Orientador: Paulo Mugayar Kuhl / Dissertação (mestrado) - Universidade Estadual de Campinas, Instituto de Artes / Made available in DSpace on 2018-08-07T10:02:33Z (GMT). No. of bitstreams: 1 Motta_Liandra_M.pdf: 4884725 bytes, checksum: ffcdf20fd3bd86cf33517152a799a421 (MD5) Previous issue date: 2006 / Resumo: A presente dissertação resulta de um estudo realizado a partir do levantamento e transcrição de críticas, à obra e vida do artista brasileiro Antônio Diogo da Silva Parreiras (1860-1937), publicadas por jornais e revistas em circulação entre os anos de 1883 e 1937, nas cidades do Rio de Janeiro e São Paulo. Apresenta uma breve biografia do pintor, uma pequena introdução aos críticos da época e um texto crítico sobre as questões mais recorrentes nas publicações / Abstract: The present dissertation is the result of a study based on the critiques to work and life of the Brazilian artist Antônio Diogo da Silva Parreiras (1860-1937), published in newspapers and magazines between 1883 (his first exhibition) and 1937 (his death), in Rio de Janeiro and São Paulo. It includes a brief biography of the artist, the context of the contemporary art criticism and a critical text on the most recurrent aspects in publications / Mestrado / Artes / Mestre em Artes

Orientador: Ivan Santo Barbosa / Dissertação (mestrado) - Universidade Estadual de Campinas, Instituto de Artes / Made available in DSpace on 2018-07-22T01:50:48Z (GMT). No. of bitstreams: 1 Goncalves_MariaGoreteDadalto_M.pdf: 35336365 bytes, checksum: 2bc07891a647bdfc59d1393c9bd175bf (MD5) Previous issue date: 1996 / Resumo: Se nós vivemos numa época em que as imagens dominam todos os espaços, devemos nos preocupar com a apreciação que cada indivíduo faz destas imagens e do seu cotidiano. Optamos por investigar a contribuição da fotografia neste processo, uma vez que é uma das mais simples dentre as imagens tecnicamente produzidas e uma vez conhecido o seu princípio formador, o indivíduo terá outros elementos para compreender a construção da imagem, seja fotográfica ou não. Através da fotografia, a criança pode ver com outro olhar, fazer recortes e leituras de seu ambiente, decodificar o mundo ao redor, ver aguçada sua percepção visual, podendo aprimorar seu senso estético, seletivo e portanto crítico. A fotografia é investigada, nesta pesquisa, como recurso lúdico/pedagógico, como instrumento de registro e de análise, detectando e apontando, através das fotografias realizadas pelas crianças, elementos para instrumentalizar uma leitura de como este indivíduo vê o seu mundo, sua família, seus amigos e suas brincadeiras / Abstract: Not informed. / Mestrado / Mestre em Multimeios

Afirmamos na presente tese a coerência e relevância de se utilizar a estética kantiana na crítica da dita arte moderna e contemporânea. Nos capítulos seguintes, mediante as críticas de Greenberg, De Duve, Lyotard e Mario Costa, evidenciamos a utilidade dos juízos de gosto e do sublime de Kant para se pensar a fruição de certas obras. Alteram-se alguns aspectos dos conceitos kantianos para uma melhor adaptação dos mesmos às obras e à cultura do século XX. De todo modo, nos exemplos observados na tese fica evidente a contribuição de Kant para se pensar a fruição da arte moderna e contemporânea, na medida em que o juízo de reflexão mobiliza as nossas faculdades cognitivas na determinação do comprazimento e do conhecimento geral a partir das obras de arte observadas. / We affirm in this thesis the coherence and relevance of using Kantian aesthetics in the critique of said modern and contemporary art. In the following chapters, we have evidenced the utility of the Kant´s judgments of taste and the sublime through the criticisms of Greenberg, De Duve, Lyotard and Mario Costa, to consider the fruition of certain works. It has been verified during the research, that changes in some aspects of Kantian concepts have been made in order to better adapt them to the works and twentieth century culture. In any case, by the examples observed in the thesis, Kants contribution is evident in considering the fruition of modern and contemporary art that the judgment of reflection mobilizes our cognitive faculties both when determining enjoyment as well as general knowledge from works of art.

Este trabalho é resultado de pesquisa de campo realizada com a artista plástica Flávia Ribeiro, abrangendo um período extenso de produção de sua obra. O objetivo é fazer uma leitura psicanalítica de sua poética, tecendo um fio condutor para a compreensão de trabalhos executados no decorrer de 10 anos, com materiais diferentes, dimensões extremamente variadas e linguagens plásticas que vão da pintura, desenho, gravura à escultura. Segue metodologia que utiliza entrevistas livres gravadas no ateliê da artista, cujo material transcrito é abordado à maneira da atenção flutuante da escuta psicanalítica; uma leitura flutuante que recorta a associação livre da artista em unidades temáticas. Assim, o trabalho de pesquisa concentra-se em duas frentes: o discurso do artista e o contato com a obra, a partir da psicanálise implicada, que trabalha as manifestações singulares da obra com seu leitor e insere o inconsciente do observador no campo observado como instrumento de pesquisa, tal como se dá no campo transferencial psicanalítico. Ora, é fato que a crítica contemporânea de arte, diferentemente da moderna, que supõe o crítico como legitimador da obra e mediador desta com o público, centra seu interesse na legibilidade das obras e a participação das situações propostas pelos artistas. Exige de seu crítico, portanto, o pensar sobre sua experiência. Deste modo, como não se trata da produção de conhecimento a partir de uma hipótese a priori e sim de uma reflexão efetuada a partir das questões suscitadas no decorrer do processo e em convívio com a artista, este trabalho inscreve-se na seara crítica. E, uma vez que se trata de uma leitura que organiza sua poética em recortes que a ele conferem novos sentidos, desenvolve-se como uma estratégia curatorial do universo poético de Flávia Ribeiro. / This paper is the result of field research conducted on plastic artist Flávia Ribeiro and encompasses an extensive period of her career. The aim is to apply a psychoanalytic reading to her poetic, drawing a connective thread through it and thus understanding her production spanning a period of ten years, including different subjects and a broad variety of dimensions and plastic expressions, ranging from painting, drawing and engraving to sculpture. The methodology makes use of open interviews conducted in the artists studio. This material, when transcribed, is approached with the same free floating attention as utilized in psychoanalysis an open ear that divides the artists free association into separate subjects. Concentrating on two fronts: the artists discourse and contact with her work, it is sustained within implied psychoanalysis which, as can be seen in the field of transference, processes the unique manifestations of the works with their reader and inserts the observers unconscious into the observed field as a research tool. Indeed, it is a fact that contemporary reviews of art focus their interest on the legibility of the works and participation in situations proposed by artists. Critics are therefore required to think about their experience and not focus on legitimizing the work or mediating it with the public. As this paper deals with reflections on issues arising during time spent with the artist, rather than with the production of knowledge based on an a priori hypothesis, it can be considered as a review and, as it is a reading that organizes its poetic in snippets which confer new meanings, the paper evolves as a curatorial strategy for Flávia Ribeiros poetic universe.

Orientador: José Oscar de Almeida Marques / Dissertação (mestrado) - Universidade Estadual de Campinas, Instituto de Filosofia e Ciências Humanas / Made available in DSpace on 2018-08-19T13:08:20Z (GMT). No. of bitstreams: 1 Souza_Rafaelde_M.pdf: 902181 bytes, checksum: 8c06aa63706c73ec9e851fa2b3bdadf3 (MD5) Previous issue date: 2011 / Resumo: "Do padrão do gosto" já pode ser considerado um texto de filosofia clássico na área da Estética, pois ainda é estudado e admirado por muitos, talvez atualmente mais do que nunca, passados mais de duzentos anos. Tal apelo universal se deve, em parte, ao gênero de investigação do ensaio e, é claro, por ele levar o nome desse filósofo maior que foi David Hume. Pode-se classificá-lo ao lado daquelas obras que discutem o que é a beleza (questão essa que aparece desde os tempos mais remotos na filosofia); mais particularmente, o que conta para as belezas das artes mais finas, digamos, para aquelas da literatura. Além disso, esse é um dos textos mais eminentes de uma das discussões mais características do século XVIII britânico, qual seja, como considerar a nossa capacidade de perceber belezas, ou o que é o gosto. O ensaio, portanto, está ligado a tradições bastante fortes entre nós. Agora, certamente a sua pertinência não teria se mantido sem a excelência de sua escrita - e sobretudo isso. Me refiro não apenas às suas qualidades literárias, que bastariam para explicar o interesse que essa obra tem incessantemente despertado ao longo dos anos e em diferentes países; acredito que o ensaio tem uma primorosa estrutura argumentativa, uma que tem produzido uma enorme variedade de leituras, e deixado muitos leitores simplesmente perplexos. O seu argumento é tal que parece incorrer no tratamento de uma série de questões, procedentes de diferentes "lugares", pelo menos é essa a impressão que passa a literatura ao seu respeito. Assim, o desafio que se coloca para qualquer leitor seu seria descobrir quais são as questões mais relevantes e significativas, como elas entram na argumentação, até que ponto elas são desenvolvidas e com qual finalidade; pois não é de se supor que todas elas tenham um igual destaque ao longo do argumento, ainda que talvez se ligassem a algum outro interesse que justificasse que fossem trabalhadas a partir do ensaio. Com essa observação, gostaria de chamar a atenção para o fato de que o ensaio (como qualquer outro texto filosófico) pode e deve ser pensado a partir de várias questões, mas é igualmente importante de se lembrar que algumas dessas devem ser mais representativas de seu argumento do que outras. Ora, a minha intenção é indicar quais seriam elas, e para justificar as minhas escolhas, mostrarei como elas conferem ao ensaio uma estrutura argumentativa, e vice-versa, como uma ou outra maneira de se estruturá-lo permite pensar em umas ou outras questões; isso, é claro, requer que se determine quais seriam as suas partes constitutivas e de como elas poderiam estar relacionadas, assim como um poder reconhecer essas questões, nomeá-las e apresentá-las / Abstract: "Of the standard of taste" is certainly a key text in aesthetics, for it is the object of study and admiration for many, perhaps more nowadays than ever, more than two centuries later. Such an universal appeal is partially due to the genre of inquiry of the essay, and obviously, to the fact that it carries the name of this major philosopher that was David Hume. It can be classified beside those works that discuss what is beauty (a theme that appears in philosophy since its beginnings); more precisely, what counts for the beauty of the finer arts, especially, for those of literature. Besides, it is also one of the most eminent texts of one of the most characteristics debates of the eighteenth century in Great-Britain, to wit, how to consider our capacity to perceive beauties or what is taste. The essay, therefore, is related to very strong traditions among us. Now, it is evident that its pertinence would not have prevailed without the excellence of its writing - and that above all. I mean not only its literary qualities, which explain sufficiently the interest that this work has aroused throughout the years and in different countries; I believe the essay has an excellent argumentative structure, one that has produced a great variety of readings, and has left perplexed a lot of readers. Its argument is such that it seems to incur in dealing with a series of problems, proceeding from different "places", at least this is the impression one gets from the literature concerning it. Thus, the task of every reader should be to ascertain which problems are more relevant and significant, how are they introduced in the argumentation, up to what point are they developed and with what purpose; for it is not to be supposed that all of them should be equally outstanding in the course of the argument, even if they were related to some other interest that should justify dealing with them in the essay. With this observation, I would like to pay attention to the fact that the essay (like any other philosophical text) can and should be thought of by a variety of problems, but it is equally important to remember that some of these must be more representative that others in comprehending its argument. Now, my intention is to point out what those problems should be, and to justify my choices, I will show how do they give an argumentative structure to the essay, and vice-versa, how one or another way of structuring the essay permits us to think of one or other set of problems / Mestrado / Filosofia / Mestre em Filosofia

Orientador: Fernando Augusto de Almeida Hashimoto / Dissertação (mestrado) - Universidade Estadual de Campinas, Instituto de Artes / Made available in DSpace on 2018-08-21T05:48:03Z (GMT). No. of bitstreams: 1 Vieira_FernandaVanessa_M.pdf: 1850340 bytes, checksum: 45916d23e482276ef0ac554ed52f2ae3 (MD5) Previous issue date: 2012 / Resumo: A presente dissertação tem como principais objetivos: 1. descrever e discorrer sobre a transcrição de tangos brasileiros para marimba; e 2. realizar um estudo interpretativo sobre os mesmos. Para isto foram utilizadas as músicas Rayon d'Or (1892) e Garoto (1916), oriundas de diferentes épocas dentro da cronologia composicional de Ernesto Nazareth. O processo de transcrição e adaptação dessas duas obras é contextualizado com um breve histórico do desenvolvimento e da popularização da marimba, bem como se discute a importância do uso de transcrições nos primórdios da formação de seu repertório. Aliado à transcrição dos tangos se inclui um estudo interpretativo que aborda tanto a resolução de dificuldades técnicas como decisões interpretativas acerca de aspectos como o controle timbrístico, fraseado, escolha de baquetas, entre outros / Abstract: This work has as main goals: 1. describe and discuss transcriptions of traditional Brazilian Tangos for marimba; 2. to make an interpretative study on these pieces. It utilized two pieces, composed in different compositional periods of Ernesto Nazareth: Rayon D'or (1892) and Garoto (1916). The process of transcription and adaptation is contextualized with a brief history of the development and popularization of the marimba, and overview of the importance of the use of transcriptions in the early formation of its own repertoire. In addition to the transcriptions of these tangos is included an interpretive study which deals with both the resolution of technical difficulties and the interpretative decisions about aspects such as control of the timbre, phrasing, choice of sticking, among others / Mestrado / Praticas Interpretativas / Mestre em Música

Orientador: Luiz Cesar Marques Filho / Dissertação (mestrado) - Universidade Estadual de Campinas, Instituto de Filosofia e Ciencias Humanas / Made available in DSpace on 2018-08-03T20:05:30Z (GMT). No. of bitstreams: 1 Vermeersch_Paula_M.pdf: 13924908 bytes, checksum: c8ec0245a31ad718291e7d060c5b33e4 (MD5) Previous issue date: 2002 / Resumo: Não informado / Abstract: Not informed. / Mestrado / Mestre em História

O presente trabalho visa estabelecer um exercício de perspectiva entre arte e loucura. Atentando para aquilo que é outro, heterogêneo, estrangeiro, constrói- se o terreno para perguntar o que pode a loucura dizer e revelar sobre a arte e a história da arte, e o que pode a arte dizer sobre a loucura. Paralelamente, pergunta-se pelo potencial da antropologia em relação a ambas: como a etnografia e a atitude antropológica podem se construir como paradigma para a teoria e a crítica de arte? A partir da imersão etnográfica em um contexto de reclusão onde arte e loucura se encontram - a oficina de criatividade de um hospital psiquiátrico -, pergunta-se o que podem a antropologia e a etnografia diante da loucura, suas obras e processos. Discute-se, então, uma “virada etnográfica” na arte contemporânea e uma “virada antropológica” ou “etnográfica”, ainda por realizar, na crítica de arte, situando-a enquanto experiência vivida, imersão e criação. Como transformar essas experiências em paradigma para pensar não só as artes dos outros, mas outras artes, outras possibilidades e modos de ser da arte? A partir de visões de diferentes formas pelas quais a busca e o contato com a alteridade se fizeram nas artes visuais, chega-se a indagar pela arte dos loucos. Nesse percurso são mobilizados diferentes referenciais como o Surrealismo, Jean Dubuffet, Arnulf Rainer, Bispo do Rosário, Michel Foucault, entre outros. Nesse exercício, não se perdeu de vista a dimensão política da exclusão dos atores sociais tidos como loucos. A escrita foi vista enquanto tarefa ética frente à memória do sofrimento dos excluídos. A todo o instante, é retomado o questionamento sobre como seguir a linha que liga arte e loucura, sem confirmar compromissos policiais e asilares com as instituições intoleráveis e repressivas de nossa cultura. / This thesis intends to undertake an exercise of perspective between the fields of art and madness. Focusing on what is heterogeneous, stranger, other respect to ourselves and our culture, it puts forward the question about what can madness reveal about art and the history of art, and what can art tell us about madness. This thesis also asks about the potential of anthropology on relating to both art and madness: how can ethnography and an anthropological attitude constitute themselves as a paradigm to art criticism and to the theory of art? Departing from the ethnographic immersion into a universe of reclusion where art and madness meet – the creativity workshop of a psychiatric hospital -, this dissertation investigates the potentialities of anthropology and ethnography in face of madness, its works and processes. An “ethnographic turn” in contemporary art is, then, discussed, as well as an “ethnographic turn”, yet to accomplish, in art criticism, figuring it as intensive experience, immersion and process of creation. How to transform these experiences into a paradigm not just to think the arts of the others (“outsider arts”), but also to think other kinds of art, different possibilities and alternative concepts of art? Departing from several different ways by which the quest and the contact with alterity and otherness were made in the visual arts, the thesis approaches the art of the insane. Along this path, different artistic and philosophical references are mobilized such as Surrealism, Jean Dubuffet, Arnulf Rainer, Bispo do Rosário, Michel Foucault, among others. In this exercise, the political aspects regarding the process of exclusion of social actors categorized as mad are never out of sight. The act of writing was assumed as an ethical task before the necessity of remembering the suffering inflicted to the mad by society. The text constantly reiterates the questioning about how to follow the path that connects art and madness without confirming compromises with intolerable and repressive institutions of our culture.

Orientador: Maria de Fatima Morethy Couto / Dissertação (mestrado) - Universidade Estadual de Campinas, Instituto de Artes / Made available in DSpace on 2018-08-03T16:07:17Z (GMT). No. of bitstreams: 1 Andrade_RisoneteAlvesPereirade_M.pdf: 13245885 bytes, checksum: 84736d643699bec761f08ba2e30ff259 (MD5) Previous issue date: 2003 / Resumo: Considerando o processo criativo o motivo central da trajetória de Lygia Clark, a dissertação parte de um recorte de sua obra - a seqüência Casulos-Bichos-Caminhando - e, através de uma relação entre os trabalhos desse período e as demais fases da artista, pontua e discute as questões principais que acompanham o seu percurso criativo no decorrer de um período de mais de trinta anos, desde as pinturas do início da década de 50 até os Objetos relacionais, no final dos anos 80. Operando deslocamentos nas relações entre artista, obra e espectador, e tendo como ritmo propulsor a linha orgânica, o trabalho de Clark é povoado de metáforas, através das quais busca provocar no participante a reativação de seu potencial criador, substituindo, progressivamente, o produto artístico pelo próprio ato de criar / Abstract: Considering the creative process as the central reason of the trajectory of Lygia Clark, this dissertation departs ftom a clipping ofher work - the sequence Casulos-Bichos Caminhando - and, through a relation ofher works ofthis period to others ofthe artist's phases, points and argues the main issues that follow its creative passage during a period of more than thirty years, since the paintings of the beginning of the 1950's until Objetos relacionais, in the end ofthe1980's. Operating displacements in the relation between artist, workmanship and spectator, and having as a propeller rhythm the linha orgânica, Clark' s work is plenty of metaphors through which it searches to provoke in the participant subject the reactivation of his creative potential, substituting, gradually, the artistic product for the proper act to create / Mestrado / Artes / Mestre em Artes

Orientador: Jorge Sidney Coli Junior / Dissertação (mestrado) - Universidade Estadual de Campinas, Instituto de Filosofia e Ciencias Humanas / Made available in DSpace on 2018-07-20T07:46:25Z (GMT). No. of bitstreams: 1 Magalhaes_AnaGoncalves_M.pdf: 7789409 bytes, checksum: 12dd3a61ad4fc89d94a46b5fb9612dbb (MD5) Previous issue date: 1995 / Resumo: Não informado. / Abstract: Not informed. / Mestrado / Mestre em História