Qu'est-ce que le talent du conteur, sinon tout le talent ? Telle est la phrase lancée par Philarète Chasles dans son Introduction aux Romans et contes philosophiques, en 1831. En effet, malgré‚ la réputation de romancier qu'on lui fera plus tard, Balzac a d'abord une nette préférence pour le conte. Son identité auctoriale se place sous le patronage de grands conteurs tels que les Arabes inconnus des Mille et Une Nuits, Boccace, Rabelais, La Fontaine et Sterne. Si Balzac s'inscrit dans la tradition du genre avec La Dernière Fée (1823) et une série de Contes drolatiques (1832-1837), avec les Romans et contes philosophiques (1831), les Contes bruns (février 1832), et les Nouveaux Contes philosophiques (octobre 1832), il vise plutôt à une rénovation du genre à sa manière. Il s'agit ici de retracer l'image du conte dans le premier tiers du XIXe siècle, et le parcours de Balzac par rapport à ce genre, depuis sa jeunesse jusqu'au début des années 1830. A travers plusieurs enquêtes sur la publication de contes en livre et dans la presse, un panorama bibliographique est dressé. Sont envisagés ensuite les travaux et les jours du Balzac conteur dans une période marquée par la mode du conte, mais aussi par le changement de la situation socio-économique qui conditionne la vie des écrivains. Chez Balzac, le conte n'est pas un genre uniforme et fixé‚ mais conçu et pratiqué‚ comme un genre souple et multicolore qui peut accueillir la variété formelle, thématique, du ton et du style. Dans son désir de s'identifier avec ce genre, Balzac se façonne une figure de conteur, dont on propose ici l'histoire depuis son origine jusqu’à sa disparition précoce vers la fin de 1832. / "What is the talent of the 'Conteur', if not that of all talents combined ?" writes Philarète Chasles in his forward to Romans et contes philosophiques published in 1831. Although Balzac is best known as a novelist, he himself greatly admired the genre known as the "conte". Balzac traced a great deal of his own literary identity to the "grands conteurs" he considered his patrons such as Boccaccio, Rabelais, La Fontaine, Sterne and "the anonymous authors of The Arabian Nights". If in La DerniŠre Fee and Contes drolatiques Balzac confronts the traditions of this genre, his Romans et contes philosphiques, Contes bruns and Nouveux Contes philosohpiques represent instead an attempt to reform the "conte" in his own style. This thesis re-examines the "conte" as it was written in the first decades of the 19th century and traces the course of Balzac's literary development vis a vis this genre from his "youthful period" until the first years of the 1830s. Through a survey of books and literary magazines, I give a bibliographic survey of various "contes" published during this time. I also examine the daily work and life of Balzac during these years : a time not only of immense popularity for the "conte" within literary circles, but also one of changing socio-economic conditions for writers in general. Balzac envisaged the "conte" not as fixed genre, but as one of great flexibility and iridescence capable of accommodating a variety of styles, tones, and themes. Through his close identification with this genre, Balzac styled himself above all as a "conteur", an identity which this thesis traces from its earliest formulations until its precocious dissolution near the end of 1832.

L’écrivain Erri De Luca agit comme un passeur d’histoires personnelles, intimes et collectives, ce qui nous conduit à en étudier les origines et les fondements. À nous interroger sur la manière dont l’écriture poétique et sensible du poète rend possible une transmission de l’Histoire. Or, cela pose évidemment la question de la mémoire et de la manière dont elle est restituée : interprétation, manque, oubli, réinvention rétrospective. Mais révèle aussi la possibilité des récits d’offrir au lecteur contemporain la capacité de s’approprier cette Histoire qu’il n’a pas nécessairement vécue. En effet au coeur de cette oeuvre singulière se déploie une force de prédication qui donne au lecteur attentif la possibilité de saisir une phrase sensible où s’exprime la puissance de l’image, de se l’approprier, de la mémoriser et enfin de la transmettre de nouveau en la remodelant. D’où l’importance de ce geste du conteur dans l’écriture d’Erri De Luca et l’intérêt que nous y portons. Dès lors le style narratif où domine cette poétique de la sensation, révèle un art de raconter par excellence. / The writer Erri De Luca acts as a storyteller of personal, intimate and collective stories. It leads us to study the origins and the foundations of his writing. It makes us think about the way his poetic and sensitive writing makes a transmission of History possible. Yet, it inevitably questions memory and the way this memory is reproduced: interpretation, absence, forgetfulness and retrospective reinvention. It also reveals the possibility of story telling to offer today’s reader the capacity to appropriate this History he may not have lived through. A the heart of this singular work indeed, there is a strength of speech which enables the attentive reader to understand a sensitive sentence in which the power of the image is fully expressed. The reader can seize this sentence and memorize it before transmitting it again after remodelling it. Thus the importance of this storytelling particularity in Erri De Luca’s writing. From then on De Luca’s narrative style full of lyrical sensation, reveals a powerful mastery of telling.

Ce mémoire explorera l'identité nationale islandaise à travers la notion du raconteur véhiculée par les œuvres de deux artistes contemporains islandais – Ólöf Nordal et Steingrímur Eyfjörd. Le but de ce mémoire est d'interroger ce qui peut constituer une identité nationale islandaise et comment les œuvres examinées ici interprètent et déstabilisent une compréhension normative d'identité dans la culture islandaise. Les principales assises théoriques seront la politique identitaire et la narrativité. À partir d'une investigation de la théorie de la pensée nomade proposée par Gilles Deleuze et Félix Guattari dans l'ouvrage Mille Plateaux : Le capitalisme et la schizophrénie et par Rosi Braidotti dans son ouvrage Nomadic Subjects : Embodiment and Sexual Difference in Contemporary Feminist Theory, une compréhension d'identité nationale islandaise comme nomadique sera élaborée. Des textes de Ernest Renan et de Timothy Brennan informeront également cette étude et la compréhension de « nation » et « nationalisme ». Une considération théorique du rôle du conteur sera entreprise dans le but de mieux comprendre l'héritage de narrativité et de l'identité nationale tel qu'élaboré par Roland Barthes, John Berger, Mieke Bal, Walter Benjamin et Homi K. Bhabha. Leurs propos informeront la lecture de l'identité nationale islandaise et l'influence de la narrativité sur les œuvres de Ólöf Nordal et Steingrímur Eyfjörd. ______________________________________________________________________________ MOTS-CLÉS DE L’AUTEUR : Islande, identité nationale, la théorie de narrativité, le conteur, le mythe, le nomadisme, Ólöf Nordal, Steingrímur Eyfjörd, l'art contemporain islandais.

Y a-t-il une différence entre mémoire et imagination ? Comment évoquer l’histoire d’une guerre dont les séquelles sont encore manifestes et qu’on souhaite oublier? Le théâtre répondrait-il à l’obligation de mettre à distance une telle histoire ? Entre la nécessité de se rappeler et le besoin d’oublier, la création théâtrale au Liban dans les années 2000 réveille le paradoxe de l’écriture de l’histoire de la guerre civile (1975-1990). Écrits de journaux, faits divers, photos, vidéo, Internet deviennent les matériaux du travail scénique, autant de traces qui évoquent les symptômes d’une mémoire conflictuelle, latente ou traumatisée, soulignant les méfaits de l’oubli volontaire et les influences des médias. La potentialité fictive des documents et des archives constitue les enjeux de la création, particulièrement dans les oeuvres de la compagnie Arcinolether, de Rabih Mroué et de Walid Raad. Enquêter, raconter et interroger deviennent les modalités d’un langage scénique. Ces formes narratives s’apparentent à des mises en performance et mettent en question la représentation théâtrale et le jeu de l’acteur. Dérivant d’une « dramaturgie documentaire », la scène contemporaine au Liban joue sur la frontière entre réel et fiction. Ce caractère glissant de la vérité décline des enjeux politiques et rend poreuse la relation entre témoignage et faux document. En soumettant le passé au débat, ces réalités imaginaires permettent-elles de faire le deuil d’une histoire amputée, d’engager un changement de regard vers le passé et peut-être aussi l’amorce d’une « démarche résiliente » ? / What is the difference between memory and imagination ? How does one evoke the history of a war whose scars are still fresh and which one would like to forget ? Is theater able to provide other points of view of such a history ? Between the necessity to remember and the need to forget, theatrical creation in Lebanon in the 21st century points out the possibilities and limits of writing the history of the civil war (1975-1990). Newspaper articles, miscellaneous news items, photos, videos, and the internet become the materials of scenic work, palimpsestes witnessing the symptoms of a conflicting memory, latent or traumatized, underlining the misdeeds of voluntary forgetfulness and the influence of the media.The fictitious potentiality of documents and of archives highlights the stakes of creation, particularly in the works of the theater companies of Arcinolether, Rabih Mroué, and Walid Raad. To investigate, to tell, and to question become the modalities of a scenic language. These narrative forms resemble art performance and call into question theatrical representation and acting. Deriving from a "dramaturgical documentary", contemporary theater in Lebanon performs on the frontier between reality and fiction. The elusive quality of the truth has political implications and renders porous the relationship between witness testimony and false document. In submitting the past to debate, do these imaginary realities allow us to mourn an interrupted history, to introduce a new way of looking at the past, or to trigger the "process of resiliency" ?

Guelwaar, à l’opposé des autres œuvres de Sembène Ousmane – dont les films sont tirés de nouvelles et de romans- a suivi le sens inverse du schéma classique de l’adaptation en ce qu’il est un film devenu roman. Une telle particularité fait que notre travail suit deux parcours : de l’écrit à l’écran et de l’écran à l’écrit. La fonction narrative de Sembène qui représente dans l’écriture l’art du conte africain constitue le point commun entre un bon nombre de travaux sur l’œuvre littéraire et filmique de Sembène Ousmane. A partant du narratif pris en charge par le « griot-conteur », notre étude tient à montrer que le langage de l’œuvre de Sembène n’est pas seulement narratif, il est aussi « monstratif » et surtout visuel, lequel langage occupe une part importante dans la lecture du livre et du film de Sembène Ousmane. / Guelwaar, contrary to other works of Sembène Ousmane - Films of which are pulled by news and by novels, followed the inverse sense of the classic plan of the adaptation in the fact that it is a film become novel. Such a peculiarity makes that our work follows two courses: of the paper in the screen and the screen to the paper.The narrative function of Sembène which represents in the writing the art of the African tale constitutes the common point enter a good many of works on the literary and cinematic work of Sembène Ousmane. In leaving of narrative taken care by the "griot-storyteller", our study is anxious to show that the language of the work of Sembène is not only narrative,He is also " monstratif " and especially visual, who language occupies an important part in the reading of the book and the film of Sembène Ousmane.

Dans ce mémoire, les contes de trois conteurs contemporains du Québec – Jos Gallant d’André Lemelin, Ti Pinge de Joujou Turenne et L’entrain à vapeur, de Fred Pellerin – font avant tout l’objet d’une lecture pragmatique afin de mieux comprendre comment le conteur, qui emploie le canevas en spectacle, transmet une fiction à un auditoire ou à un lectorat. L’étude présente d’abord une analyse comparative de chacune des prestations avec la version publiée d’un même récit et met ainsi en relief leurs points de convergence et de divergence. Selon l’hypothèse avancée, l’analyse de la prestation des conteurs qui suivent un canevas révèlerait comment s’y manifestent les dimensions performatives et les articulations du discours fictionnel. Corrélativement, l’examen des rapports entre le conteur et son public permet ensuite de s’interroger sur le statut du narrateur et de voir en quoi et comment, durant la performance, la fiction est partagée avec l’auditoire. L’analyse des énoncés performatifs, inspirés des travaux de Kerbrat-Orechionni et la dynamique de vectorisation proposée par Pavis pour l’étude de la gestuelle, des mimiques et de la voix, sont mises à contribution et visent également à dégager les outils pouvant servir à l’analyse des spectacles de contes. Au terme de cette recherche, l’auteure démontre les avantages liés au canevas, notamment en ce qui concerne les interactions qu’il favorise avec le public et dans la liberté qu’il procure, en permettant de modifier ou d’adapter le discours et les ressources expressives du conteur à chacune de ses représentations. / In this thesis, the three tales written by contemporary Quebec storytellers – Jos Gallant by Andre Lemelin, Ti Pinge by Joujou Turenne and L’entrain à vapeur by Fred Pellerin – are for the most part subjected to a pragmatic reading, where the objective is to develop a better understanding of how these storytellers employ structure in storytelling to transmit fiction to their audiences or readers. The study begins with an analysis of each story, a comparison of the storytelling and published versions, and finally their various points of convergence and divergence are highlighted. In accordance with this hypothesis, the analysis of each storyteller’s performance structure will reveal how the performative and fictional discourse dimensions are expressed. Correspondingly, through examining the relationships between the storyteller and the audience, we question the narrator’s status and discover by what means and how the fiction is shared with the audience during the performance. The analysis of performative statements, inspired by the work of Kerbrat-Orechionni and by dynamic vectorization put forward by Pavis for the study of gestures, facial expressions and voice, which are all made to contribution, also targets the identification of any tools useful for storytelling analysis. Once having completed this research, the author demonstrates how structure, especially that used to encourage audience interaction and the overall freedom generally procured can be beneficial in modifying or adapting expressive speech and other resources available to storytellers in each of their performances.

Dans ce mémoire, les contes de trois conteurs contemporains du Québec – Jos Gallant d’André Lemelin, Ti Pinge de Joujou Turenne et L’entrain à vapeur, de Fred Pellerin – font avant tout l’objet d’une lecture pragmatique afin de mieux comprendre comment le conteur, qui emploie le canevas en spectacle, transmet une fiction à un auditoire ou à un lectorat. L’étude présente d’abord une analyse comparative de chacune des prestations avec la version publiée d’un même récit et met ainsi en relief leurs points de convergence et de divergence. Selon l’hypothèse avancée, l’analyse de la prestation des conteurs qui suivent un canevas révèlerait comment s’y manifestent les dimensions performatives et les articulations du discours fictionnel. Corrélativement, l’examen des rapports entre le conteur et son public permet ensuite de s’interroger sur le statut du narrateur et de voir en quoi et comment, durant la performance, la fiction est partagée avec l’auditoire. L’analyse des énoncés performatifs, inspirés des travaux de Kerbrat-Orechionni et la dynamique de vectorisation proposée par Pavis pour l’étude de la gestuelle, des mimiques et de la voix, sont mises à contribution et visent également à dégager les outils pouvant servir à l’analyse des spectacles de contes. Au terme de cette recherche, l’auteure démontre les avantages liés au canevas, notamment en ce qui concerne les interactions qu’il favorise avec le public et dans la liberté qu’il procure, en permettant de modifier ou d’adapter le discours et les ressources expressives du conteur à chacune de ses représentations. / In this thesis, the three tales written by contemporary Quebec storytellers – Jos Gallant by Andre Lemelin, Ti Pinge by Joujou Turenne and L’entrain à vapeur by Fred Pellerin – are for the most part subjected to a pragmatic reading, where the objective is to develop a better understanding of how these storytellers employ structure in storytelling to transmit fiction to their audiences or readers. The study begins with an analysis of each story, a comparison of the storytelling and published versions, and finally their various points of convergence and divergence are highlighted. In accordance with this hypothesis, the analysis of each storyteller’s performance structure will reveal how the performative and fictional discourse dimensions are expressed. Correspondingly, through examining the relationships between the storyteller and the audience, we question the narrator’s status and discover by what means and how the fiction is shared with the audience during the performance. The analysis of performative statements, inspired by the work of Kerbrat-Orechionni and by dynamic vectorization put forward by Pavis for the study of gestures, facial expressions and voice, which are all made to contribution, also targets the identification of any tools useful for storytelling analysis. Once having completed this research, the author demonstrates how structure, especially that used to encourage audience interaction and the overall freedom generally procured can be beneficial in modifying or adapting expressive speech and other resources available to storytellers in each of their performances.

Les narrateurs du Bel Inconnu de Renaut de Beaujeu, de Florimont, d’Aimon de Varennes et de Partonopeu de Blois se démarquent par leur statut ambigu. Ils posent leur voix dès le prologue et s’affirment à travers un dialogue avec les dédicataires dont la lecture ou l’écoute actualisent le processus narratif. Un transfert à la fois énonciatif et scriptural parachève cette élaboration, offrant la possibilité aux auteurs de se couler dans la fonction du narrateur, appréhendé dès lors comme l’unique médiateur du récit. Dans une perspective plus large, l’intrication des formes et des matières favorise la complexité et la richesse du « je » polymorphe à venir. Les narrateurs deviennent alors conteurs et maîtres d’une narration qu’ils organisent à leur guise. En adoptant des stratégies narratoriales diverses, ils demeurent la voix unique et font figure d’instance narrante surplombante dans une perspective exclusive, globale et cohérente. Mais surtout, ils combinent leur « je » conteur à leur « je » amoureux dont les interruptions au caractère plus intime permettent la réalisation. Le récit subsume ainsi le discours lyrique, le fait sien, l’espace romanesque devenant le lieu d’une mutation lors de laquelle les narrateurs se projettent dans les personnages eux-mêmes, conçus tels des outils au service du « je ». Nous assistons ainsi à une narration plus intériorisée et à la manifestation d’un narrateur-auteur qui, en tant que sujet empirique, se sert de la fiction comme d’un véritable espace d’expérimentation. Cette figure auctoriale se cristallise lorsque le « je » exhibe ses capacités d’écrivain ou lorsqu’il livre des considérations pseudo-autobiographiques semblant marquer le texte du point de vue d’une conscience. / The narrators in Le Bel Inconnu by Renaut de Beaujeu, Florimont, by Aimon de Varennes and Partonopeu of Blois stand out due to their ambiguous status. They establish their voice in the prologue and assert themselves through a dialogue with the dedicatees, whose reading or listening updates the narrative process. A transfer, which is at the same time enunciative and scriptural, completes this elaboration, offering the authors the possibility to sink into the function of the narrator, understood from then on as the sole mediator of the narrative. From a broader perspective, the entanglement of forms and materials fosters the complexity and richness of the future polymporph "I". The narrators then become storytellers and masters of a narrative that they organise as they see fit. By adopting diverse narratorial strategies, they remain the sole voice and act as an overriding narrative authority from an exclusive, comprehensive and coherent perspective. But above all, they combine their storyteller "I" with their romantic "I" whose interruptions to the more intimate style allow for their realisation. The narrative thus subsumes the lyrical discourse, adopting it as its own, the romantic space becoming the place of change in which the narrators project themselves into the characters themselves, conceived as tools in the service of "I". We are thus witnessing a more internalised narrative and the manifestation of a narrator-author who, as an empirical subject, uses fiction as a truly experimental space. This auctorial figure crystallises when the "I" exhibits his capacities as a writer or when he provides pseudo-autobiographical considerations seeming to mark the text from the point of view of a consciousness.