categorias estéticas imaginativas, esta tese propõe uma teoria felliniana imaginativa do cinema, que também se revela representativa para se pensar outras cinematografias. E isso se dá pelo desenvolvimento da ideia de imaginidades, ou ciências imaginativas, como o lugar de conhecimento das artes em geral, e pela percepção de que, no âmbito das imaginidades, teoria e estética se complementam e se confundem, e pela proposição das bases do que se entende por teoria imaginativa do cinema, e pela demonstração de que tais categorias estéticas imaginativas são compostas por conceitos visuais, ou mais especificamente por aquilo que o filósofo Julio Cabrera estruturou como conceitos-imagem. / Through the identification in Federico Fellini’s cinematography of four non-canonical aesthetic categories — the oneiric, the mnemic, the spectacular and the utopic —, here understood as imaginative aesthetic categories, this thesis proposes an Fellini’s imaginative theory of cinema, that also reveals itself representative to think about other cinematographies. And this is due to the development of the idea of imaginities, or imaginative sciences, as the place of knowledge of the arts in general, and to the perception that, in the framework of the imaginities, theory and aesthetics are complemented and confused, and to the proposition of the bases of what is meant by the imaginative theory of cinema, and to the demonstration that such imaginative aesthetic categories are composed of visual concepts, or more specifically by what the philosopher Julio Cabrera structured like concept-images. / Attraverso l’identificazione nella cinematografia di Federico Fellini di quattro categorie estetiche non canoniche — l’onirico, il mnemonico, lo spettacolare e l’utopico —, qui trattate come categorie estetiche immaginative, questa tesi propone una teoria felliniana immaginativa del cinema, che si dimostra anche rappresentativa per pensare ad altre cinema-tografie. E ciò si verifica per lo sviluppo dell’idea di immaginistica, o scienze immaginative, come il luogo di conoscenza delle arti in generale, e per la percezione che, nell’ambito dell’immaginistica, teoria ed estetica si completano e si confondono, e per la proposizione delle basi di quello che si intende per teoria immaginativa del cinema, e per la dimostra-zione che tali categorie estetiche immaginative sono composte da concetti visivi, o più precisamente da quello che il filosofo Julio Cabrera ha strutturato come concetti-immagine.

FURTADO, Sylvia Beatriz Bezerra. Imagens que resistem: o intensivo no cinema de Aleksander Sokurov. 2007. 229f. – Tese (Doutorado) – Universidade Federal do Ceará, Programa de Pós-graduação em Sociologia, Fortaleza (CE), 2007. / Submitted by Gustavo Daher (gdaherufc@hotmail.com) on 2017-08-04T11:00:45Z No. of bitstreams: 1 2007_tese_sbbfurtado.pdf: 1141924 bytes, checksum: 14027805361c89643d42aeafc48ad609 (MD5) / Approved for entry into archive by Márcia Araújo (marcia_m_bezerra@yahoo.com.br) on 2017-08-04T19:31:41Z (GMT) No. of bitstreams: 1 2007_tese_sbbfurtado.pdf: 1141924 bytes, checksum: 14027805361c89643d42aeafc48ad609 (MD5) / Made available in DSpace on 2017-08-04T19:31:41Z (GMT). No. of bitstreams: 1 2007_tese_sbbfurtado.pdf: 1141924 bytes, checksum: 14027805361c89643d42aeafc48ad609 (MD5) Previous issue date: 2007 / The artistic phenomenon should be , first of all defined by the description of forces . In the forms , colors , sounds , materials , and in the special case of cinema mode these forces as part of automation mechanism images . In this sense Deleuze gives to the arts by assigning the role to detect the signs , capture them and make them sensitive . Such that we can no longer say about art as a place of production of meanings , but the trial of strength. It is, this field of think of art as material composition forces . Art does not reproduce forms imaginary , but captures materials , concrete strength. The potency of the art resides therefore in different assemblages with the materials that compose . Only then can understand why , in Deleuzian perspective, the film should be seen by the internal relationship images, the way they articulate their threads - plans , movements camera, the relationship between movement and time, etc. , and not by the relationship they establish with real or believable to the production of images. Not indices of realism or rapprochement between the visible world and the ways that we take the film , but at he is able to capture and compose sensitive world. / O fenômeno artístico deve ser, antes de tudo, definido pela inscrição de forças. Nas formas, nas cores, nos sons, nos materiais, e no caso especial do cinema, no modo como essas forças fazem parte do mecanismo de automação das imagens. Nesse sentido que Deleuze dá às artes ao atribuir-lhe o papel de detectar os signos, captá-los e torná-los sensíveis. De tal modo, que já não podemos mais dizer sobre a arte como lugar de produção de significados, mas de experimentação de forças. Trata-se, neste campo, de pensar a arte como composição de forças materiais. A arte não reproduz formas imaginárias, mas capta forças materiais, concretas. A potência da arte reside, portanto, nos diferentes agenciamentos com os materiais que a compõe. Só assim podemos entender porque, na perspectiva deleuziana, o cinema deve ser visto pela relação interna das imagens, pelo modo como se articulam seus encadeamentos – planos, movimentos de câmera, relação entre movimento e tempo, etc, e não pela relação que estabelecem com o real ou com a produção de imagens verossímeis. Não é pelos índices de realismo ou de aproximação entre as formas e o mundo visível que devemos tomar o cinema, mas pelo que ele é capaz de captar e compor mundo sensíveis.

Dissertação (mestrado)—Universidade de Brasília, Instituto de Letras, Departamento de Teoria Literária e Literaturas, Programa de Pós-Graduação em Literatura, 2010. / Submitted by Alaíde Gonçalves dos Santos (alaide@unb.br) on 2013-07-24T15:09:35Z No. of bitstreams: 1 2010_AndersonMelo (2).pdf: 726884 bytes, checksum: 89acc09c5b0c0d0a2ab9171b6305bb2d (MD5) / Approved for entry into archive by Guimaraes Jacqueline(jacqueline.guimaraes@bce.unb.br) on 2013-07-29T15:02:15Z (GMT) No. of bitstreams: 1 2010_AndersonMelo (2).pdf: 726884 bytes, checksum: 89acc09c5b0c0d0a2ab9171b6305bb2d (MD5) / Made available in DSpace on 2013-07-29T15:02:15Z (GMT). No. of bitstreams: 1 2010_AndersonMelo (2).pdf: 726884 bytes, checksum: 89acc09c5b0c0d0a2ab9171b6305bb2d (MD5) / O presente trabalho aborda a poesia do cinema do diretor italiano Federico Fellini como elogio da superficialidade , de modo a discutir e demonstrar como sua obra, predominantemente dissonante, se vale da materialidade e das linhas de força dos dispositivos midiáticos do espetáculo para construir um movimento de carnavalização do mundo, reprogramando os dispositivos do sistema de produção industrial que a viabilizam. Buscamos demonstrar, por um caminho diferente da análise fílmica, que a potência do cinema de Fellini não está na clássica abordagem formalista hermenêutica, mas na perspectiva da crítica cultural contemporânea que enfatiza a performance em contraponto à mímese, discutindo potência em vez de poder, singularidade em vez de identidade. A poesia cinematográfica de Fellini celebra a vida como campo de imanência cujas linhas de forças estão abertas para o devir. _______________________________________________________________________________________ ABSTRACT / This present research addresses the poetry of cinema Italian director Federico Fellini as praise of superficiality, to discuss and demonstrate how his artwork takes advantage of materiality of media devices of the spectacle to build a movement of carnivalization the world, causing the reprogramation of devices of the industrial production system that enable it. We seek to demonstrate, through a different path of film analysis, that the power of Fellini´s cinema is not in classic formalist approach or hermeneutics, but from the perspective of contemporary cultural criticism that emphasizes performance in contrast to mimesis, arguing potential rather than power, the uniqueness rather than identity. The Fellini's cinematic poetry celebrates life as a field of immanence whose lines force are open to becoming.