Made available in DSpace on 2014-06-11T19:22:29Z (GMT). No. of bitstreams: 0 Previous issue date: 2011-09-20Bitstream added on 2014-06-13T19:08:01Z : No. of bitstreams: 1 silveira_jcm_me_ia.pdf: 2032539 bytes, checksum: f497b6f727fb1650f5e55d100c60b059 (MD5) / O tema desta dissertação é a análise crítica da obra de dança Inspiração a Dois uma vez estruturada como linguagem híbrida, entre a dança e a performance, dialoga com a modernidade. Esta fase da história segundo Alain Touraine tem no sujeito o operador das mudanças onde a liberdade individual aciona as mudanças no meio social. A obra Inspiração a dois ao envolver na sua formalização diferentes meios de expressão com seus signos próprios: ora som, ora movimento, ora imagem, ora gestual, ora palavra constrói uma simbologia cênica onde os conteúdos são codificados nas linguagens da dança e da performance, a expressão do sujeito e a materialidade expressiva da obra conversam numa dialogia com a tradição sendo potencializadora da criação. A reflexão sobre pontos da poética do espetáculo que tem os temas: da identidade do intérprete, Neoconcretismo e Tropicália também se baseia nos textos convergentes dos seguintes autores: Celso Favaretto, Antonio Calado, Alain Touraine, Luigi Pareyson, Umberto Eco, Thierry de Duve, Herbert Read, Charles Harrison e Lícia Maria Morais Sanchez que formam o corpo bibliográfico principal deste estudo / The theme of this dissertation is the critical analysis of the work of the dance called ‘Inspiração a Dois’ which is structured with an amalgam of hybrid languages, between dance and performance, dialogue with modernity. During this phase of the 20th century, Alain Touraine in his book Crítica da Modernidade tackled the subject matter that involves the process of changes where one`s own individual liberty gives rise to actions that change in a social environment. The work ‘Inspiração a Dois’ involves the familiarization of different forms of expression with your own senses, sometimes sound, sometimes movement, sometimes image, sometimes gesture and sometimes word building a scientific symbolism where everything is classified as the medium of dance and performance, an expression of the subject content and an expression of the material of the work expressed as dialogue with a tradition having the potential of creation. Themes which are highlighted in the show `s presentation include interpretation of identity, Neoconcretismo and Tropicália, the dissertation is based on the theories, ideas and texts of the following authors; Celso Favaretto, Antonio Calado, Alain Touraine, Luigi Pareyson, Umberto Eco, Thierry de Duve, Herbert Read, Charles Harrison and Lícia Maria Morais Sanchez which form the body of the major bibliographic of this study

Coordenação de Aperfeiçoamento de Pessoal de Nível Superior / Ao enfocar o filme de família no contexto da produção pós-moderna, esta dissertação tem por intenção debater a questão da autenticidade, bem como o processo de legitimação cultural de sub-gêneros fílmicos afins surgidos na década de 60, como o filme diário e o filme pessoal. A proliferação deste tipo de produção uma espécie de meio-termo entre auto-etnografias e filmes de arte - desafia as ciências sociais e, mais especificamente, a antropologia visual contemporânea a compreender a emergência de novas formas audiovisuais de representação social. A partir do estudo pioneiro de Bourdieu sobre a função social da fotografia, debate-se a estetização do território familiar e a função social do filme amador. / Focusing on the home movies in the context of post-modern culture, this dissertation intends to debate the question of authenticity, as well as the process of cultural legitimation of filmic sub-genres originated in the sixties: the diary film and the personal film. The proliferation of this type of film production something in-between the autoethnographies and the art films challenges the social sciences and, more specifically, the contemporary visual anthropology to understand the appearance of new audiovisual forms of social representation. The important work of Bourdieu on the social rules of photography is a starting point to debate the aesthetics of private family domain and the social rules of amateur film

Objeto: estudo do filme Limite, de Mário Peixoto, Brasil, 1930, tendo, como eixo norteador, suas estruturas narrativas. Metas: averiguar, no corpo-texto do filme, seus mecanismos de fatura e as questões estéticas e de linguagem decorrentes. Resultados: multiplicidade de questões do cinema, da ordem da articulação dos modos de tempo e ambigüidade da natureza da imagem, onde os sistemas narrativos, engendrados pela montagem, determinam alterações no gênero de representação e na própria qualidade dessa imagem. Desdobramento em pesquisa sobre o cinema experimental no Brasil e suas formas de elaboração de sentidos. / Subject: Study of the film Limite by Mario Peixoto, Brasil, 1930, focusing on its narrative structures. Aims: To check, the verbal expressions of the film, its mechanisms and aesthetic form and use of language. Results: the variety of facets of the cinema, the order of representations of time and the ambiguity of the nature of the image, its narrative systems, put together by the assembly, will determine the differences in the type of the image representation and also the quality of this image. A development in the research of experimental cinema in Brasil and the elaboration of senses.

O cinema é um meio de reprodução mecânica da imagem surgido no final do século XIX, na Europa, numa época em que a sociedade e a cultura experimentavam a chegada da modernidade. Sua presença corroborou para a crise da arte pictórica e seu mecanismo de apreensão da realidade foi apropriado pelos artistas das vanguardas de ruptura, em especial os dadaístas, que passaram a utilizar o filme experimental para refletirem e criticarem seu tempo. Muitos dos artistas envolvidos com as vanguardas voltaram-se para a realização de filmes que enfocavam a metrópole e suas contradições na vida e nos costumes de seus habitantes. Este trabalho pretende partir deste ponto, quando o cinema de vanguarda se torna uma ferramenta de documentação histórica e social, procurando, como objetivo, observar a presença da metrópole nos filmes autorais realizados no início do século XX, bem como a presença de seus habitantes, buscando compreender quais procedimentos estéticos e ideológicos permeiam tais obras a partir do uso inventivo da câmera, num momento em que o cinema demonstra clara diferenciação entre a mera narração de entretenimento, e a arte como crítica e reflexão. Neste trabalho serão analisados os filmes Rien que les heures (1926), de Alberto Cavalcanti; e Berlim, sinfonia da grande cidade (1928), de Walter Ruttmann, e comparados com as produções brasileiras São Paulo, a sinfonia da metrópole (1929), de Rudolf Rex Lustig e Adalberto Kemeny; e Fragmentos da vida (1929), de José Medina. A intenção é compreender suas realizações dentro da realidade social, poética e estética de seu tempo, observar a presença da figura do flâneur em contraponto com o homem-da-multidão, e estabelecer paralelos entre os filmes europeus e os brasileiros, aqui abordados. / The cinema is a means of mechanical reproduction of image emerged in the late nineteenth century in Europe, a time when society and culture experienced the arrival of modernity. Its presence corroborated to the crisis of pictorial art and its mechanism of apprehending reality was appropriated by artists of the vanguards of rupture, especially the Dadaists, who started using the experimental film to reflect and criticize their time. Many of the artists involved with the avant-garde turned to the production of films that focused on the metropolis and its contradictions in the life and habits of its inhabitants. This work intends to start from this point, when the avant-garde cinema becomes a tool of social and historical documentation, and seeks to observe the presence of the metropolis in films made in the early twentieth century, as well as the presence of its inhabitants, so to understand what aesthetic and ideological procedures permeate these inventive works, at a time when film shows clear differentiation between mere narration for entertainment, and art criticism and reflection. This reseach will analyze the films Rien que les heures (1926), by Alberto Cavalcanti; and Berlin, symphony of the great city (1928), by Walter Ruttmann, and will compare them with Brazilian productions São Paulo, sinfonia da metrópole (1929), by Rudolf Rex Lustig and Adalberto Kemeny; and Fragmentos da vida (1929), by José Medina. The intention is to understand their accomplishments within the social, aesthetic and poetic reality of their time, observe the presence of the figure of the flâneur as opposed to the manof- the-crowd, and draw parallels between European and Brazilian addressed movies here.

O trabalho tem como objeto os filmes realizados por Andy Warhol entre 1963 e 1969. No primeiro capítulo, \"A máquina\", discutimos algumas questões mais gerais e teóricas sobre a passagem de Warhol pelo cinema, em especial a constituição de um estilo impessoal e maquínico, que o artista parece trazer diretamente de sua prática anterior na pintura. No segundo capítulo, \"Corpo, superfície e erotismo\", observaremos como essa máquina atua na prática, submetendo os corpos filmados a um rígido dispositivo, trazendo à tona reflexões sobre temas como a performance e o erotismo nesses filmes. / The present work is focused on the films directed by Andy Warhol between 1963 and 1969. On the Chapter 1, \"The machine\", we\'ll deal with more wide and theoretical questions concerning Warhol\'s itinerary through cinema, in particular the setting up of an impersonal and machinic style brought to cinema by the artist from his previous practice on painting. On the Chapter 2, \"Body, surface and eroticism\", we\'ll see how this machine works in practical terms by subduing the bodies to its rigid apparatus, bringing out issues such as the performance and the eroticism in those films.

Orientador: Francisco Elinaldo Teixeira / Dissertação (mestrado) - Universidade Estadual de Campinas, Instituto de Artes / Made available in DSpace on 2018-08-22T23:32:50Z (GMT). No. of bitstreams: 1 Rasia_RegisOrlando_M.pdf: 2828650 bytes, checksum: 4654948f231d2feae25358c25a3a6fd4 (MD5) Previous issue date: 2013 / Resumo: Analisaremos o processo criativo dos filmes de Rogério Sganzerla que tratam da passagem de Orson Welles pelo Brasil em 1942: Nem tudo é verdade, Linguagem de Orson Welles, Tudo é Brasil e O signo do caos. Um gigantesco inventário de materiais viria a compor as narrativas que resgatam a passagem de Welles pelo Brasil. Sganzerla investiga os motivos da finitude e o esquecimento do projeto, cristalizando a sua pesquisa em imagens e sons no cinema, integrando gostos, gêneros e estilos passando pelo denso uso de materiais de arquivo / Abstract: We will discuss the creative process the films of Rogério Sganzerla, approaching the passage of Orson Welles by Brazil in 1942: Nem tudo é verdade, Linguagem de Orson Welles, Tudo é Brasil e O signo do caos. A huge inventory of materials would compose these narratives rescuing the passage of Welles by Brazil. Sganzerla investigates the motives of the finitude and forgetfulness of the project, crystallizing your search with images and sounds on cinema, integrating tastes, genres and styles through the dense use of archival materials / Mestrado / Multimeios / Mestre em Multimeios

Orientador: Fernão Vitor Pessoa de Almeida Ramos / Dissertação (mestrado) - Universidade Estadual de Campinas, Instituto de Artes / Made available in DSpace on 2018-08-26T23:31:20Z (GMT). No. of bitstreams: 1 Bettim_Priscyla_M.pdf: 8573724 bytes, checksum: 0f1ebd23c98141622f698944b190e180 (MD5) Previous issue date: 2014 / Resumo: A presente dissertação tem como objetivo traçar um estudo panorâmico da obra cinematográfica do cineasta lituano radicado em Nova York Jonas Mekas, bem como analisar, dentro da vasta obra de Mekas e do cinema experimental ou de vanguarda, as particularidades estéticas, os processos de criação do cineasta, e as características de filme-diário, nas quais Mekas toma como ponto de partida sua vida e seu cotidiano para realizar seus filmes. A dissertação também delineia a trajetória do cineasta no chamado underground de Nova Iorque, evidenciando suas principais contribuições para a cena artística da época / Abstract: This thesis aims to draw a panoramic study of the cinematic work of the Lithuanian filmmaker living in New York Jonas Mekas, and analyze, among his vast work and other experimental and avant-garde films, aesthetic characteristics, the filmmaker's creative process, and the diary films features, in which Mekas takes his own everyday life to compose his films. The paper also outlines Jonas Mekas' trajectory in the so-called New York's underground scene, pointing out his main contributions to the artistic environment of the time / Mestrado / Multimeios / Mestra em Multimeios

A tese \"Cinema amador arasileiro: história, discursos e práticas (1926-1959)\" tem como objetivo principal mapear historicamente o surgimento das atividades cinematográficas amadoras no Brasil, por meio da consulta a fontes documentais e filmes preservados em arquivos. Tema ainda inexplorado pela historiografia do cinema brasileiro, o primeiro passo do nosso estudo foi a própria constituição do campo. Para tanto, partimos da análise histórica do surgimento da figura do amador e sua relação com as questões da modernidade nos séculos XIX e XX até chegarmos ao lançamento dos equipamentos específicos para o público cineamador na década de 1920. A formação desse novo mercado e público consumidor também propiciou a convivência de diversas formas de produção e espaços de prática, como a feitura de filmes de família no ambiente doméstico, a produção de ficções e documentários em clubes de cinema e a experimentação artística. Adotamos esses três eixos da produção amadora como base para pensarmos os primeiros anos do cinema no Brasil e algumas dessas manifestações em filmes preservados em arquivos. A partir desse primeiro percurso histórico, centramos a nossa análise na prática amadora institucionalizada, qual seja, de grupos de amadores que se organizaram como uma comunidade cultural em diálogo. As colunas de amadores de Cinearte são o primeiro indício desta cultura amadora no Brasil. A revista será uma porta-voz brasileira desta transformação, não só pela divulgação sobre os equipamentos dedicados exclusivamente ao nicho amador, como também uma fonte extremamente rica sobre os deslizamentos do termo amador e sua especificidade no tocante ao contexto brasileiro. O segundo momento privilegiado de análise são as atividades do Foto-Cine Clube Bandeirante, a partir de 1945. A pesquisa sobre as atividades do clube se centrará na análise das colunas cineamadoras publicadas no Boletim Foto-Cine, onde encontramos informações sobre os diversos concursos organizados e a relação do departamento cinematográfico com outras instituições culturais do período. As discussões sobre a fotografia moderna e o trabalho de fotógrafos como Thomaz Farkas também permearam a seara amadora e servem como base para pensarmos em amadores dedicados à experimentação cinematográfica. / The thesis \"Brazilian amateur cinema: history, discourses and practices (1926-1959)\" undertakes a historical investigation about the emergence of amateur filmmaking in Brazil through the analyses of documentary sources and films preserved in archives. A theme not yet developed by Brazilian film historiography, the first step of our research was to understand the constitution of the amateur field and its relationship with the cultural changes of modernity in the 19th and 20th century. The release of amateur film equipment in the consumer market in 1920 stands as an important mark in the amateur cinema field. This new consumer market allowed a diversity of film practices such home movies, amateur filmmaking in cinema clubs and artistic experimentation. These practices are the foundation of our analyses of the first years Brazilian cinema and of amateur films preserved in archives. The next step of our investigation is centered in the activities of amateur groups. The first evidence of this amateur culture are the amateur film columns of Cinearte magazine. The magazine witnesses the arrival of amateur film equipment in Brazil and the transformation it entailed in the cinematographic field. It is also a great source for the different forms of amateur practice and the specificity of the Brazilian context. The second moment of analyses concerns the activities of Foto-Cine Clube Bandeirante, starting in 1945. Our main source are the amateur columns published in Boletim Foto-Cine where we can gather information about the different competitions and film festivals organized by the club and the relationship of the cinema department with other cultural institutions. The debates about Brazilian modern photography and the work of photographers such as Thomaz Farkas are important guidelines for the identification of experimental activities within the club.

Desde os primeiros filmes realizados em jogos digitais nos anos 1990, a noção de machinima vem sendo associada às convenções do cinema clássico. Com isso, ela falha em abranger a diversidade das obras audiovisuais produzidas em ambientes virtuais interativos em tempo real. Assim, o presente estudo busca contribuir com uma melhor compreensão dessa noção, através da análise interpretativa dos seus filmes experimentais e da bibliografia específica. Ele também pretende colaborar com a sua expansão como meio de comunicação e expressão artística. Em um primeiro momento, busca-se evidenciar a associação da noção de machinima com o cinema clássico, através da apresentação dos filmes relevantes durante a sua história e também de uma análise interpretativa das primeiras publicações teóricas. A partir dessa constatação, são apresentadas práticas audiovisuais precedentes e filmes experimentais realizados nos seus anos iniciais. Em seguida, pretende-se demonstrar que o afastamento da narrativa representado pelas obras experimentais de machinima abre espaço para a identificação de outros elementos que possam colaborar com um entendimento mais aprofundado da sua noção. Dessa forma, as seguintes características são apresentadas e analisadas em relação a essa ideia: a performance, a intervenção e o registro. Essa aproximação é prosseguida pela análise interpretativa dos filmes Formation (Difference and Repetition), de Baden Pailthorpe, 30 Seconds or More One Animation a Day, de Victor Morales e Abstract Livecoded Machinima (Missile Command), de David Griffiths. Ao enfatizar as obras experimentais de machinima, a proposta deste estudo é evidenciar que há uma diversidade de caminhos, entre a narrativa e a experimentação, a serem percorridos pelos artistas com machinima e que a sua noção deve abranger a pluralidade dessas produções audiovisuais. / Since the first films accomplished in digital games in the 1990s, the concept of machinima has been associated to the conventions of classical cinema. Therewith, it fails to embrace the diversity of audiovisual works produced in real-time interactive virtual environments. Therefore, this study aims to contribute to a deepen comprehension of this concept through an interpretative analysis of its experimental films and also of the specific bibliography. It also intends to collaborate with its expansion as a communication and an artistic expression medium. First, it is aimed to evince the association of the idea of machinima with the classical cinema, through the presentation of the relevant films of its history and also through an interpretative analysis of the first theoretical publications. From this verification, the previous audiovisual practices and experimental movies accomplished in its first years are presented. Then, it is intended to demonstrate that the distance from narrative represented by the experimental works in machinima makes room for the identification of other features that may collaborate to a deepening understanding of its concept. Thus, the following features are presented and analyzed in relation to this idea: the performance, the intervention, and the record. This approximation is followed by the interpretative analysis of the films Formation (Difference and Repetition), by Baden Pailthorpe, 30 Seconds or More One Animation a Day, by Victor Morales, and Abstract Livecoded Machinima (Missile Command), by David Griffiths. By emphasizing the experimental works in machinima, the proposal of this study is to evince that there is a diversity of paths, between the narrative and the experimentation, to go through by the artists with machinima. Thus, its concept must include the plurality of these audiovisual productions.

Orientador: Sergio Mauro Romagnolo / Banca: Pelópidas Cypriano de Oliveira / Banca: Verônica Fabrini / Resumo: O tema desta dissertação é a análise crítica da obra de dança Inspiração a Dois uma vez estruturada como linguagem híbrida, entre a dança e a performance, dialoga com a modernidade. Esta fase da história segundo Alain Touraine tem no sujeito o operador das mudanças onde a liberdade individual aciona as mudanças no meio social. A obra Inspiração a dois ao envolver na sua formalização diferentes meios de expressão com seus signos próprios: ora som, ora movimento, ora imagem, ora gestual, ora palavra constrói uma simbologia cênica onde os conteúdos são codificados nas linguagens da dança e da performance, a expressão do sujeito e a materialidade expressiva da obra conversam numa dialogia com a tradição sendo potencializadora da criação. A reflexão sobre pontos da poética do espetáculo que tem os temas: da identidade do intérprete, Neoconcretismo e Tropicália também se baseia nos textos convergentes dos seguintes autores: Celso Favaretto, Antonio Calado, Alain Touraine, Luigi Pareyson, Umberto Eco, Thierry de Duve, Herbert Read, Charles Harrison e Lícia Maria Morais Sanchez que formam o corpo bibliográfico principal deste estudo / Abstract: The theme of this dissertation is the critical analysis of the work of the dance called 'Inspiração a Dois' which is structured with an amalgam of hybrid languages, between dance and performance, dialogue with modernity. During this phase of the 20th century, Alain Touraine in his book Crítica da Modernidade tackled the subject matter that involves the process of changes where one's own individual liberty gives rise to actions that change in a social environment. The work 'Inspiração a Dois' involves the familiarization of different forms of expression with your own senses, sometimes sound, sometimes movement, sometimes image, sometimes gesture and sometimes word building a scientific symbolism where everything is classified as the medium of dance and performance, an expression of the subject content and an expression of the material of the work expressed as dialogue with a tradition having the potential of creation. Themes which are highlighted in the show 's presentation include interpretation of identity, Neoconcretismo and Tropicália, the dissertation is based on the theories, ideas and texts of the following authors; Celso Favaretto, Antonio Calado, Alain Touraine, Luigi Pareyson, Umberto Eco, Thierry de Duve, Herbert Read, Charles Harrison and Lícia Maria Morais Sanchez which form the body of the major bibliographic of this study / Mestre