La déconstruction est une notion très présente dans nos recherches à la maîtrise. Nous décortiquons une idée en observant comment il nous est possible de la fragmenter et, par la suite, nous structurons nos actions conceptuelles et plastiques. Aussi, l'évolution du processus de création nous aide à supprimer des artifices qui gravitent autour d'un sujet d'exploration, faisant en sorte de clarifier nos intentions sur ce sujet. L'appropriation d'un objet et ses caractéristiques intrinsèques sont détournées, pour ainsi donner des perspectives alternatives et alimenter une nouvelle composition dans la recherche. Également, nous avons expérimenté l'insertion ou l'immersion du regardeur dans un ensemble sculptural. Pareillement, nous avons intégré des disciplines telles que la photographie, le son et la vidéo, offrant ainsi une projection et des questionnements inédits à notre travail actuel, autrement formel. Enfin, la multidisciplinarité artistique manifeste un élan de création qui tente de proposer une expérience sensorielle complète.

Ce mémoire traite de mon processus de création de caractères typographiques de titrage. Par l'observation de mon environnement immédiat, je choisis des objets qui me permettent de faire surgir ou de reconnaître des systèmes visuels. À partir de ces systèmes, je crée de nouveaux caractères typographiques. Un système est une base de travail qui suggère une structure, une grille. La première partie de ce mémoire présente le contenu théorique lié au domaine de la création de lettres. Elle présente aussi mon travail de création : la création de 8 caractères typographiques, de leur histoire et du processus de leur développement Dans la deuxième partie, il est question de l'étude de classements typographiques existants, suivie d'une présentation d'un classement typographique inspiré des lettres générées au cours de mon exploration. Ce système a été instauré pour me permettre de créer différentes catégories basées sur le processus créateur. La dernière partie présente deux affiches créées dans le but de recontextualiser deux créations typographiques

L'enseignement des arts au niveau universitaire est traditionnellement organisé par discipline afin de faciliter la formation d'artistes spécialistes pour chaque forme d'arts (Detels, 2000). Bien que cette spécialisation ait amené au développement d'artistes dotés d'une haute expertise, elle ne répondrait pas suffisamment aux pratiques et aux exigences actuelles du milieu professionnel, lesquelles se veulent de plus en plus portées sur la création et la collaboration entre plusieurs disciplines (Richard et al., 2015; Snook et Brown, 2017). En outre, la nouvelle génération d'apprenants accorde un grand intérêt aux pratiques qui favorisent un apprentissage moins formel de l'art (Cayari, 2014; 2015). C'est notamment les cas pour celles qui leur permettent de mélanger des disciplines (Richard et al., 2015) et d'utiliser des technologies (O'Neill, 2012), car elles seraient plus connectées avec le monde dans lequel ils vivent (Jenkins, 2009). Ce projet de recherche vise à décrire la manière dont des étudiants inscrits à des programmes universitaires en arts ont perçu une formation artistique reçue dans le cadre d'un cours multicycle les ayant invités à travailler en collaboration à l'aide d'une approche de cocréation interdisciplinaire lors de la session d'automne 2019. À cette fin, nous avons réuni un échantillon de dix-huit étudiants inscrits à un programme de premier ou de deuxième cycle universitaire en art visuel, en musique ou en théâtre à l'Université Laval. L'activité de recherche connectée à ce nouveau cours a permis de récolter et d'analyser diverses données pour mieux comprendre les retombées de ce cours sur leur formation universitaire d'artiste. Dans le but de documenter l'expérience vécue par les étudiants dans le cadre du cours, nous avons utilisé les journaux de bord qu'ils devaient remplir après chaque séance. De plus, à la suite de la dernière séance de cours, nous avons utilisé un questionnaire pour identifier les facteurs qui ont influencé positivement ou qui ont limité leur engagement envers l'approche de cocréation interdisciplinaire que nous leur avons proposée durant le semestre. Enfin, nous avons réalisé une entrevue de groupe semi-dirigée afin de valider notre interprétation de la perception des étudiants sur la pertinence de réaliser des échanges interdisciplinaires au sein d'une formation universitaire et pour faire émerger des pistes d'améliorations pédagogiques à intégrer au plan de cours. Les résultats du projet révèlent l'importance de favoriser l'intégration de pratiques qui rassemblent plusieurs disciplines durant la formation artistique et pédagogique au niveau des études supérieures. En effet, une adaptation du contenu des programmes actuels en arts avec davantage d'aspects liés à la collaboration entre les disciplines aurait pour effet de mieux connecter le contenu des formations universitaires avec le milieu de la création artistique actuelle. De plus, ce rapprochement permettrait aux étudiants de développer et de maîtriser des outils théoriques et pratiques pour atteindre de façon plus efficace la professionnalisation à leur sortie des études. La description de l'expérience vécue par les étudiants montre que l'utilisation d'activités d'exploration en groupe est idéale pour les introduire à une approche de cocréation interdisciplinaire. Les résultats mettent également en lumière que les étudiants ont parfois de la difficulté à collaborer lorsqu'on leur demande de réaliser un important objectif comme la cocréation d'une présentation finale. Les résultats liés au questionnaire sur l'engagement révèlent que la valeur liée aux activités et l'apprentissage actif ont été des vecteurs favorables pour soutenir l'engagement des étudiants. Plus précisément, l'intérêt et l'importance que les étudiants ont accordés à l'approche de cocréation interdisciplinaire et la réalisation d'activités variées, la prise d'initiatives et les responsabilités que les étudiants se sont données ont été des sources importantes d'engagement. À l'opposé, les sentiments de compétence et d'immersion ont pu limiter l'engagement et même les apprentissages des étudiants, car ces derniers manquaient d'expériences préalables envers ce type d'approche pour pouvoir satisfaire pleinement ces besoins. / Art education at university level has traditionally been organized by discipline to produce artists who specialize in different art forms (Detels, 2000). While this specialization has led to the development of a high level of expertise, it is no longer sufficiently connected to current professional practice and demands that are increasingly focused on creation and collaboration across multiple disciplines (Richard & al., 2015; Snook & Brown, 2017). In addition, young learners show a great interest in practices based on less formal approaches to teaching and learning arts (Cayari, 2014; 2015). They are especially interested in approaches that allow them to mix disciplines (Richard et al., 2015) and use technologies (O'Neill, 2012), which would be more connected to the world where they live (Jenkins, 2009). The purpose of this research project is to describe how students enrolled in university art programs perceive the integration of an interdisciplinary co-creative approach. To conduct this study, we gathered a sample of 18 participants studying in undergraduate or graduate programs in visual arts, music, and theater at Laval University. In the fall 2019 semester, they participated in the before-mentioned arts course. Data were first collected through a journal that participants completed after each session to document their experience in the course. Following the final course semester, we administered a survey to identify factors that positively influenced or limited participants' engagement with the interdisciplinary co-creation approach. Finally, we conducted a semi-structured group interview to validate our interpretation of students' perceptions regarding the relevance of interdisciplinary approaches in university education and to identify pedagogical improvements to be integrated into the course plan. Results indicate the importance of encouraging the integration of practices that bring together several disciplines during artistic and pedagogical training at both undergraduate and graduate levels. Indeed, adapting the curriculum of current art programs to incorporate more collaboration between disciplines would connect the content of university training with the current creative arts milieu. Furthermore, it provides students with more theoretical and practical tools to achieve professionalization more effectively after graduation. The description of the students' experience shows us that the use of group exploration activities is an ideal tool to introduce an interdisciplinary co-creation approach. Results also reveal that students have difficulty to collaborate when asked to accomplish a major goal such as co-creating a final presentation. Analyses related to the engagement survey show that the activity value factor and the active learning factor were favorable vectors to support student engagement, especially concerning the interest and the importance that students place on the interdisciplinary co-creation approach. Additionally, the completion of a set of varied activities, the possibility of taking initiatives, and the responsibilities that students gave themselves were important sources of engagement. In contrast, the sense of competence and immersion may have limited student engagement and even learning, due to participants little prior experience with this kind of approach and collaborative work to fully meet these needs.

Emma est une installation sonore dont le modèle prend racine au sein de la tradition orale québécoise. Typique de l'organisation de l'espace lors des fêtes de cuisine, l'installation emprunte la forme circulaire dessinée par huit caisses de son jumelées à huit chaises qui substituent chacune un personnage. Au centre, est diffusé un document sonore sur lequel est enregistrée une chanson à répondre chantée par mon arrière-grand-mère : Emma. Ensuite, j'ai produit de nouveaux enregistrements qui sont combinés au document original et mis en relation dans un nouveau dialogue : la nouvelle version d'Emma. Le concept artistique est une rencontre entre les univers de la tradition et de l'invention qui fait revivre mon héritage des pratiques sociales de ma culture. Emma formule une version qui tente de répondre à l'évolution des pratiques traditionnelles.

Cet écrit sur mon projet de recherche création implique ma pratique en arts visuels, plus spécifiquement la peinture transitant par l'image photographique. Il questionne les répercussions sur les plans sémantiques et formels de l'utilisation d'une image référentielle en peinture ou, plus précisément, les différents enjeux de la représentation d'une image photographique en peinture (émotionnels, temporels et visuels), de l'étape de la prise de vue photographique jusqu'à son interprétation. Mes tableaux émergeant de photographies issues de ma vie personnelle, des thèmes comme l'autobiographie, l' autoreprésentation et le rôle de la mémoire d'un moment vécu dans l' interprétation d'une image en peinture sont abordés. Ce travail vise à développer une réflexion pertinente sur la problématique de la représentation et de l' autobiographie en tant que pratique artistique dans la peinture. Il est une mise en théorie qui accompagne la production visuelle que j 'ai effectuée au cours de ma maîtrise en arts visuels

Le monde dont je fais partie me touche et me projette dans la confusion. Il me semble que mes idées sur celui-ci demeurent toujours partielles de par sa démesure et son infinité. C'est entre autres parce que j'y suis immergé, comme un élément constituant, et donc hanté par les choses qui m'entourent et m'habitent. Par un processus de création venant du corps connaissant les matériaux, il y a bien une méthode qui prévaut : celle du ± recyclage ¿. En soupesant la charge de possibles dans les matériaux, leurs énergies et leurs forces, j'opère une digestion massive du réel, de proche en proche, un remaniement chirurgical par incorporation - ce qui tient du sismographique ou du tellurique, de la mastication. Ce travail est un faire qui surgit d'une présence face aux choses, un mouvement pour habiter la matière. Il y a là une quête de connaissances et de compréhension de tout ou de n'importe quoi. La vision transperce tout objet et ne connaît aucune autre limite que la sienne, c'est-à-dire celle de l'individuation et de ses contingences. Ma peinture est mouvement de transgression : sortir des limites et aller ailleurs. La peinture, intrinsèquement événementielle, détourne toujours la volonté vers des inattendus. Ainsi elle est vécue comme une activité de l'ordre du trajet : trace et capture du réel en images plutôt que projet. La peinture ne reproduit pas le visible; elle rend plutôt les visions ou fantômes du corps sensible entreprenant, et donc une singularisation. Elle est une revendication vivante de liberté. Mon travail en peinture est un travail d'intensification ou d'infestation qui se pose en contraste, voire en opposition, au monde de la banlieue nord-américaine, de son amour de la neutralisation, de la séparation et de l'imitation. La ± schizophrénie ¿ qui découle du capitalisme contemporain contribue, dans la durée, au durcissement de modèles d'existences types, à une stereotypic de la pensée qui transforme la liberté d'où ces modèles semblent issus, en contraintes et en dépendances. Je m'appelle Benoît Blondeau et je viens des Saules.

Ce texte d'accompagnement consiste en une présentation de mon processus créateur, des expérimentations qui en résultent ainsi que des concepts qui soutiennent mes préoccupations actuelles. Dans un langage personnalisé, je m'intéresse au concept d'autoaction comme conducteur de l'autonomie créative. Selon ma définition, je dirais que l'autoaction est une action qui laisse entrevoir la subjectivité d'une personne et qui en ce sens, ouvre peut-être sur une autonomie créative. Celle-ci résulterait donc de l'exploration que fait une personne de sa subjectivité, et ce, au sein d'une action. La présente étude défendra l'idée selon laquelle l'interdépendance conceptuelle entre subjectivité, autoaction et autonomie créative est nécessaire pour ouvrir une réflexion, au sein de ma pratique artistique, sur des thèmes globaux comme celui de l'émancipation, la liberté ou l'intégrité. Il sera principalement question de démontrer que la présence d'une subjectivité affirmée, même dans tous ses états, est plus riche que la potentielle abnégation de celle-ci. Pour ce faire, je me concentrerai sur mes recherches en lien avec la notion de non objectivation de l'être humain développée par le philosophe Alexis Klimov ainsi que sur les mécanismes émancipatoires présents au sein de ma pratique artistique. / This accompanying text consists of a presentation of my creative process, the results of experiments and concepts that support my current preoccupations. In a personalized language, I am interested in the concept of self-action as a driver of creative autonomy. According to my definition, I would say that self-action is an action that suggests a person's subjectivity and that, in this sense, may open up creative autonomy. This would therefore result from the exploration that a person makes of his subjectivity within an action. The present study will support the idea that the conceptual interdependence between subjectivity, self-action and creative autonomy is necessary to open a reflection, within my artistic practice, on global themes such as that of emancipation, freedom or integrity. It will be primarily a question of demonstrating that the presence of an affirmed subjectivity, even in all its states, is richer than the potential abnegation of it. To do this, I will focus primarily on the outcome of my research related to the notion of non-objectification of the human being developed by the philosopher Alexis Klimov as well as on the emancipatory mechanisms present within my artistic practice.

Ce mémoire de maîtrise doit être lu comme une tentative d'éloignement. Éloignement face à toute théorie, à tout discours philosophique dominant ou non, à toute forme de connaissance préalable ou non à une pratique artistique, et potentiellement face à moi-même et aux autres. Sous forme de prolégomènes satiriques , ces textes sont un moment dans la vie de son auteur. Et dans un monde meilleur , le résumer serait impossible.

Faisant écho à l’exposition Chronosculpture, ce mémoire retrace mes réflexions des deux dernières années sur les principaux concepts qui habitent ma pratique sculpturale, soit les notions de réénergisation, de dynamisme potentiel et de temporalité qui émergent de la suspension d’objets. En abordant dans un premier temps les singularités qui découlent de cette technique de suspension, j’articule ce parcours réflexif autour du concept de chronosculpture, un type de sculpture qui génère une durée et un déroulement potentiel par la mise en relation d’objets-séquence dans l’espace. Ma vision temporalisée de la sculpture prend entre autres forme en tissant des liens avec la reconstitution du mouvement par la chronophotographie, le concept de durée indivisible selon Henri Bergson et certaines notions développées par Gilles Deleuze en lien avec le cinéma. / Supporting the exhibition Chronosculpture, this thesis retraces my reflections over the past two years on the main concepts that inhabit my sculptural practice, namely the notions of re-energization, potential dynamism and temporality that emerge from the suspension of objects. By first addressing the singularities that result from this technique, I articulate this reflexive journey around the concept of chronosculpture, a type of sculpture that generates a temporal unfolding and a duration by the relation of sequence objects in the space. Among other things, my temporalized vision of sculpture is articulated by referring my practice to the reconstruction of movement through chronophotography, the concept of indivisible duration according to Henri Bergson and certain concepts developed by Gilles Deleuze in connection with cinema.

Ce mémoire témoigne du désir de « raconter » une expérience des sens et du parcours par un processus photographique narratif. Il fait état de ma recherche-création sur \ Ailleurs, sur le langage du paysage et du temps, sur l'élaboration et la compréhension des mouvements de la mémoire et de l'acte de captation photographique. Les photographies créées pour Ce lointain si proche prennent leur source dans les mondes de l'enfance, dévoilant la richesse et la portée des souvenirs s'y rattachant. Il y est aussi question du processus de déplacements géographiques et de parcours littéraires nécessaires au processus initial de création de l'image. L'imaginaire est ainsi appréhendé comme métaphore du déplacement.