Submitted by Maykon Nascimento (maykon.albani@hotmail.com) on 2014-10-21T17:31:09Z No. of bitstreams: 2 license_rdf: 23148 bytes, checksum: 9da0b6dfac957114c6a7714714b86306 (MD5) Dissertacao. Texto completo.Christine.pdf: 17672261 bytes, checksum: 0d6fec223e9b71e8d2279c6cad260899 (MD5) / Approved for entry into archive by Elizabete Silva (elizabete.silva@ufes.br) on 2014-11-17T20:11:18Z (GMT) No. of bitstreams: 2 license_rdf: 23148 bytes, checksum: 9da0b6dfac957114c6a7714714b86306 (MD5) Dissertacao. Texto completo.Christine.pdf: 17672261 bytes, checksum: 0d6fec223e9b71e8d2279c6cad260899 (MD5) / Made available in DSpace on 2014-11-17T20:11:18Z (GMT). No. of bitstreams: 2 license_rdf: 23148 bytes, checksum: 9da0b6dfac957114c6a7714714b86306 (MD5) Dissertacao. Texto completo.Christine.pdf: 17672261 bytes, checksum: 0d6fec223e9b71e8d2279c6cad260899 (MD5) Previous issue date: 2014 / Esta dissertação investiga o unheimlich – em português, 'estranhamente familiar' -, conceito psicanalítico desenvolvido por Sigmund Freud, em obras que fazem parte de 4 (quatro) séries do trabalho do artista plástico Attilio Colnago: "Do Retorno às Meias Verdades", “10 + 1 Perigosas Maneiras de Amar", "Minas das Liberdades Gerais" e "Diálogos com a Paixão". Aproxima as obras do artista – já tão conhecidas por seus aspectos principais tais como a presença da figura humana, os espaços interiores, o sagrado em um contraponto com o profano, e as memórias – do estranhamente familiar. Para tanto, pesquisou-se a bibliografia ligada ao tema, que teve como ponto de partida o ensaio de Freud de 1919, "Das Unheimliche", – traduzido para o português como "O Estranho" – e prosseguiu-se através de escritos de outros autores que se interessam pelo conceito de estranhamente familiar, trazendo-o para a contemporaneidade e associando-o a outras áreas do conhecimento, entre eles Nicholas Royle, Anneleen Masschelein e Anthony Vidler. Com base na teoria estudada foram selecionadas, dentre as séries escolhidas, as obras mais significativas em relação ao tema para serem analisadas. Busca-se desvendar e analisar um lado ainda não investigado da obra do artista e ao mesmo tempo mostrar a importância de se estudar o conceito de estranhamente familiar no campo das artes plásticas. / This thesis investigates the unheimlich (uncanny), a concept on psychoanalysis developed by Freud, in works belonging to 4 (four) of the painter Attilio Colnago's series: "Dialogues with Passion" ("Diálogos com a Paixão"), “10+1 Dangerous Ways to Love” (“10 + 1 Perigosas Maneiras de Amar"), "Minas of General Liberties" ("Minas das Liberdades Gerais”), "On Return to Half Truths" ("Do Retorno às Meias Verdades"). It relates the author's works – which are widely know for their main characteristics such as the presence of the human figure, the interiors, the cross between the religious and the profane, and the memories – to the uncanny. Such goal was made possible by research on Freud's 1919 essay "Das Unheimliche" (The Uncanny) and associated literature by other authors who have studied the uncanny, such as Nicholas Royle, Anneleen Masschelein and Anthony Vidler, who brought the concept up to date and related it to other fields of study. After said research and documental analysis, pictures of Attilio Colnago's work that showed traces of uncanny were assembled for further studying. By analysing the painter's work and unveiling a new angle from which to do so, one hopes to prove the uncanny a subject worthy of being studied in the field of fine arts.

Submitted by Elizabete Silva (elizabete.silva@ufes.br) on 2015-08-19T19:14:10Z No. of bitstreams: 2 license_rdf: 23148 bytes, checksum: 9da0b6dfac957114c6a7714714b86306 (MD5) O corpo gordo diálogos poéticos em Elisa Queiroz e Fernanda Magalhães.pdf: 7097136 bytes, checksum: eed510691d197383d8d536d8dac1c0ff (MD5) / Approved for entry into archive by Morgana Andrade (morgana.andrade@ufes.br) on 2016-01-08T10:49:52Z (GMT) No. of bitstreams: 2 license_rdf: 23148 bytes, checksum: 9da0b6dfac957114c6a7714714b86306 (MD5) O corpo gordo diálogos poéticos em Elisa Queiroz e Fernanda Magalhães.pdf: 7097136 bytes, checksum: eed510691d197383d8d536d8dac1c0ff (MD5) / Made available in DSpace on 2016-01-08T10:49:52Z (GMT). No. of bitstreams: 2 license_rdf: 23148 bytes, checksum: 9da0b6dfac957114c6a7714714b86306 (MD5) O corpo gordo diálogos poéticos em Elisa Queiroz e Fernanda Magalhães.pdf: 7097136 bytes, checksum: eed510691d197383d8d536d8dac1c0ff (MD5) Previous issue date: 2015 / FAPES / Esta dissertação tem por objetivo trazer à tona uma reflexão sobre o corpo gordo na arte contemporânea, tomando como base o projeto artístico de Elisa Queiroz e Fernanda Magalhães. Ambas utilizam a própria imagem como ponto de partida em produções que permitem discussões entrelaçadas envolvendo arte, discursos hegemônicos, gênero e política. Queiroz e Magalhães revelam a possibilidade da amplitude do olhar pelo outro através da arte e do próprio corpo refletido em diferentes suportes e superfícies. Em um primeiro momento, buscamos uma contextualização da corpulência no campo da arte, história, medicina e ciências sociais e apresentamos a recorrência do corpo gordo como imagem geradora no projeto de diferentes artistas na contemporaneidade. Mais adiante, adentramos obras de Elisa Queiroz e Fernanda Magalhães, articulando com uma revisão bibliográfica multidisciplinar que permite uma melhor compreensão sobre os jogos de poderes, a situação de gênero e os estudos Queer. Os resultados revelam a arte como espécie de prolongamento destes corpos que buscam um lugar livre, ou pelo menos distante, da exclusão e revelam que essas práticas podem ser tidas como uma busca em dar voz aos silenciados e oprimidos. / This thesis aims to bring up a reflection upon the fat body in contemporary art, based on the artistic project of Elisa Queiroz and Fernanda Magalhães. Both use their own images as a starting point in productions that allow intertwined discussions involving art, hegemonic discourses, gender and politics. Queiroz and Magalhães reveal the possibility of amplitude of looking to others through art and their own bodies reflected in different supports and surfaces. At first, we seek a contextualization of corpulence in the area of art, history, medicine and social sciences and present the recurrence of fat body as an image generator in the projects of different artists in the contemporaneity. Further, we present the works of Elisa Queiroz and Fernanda Magalhães, articulating with a multidisciplinary bibliographic review which allows a better understanding about the games of power, situation of gender and Queer studies. The results reveal art as a kind of extension of these bodies that seeks a free place, or at least distance, from exclusion and show that these practices can be taken as a quest to give voice to the silenced and oppressed.

Made available in DSpace on 2016-12-08T16:18:56Z (GMT). No. of bitstreams: 1 121494.pdf: 12442440 bytes, checksum: e832bd3d380ffed957e810dc50901740 (MD5) Previous issue date: 2014-12-01 / Coordenação de Aperfeiçoamento de Pessoal de Nível Superior / Cette dissertation est un étude consacrée exclusivement à l oeuvre de David Nebreda de Nicolas, artiste né dans la capitale Madrid, le 1 août 1952, dont la production photographique, formé dans sa intégralité par autoportraits est étroitement liée à sa infirmité, à savoir, squizophrénie paranoide. Constitué par deux longs essais cette recherche se concentre, premièrement, dans la relation entre les autoportraits et la squizophrénie de l artiste. De cette façon, basé sur les études autor de la squizophrénie realisée par Ronald Laing, présent dans son livre Le moi divisé, où l auteur fait usage des philosophies existentialiste et phénoménologique pour mieux comprendre la question squizophénique, nous en avons déduit que ce qui David Nebreda reconnaît comme le procès de régénération de sa squizophrénie n est rien d autre qu un procès de disparition par la production d autoportraits, à savoir, Nebreda a par objective disparaître avec le propre corps réfléchi dans les miroir qu il utilise pour la composition de ses photographies, en assurant, de cette manière, la pleine réalisation de son moi, encore, la conservation de sa identité. Dans un deuxième moment, nous avons développé un dialogue presque littéraire entre les autoportraits de l artiste et le concepte du Dehors, de Maurice Blanchot. D accord avec Blanchot, le Dehors est l inconnu, l étranger, l inaccessible qui est l essence de l art, ce qui l artiste désire rattraper par la oeuvre. Par les autoportrait de David Nebreda, reconnué as compléxicité et puissance, nous avons déduit que l artiste est du côté de dehors, autremente dit, il est parti à travers du propre corps, qui est sa oeuvre, dans la recherche d origine et essence de l art. Cependant, se rapporter avec le Dehors est aussi perdre le pouvoir de dire moi, c est donner voix à l impersonnel, c est créer pour soi-même un corps sans organes, un corps que resiste à l organisme et à sa organisation propre du moi que tout veut contrôler. Nebreda, en préciptant au côté de dehors dans la recherche de l essence de l art, il construit pour soi-même un corps sans organes à travers de ses autoportraits, encore, um corps sans organes-oeuvre d art. / Esta dissertação é um estudo dedicado, exclusivamente, a obra de David Nebreda de Nicolas, artista nascido na capital Madri, em 1 de agosto de 1952, cuja produção fotográfica, formada em sua totalidade por autorretratos, está intimamente relacionada à sua enfermidade, ou seja, esquizofrenia paranoide. Composta por dois longos ensaios, esta pesquisa se concentra, primeiramente, na relação entre os autorretratos e a esquizofrenia do artista. Desta feita, com base nos estudos acerca da esquizofrenia realizados por Ronald Laing, presentes em seu livro intitulado Le moi divisé, onde o autor lança mão das filosofias existencialista e fenomenológica para melhor compreender a questão esquizofrênica, depreendemos que, aquilo que David Nebreda reconhece como sendo o processo de regeneração de sua esquizofrenia, nada mais é do que um processo de desaparição por meio da produção de autorretratos, ou seja, Nebreda tem por objetivo desaparecer com o corpo próprio refletido nos espelhos que utiliza para a composição de suas fotografais, garantindo, de tal maneira, a plena realização de seu eu, mais ainda, a preservação de sua identidade. Em um segundo momento, fora desenvolvido um diálogo quase literário entre os autorretratos do artista e o conceito do Fora, de Maurice Blanchot. De acordo com Blanchot, o Fora é o desconhecido, o estrangeiro, o inalcançável que é a essência da arte, o que o artista, através da obra, almeja alcançar. A partir dos autorretratos de David Nebreda, reconhecida sua complexidade e potência, deduzimos que está o artista do lado de fora, ou seja, partira através do corpo próprio, que é a sua obra, em busca da origem e essência da arte. Porém, relacionar-se com o Fora é, também, perder o poder de dizer eu, é dar voz ao impessoal, é criar para si um corpo sem órgãos, corpo que resiste ao organismo e a sua organização própria do eu que a tudo quer dominar. Nebreda, ao lançar-se ao lado de fora em busca da essência da arte, constrói para si um corpo sem órgãos por intermédio de seus autorretratos, ou ainda, um corpo sem órgãos-obra de arte.

Orientadores: Renato Ferracini, Fernando Antonio Pinheiro Villar de Queiroz / Dissertação (mestrado) - Universidade Estadual de Campinas, Instituto de Artes / Made available in DSpace on 2018-08-14T21:43:19Z (GMT). No. of bitstreams: 1 Rabelo_AntonioFlavioAlves_M.pdf: 36129903 bytes, checksum: b5234e414478336fc8d9c66965cf758f (MD5) Previous issue date: 2009 / Resumo: Nesta dissertação, desenvolvemos uma pesquisa prática-conceitual sobre os paradoxos dos processos criativos do corpo-em-arte. Esta corporeidade é experimentada no terreno da performance artística em espaços alternativos públicos e privados. O processo da pesquisa está relacionado à criação, execução, documentação, reflexão e análise da série de performances intitulada ",Corpoestranho,". Sua base conceitual está associada ao conceito de Corpo Subjétil em Ferracini (2006), a partir das noções de rizoma, CsO, devir e acontecimento em Deleuze (1995, 2007). Nesta pesquisa, problematizamos a busca por procedimentos para o corpo-em-arte (corpo subjétil) articulados pelos encontros da "Rede de Afetos" do nosso processo criativo, assumindo os aspectos coletivos inerentes a ação criativa e a processualidade enquanto obra (Cohen, 2004). Dessa forma, o ",corpoestranho," se configura como um corpo em processo, corpo fronteira e paradoxal. Um corpo rizomático, virtualizado e atualizado (Lévy, 1996) na trama dessa "Rede de Afetos", a partir da relação dos micro-elementos internos e externos que o compõe. Corpo entre o "eu" e o "outro", corpo em transbordamento, posto em relação com o espaço, o tempo e os outros corpos. / Abstract: In this dissertation, we have developed a conceptual-practical research about the paradoxes of the creative processes of the body in art. This corporeity is experimented in the subject of artistic performance in public and private alternative spaces. The research process is related to creation, execution, documentation, reflection and analysis of the series of performances named ",Corpoestranho,". Its conceptual basis is associated with the concept of Corpo Subjétil in Ferracini (2006), from the notions of rhizome, CsO, deviance and event in Deleuze (1995, 2007). In this research, we have problemized the search for procedures for the body in art (corpo subjétil) articulated by the meetings of "Rede de Afetos" of our creative process, admitting the collective aspects inherent to the creative action and the processuality as work (Cohen, 2004). In this way, the ",corpoestranho," is configurated as a body in process, boundary and paradoxal body. A rhizomatous body, virtualized and up-to-date (Lévy, 1996) in the scheme of this "Rede de Afetos", from the relation of the internal and external micro-elements that forms it. Body between "me" and "other", body in overflow, put in relation to space, time and other bodies. / Mestrado / Artes Cenicas / Mestre em Artes

Submitted by Filipe dos Santos (fsantos@pucsp.br) on 2017-07-11T12:43:29Z No. of bitstreams: 1 Fernanda Raquel.pdf: 2877813 bytes, checksum: b6ea457b9b8db6a5ec8d0a2c05ec6e12 (MD5) / Made available in DSpace on 2017-07-11T12:43:29Z (GMT). No. of bitstreams: 1 Fernanda Raquel.pdf: 2877813 bytes, checksum: b6ea457b9b8db6a5ec8d0a2c05ec6e12 (MD5) Previous issue date: 2017-06-28 / Fundação de Amparo à Pesquisa do Estado de São Paulo - FAPESP / The thesis analyzes the constitution of the body in contemporary theatrical experiences where, through failures, deactivations and impossibilities, states that generate perceptual impacts, both in actors and spectators, are activated. Examples of those creation modes were selected works of the Japanese group Chelfitsch, Cia. Brasileira de Teatro and two plays directed by Carolina Mendonça, and also a practical experience, which proposes an alliance between academic and artistic research. The theoretical foundation relies on the indisciplinary methodology proposed by the corpomídia theory (KATZ and GREINER, 2005) which organizes networks between different areas of knowledge. Moreover, theoretical references from the field of theater and body studies are mobilized, as well as philosophical formulations of authors such as Giorgio Agamben (2008, 2014), Judith Halberstam (2011) and Jacques Derrida (2012). The expected result is to explicit the ways the operators - terms and concepts - are articulated to the bodily actions that cause destabilization in their usual functionality in life and aesthetic models given a priori, finding these same displacements, their political and performative potency / A tese analisa a constituição do corpo em experiências teatrais contemporâneas nas quais, através de falhas, desativações e impossibilidades, são ativados estados que geram impactos perceptivos, tanto em atores como em espectadores. Como exemplificações desse modo de criar foram selecionados trabalhos do grupo japonês Chelfitsch, da Cia. Brasileira de Teatro e duas peças dirigidas por Carolina Mendonça, além de incluir uma experiência prática, que propõe uma aliança entre pesquisa acadêmica e artística. A fundamentação teórica apoia-se na metodologia indisciplinar constituída pela teoria corpomídia (KATZ e GREINER, 2005) que organiza redes entre diversas áreas do conhecimento. Além disso, são mobilizadas referências teóricas do campo de estudos teatrais e do corpo, assim como, formulações filosóficas de autores como Giorgio Agamben (2008, 2014), Judith Halberstam (2011) e Jacques Derrida (2012). O resultado esperado é a explicitação de modos de articular operadores – termos e conceitos – a ações corporais, que provocam desestabilizações em suas funcionalidades habituais na vida e nos modelos estéticos dados a priori, encontrando nestes mesmos deslocamentos, a sua potência política e performativa

Submitted by Filipe dos Santos (fsantos@pucsp.br) on 2017-12-15T11:38:55Z No. of bitstreams: 1 Wagner Miranda Dias.pdf: 128984620 bytes, checksum: 6040271e677a1e39c6512d148ae7f5d0 (MD5) / Made available in DSpace on 2017-12-15T11:38:55Z (GMT). No. of bitstreams: 1 Wagner Miranda Dias.pdf: 128984620 bytes, checksum: 6040271e677a1e39c6512d148ae7f5d0 (MD5) Previous issue date: 2017-12-07 / Conselho Nacional de Pesquisa e Desenvolvimento Científico e Tecnológico - CNPq / Fundação São Paulo - FUNDASP / This research investigates the paths of the artist's artistic composition - theater, dance and performance - Roberto Alencar, reflecting on his creative, authoring and communication processes, observing the procedures that involve his thought and practice in the production of his scene, highlighting the relations between drawing, verb and body. The investigation of the transit between languages inserted in the creative processes is essential to think critically about contemporary communication systems and networks, throwing glances on the construction of the diverse communicative objects that act in hybridization, revealing different modes of action and creative structures. The hypothesis is that the artist of the body who possesses consciousness and mastery of the visual / verbal transit of the scene arts, engendered as body space experience, can trigger effective creative and communicational processes between the stages of elaboration of the scene, with the artistic collective and with the public. The theoretical foundation is structured from the studies of Cecilia Almeida Salles, who investigate creation processes within the complexity of the systems; the authors RoseLee Goldberg, Silvia Fernandes and Flávio Desgranges, will be used in regard to historical and social reflection on the artist of the body. Renato Cohen will be convened to discuss performance and language issues; Christine Greiner, Helena Katz, Lucia Santaella, Norval Baitello, for concepts about image and body; Vincente Colapietro for his studies on Peircian semiotics and subjectivity. The theoretical framework proposes dialogues with thinkers fundamental to the study of body and culture (Edgar Morin, Zigmunt Bauman, Mikhail Bakhtin). The scientific methodologies will be the one of bibliographical research, seeking to establish a critical approach on the relation creation, authorship and communication and the field research, that will be based on the investigation of drawings, drafts, videos, audio recordings, interviews and documents of process / Esta pesquisa investiga os percursos da composição artística do artista do corpo – teatro, dança e performance – Roberto Alencar, refletindo sobre seus processos criativos, de autoria e comunicação, observando os procedimentos que envolvem seu pensamento e sua prática na produção de sua cena, destacando as relações entre desenho, verbo e corpo. A investigação do trânsito entre linguagens inserido nos processos criativos é essencial para pensarmos criticamente sobre sistemas e redes comunicacionais contemporâneas, lançando olhares sobre a construção dos diversos objetos comunicativos que atuam em hibridização, revelando diferentes modos de ação e tessituras criativas. A hipótese é que o artista do corpo que possui consciência e domínio do trânsito verbo/visual das artes da cena, engendrado como experiência espaço corporal, pode desencadear processos criativos autorais e comunicacionais efetivos entre as etapas de elaboração da cena, com o coletivo artístico e com o público. A fundamentação teórica se estrutura a partir dos estudos de Cecilia Almeida Salles, que investigam processos de criação no âmbito da complexidade dos sistemas; os autores RoseLee Goldberg, Silvia Fernandes e Flávio Desgranges, serão utilizados no que se refere à reflexão histórica e social sobre o artista do corpo. Renato Cohen será convocado para discutir questões sobre performance e linguagem; Christine Greiner, Helena Katz, Lucia Santaella, Norval Baitello, por conceitos sobre imagem e corpo; Vincente Colapietro por seus estudos sobre a semiótica Peirciana e a subjetividade. O referencial teórico propõe diálogos com pensadores fundamentais aos estudos do corpo e da cultura (Edgar Morin, Zigmunt Bauman, Mikhail Bakhtin). As metodologias científicas serão a de pesquisa bibliográfica, buscando estabelecer uma abordagem crítica sobre a relação criação, autoria e comunicação e a pesquisa de campo, que será baseada na investigação de desenhos, rascunhos, vídeos, áudio gravações, entrevistas e documentos de processo

Orientador: Claudia Valladão de Mattos / Dissertação (mestrado) - Universidade Estadual de Campinas, Instituto de Filosofia e Ciências Humanas / Made available in DSpace on 2018-08-22T10:23:25Z (GMT). No. of bitstreams: 1 Costa_RichardSantiago_M.pdf: 19493104 bytes, checksum: 5f25f91acbf60eab43f89b48112b2700 (MD5) Previous issue date: 2013 / Resumo: O presente projeto de pesquisa pretende estudar duas obras específicas do pintor brasileiro Rodolfo Amoedo intituladas O último Tamoio (1883) e Marabá (1882). Tais obras serão analisadas dentro do contexto de sua produção na segunda metade do século XIX buscando identificar aspectos formais e programáticos que as aproximam e ao mesmo tempo afastam da política de criação de uma identidade nacional implementada pela Academia Imperial de Belas Artes no decorrer do século XIX. Buscaremos associar essas pinturas, tão importantes no conjunto da obra de Amoedo, ao ambiente sócio-político e cultural do Brasil oitocentista, investigando suas intenções políticas e culturais no contexto artístico do período. Além disso, interrogaremos tais pinturas na tentativa de reconhecer traços do estilo de Amoedo que as ligassem à sua formação artística tanto no Brasil quanto na Europa, trazendo referências diversas nas áreas da literatura e pintura que contribuíram para sua feitura. Será fundamental investigar como Amoedo desmonta o aparato de exaltação do mito do "índio herói nacional", identificando os traços de um indianismo tardio sem fôlego, esgotado às vésperas da proclamação da República. Para tanto, será importante confrontar literatura e artes plásticas dentro das premissas do ut pictura poesis, visto que naquela floresceu primeiro o que se convencionou chamar de "indianismo". Propomos uma reflexão sobre a figura do índio melancólico e trágico das pinturas supracitadas de Amoedo em detrimento do índio heróico e guerreiro da produção literária do período anterior e seu papel na constituição de um imaginário nacional que tinha o índio como símbolo pátrio: através das diversas ressiginificações por que passou o corpo indígena, seja no campo da pintura e da escultura, seja no campo da ilustração e da literatura, analisaremos como Amoedo se insere como renovador do indianismo acadêmico, rearranjando os elementos próprios da retórica nacionalista no final do Segundo Império / Abstract: This research project aims to study two specific works of the Brazilian painter Rodolfo Amoedo titled The Last Tamoio (1883) and Maraba (1882). Such works will be examined within the context of his production in the second half of the nineteenth century trying to identify formal and programmatic aspects which approach and at the same time move back them from the creation policy of a national identity implemented by the Imperial Academy of Fine Arts during the nineteenth century. Trying to associate these paintings, very important in Amoedo's whole works, to the social, political and cultural environment of nineteenth century on Brazil, looking for his political and cultural intentions in the artistic context of that period. Furthermore we will study such paintings trying to recognize aspects of Amoedo's style that link them to his artistic development both in Brazil and in Europe, bringing different references in literature and painting areas which was a contribution to its conception. It will be essential to investigate how Amoedo disjoints the apparatus of exaltation of the "national Indian hero" myth, identifying aspects of a late breathless "indianism", exhausted on the eve of the Republic's proclamation. Therefore, it will be important to confront literature and fine arts within the premise of ut pictura poesis, since that first grew what is conventionally called "indianism". We propose a reflection about the image of the melancholic and tragic indian of the Amoedo's paintings above in detriment of the heroic and warrior indian of the literary production of the previous period and their role in the constitution of a national imaginary that used to have indian as a native symbol: through the different reinventions of its meaning which passed the indigenous body, whether in painting and sculpture, or in the field of illustration and literature, we are going to analyze how Amoedo introduces himself as a re-newer of the academic indianism, rearranging the specific elements of the nationalist rhetoric at the end of the Second Empire / Mestrado / Historia da Arte / Mestre em História da Arte