Questionner la crise du cadre oblige à une définition rigoureuse de la notion de cadre. Cette crise prend la forme d'un doute : peut-on analyser l'art en un temps où sa définition est elle-même problématique ? Exemplaire, la figure de Malévitch porte en elle-même les signes de contradictions de son époque et celles-ci sont à l'origine de plusieurs phases de crise qui se manifestent encore de nos jours. <br />Malévitch, un des premiers, a supposé des cadres conceptuels pour comprendre un " langage de l'art " (" l'élément additionnel ", 1927). Un cadre matériel se transforme ainsi en un cadre conceptuel, le cadre de référence (" frame of reference ") chez Nelson Goodman. Sa théorie (" Langages de l'art ", 1968) est ici considérée comme celle du cadre modelant. La crise du cadre dans l'art ramène au moteur de la création. Toutes les crises constatées - celles du discours, de l'œuvre, du lieu, de l'artiste, du regard - contribuent à l'ouverture de nouvelles visions et donc, en un sens plus large, à la création.

Thèse de doctorat : Littérature française : Metz : 1998. / 1998METZ009L. 925 ref.

[pt] A tese parte do seguinte pressuposto: Die Geburt der Tragödie, de Friedrich Nietzsche, é um livro sobre teatro e comporta, velada em suas linhas, uma prematura teoria para o fenômeno teatral. De fato, esta análise questiona o nível crítico dos argumentos de Nietzsche no Ensaio de autocrítica, o texto de abertura das edições. Afirmações incansavelmente repetidas e asseveradas ao longo do século XX. O ponto de partida é extremamente simples: - É com certo ceticismo que se empreende tal exame, buscando colocar em xeque os ditos e contraditos do autor do livro impossível, do pretenso problema com chifres, desmistificando a aura sob a qual a inteligência nietzschiana esforçou-se por envolver a publicação de juventude. Paralelamente, procuro pegar pelo chifre o próprio raciocínio nietzschiano, separando Nietzsche dos nietzschianos. Os principais pontos que orientam a análise da Tese de Doutorado: a metafísica estética e seus fundamentos; a apresentação das linhas básicas de uma inacabada e precoce teoria do teatro no estudo das fontes do teatro grego e seus escritos sobre a tragédia; a investigação da contemporaneidade do livro em sua própria época e sua inserção em seu próprio contexto histórico, buscando sobretudo a elucidação da problemática criação do mito moderno nietzschiano. / [fr] La thèse part du présupposé suivant: Die Geburt der Tragödie, de Friedrich Nietzsche, est un livre sur le théâtre qui comporte, dissimulé dans son texte, une théorie précoce du phénomène théâtral. En effet, cette analyse a pour but de questionner le niveau critique des arguments de Nietzsche dans son Essai d´autocritique, texte du début des éditions. Affirmations répétées inlassablement au cours du XXeme siècle. Le point de départ est extrêmement simple: - C´est avec un certain scepticisme que j´entreprends cet examen, cherchant à mettre en jeu les dits et les contredits de l´auteur du livre impossible, du soi- disant problème à cornes, démythifiant l´aura sous laquelle l´intelligence nietzschéenne s´est efforcée d´enrober la publication de sa jeunesse. Parallèlement, il faut que je prenne par les cornes le propre raisonnement nietzschéen, en séparant Nietzsche de les nietzschéens. Les points principaux qui orientent l´analyse de la Thèse de Doctorat : la métaphysique esthétique et leur fondements; l´apresentation des lignes de base d´une théorie inachevée et précoce sur le théâtre dans l´étude des sources du théâtre grecque et ses écrits sur la tragédie; la recherche sur la contemporanéité du livre dans son époque même et son insertion dans le contexte historique, cherchant surtout à élucider la création problématique du mythe nietzschéen moderne.

[pt] A noção de silêncio na linguagem da arte está geralmente associada a uma certa crise dessa linguagem. De fato, tal é o que ocorre na obra poética de Stéphane Mallarmé e na pintura de Paul Cézanne que, desde há mais de um século, colocam perante seus leitores e seus espectadores o problema de sua insistente dificuldade. Essa tese propõe deslocar o estudo da questão do silêncio na obra de arte para o âmbito da estética da recepção, buscando ver no silêncio sobretudo um não-dito da obra, um lugar vazio e excepcionalmente difícil de ser preenchido. Com isso, o silêncio deixa-se apreender aqui como um lugar vazio aporético, um lugar de encontro daquelas interpretações opostas que se manifestam na história da recepção das obras em questão. No caso de Mallarmé e de Cézanne, as aporias interpretativas adquirem, aliás, um peso excepcional, uma vez que dizem respeito a aspectos fundamentais das respectivas linguagens e também às garantias de sua comunicabilidade, consolidando- se, a saber, na questão da referencialidade da linguagem poética e na questão da construção do espaço em pintura. Por fim, o desdobramento da noção de silêncio na experiência da contradição de interpretações possíveis no ato da recepção torna também visível e pertinente a questão do papel desempenhado pelo acaso no todo da linguagem da arte. / [fr] La notion de silence dans le langage de l`art se trouve généralement associée à une certaine crise de ce langage. Ceci est en effet vrai pour ce qui est de l`oeuvre poétique de Stéphane Mallarmé et de la peinture de Paul Cézanne qui, depuis plus d`un siècle, posent à ses lecteurs et à ses spectateurs le problème de son insistante difficulté. Cette thèse propose de situer l`étude du problème du silence dans l`oeuvre d`art dans le domaine de l`esthétique de la réception, en cherchant à voir dans le silence avant tout un non-dit, un lieu vide aporétique, un lieu de rencontre de ces interprétations opposées qui se manifestent dans l`histoire de la réception des oeuvres en question. Dans le cas de Mallarmé et de Cézanne, les apories interprétatives se trouvent d`ailleurs dotées d`un poids exceptionnel vu qu`elles sont liées aux aspects fondamentaux des deux langages aussi bien qu`aux garanties de sa communicabilité, à savoir, elles suscitent le problème de la référence dans le langage poétique et le problème de la construction de l`espace dans la peinture. Finalement, le déploiement de la notion du silence au sein de l`expérience de la contradiction des interprétations possibles dans l`acte de la réception rend aussi visible et pertinente la question du rôle joué par le hasard dans le langage de l`art.

L'un des buts principaux de la synthèse d'image est de générer une image en adéquation avec les attentes de l’utilisateur. Pour ce faire, l'utilisateur doit passer par plusieurs étapes. La première, dite « Moteur de rendu », a pour but de simuler de façon précise les différentes interactions lumineuses avec les objets d'une scène 3D. A l'issue de cette étape, l'utilisateur aura à sa disposition une image décrite par des grandeurs photométriques. Ensuite, l'utilisateur procède à une seconde étape, dite « Post-production », où l'utilisateur effectue différents traitements sur l’image générée. Afin que l’image finale soit en adéquation avec les attentes de l’utilisateur, ce dernier peut modifier la scène 3D ou les différents paramètres utilisés par chaque étape. Les travaux de recherche menés dans le cadre de la thèse se sont focalisés sur deux axes principaux : l’accélération de la génération d'images de synthèse et le développement d'outils, proposés à l'utilisateur, lui permettant de satisfaire ses attentes. Concernant le premier axe, nous avons travaillé sur les techniques de synthèse d'image permettant de générer des images de synthèse de haute qualité. Ces techniques s’appuient, le plus souvent, sur un processus stochastique qui construit de façon aléatoire des chemins de lumière. Cependant, dans certains cas de figure, il est difficile de construire de façon efficace ces chemins. C'est le cas des milieux participants (fumée, feu, etc.) pour lesquels un grand nombre d'interactions lumière/matière doit être pris en compte, ce qui est très coûteux en temps de calcul. Pour réduire ces temps de calcul, nous proposons une adaptation d'une approche de rendu discrète exploitant la puissance de calcul des cartes graphiques. Cependant, comme ce genre de techniques présentent de nombreuses limitations, nous avons développé une seconde technique basée sur le trace de photon. Par ailleurs, dans des scènes complexes, il est difficile de trouver des chemins contributifs. Pour cette raison, nous avons utilisé une approche, basée sur Metropolis-Hasting, qui permet d'explorer localement l'espace des chemins contributifs. En revanche, avec ce type d'approche, il est difficile de contrôler la répartition de l'erreur sur le plan image. C'est pourquoi, nous proposons une nouvelle approche permettant de mieux répartir l'erreur relative sur le plan image. Dans le second axe de travail, nous nous sommes intéressés à l’étape de « Post-production ». En effet, nous avons développé une nouvelle technique d'estimation de l'illuminant de référence. Connaître cet illuminant est important lors d’opérations manipulant l'espace couleur utilisé. Enfin, nous proposons une technique capable de déterminer automatiquement la configuration des sources de lumière dans le but de générer une image répondant aux attentes de l'utilisateur. / One of the main goal in computer graphics is to generate an image that matches the user intent. To do that, the user has to go through several steps. The first step, named « Rendering engine », aims to precisely simulate light interactions with the objects of a 3D scene. At the end of this step, an image is generated. This image is represented by photometric values. Then, the user moves on to the second step, named « Post-production », where she/he applies several transformations to the computer generated images. To make the final image be in line with her/his expectations, the user can modify the 3D scene or change parameter values used throughout the different steps. Two main research avenues are investigated: acceleration of the generation of computer generated images and the development of user assistance tools allowing to satisfy the user's intent. First, we have developed computer graphics algorithms that generate high quality images. These techniques often rely on a stochastic process. They randomly construct light paths. However, in some particular setup, it turns out that these algorithms are inefficient. This is the case when rendering participating media for which a huge amount of light interactions is needed. These interactions entail a costly computing time. In order to reduce the rendering time, we have proposed a new discrete approach that runs on the GPU. However, there exist several limitations with this type of technique. To overcome these limitations, we have developed a second approach based on progressive photon mapping. Furthermore, in complex scenes, it is difficult to find valid light paths. This is why, our algorithm is based on Metropolis-Hasting. This type of technique allows to explore locally the path space but still have several drawbacks. The main drawback is that the algorithm does not distribute evenly the error over the image space. We have proposed a novel approach to address this issue. In the second part of this PhD, we are interested in the "post-production" step. A new technique has been developed to estimate the main illuminant in a scene. Knowing this main illuminant is crucial for color transformations. Moreover, we have developed a technique that optimizes automatically the lighting setup in a 3D scene to meet the user's expectations.

Die Dissertation widmet sich den intertextuellen Schreibstrategien in Ingeborg Bachmanns (1926-1973) Todesarten-Romanen Malina und Das Buch Franza und Elfriede Jelineks (1946-) Roman Die Klavierspielerin und Dramolett Der Tod und das Mädchen V (Die Wand). In diesem Zusammenhang werden zum einen die Systemreferenzen der beiden Österreicherinnen auf die Psychoanalyse und zum anderen die Bezüge auf einzelne sowohl literarische als auch philosophische und mythologische Texte untersucht. Es wird gezeigt, inwiefern sich Bachmanns Inszenierung der Hysterie in Anlehnung an die Schriften Sigmund Freuds und Josef Breuers von Jelineks Inszenierung des psychoanalytischen Diskurses unterscheidet. Bei Bachmann, die sich auf psychoanalytische Schriften beruft bzw. diese zugunsten ihrer eigenen Krankheitskonzeption verwirft, stellt die Hysterie den literarischen Gegenstand dar. Jelinek hingegen erhebt die Hysterie zum Schreibprinzip, insofern sie die inkriminierten Strukturen durch eine Art hysterische Mimesis parodierend bloßzustellen versucht. Die Funktion der Einzeltextreferenzen wird im Kontext von Bachmanns utopischer und Jelineks satirischer Schreibweise erarbeitet. Während Bachmann durch Bezüge u.a. auf Virginia Woolf und Paul Celan Bedeutungszusammenhänge schafft, bringt Jelinek ihre Texte durch die Anhäufung intertextueller Verweise u.a. auf Heidegger, Platon, Hesiod, Homer und Christa Woolf sowie auf Leben und Schaffen Bachmanns, Sylvia Plaths und Marlen Haushofers an den Rand der Bedeutungsimplosion. Die intertextuellen Strategien der beiden Schriftstellerinnen werden zum Schluss im Licht der Moderne/Postmoderne-Diskussion betrachtet. ----------------------------------- La thèse est consacrée aux stratégies décriture intertextuelles dans les romans « Malina » et « Franza » du cycle « Manières de mourir » dIngeborg Bachmann (1926-1973) et au roman « La Pianiste » et au dramolet « La Jeune Fille et la Mort V (Le Mur) » dElfriede Jelinek (1946-). Sont examinés dans ce cadre dune part les références systémiques des deux Autrichiennes à la psychanalyse et dautre part les renvois à divers textes, tant littéraires que philosophiques ou mythologiques. Il est montré dans quelle mesure la mise en scène de lhystérie par Bachmann à lappui des écrits de Sigmund Freud et Joseph Breuer diffère de la mise en scène du discours psychanalytique par Jelinek. Chez Bachmann, qui se base dans sa nosographie sur des écrits psychanalytiques tout en rejetant ces derniers au profit de sa propre conception de la maladie, lhystérie constitue lobjet littéraire. Jelinek, par contre, élève lhystérie au rang de principe décriture dans la mesure où elle tente de ridiculiser de manière parodique les structures incriminées par une sorte de mimesis hystérique. La fonction des références intertextuelles est investiguée dans le contexte des procédés décriture utopique de Bachmann et satirique de Jelinek. Alors que Bachmann met en place des rapports de sens au moyen de références entre autres à Virginia Woolf et Paul Celan, Jelinek mène ses textes au bord de limplosion sémantique par la multiplication des références intertextuelles, entre autres à Martin Heidegger, Platon, Hésiode, Homère et Christa Wolf ainsi quà la vie et à luvre de Bachmann, Sylvia Plath et Marlene Haushofer. Pour terminer, les stratégies intertextuelles des deux auteurs sont étudiées à la lumière de la discussion moderne/postmoderne. ---------------------------------------- This thesis focuses on the intertextual writing strategies in Ingeborg Bachmanns (1926-1973) novels Malina and Franza (from her cycle of novels Ways of Dying) as well as in Elfriede Jelineks (1946-) novel The Piano Teacher and her drama Death and the Maiden V (The Wall). In this context the authors allusions to psychoanalysis and their references to various literary, philosophical and mythological texts are thoroughly investigated. The analysis reveals that Bachmanns staging of hysteria, in the way it recalls Sigmund Freuds and Josef Breuers writings, differs from the way Jelinek deals with psychoanalytical discourse. Bachmann who partly relies on psychoanalytical writings and partly rejects them in favour of her own concept of malady chooses hysteria as her literary topic. Jelinek, on the contrary, makes hysteria her writing principle in trying to uncover incriminated structures by parodying them in some sort of hysterical mimesis. This thesis also investigates the functioning of the authors intertextual links in the context of Bachmanns utopian, and Jelineks satirical, writing style. While Bachmann creates new meaning through references, among others, to Virginia Woolf and Paul Celan, Jelineks texts reach the point of semantic implosion - by the amassment of intertextual hints (for instance to Martin Heidegger, Plato, Hesiod, Homer and Christa Wolf) and references to the life and work of her fellow writers Bachmann, Sylvia Plath and Marlen Haushofer. Finally, both authors intertextual strategies are examined in the light of the Modernism versus Postmodernism discussion.

[pt] Esta tese busca compreender a contribuição de museus de artes da cidade do Rio de Janeiro como lócus de formação cultural e estética de professores dos anos iniciais da educação básica e a relação que esses profissionais estabelecem com os museus. Compreender a formação cultural como direito e parte da formação docente implica em assumir a diversidade, a continuidade e a mediação como parte de princípios éticos, políticos e estéticos de uma formação docente humanizadora. A formação cultural se configura em um processo intencional, continuado, mediado, reflexivo e compartilhado que propicia a vivência de experiências estéticas e contribui para uma educação para a diversidade mediante o exercício da alteridade e da ampliação da sensibilidade. Com o suporte de autores do campo da Educação e da Educação Museal, o conceito de formação estética e cultural é abordado a partir de uma revisão teórica, da perspectiva dos professores e dos educadores museais. Enquanto recursos metodológicos, fez-se uso de um questionário online aplicado a professores de educação infantil e ensino fundamental I, entrevistas com educadores museais e análise documental dos museus selecionados. Os achados da pesquisa indicaram que, em que pese um subaproveitamento do museu de artes como lugar de formação, os museus investigados oferecem atividades que priorizam a autoria e a criação dos professores em um processo que envolve a escuta e a permeabilidade de saberes. Quanto aos professores, foi possível observar que o conceito de formação cultural não está claro e prevalece como padrão, de modo geral, a ideia de acesso aos bens culturais legitimados. Esta percepção incide na relação que o professor estabelece com os equipamentos culturais da cidade e na visão compensatória que atravessa sua prática com as crianças. Entretanto, também foi possível identificar o surgimento de vozes dissonantes que associam uma formação cultural a uma formação sensível, que transforma a subjetividade do sujeito e privilegia a diversidade e a alteridade. / [en] This thesis seeks to understand the contribution of art museums in the city of Rio de Janeiro as a locus of cultural and aesthetic training for teachers in the early years of basic education and the relationship that teachers establish with these cultural spaces. Understanding cultural training as a right and part of teacher training implies assuming diversity, continuity and mediation as part of ethical, political and aesthetic principles of humanizing teacher training. Cultural formation is configured in an intentional, continued, mediated, reflexive and shared process that provides aesthetic experiences so that cultural formation is not just a veneer that represents only one voice. With the support of authors from the field of Education and Museum Education, the concept of aesthetic and cultural formation is approached from a theoretical review, from the perspective of teachers and museum educators. An online questionnaire, interviews and document analysis were the data production tools used. The research findings indicated that, despite an underutilization of the art museum as a place of formation, the investigated museums offer activities that prioritize the authorship and creativity of teachers in a process that involves listening and the permeability of knowledge. As for the teachers, it was possible to observe that the concept of cultural training is not clear and, in general, the idea of access to legitimate cultural goods prevails as a model. This perception affects the relationship that the teacher establishes with the city s cultural facilities and the compensatory vision that runs through his practice with children. However, it was also possible to identify the emergence of dissonant voices that associate a cultural formation with a sensitive formation that transforms the subjectivity of the subject and privileges diversity and otherness. / [fr] Cette thèse cherche à comprendre l apport des musées d art de la ville de Rio de Janeiro en tant que lieu de formation culturelle et esthétique des enseignants de l école primaire et la relation que ces professionnels établissent avec les musées. Appréhender la formation culturelle comme étant à la fois un droit et un contenu de la formation des enseignants implique de concevoir la diversité, la continuité et la médiation comme faisant partie des principes éthiques, politiques et esthétiques de la dimension humaine de la formation des enseignants. La formation culturelle est comprise comme un processus intentionnel, continu, médiatisé, réflexif et partagé qui mobilise des expériences esthétiques et contribue à une éducation à la diversité par l exercice de l altérité et le partage de la sensibilité. Avec le soutien d auteurs du domaine de l éducation et de l éducation muséale, le concept de formation esthétique et culturelle est abordé à partir d un examen théorique, du point de vue des enseignants et des éducateurs de musée. Comme ressources méthodologiques, un questionnaire en ligne a été proposé aux enseignants de l école maternelle et élémentaire, des entretiens semi-directifs ont été menés avec des éducateurs de musées et une analyse documentaire de musées sélectionnés complète la construction des données. Les résultats de la recherche indiquent que, malgré une sous-utilisation du musée d art comme lieu de formation, les musées étudiés proposent des activités qui privilégient la créativité des enseignants, l écoute et la circulation des connaissances. Du côté des enseignants, on a pu constater que la notion de formation culturelle n est pas claire et, en général, l idée d accès à des biens culturels légitimes prévaut comme norme. Cette perception affecte la relation que les enseignants interrogés établissent avec les équipements culturels de la ville et la vision compensatoire qui traverse leurs pratiques avec les enfants. Cependant, certains résultats laissent apparaitre des voix dissonantes qui associent une formation culturelle à une formation sensible qui transforme la subjectivité du sujet et privilégie la diversité et l altérité.