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Estudio de la conciencia de los órganos como organizadores de la estructura corporal a través de una práctica somática basada en el Body-Mind Centering para la experiencia de movimiento en la práctica de danza contemporáneaValles Pow Sang, Rossana Maria 31 January 2024 (has links)
El presente trabajo de investigación busca estudiar la conciencia de los órganos como
organizadores de la estructura corporal a través de una práctica somática basada en el Body-
Mind Centering. Por consiguiente, el objetivo de esta investigación es observar de qué
manera la conciencia de los órganos como organizadores de la estructura corporal influye en
la práctica técnica de la danza contemporánea. Además, prestar atención a cómo se
exterioriza la experiencia somática a través del movimiento y la danza para observar a la
persona en su totalidad de manera integral.
De esta manera, para esta tesis se realizó un laboratorio práctico que consistió de una práctica
somática enfocada en el Body-Mind Centering con atención en los órganos y en una práctica
técnica de danza contemporánea. El laboratorio se encuentra dividido en dos fases, siendo la
primera una más exploratoria en la que se trabajó con cuatro órganos distintos: corazón,
riñones, útero y sistema digestivo; y con cuatro aspectos técnicos relacionados con la danza:
desplazamiento, alineamiento, proyección y flujo de energía. En la segunda fase se buscó
profundizar en la investigación, por lo que se procedió a trabajar solo con el corazón y el
útero, y con el alineamiento y la proyección. A partir de este trabajo de investigación,
surgieron otras capas de experiencia relacionadas con la conciencia de los órganos
conectados a aspectos más emocionales.
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Twerking: un grito de protesta femenina y feministaBazan Chocos, Paulina Haydee 29 August 2023 (has links)
El presente trabajo de investigación consiste en el análisis de cómo la práctica del twerking,
danza urbana conocida mundialmente, sirve como una herramienta de reapropiación del cuerpo
y sexualidad de la mujer. Se plantea que esta danza permite, gracias a su carácter ritual, la
conversión del cuerpo de la bailarina en un “cuerpo político” capaz de tomar control sobre el
uso de sí mismo y de promover el ejercicio autónomo de la sexualidad y sensualidad en
oposición a lo impuesto por la sociedad patriarcal.
Para desarrollar y argumentar lo propuesto, la investigación se plantea en dos capítulos. En el
primer capítulo, se explica el fenómeno del twerking, poniendo énfasis en las características de
su práctica y en la recepción positiva y negativa que esta ha tenido. Asimismo, se explica cuál
es la concepción de la mujer, su cuerpo y sexualidad según la normativa impuesta por la
sociedad patriarcal. Se contextualiza, además, respecto a la lucha femenina en el arte que ha
ido buscando y encontrando la manera de redefinir, con una mirada feminista, los conceptos
“cuerpo femenino” y “sexualidad femenina”. Por otro lado, en el segundo capítulo, se explica
qué características rituales propias de los actos performativos se encuentran en el twerking, lo
cual permite exponer cómo la suma de estas le otorga al baile la capacidad de convertir el
cuerpo danzante en un cuerpo político que contiene un discurso feminista de reapropiación y
desdramatización del cuerpo y la sexualidad. Finalmente, se analiza cómo este discurso
repercute en la sociedad al contraponerse radicalmente a la concepción patriarcal de cómo debe
ser la mujer y cómo debe desenvolverse en el foro público. / The aim of this study is to analyze how the practice of twerking, a worldwide known urban
dance, works as a way of re-appropriation of the female body and sexuality. It is suggested that
this dance allows, due to its ritual character, the conversion of the dancer's body into a "political
body" capable of taking control over the use of itself and capable of promoting the autonomous
exercise of sexuality and sensuality in opposition to what is imposed by the patriarchal society.
To develop and argue what is proposed, the investigation is presented in two chapters. In the
first chapter, the phenomenon of twerking is explained, with an emphasis on the characteristics
of its practice and the positive and negative reception it has had. Additionally, it is explained
the conception of women, their body and sexuality according to the regulations imposed by the
patriarchal society. It is also contextualized about to the female efforts in art that have been
seeking and finding a way to redefine, with a feminist perspective, the concepts "female body"
and "female sexuality". On the other hand, in the second chapter, it is explained which ritual
characteristics of the performative acts are found in twerking, which allows to expose how the
sum of these gives this dance the ability to convert the dancing body into a political body that
contains a feminist discourse about reappropriation and de-dramatization of the body and
sexuality. Finally, it is analyzed how this discourse affects society by radically opposing the
patriarchal conception of how women should be and how they should behave in the public
forum.
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Aportes y consideraciones del enfoque intercultural en la creación de obras de danza contemporáneaCalderon Nuñez, Naomi Alyson 17 May 2022 (has links)
En una sociedad tan diversa como en la que vivimos urge desarrollar relaciones basadas en
respeto y valoración. Generar diálogo, reflexión y cuestionamientos en base a la cultura se
vuelve un punto de partida para lograr una sociedad ética. Por su parte, la danza
contemporánea reconoce la misma necesidad dentro de su disciplina y específicamente en el
campo de la creación escénica. Al respecto, se postula la interculturalidad como un enfoque
en la creación de obras de danza contemporánea Para ello, se recurrirá a varias fuentes
teóricas en vista de complementar la información e identificar los aportes. En ese sentido,
desarrollar la interculturalidad en las obras de danza contemporánea propone las salas de
ensayo y el espacio escénico como un lugar en el cual los intérpretes pertenecientes a
diferentes culturas un espacio con igualdad de condiciones para desenvolverse de manera
favorable. / In a society as diverse as the one we live, it is urgent to develop relationships based on respect
and appreciation. Generating dialogue, reflection and questioning based on culture becomes
a starting point to achieve an ethical society. For its part, contemporary dance recognizes the
same need within its discipline and specifically in the field of scenic creation. In this regard,
interculturality is postulated as an approach in the creation of contemporary dance works.
For this, various theoretical sources will be used in order to complement the information and
identify the contributions. In this sense, developing interculturality in contemporary dance
works proposes the rehearsal rooms and the stage space as a place in which performers
belonging to different cultures find a space with equal conditions to function favorably.
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Las diferentes concepciones del cuerpo en la actualidad implicadas en la construcción de un cuerpo accesible al movimiento en danzaPeña Torres, Paula Andrea 26 May 2022 (has links)
La sociedad en la que vivimos hoy en día, del hiperconsumo y altamente mediatizada,
continúa teniendo un impacto sobre las concepciones que tienen las personas en relación
al cuerpo. El cuerpo ha pasado a ser un objeto-signo más que circula en la sociedad
contemporánea; sociedad que vive bajo regímenes excesivos de trabajo, producción y
autoexigencia, que se han enmarcados en una aparente “libertad”, pero que finalmente
han conseguido hacernos perder el saber contemplativo y la importancia de uno mismo.
Desde mi lugar, como artista en formación que trabaja desde el cuerpo en la carrera de
danza, he observado cómo las disciplinas artísticas no son ajenas a estos cambios de la
sociedad. El presente trabajo, describe las distintas concepciones sobre el cuerpo que se
han construido a partir de la historia de la danza, donde en sus inicios se regía por
doctrinas que determinaban cómo y quién debía ser un cuerpo que danza; no es hasta poco
antes de terminada la Segunda Guerra Mundial que surge una brecha frente a este
pensamiento de carácter apolíneo. Desde este momento, se manifiestan nuevas formas de
expresión dancística, que aceptan y reconocen a los demás cuerpos capaces de bailar;
cuerpos que construyen su movimiento desde sus subjetividades e individualidad, y son
respetados. A modo de reflexión, este trabajo busca conocer el lugar que tienen hoy en
día estas concepciones en el proceso formativo y quehacer artístico del bailarín
profesional. / The society in in which we live today, of the hyper consumption and highly mediatized,
continues having an impact on the conceptions that people have in relation to the body.
The body has become one more sign-object that circulates in the contemporary society; a
society that lives under excessive regimes of work, production and self-demand, which
have been framed in an apparent "freedom", but which have finally managed to make us
lose contemplative knowledge and the importance of ourselves. As an artist in training
who works from the body in a professional dance career, I have witnessed how artistic
disciplines are not exempt from these changes in the society. The present work describes
the different conceptions about the body that have been built from the history of dance,
where at the beginning it was ruled by doctrines that determined how and who a dancing
body should be; it is not until shortly before the end of the Second World War that a gap
arises in front of this thought of apollonian character. From this moment, new forms of
dance expression are manifested, which accept and recognize other bodies capable of
dancing; bodies that build their movement from their subjectivities and individuality, and
are respected. As a reflection, this work seeks to know the place that these conceptions
have today in the formation process and artistic work of the professional dancer.
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Seguras y empoderadas: experiencias de empoderamiento en mujeres jóvenes de una escuela de baile en la ciudad de Lima, PerúHiga Carbajal, Natalia Sayuri 18 January 2023 (has links)
El “empoderamiento femenino” es una noción con una creciente popularidad.
Actualmente, diversos espacios han adoptado este discurso como por ejemplo las
escuelas de baile. Es así que, en los últimos años, ha venido surgiendo un rubro de
academias dedicadas al empoderamiento mediante el baile. Por ello, la presente
investigación plantea la siguiente pregunta principal: ¿de qué manera las alumnas
jóvenes se relacionan con el discurso de empoderamiento femenino en una escuela de
baile en Lima, Perú? Con el propósito de responder a esta, se mencionan los siguientes
objetivos específicos: indagar cómo es entendido el empoderamiento femenino por parte
de las alumnas como de la escuela de baile; explicar la manera en la que la escuela de
baile se apropia de este discurso; y explicar cómo las alumnas experimentan mediante el
cuerpo el discurso de empoderamiento femenino. La revisión de la literatura académica
se divide en cuatro ejes temáticos: aproximaciones al concepto de empoderamiento
femenino; estudios sobre empoderamiento femenino y danza; y estudios sobre
construcción de corporalidades. En ese sentido, se puede evidenciar que existe un vacío
en la literatura respecto de un abordaje crítico acerca del discurso de empoderamiento
femenino, así como también en la manera en la que se aborda la construcción del cuerpo
a partir de este discurso. Por ello, el presente estudio pretende contribuir a analizar esta
noción dentro de las escuelas de baile partiendo desde la dimensión expresiva del
cuerpo.
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Antes de escenaCarrillo Yalan, Valeria Alejandra 26 April 2024 (has links)
La danza contemporánea ha logrado generar un mayor impacto en el ámbito artísticos del Perú.
Actualmente en Lima, se hacen presente diversos estudios de danza que se han ubicado en
construcciones antiguas y en mal estado en donde practican este estilo de danza. Sin embargo, el diseño
para estos estos espacios va más allá de una habitación con espejos. La falta de conocimiento por parte
de los bailarines sobre qué conceptos implican diseñar un estudio de danza se hace evidente en estos
estudios. Por eso, a través de esta investigación, se realizará un análisis comparativo espacial y
estructural de los espacios de danza, en donde se tomará como ejemplo a los casos presentes casos de
estudio para un diseño adecuado de un salón de danza. / Contemporary dance has managed to generate a greater impact in the artistic field of Peru. Currently in
Lima, there are various dance studios that have been located in old buildings and in poor conditions
where they practice this style of dance. However, the design for these spaces goes beyond a room with
mirrors. The lack of knowledge from the dancers about what concepts imply designing a dance studio
is evident in these studies. For this reason, through this research, will be carried out a comparative spatial
and structural analysis of dance spaces, where the present case studies will be taken as an example for
an adequate design of a dance hall.
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La responsabilidad del creador en danza en el proceso de realización y presentación de una video danzaCáceres Villarán, Ariana Gracia 09 March 2022 (has links)
El presente trabajo busca exponer la responsabilidad ética del creador en danza
en cuanto a presentación y difusión de una video danza, teniendo presente que para el
público este formato no es tan usual en comparación a las presentaciones en vivo. Dado
que, deseamos generar una reflexión sobre la formación o capacitación de los creadores
en danza con el fin de que sepan cuáles los conceptos necesarios para realizar este tipo
de proyecto. De igual forma, se muestra la importancia de la herramienta de video danza
para la danza en general, cuáles son esas nuevas posibilidades que nos brinda.
Asimismo, la situación presentada se discute en relación a los conceptos éticos sobre la
responsabilidad que tiene el creador ante su público, ya que, ellos de alguna forma
confían ante lo que se les presenta. Sin dejar de lado que la representación se vincula
con el público en cuanto a la exposición de un cuerpo, esto se discute a cómo el creador
y el espectador se relacionan, y agregándole los principios éticos de beneficencia y
justicia. / This investigation seeks to present the ethical responsibility of the dance creator
in terms of presentation and dissemination of a dance screen, bearing in mind that for
the public this format is not so usual compared to live performances. Since, we want to
generate a reflection on the formation or qualification of the creators in dance in order
that they know what the necessary concepts to carry out this type of project. In the same
way, the importance of the dance screen tool for dance in general will be shown, what
are these new possibilities that it offers us. Likewise, the situation presented is discussed
in relation to the ethical concepts about the responsibility that the creator has before his
public, since they somehow trust what is presented to them. Without neglecting that the
representation is linked to the public in terms of the exhibition of a body, this argue
about how the creator and the spectator relate, and adding the ethical principles of
beneficence and justice.
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¡MPROV! Interdisciplinaria. Propuesta de improvisación en música folk & jazz con la creación de audiovisual y danza contemporánea.Akansu, Nehir 28 March 2024 (has links)
[ES] ¡MPROV! INTERDISCIPLINARIA. Propuesta de improvisación en música folk & jazz con la creación de audiovisual y danza contemporánea.
¡MPROV! Interdisciplinaria tiene su nombre español porque la idea nació en esta tierra, estos dos signos de exclamación se han puesto para atraer la atención de los lectores a una forma mejorada de la improvisación musical. Es un juego de palabras; ¡mprov! representa el verbo improve que significa mejorar en inglés, su forma de interdisciplinariedad es la versión mejorada del acto de improvisar. Así que ¡MPROV! interdisciplinaria no es una improvisación musical habitual, su objetivo principal es realizar una propuesta de producción e investigación destinada a descubrir el potencial entre la improvisación instrumental interrelacionada con el audiovisual y la danza contemporánea. A nivel metodológico se ha desarrollado desde la revisión teórica de la improvisación en las artes escénicas y la música hasta la propia creación como investigación. Los resultados prácticos de esta investigación creativa han generado por un lado, 13 proyectos interdisciplinarios entre música improvisada, producción audiovisual, danza contemporánea, pintura, poesía, teatro, con artistas nacionales e internacionales donde la viola es el eje vertebrador. La composición y la producción de ¡MPROV! Interdisciplinaria (2022) se encuentra basada en estos elementos: armonía, ritmo, silencio, color y movimiento con la música improvisada en piano con audiovisuales sincronizados, danza contemporánea y viola. / [CA] ¡MPROV! INTERDISCIPLINARI: Proposta d'improvisació en música folk & jazz amb la creació d'audiovisual i dansa contemporània.
¡MPROV! Interdisciplinaria té el nom en espanyol perquè la idea va néixer en aquesta
terra; aquests dos signes d'exclamació s'han emprat per atraure l'atenció dels lectors
cap a una forma millorada de la improvisació musical. És un joc de paraules; ¡mprov! representa improve aquell significa millorar en anglès, de manera que la seva forma d'interdisciplinarietat és la versió millorada de l'acte d'improvisar. Així que ¡MPROV! Interdisciplinaria no és una improvisació musical habitual, el seu objectiu principal és fer una proposta de producció i recerca destinada a descobrir el potencial de la improvisació instrumental interrelacionada amb l'audiovisual i la dansa contemporània. Metodològicament, s'ha desenvolupat començant per la revisió teòrica de la improvisació en les arts escèniques i la música, fins la creació mateixa com a recerca. Els resultats pràctics d'aquesta recerca creativa han generat 13 projectes interdisciplinaris entre música improvisada, producció audiovisual, dansa contemporània, pintura, poesia, teatre, amb artistes nacionals i internacionals i en què la viola és l'eix vertebrador. La composició i la producció de ¡MPROV! Interdisciplinaria (2022) està basada en aquests elements: harmonia, ritme, silenci, color i moviment, amb la música improvisada en piano, amb audiovisuals sincronitzats, dansa contemporània i viola. / [EN] ¡MPROV! INTERDISCIPLINARY: Proposal for improvisation in folk & jazz music with the creation of audiovisual and contemporary dance.
¡MPROV! Interdisciplinary has its Spanish name because the idea was born in this land, these two exclamation marks have been placed to draw the readers' attention to an improved form of musical improvisation. It's a play on words; ¡mprov! represents improve which means to develop, to optimize in English, its form of interdisciplinarity is the improved version of the act of improvising. So, ¡MPROV! Interdisciplinary is not a usual musical improvisation, its main objective is to realize a production and research proposal aimed at discovering the potential between instrumental improvisation interrelated with audiovisual and contemporary dance. On a methodological level, it has been developed from the theoretical review of improvisation in the performing arts and music to the creation itself as research. The practical results of this creative research have generated, on the one hand, 13 interdisciplinary projects between improvised music, audiovisual production, contemporary dance, painting, poetry, theater, with national and international artists where the viola is the vertebral axis. The composition and production of ¡MPROV! Interdisciplinaria (2022) is based on these elements: harmony, rhythm, silence, color and movement with improvised music on piano with synchronized audiovisuals, contemporary dance and viola. / Akansu, N. (2024). ¡MPROV! Interdisciplinaria. Propuesta de improvisación en música folk & jazz con la creación de audiovisual y danza contemporánea [Tesis doctoral]. Universitat Politècnica de València. https://doi.org/10.4995/Thesis/10251/203151
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La imagen audiovisual en la obra Lo que fue y no pudo ser para reflexionar en torno a la presencia del cuerpo en escenaKanashiro Foy, Miguel Armando 14 May 2024 (has links)
La presente investigación aborda cómo la imagen es utilizada en la obra Lo Que Fue y No
Pudo Ser, la cual es resultado de mi proceso creativo del curso de Proyecto final 1 de la
carrera de Danza Contemporánea en la PUCP.
Esta obra se desarrolló durante el periodo de confinamiento por la pandemia y el único medio
en el que se podía realizar el proceso creativo fue mediante el video. En dicho punto de
partida me encontré con conflictos tanto creativos como personales, ya que me vi en la
situación de adaptar un proyecto que había sido planeado para realizarse de manera
presencial. Por esa razón el proceso creativo tuvo que ser diseñado para un resultado en
formato audiovisual y es a partir de este que me surgieron dos cuestionamientos: la
necesidad de tener un público presente en un escenario y mi línea creativa. En la búsqueda de
mi línea creativa, la autoficción cobra un peso importante puesto que es de mi interés el tener
procesos creativos desde mis vivencias para luego llevarlas a una ficción. ¿Cómo es el
proceso de creación de un artista? Aquello, originó una búsqueda de un nuevo lenguaje y el
cuestionamiento de “si es o no es danza contemporánea”. Por último, la presente
investigación también cuestiona la presencia escénica del artista, puesto que esta es entrenada
para ser aplicada en un escenario. No obstante, ¿Qué es lo que ocurre con ella cuando este
está en un video? Debido a todas aquellas interrogantes mencionadas, es que se genera la
presente investigación dentro de los códigos del video, videodanza y la autoficción. / The present investigation addresses how the image is used in the work What Was and Could
Not Be, which is the result of my creative process of the Final Project Course 1 of the
Contemporary Dance career at PUCP.
This work was developed during the period of confinement due to the pandemic and the only
medium in which the creative process could be carried out was through video. At that starting
point I found both creative and personal conflicts, since I found myself in the situation of
adapting a project that had been planned to be carried out in person. For this reason, the
creative process had to be designed for a result in audiovisual format and it is from this that
two questions arose: the need to have an audience present on stage and my creative line. In
the search for my creative line, autofiction takes on an important weight since it is in my
interest to have creative processes from my experiences and then turn them into a fiction.
How is the process of creating an artist? That originated a search for a new language and the
questioning of “whether or not it is contemporary dance”. Finally, this research also questions
the stage presence of the artist, since it is trained to be applied on stage. However, what
happens to her when she is in a video? Due to all those questions mentioned, it is that the
present investigation is generated within the codes of video, videodance and autofiction.
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Creer en mí, una vez másPeña Amable, Jherel Addonys 05 November 2021 (has links)
Dada la coyuntura por el Covid-19, la producción de diferentes obras audiovisuales ha ido en
aumento por la facilidad que brinda el mundo digital. Este nuevo contexto lleva al profesional
de lo audiovisual a buscar nuevas formas de poder reinventarse y contar historias. Por ello, en
Confiar en mí, una vez más se profundiza y reflexiona sobre la labor del realizador audiovisual
en tiempos de confinamiento a partir de la experimentación del lenguaje audiovisual, y
exploración performativa como una forma de transmitir emociones, además de la simbiosis
entre ambos frentes para lograr contar una historia que invite a la reflexión final de los
espectadores. En otras palabras, demostrar el poder del audiovisual para guiar las
subjetividades de los espectadores y crear nuevas formas de contar historias sin necesidad de
palabras. Confiar en mí, una vez más muestra el viaje interno por diferentes capítulos de la
vida por el que atraviesa un bailarín para poder descubrirse y aceptarse, todo ello contado a
través de la simbiosis generada entre performances y el lenguaje audiovisual. Los objetivos por
lograr son los siguientes: 1) incentivar la reflexión sobre el difícil proceso por el que atraviesa
un joven bailarín homosexual que busca dedicar su vida al arte, específicamente a la danza a
partir de una inmersión performativa, 2) mostrar el proceso por el que atraviesa un joven
bailarín para lograr su descubrimiento y autoaceptación a través de un viaje interno
performativo y 3) exponer y describir el rol de los bailarines varones en la danza clásica, así
como el tecnicismo presente en el desarrollo de la danza. Con el fin de lograr estos objetivos,
se recurrió a la teoría de la videodanza y coreografía de la mirada brindada por Alejandra Toro,
así como a la Antropología de los sentidos de Constance Classen. / Given the situation due to Covid-19, the production of different audiovisual works has been
increasing due to the ease provided by the digital world. This new context leads the audiovisual
professional to look for new ways to reinvent himself and tell stories. For this reason, Confiar
en mí, una vez más explores and reflects on the work of the audiovisual producer in times of
confinement through the experimentation of audiovisual language and performative
exploration as a way of transmitting emotions, as well as the symbiosis between both fronts to
tell a story that invites the final reflection of the viewers. In other words, to demonstrate the
power of the audiovisual to guide the subjectivities of viewers and create new ways of telling
stories without the need for words. Confiar en mí, una vez más shows the internal journey
through different chapters of life that a dancer goes through in order to discover and accept
himself, all told through the symbiosis generated between performances and audiovisual
language. The objectives to be achieved are the following: 1) to encourage reflection on the
difficult process a young homosexual dancer goes through in order to dedicate his life to art,
specifically to dance, through a performative immersion, 2) to show the process a young dancer
goes through to achieve his discovery and self-acceptance through an internal performative
journey, and 3) to expose and describe the role of male dancers in classical dance, as well as
the technicality present in the development of dance. To achieve these objectives, the following
theories were used: the Videodance and Choreography of the Gaze provided by Alejandra
Toro, as well as Constance Classen's Anthropology of the Senses.
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