Submitted by Renata Lopes (renatasil82@gmail.com) on 2017-01-04T13:19:35Z No. of bitstreams: 1 lucianaferreiracosta.pdf: 4681835 bytes, checksum: c8ff21e122501c69fd7506e2be90a6be (MD5) / Approved for entry into archive by Diamantino Mayra (mayra.diamantino@ufjf.edu.br) on 2017-01-31T10:33:21Z (GMT) No. of bitstreams: 1 lucianaferreiracosta.pdf: 4681835 bytes, checksum: c8ff21e122501c69fd7506e2be90a6be (MD5) / Made available in DSpace on 2017-01-31T10:33:21Z (GMT). No. of bitstreams: 1 lucianaferreiracosta.pdf: 4681835 bytes, checksum: c8ff21e122501c69fd7506e2be90a6be (MD5) Previous issue date: 2016-07-27 / O objetivo principal deste trabalho foi investigar a produção artística de Achille Perilli (1927-) para entendermos a importância de suas obras presentes na coleção de arte moderna do poeta Murilo Mendes (1901-1975), e a relação entre os dois. Esta coleção de arte pertence ao acervo do Museu de Arte Moderna Murilo Mendes da Universidade Federal de Juiz de Fora (MAMM/UFJF). O Acervo de arte modernada em questão é composto por obras de diversos artistas nacionais e internacionais, contando com significativa representação de vinte e cinco artistas italianos, dentre os quais Achille Perilli, um dos mais importantes protagonistas da arte moderna italiana no imediato pós- Segunda Guerra, fundador do Gruppo Forma1 em 1947. Perilli é um artista romano, pesquisador da forma no espaço, sua poética se afirma no abandono absoluto de qualquer referência ao real. A sua pesquisa orientou-se para o alcance da forma enquanto uma compreensão lógico-estrutural ou mesmo ilógico-estrutural (termos do artista), sendo para ele como um ato de pura espacialização. A presença desse artista na coleção de Murilo Mendes permite-nos conhecer e ponderar sobre as experiências da arte concreta de filiação italiana e, especialmente, a proximidade destas experiências com o pensamento poético de Murilo Mendes. O poeta é natural de Juiz de Fora, e viveu por dezoito anos em Roma onde lecionou e atuou como poeta, ensaísta e crítico de arte. Ele tinha 56 anos quando se transferiu para a Itália definitivamente, onde viveu até o fim de sua vida, vindo a falecer em Portugal. Achille Perilli foi amigo do poeta, uma amizade que durou para sempre. / The main objective of this study was to investigate the artistic production of Achille Perilli (1927-) to understand the presence and importance of his works in the modern art collection of the poet Murilo Mendes (1901-1975). This art collection now belongs to the Museum of Modern Art Murilo Mendes of Universidade Federal de Juiz de Fora (MAMM / UFJF).The moderna Art Collection in question, consists on works of several national and international artists, with significant representation of twenty-five Italian artists, among them Achille Perilli, one of the most important protagonists of Italian modern art in the immediate postWorld War II , and founder of Gruppo Forma1 in 1947. Perilli is a Roman artist, researcher of form in space, his poetic stated in absolute abandonment of any reference to the real. His research was oriented to the achievement of the way while a logical-structural or even illogical-structural understanding (terms of the artist), and for him as an act of pure spatiality. The presence of this artist in the collection of Murilo Mendes, allows us to know and reflect on the experiences of concrete art of Italian parentage, and especially the proximity of these experiences with the poetic thought of Murilo Mendes. The poet was born in Juiz de Fora, and lived for eighteen years in Rome where he taught and served as poet, essayist and art critic. He was 56 years old when he moved to Italy permanently, where he lived until the end of his life, even though he died in Portugal. Achille Perilli was a friend of the poet. A friendship that lasted forever.

A tese discute a atuação de Arthur Azevedo como crítico de arte e colecionador no circuito artístico do Rio de Janeiro entre os anos 1870 até os primeiros anos do século XX. A partir de um levantamento de textos esparsos sobre arte escritos pelo autor na imprensa carioca esforça-se por analisar e situar sua produção crítica frente à arte brasileira da segunda metade do século XIX. Concomitantemente busca-se analisar o conjunto de obras (gravuras, pinturas, livros, álbuns e manuscritos) reunidas pelo dramaturgo nesse mesmo período. Frente a essas duas extensas atuações desenvolve-se como tese central a ideia de que a dupla atuação de Arthur Azevedo somente foi possível, por ser aquele um período de reestruturação do meio artístico permitindo que intelectuais como ele, sem formação na área, pudessem atuar como crítico e colecionador. / This thesis discusses Arthur Azevedo\'s acting as an art critic and collector in the circuit of art in Rio de Janeiro from the 1870\'s until the early years of the Twentieth Century. According to a survey of scattered texts of art written by the author in the \"carioca\" press, he strives to analyze and situate his critical production within the Brazilian art of the second half of the Nineteenth Century. At the same time, it is sought to analyze the set of works (prints, painting, books, albums and manuscripts) gathered by the playwright in this same period. With respect to these two extended performances, it is developed as a central thesis the idea that Arthur Azevedo\'s dual acting was only possible because that period was the restructuring of the artistic movement. Thus, enabling that intellectuals like him could act as critics and collectors without professional training.

Esta pesquisa trata da contribuição de Mário Pedrosa e de Ferreira Gullar para o ambiente artístico brasileiro na década de 50 e início da década de 60. Para esse empreendimento, não nos limitamos à transposição literal de registros sobre a produção artística naquele período, mas implementamos uma análise do ideário dos críticos. Assim, houve uma tentativa de esclarecimento tanto dos posicionamentos de Pedrosa e de Gullar como do valor atribuído por eles à nossa produção artística. Em suma, a pesquisa se dirigiu para uma apreciação histórica das idéias dos críticos como ponto dialogador e de tensão com a produção plástica / -

O objetivo deste trabalho é analisar o modelo interpretativo de Sergio Milliet a respeito da arte moderna e, a partir dele, demonstrar como emerge, de sua teoria da marginalidade, a idéia de morte da arte moderna. Procuraremos circunscrever este problema no ano de 1942, provocando o diálogo entre Milliet e os outros discursos críticos contemporâneos a ele. Por meio dos cruzamentos reflexivos que se estabelecem neste ano, operaremos um trabalho de desmontagem e montagem dos discursos a fim de formar o entroncamento de 1942. Os resultados deste trabalho serão extraídos em função dos efeitos criados pela lógica argumentativa de Milliet, suas bases epistemológicas e pelos contatos entre os diversos textos que se encontraram ao longo do estudo. / The objective of this work is to analyze the interpretative model of Sergio Milliet about modern art and, from it, demonstrate how it emerges, from his marginality theory to the idea of the modern art death. We will try to circumscribe this problem in the year of 1942, provoking the critical dialogue between Milliet and the others contemporary speeches to him. Through the reflective crossings that were established in this year, we will operate a work of dismounting and mounting of speeches in order to form a confluence point of 1942. The results of this work will be extracted in function of the effect created by the logic arguing of Milliet, its epistemologic bases and by the contacts among several texts found throughout the study.

Submitted by isabela.moljf@hotmail.com (isabela.moljf@hotmail.com) on 2016-08-04T19:17:16Z No. of bitstreams: 1 beatrizpinheirodecampos.pdf: 34924654 bytes, checksum: 5922820685f778576f36653d79804b53 (MD5) / Approved for entry into archive by Adriana Oliveira (adriana.oliveira@ufjf.edu.br) on 2016-08-05T11:52:14Z (GMT) No. of bitstreams: 1 beatrizpinheirodecampos.pdf: 34924654 bytes, checksum: 5922820685f778576f36653d79804b53 (MD5) / Made available in DSpace on 2016-08-05T11:52:14Z (GMT). No. of bitstreams: 1 beatrizpinheirodecampos.pdf: 34924654 bytes, checksum: 5922820685f778576f36653d79804b53 (MD5) Previous issue date: 2013-07-03 / CAPES - Coordenação de Aperfeiçoamento de Pessoal de Nível Superior / O presente trabalho propõe uma leitura comparada dos textos críticos de Quirino Campofiorito e Mário Pedrosa e tem o intuito de abranger a área de estudo da História da Crítica de Arte, bem como propor novos olhares para a produção da crítica de arte brasileira . Os textos aqui analisados datam do final da década de 1940 até o final da década de 1960. Os temas estudados vão desde a função da crítica de arte segundo os críticos, passando pela questão da pintura de paisagem, as questões da arte bruta, ou a arte dos “loucos”, da arte primitiva ou naif, até culminar na questão central deste trabalho, a da arte abstrata e das vanguardas abstrato-formais brasileiras. O trabalho buscou apresentar um dos grandes debates criado pelos críticos, o da abstração, através de uma revisão de alguns aspectos que se tornaram importantes para o entendimento do conceito de arte abstrata no pensamento de cada crítico, demonstrando como se deu o surgimento da arte abstrata no Brasil através dos olhos da crítica de arte, e como essa relação influenciou direta e indiretamente à edificação da abstração no cenário artístico brasileiro. O intuito deste trabalho é proporcionar ao leitor uma análise comparada e, através dela, propor como os discursos críticos são importantes para se entender como, através das décadas, alguns conceitos relacionados à arte mudam, e como as referências dos críticos de arte são importantíssimas para se compreender tais mudanças. / This paper proposes a comparative reading of the critical works of Quirino Campofiorito and Mário Pedrosa, aiming to cover the study of the History of Art Criticism as well as proposing a new approach to the production of Brazilian art critics. The texts analyzed hereof date from the late 1940s to the late 1960s. The topics studied range from the function of art criticism for the critics - through the issue of landscape painting, raw art (or the art of "crazy"), the primitive or naive - resulting in the central discussion of this work: abstract art and avant-garde abstract-formal in Brazil. This work aims to present one of the great debates created by art critics - that of the abstract art - through a review of some aspects which are now important to the understanding of the concept of abstract art through the work of every critic, demonstrating how the emergence of Brazilian abstract art took place through the eyes of art criticism and how this relationship, both directly and indirectly, influenced the creation of abstract art in Brazilian artistic scene. The objective of this study is to provide the reader a comparative analysis and, through it, point out how important critical discourses are in order to fully understand how related art concepts change over the years and how these critics references are essential to understand such changes.

Coordenação de Aperfeiçoamento de Pessoal de Nível Superior / The present dissertation is in line of research Arts and Culture, it aims at investigating the subjective processes that can occur from the suture and sobrejuxtaposition (understood as instrumental concepts which share the same time the idea of the sobre-juxtaposition and overlapping) images of works by Claudia Casarino (installation, untitled, 2005) bringing clothes without bodies, which I call "corporate dress" and Vanessa Beecroft s (performance, vb45, 2001) proposing bodies without clothes, which I named 'out-of-subject bodies'. To consolidate the process were discussed such images within the concepts of territory and critical production of art to make sense together some of the contemporary theories that graze the question of body, subjectivity and garments - understood here as possible territoriality. To this end, built up over the search a visual diary that brings verbal (written) and visual (drawings and collages) notes that dialogue throughout the text with images of the works in question. The work is divided into three main areas in which we discuss primarily the method and context that protested the job, then the images will be finally considered separately to think about possible sutures and juxtapositions between them. Therefore, in Casarino s they are faced with objects that get animated through our eyes. Shadows and robes dancing, though still in the room where the work is installed and refer to this body-absent. On the other hand, in Beecroft s it can be found bodies that present the possibility of life and movement, are static, apathetic, oddly organized as things. Make up a kind of installation with objects/bodies that generate disappearances are against each other. If the body and, by analogy, the garment can be thought of as regions, we can infer that Casarino s work is the land, but the occupants of the land and perhaps a spectral presence implies that the bodies they have embodied or would embody. In Beecroft s work, their bodies get out of the subjectivity and the extent is presented repeatedly naked, hence dispossessed, believing that such territory discards to make another kind of territory without borders. / Esta pesquisa, que se insere na linha de pesquisa Arte e Cultura, tem como objetivo investigar quais os processos de subjetivação que podem ocorrer a partir da sutura e da sobrejustaposição (entendidos enquanto conceitos instrumentais que comungam ao mesmo tempo da idéia da justaposição e da sobreposição) das imagens das obras de Claudia Casarino (instalação, sem título, 2005) trazendo vestes sem corpos, as quais eu chamo de vestes incorporadas e de Vanessa Beecroft (performance, vb45, 2001) propondo corpos sem vestes, as quais eu nomeio de corpos dessubjetivados . Para embasar o processo discutiu-se tais imagens no âmbito dos conceitos de território e produção crítica da arte para produzir sentidos juntamente a algumas das teorias contemporâneas que tangenciam a questão do corpo, da subjetividade e das vestes entendidos aqui como possíveis territorialidades. Para tanto, construiu-se ao longo da pesquisa um diário visual que traz anotações verbais (escritas) e visuais (desenhos e colagens) que dialogam ao longo do texto com as imagens das obras em questão. O trabalho subdivide-se em três grandes eixos, nos quais discute-se primeiramente a metodologia e o contexto que insurge o trabalho, posteriormente as imagens propostas isoladamente para finalmente pensar possíveis suturas e sobrejustaposições entre as mesmas. Em Casarino nos deparamos com objetos instalados que adquirem uma sobre-vida através de nossos olhos. Sombras e vestes que dançam, ainda que estáticas na sala onde a obra está instalada e remetem-se a corpos presente-ausentes. Em Beecroft encontramos corpos que ainda que presentificados, ou com a possibilidade de vida e movimento, estão estáticos, apáticos, estranhamente organizados como coisas. Configuram uma espécie de instalação com objetos/corpos que geram desaparecimentos uns frente aos outros. Se o corpo e, por analogia, a veste podem ser pensados como territórios, podemos inferir que na obra de Casarino há o território, mas não os ocupantes do mesmo e talvez por isso uma presença espectral que subentende os corpos que por eles passaram ou poderão passar. Já no trabalho de Beecroft, os corpos se dessubjetivam na medida em que se apresentam repetidos, nus, portanto desterritorializados, entendendo que tal território se desfaz para formular outro tipo de território sem margens.

Orientador: Maria de Fátima Morethy Couto / Dissertação (mestrado) - Universidade Estadual de Campinas, Instituto de Artes / Made available in DSpace on 2018-08-24T11:13:41Z (GMT). No. of bitstreams: 1 Mendes_Talita_M.pdf: 6181643 bytes, checksum: 13de2f327820836fe396de02355bc780 (MD5) Previous issue date: 2014 / Resumo: Esta pesquisa tem por objeto a análise de três instalações realizadas pela artista brasileira Rosângela Rennó ¿ a saber: Imemorial (1994-1995), In Oblivionem (1994-1995) e Hipocampo (1995) ¿ com o propósito de compreender as investigações da artista em torno da imagem fotográfica e das implicações de seu uso no que concerne aos conceitos de memória, deslocamento e estética da desaparição na arte contemporânea. Além das citadas obras deve-se considerar, para efeito analítico, o work in progress da artista, seu Arquivo Universal (desde 1992), por se tratar de coleção pessoal de notícias de jornal que, frequentemente, é revisitada para a elaboração das obras. Fundamental para a pesquisa é a análise do posicionamento de Rennó enquanto colecionadora de ruínas (fotografias descartadas e outros resíduos culturais), de modo a problematizar a tensão existente entre duas formas de coleção que implicam maneiras diferentes de lidar com o tempo e a história: têm-se a dimensão singular e afetiva das coleções da artista como uma prática da memória ¿ fragmentária por excelência ¿ e a organização de suas instalações nos espaços destinados às exposições de arte (galerias e museus), em que prevalece o discurso pautado na linearidade histórica. O papel da artista, que é discutido na pesquisa, coincide, a meu ver, com o contratipo positivo do colecionador, definido por Walter Benjamin como aquele que descarta a função utilitária dos objetos ligando o ato de colecionar a uma percepção dialética do tempo, não linear. A este posicionamento da artista está associado o conceito de desaparição do teórico da cultura e urbanista Paul Virilio, importante para a análise das manipulações que Rosângela Rennó exerce nas imagens das quais se apropria / Abstract: In this research were analyzed three installations made by the Brazilian artist Rosângela Rennó ¿ Imemorial (1994-1995), In Oblivionem (1994-1995) and Hipocampo (1995) ¿ aiming to understand the artist's investigations about the photographic image and the implication of its uses when related to memory, displacement and aesthetics of disappearance concepts in contemporary art. Besides the mentioned works, the artist's work in progress Arquivo Universal (since 1992) is also considered in the analysis, once it consists in her personal collection of news articles which are usually consulted during the conception of her works. It¿s fundamental for this research the analysis of Rennó's position as a collector of ruins (wasted photos and other cultural remains) to problematize the tension between the two types of collection, which mean different ways to deal with time and history: there is the unique and affectionate dimension of the artist's collection as a memory practice ¿ fragmentary par excellence ¿ and the organization of her installations in spaces for art expositions (galleries and museums), where the historical linear discourse is predominant. The role of the artist, which is discussed during this research, coincides with the positive countertype of the collector, defined by Walter Benjamin as the one who discards the utility functions of the objects, connecting the action of collecting to a nonlinear dialectical perception of time. The artist's position is related to the disappearance concept thought by the cultural theorist and urbanist Paul Virilio, important for the analysis of the alterations Rosângela Rennó does in the images she appropriates / Mestrado / Artes Visuais / Mestra em Artes Visuais

Este estudo objetivou evidenciar a atuação de Mario Schenberg na organização das Bienais Internacionais de São Paulo enquanto crítico de arte, nas décadas de 1960 e 1970. Foi analisado o envolvimento do crítico na Sala Especial do pintor Alfredo Volpi na VI Bienal (1961), bem como sua participação no júri de seleção da representação brasileira na VIII, IX e X Bienais (1965, 1967 e 1969). Foi examinada, ainda, a participação de Schenberg nas Mesas Redondas promovidas pela Associação Internacional de Críticos de Arte junto às edições de 1969 e 1971 (X e XI Bienais). A investigação tomou por fontes primárias as críticas originais do Centro Mario Schenberg de Documentação da Pesquisa em Arte ECA/USP escritas no período delimitado, bem como os demais livros, artigos e entrevistas do crítico; acrescente-se a esse material as entrevistas realizadas com artistas, curadores e cientistas que conviveram com Mario Schenberg nessas duas décadas. Além disso, foi realizado um levantamento documental no Arquivo Histórico Wanda Svevo, da Fundação Bienal. A presença do crítico no certame se deu, em primeiro lugar, por conta de sua proximidade com os artistas e seu interesse pela arte e, em segundo lugar, por sua capacidade de trazer um novo olhar para com as obras de arte, que poderia agregar a singularidade da figura de Mario Schenberg aos quadros da Bienal. Ao entender que era função do certame promover visibilidade para os novos artistas que começavam a desenvolver seu trabalho e a definir novos caminhos para a arte, o crítico assumiu o papel de facilitador da aceitação de novos artistas e tendências na representação brasileira das Bienais. / This study had the objective of highlighting Mario Schenberg\'s action in the Sao Paulo\'s International Biennial organization while art critic, in the decades of 1960 and 1970. It was analysed the critic\'s involvement in the painter Alfredo Volpi\'s Special Room in the VI Biennial (1961), as well as his participation on the selection jury of the brazilian representation on the VIII, IX and X Biennials (1965, 1967, 1969). It was examined, still, Schenberg\'s participation on the round tables promoted by the International Association of Art Critics on the 1969 and 1971 (X e XI Biennials) editions. The investigation considered by primary sources the original critics of the Mario Schenberg\'s Center of Documentation Research in Art - ECA/USP written in the defined period, as well as the other books, articles and interviews from the critic; add to this material the interviews with artists, curators and scientists who lived with Mario Schenberg in these two decades. In addition to that, a documental survey was carried out in the Wanda Svevo\'s Historical Archive from the Biennials Foundation. The critic\'s presence in the field was due, in first place, by his proximity to the artists and his interest for the art and, in second place, for his capacility of bringing a new view to works of art, which could add the singularity of Mario Schenberg\'s figure to the Biennial\'s work of art. In understanding that it was the fields function to promote visibility to the new artists who were starting to develop their work and define new ways for the art, the critic took upon him the role of facilitator on the acceptance of new artists and tendencies on the brazilian representation of the Biennials.

Este estudo se propõe a analisar o LongPlay (LP) que consolidou o músico e compositor Milton Nascimento como sucesso tanto de crítica quanto de público: o álbum Minas (EMI-Odeon, 1975). Por razões estruturais, essencialmente musicais e poéticas, o LP Minas é inseparável do próximo disco na carreira do artista, o LP Geraes (EMI-Odeon, 1976). Juntos, eles formam um curioso \"álbum- duplo\", cuja estrutura fundamental - como é demonstrada ao longo da pesquisa - consiste em uma tentativa de união entre estruturas estético-sociais de matrizes diversas, em geral, opostas. Uma vez explicitada a lógica ou o princípio estético que organiza esse conjunto de canções, ou seja, a busca pelo consenso, investiga-se o material histórico condensado nos fonogramas. De acordo com a narrativa que se estabelece no transcorrer das faixas, chega-se à constatação de que um possível significado para a obra é a defesa de uma \"modernidade não tão moderna\". Por apresentarem diversas referências, por vezes explícitas, à história nacional, conclui-se que esse período em questão corresponde ao início do processo de industrialização brasileiro. / This study aims to analyze the LongPlay (LP) that consolidated the musician and composer Milton Nascimento as a successfull artist, both of critical and sales: the album Minas (EMI-Odeon, 1975). For structural reasons, essentially musical and poetic, the LP Minas is inseparable of his next album, the LP Geraes (EMI-Odeon, 1976). Together they compose a curious case of a \"double-album,\" whose fundamental structure - as demonstrated throughout this research - is an attempt to put together social and aesthetic structures of different sources. Once the logic or the aesthetic principle, that organizes this set of songs is settled, in other words, the seek for consensus, then, the historical material condensed in the phonograms is investigated. According to the narrative that is established in the course of the tracks, it is verified that a possible meaning for this work of art is the defense of a \"not so modern modernity\". By presenting several references, sometimes explicit, to national history, it is concluded that the mentioned period corresponds to the beginning of the process of Brazilian industrialization.

Ângulos de uma caminhada lenta: exercícios de contenção, reiteração e saturação na obra de Bruce Nauman parte da discussão de um conjunto de trabalhos do artista norte-americano com o intuito de compreender a estrutura, os elementos constitutivos e os procedimentos característicos de sua produção. A obra de Bruce Nauman mantém uma projeção pública há mais de quatro décadas e contempla meios e materiais variados - das primeiras moldagens às recentes instalações sonoras, o artista passa pela performance, vídeo, fotografia, desenho, gravura e intervenção em escala urbana - e mobiliza, a despeito de sua natureza multifacetada, um conjunto recorrente de questões, algumas das quais em franco diálogo com a tradição da escultura. Além de interrogar a persistência de uma espécie de inteligência escultórica na obra, esta tese propõe examinar o modo peculiar com que Nauman lança mão de alguns procedimentos disseminados nas obras de artistas da sua geração, sobretudo o uso da repetição em chave distinta dos processos de seriação em voga na década de 1960. Nos trabalhos de Nauman, os procedimentos de reiteração, redução, contenção e permutação de poucos elementos tendem a promover experiências de saturação e de extenuação, e, nesse sentido, aproximam-se de certos aspectos da obra de Samuel Beckett; duas linguagens artísticas diferentes que, todavia, mantêm pontos de convergência temática e formal / Angles of a slow walk: exercises in restraint, reiteration and saturation in the work of Bruce Nauman has as its starting point a discussion of a representative array from among the artist\'s production that seeks to obtain a greater understanding of the structure, constitutive elements and specific procedures found in his work. Nauman\'s production has sustained its popular prominence for more than four decades, and spanned an impressively wide spectrum of means and materials - from the early castings and moldings to the recent sound installations, through performance, video, photography, drawing, engraving, print and urban scale interventions - which summons, in spite of its multifarious nature, a persistent, recurring set of questions, some of which engage the sculptural tradition in an open and challenging dialogue. In addition to assessing the endurance of this type of sculptural intelligence in the artist\'s production, the thesis aims at examining the idiosyncratic way in which Nauman employs certain artistic procedures common to the works of artists of his generation, in particular his use of repetition in a fashion quite distinct from the serial processes en vogue in the 1960s; furthermore, the thesis attempts to uncover a number of formal convergences between Nauman\'s procedures in a significant assortment of pieces, and Samuel Beckett\'s body of work, with an emphasis on the exhaustive recombination of minimal elements as well as the use of repetition, suppression and restraint as fundamental mechanisms to promote a saturation of experience.