Studio storiografico condotto su fonti archivistiche, filmiche e sulla stampa locale e specializzata che ricostruisce dettagliatamente l'ambiente cittadino d'inizio Novecento nel quale si sono diffusi i primi spettacoli cinematografici, determinandone le caratteristiche e tracciandone l'evoluzione fra 1896 e 1925. L'avvento della cinematografia è strettamente connesso a un processo di modernizzazione del volto urbano, degli stili di vita, delle idee e il cinema si salda a queste istanze di rinnovamento, con una precisa ricaduta sull'immagine della città e sull'esperienza dei suoi cittadini appartenenti alle diverse classi sociali. / The focus of this work is to reconstruct in detail the urban environment, its characteristics and evolution, in the beginning of the Twentieth Century, when the first movies were shown, using primary and filmic sources, and local and specialised press. Early cinema history is closely related to a process of modernization of the city of Bologna, as well as lifestyles and ideas, and the movies are tightly related to these instances, with a precise influence over the image of the city and on the experience of the citizens belonging to different social classes.

La ruta propuesta en esta investigación comienza con una introducción en la que se analiza la idea básica del “buen hacer” en la praxis del fotógrafo. Para ello, se empieza con una breve panorámica sobre el interés que ofrece el tema en la actualidad fotográfica, acercándose a otras disciplinas o estadios de conocimiento con los que posicionarse. Tras ello, se justifican las aportaciones que se ofrecen del tema, su viabilidad y el sentido que tiene tratarlo. Una vez aquí, se ha definido la intencionalidad de la tesis enumerando una serie de objetivos, desde los más genéricos a los específicos, bajo la premisa de dar respuesta a lo que se pretende demostrar y para qué. En la metodología se ha realizado una descripción que explica cómo se han dividido y organizado los procesos de los cuatro tipos de análisis seguidos en esta tesis. En concreto, se han utilizado tres métodos de recopilación de datos cualitativos –una revisión bibliográfica, varias conversaciones con expertos del sector y la técnica de los grupos nominales- y el cuantitativo –análisis estadístico-descriptivo, de relaciones y multivariante de datos-. El marco teórico se ha centrado en fundamentar el proyecto desde distintas aportaciones paralelas, ideologías, líneas de pensamiento, postulados, referencias teóricas y visuales, ideas afines y contrarias al tema, influencias de distinta índole y estadios de conocimiento ya existentes, pero que contextualizan esta investigación. En concreto, las teorías procedentes de las Ciencias Culturales, como son el Estructuralismo y el Constructivismo aportan el marco diacrónico en la evolución tecnológico fotográfica, en situaciones históricas extrapolables a la actualidad digital y en los textos de fotógrafos que escribieron sobre el oficio. El sentido de la ortodoxia y la heterodoxia en la fotografía, y su vínculo con la Retórica, la teoría sobre los afectos, el Realismo, así como el concepto de realidad, han servido para posicionar el “buen y saber hacer” fotográfico, basándose en parámetros tales como la mecanicidad de la cámara, la voluntad de controlarlo hacia una visión personal, la influencia de la época y el hábito en la cultura fotográfica. Por último, la importancia de conceptos afines a la investigación, como: la técnica; tecnología; el método; el concepto de funcionario; el automatismo; la diferencia entre profesionalización, afición e intrusismo; la idiosincrasia para la fotografía; la definición sobre el “buen hacer” fotográfico, y la noción diferenciable de obra fotográfica y mera fotografía según la Ley de Propiedad Intelectual. Para concluir el bloque, ha sido primordial realizar un repaso histórico que acomodara cada avance mecánico de la fotográfica en su tiempo, según las fases eotécnica, paleotécnica y neotécnica, en busca de situaciones extrapolables a la actual de transición de un sistema a otro. Una vez se estuvo en disposición de formular una hipótesis de la investigación, se buscó la manera de especificar claramente el gran objetivo a seguir. Partiendo del proceso lógico de trabajo planteado en la metodología y de las bases conceptuales iniciales incluidas en el marco teórico, el cuerpo de la investigación se ha centrado en elaborar un recorrido en el que se analizan los contenidos elaborados en los distintos métodos seguidos. De modo que se han podido asentar las bases definitorias, analizando los datos que se han ido obteniendo, las referencias o contrastando con otras teorías. Por otro lado, se han unido los resultados de las conversaciones con expertos y los grupos nominales, puesto que las respuestas coincidían en un alto porcentaje. Paralelamente, se han analizado los resultados de la encuesta difundida, comenzando por una descripción de los datos recopilados en la muestra nacional hasta un análisis multivariante de datos. Por último, en el análisis jurídico, se reflexiona sobre la protección legal que se le da a la fotografía, usando la propia Ley de Propiedad Intelectual y distintas sentencias. Para finalizar, se han establecido cuatro conclusiones y se ha reseñado un listado de libros y materiales usados en la bibliografía. Se adjuntan varios anexos con las transcripciones de las conversaciones con varios expertos de la especialidad, las tablas, gráficas e ilustraciones elaboradas para el análisis estadístico y la documentación gráfica obtenida en las sesiones con los grupos nominales, entre otra información de interés.

Pedro Ferrer (1870-1939) desarrolló una ingente labor como fotógrafo e impresor en España y en la Papelería de Ferrer, la que luego de varias décadas de funcionamiento en la Calle Real 61 de La Coruña, se disolvió después de su fallecimiento. El patrimonio familiar se dividió entonces entre sus hijos, y es de esta manera como llegó parte del mencionado archivo a Buenos Aires en la década del ’40, con motivo de la emigración de tres de sus hijas y herederas a Argentina. Este fue el inicio de la propuesta del tema de investigación para la tesis doctoral, ya que el material original de Pedro Ferrer, cuyo valor histórico y documental podía intuirse, se consideraba desaparecido y, sobre todo, diseminado por incontables archivos personales y familiares en Galicia y en el mundo entero debido a las características propias de su extensa labor en el área de la tarjeta postal ilustrada y fotográfica. La obra fotográfica de Pedro Ferrer pertenece al grupo de los primeros, de los pioneros, en Galicia. Muy pocos fotógrafos se hallan documentados en profundidad en esa región desde la aparición de la fotografía, a mediados del siglo XIX. Su obra acompañó el cambio de siglo, vivió la etapa denominada entresiglos, enriqueciendo con su aporte el panorama nacional y regional, haciendo posible el conocimiento de una región, la suya, a través de imágenes que relatan su geografía, sus costumbres, artes y vida. Su amplia y variada labor de documentación de la Galicia de inicio del siglo XX cobra hoy particular relevancia y valoración histórica. Los avances técnicos propios de la fotografía en relación con las artes gráficas contribuyeron a cimentar el floreciente negocio de Pedro Ferrer en La Coruña. En el nacimiento, desarrollo y ocaso de la Papelería de Ferrer conoceremos una especial participación de tres regiones geográficas diferentes como son Cataluña, Galicia y Buenos Aires. Esta propuesta de trabajo demandó: A - Localizar y reproducir las imágenes de Pedro Ferrer conservadas en Archivos y colecciones públicas y privadas. B - Localizar la documentación referida tanto a su vida como al comercio familiar que permitiera conocer su biografía y desarrollo profesional. Al reconstruir la biografía y la obra de Pedro Ferrer, creemos estar contribuyendo al conocimiento de la Historia de la Fotografía Española y más específicamente a la Historia de la Fotografía en Galicia. Creemos también que, al hacerlo, podremos entender la importancia que su accionar ha tenido en pro de la difusión de la fotografía en Galicia, y en especial en su ciudad: La Coruña. Esta importancia es tal que sus publicaciones, en especial su Portfolio Galicia y su serie de tarjetas postales, han dado la vuelta al mundo y han llevado la fotografía a una gran cantidad de países y ciudades. Con este trabajo de investigación, aspiramos entonces a enriquecer el panorama de la fotografía gallega a través de un catálogo virtual que recupere la obra fotográfica de Pedro Ferrer de la diáspora que la ha caracterizado.

Esta tesis nace de una inquietud personal basada en la curiosidad despertada por la continuada práctica del montañismo. Transitar por los caminos de montaña de los Pirineos siempre estimuló en mí imaginación el ánimo de aventura. Estar en contacto con la naturaleza salvaje en lugares y parajes remotos, escalar paredes, caminar por caminos apartados más allá del contacto del hombre civilizado, significa existir de una manera cercana a la libertad. La emoción que se siente tras encontrar la ruta, cuando andábamos perdidos; la impresión que se percibe al llegar al destino tras un gran esfuerzo de superación. Al recorrer los caminos montañosos conocí el disfrute, me percaté del riesgo, dominé el miedo, administré la prudencia. Comprendí la forma de valorar a la montaña para no sentir temor y poder afrontar con resolución las situaciones difíciles. Aprendí a poner en consideración lo que me rodea como una actitud, como una forma de ser y de estar. Marchando entre la soledad y el silencio, encontraba en la experiencia en la montaña un nutriente que me reforzaba a mí mismo. El instinto de supervivencia me hizo ser consciente de la responsabilidad propia que es necesaria en un mundo que no pertenece al hombre. Un territorio donde hay que saber dosificar la sensación del fracaso, en continua convivencia con el peligro de la muerte. Este cúmulo de experiencias intensas vividas en la montaña, se contraponen con la información que me llegaba desde lo urbano y lo social contemporáneo. Allí el montañismo es visto como un deporte, una banalización de la actividad de la montaña. Esa forma de valorar la montaña supone una pérdida en la profundidad de su experiencia. Al observar esta paradójica contradicción intuí que existía otro tipo de comprensión sobre la experiencia de la práctica del montañismo. De esta forma comencé a investigar y esta tesis trata de dar respuesta a estas preguntas, que se pueden sintetizar en, ¿qué hay más allá de la experiencia de caminar por las montañas? Así se concibió la idea de tratar de comprender la experiencia de transitar por la montaña del hombre mediante la práctica del conocimiento artístico, como una forma de generar lenguaje, como un método de crear conocimiento, como una forma de búsqueda de una nueva actitud en el paisaje sublime de la montaña. La investigación vincula a la fotografía de paisaje en el Pirineo central a finales del siglo XIX y principios del XX, con la visión contemporánea que supone la práctica artística del caminar contextualizada en el territorio de alta montaña. Durante la investigación se ha establecido la correspondencia que poseen las imágenes fotográficas de paisaje, en su relación con la experiencia de transitar por la montaña. Una mediación entre la imagen y la experiencia que construye modelos culturales que sirven para referenciar la realidad sobre el territorio. Una intercesión que se produce por mediación de la mirada, en el desarrollo de formas de comportamiento en el entorno a través de la operación del arte. Así pues, la investigación propone el estudio de caso del contexto de la montaña, y formula como lugar común, entre la imagen y la experiencia, el territorio transversal que supone la práctica en la naturaleza del montañismo.

"El símbol audiovisual. Realitat i representació" és un assaig sobre les condicions al llarg de la història de l’art, i de les societats occidentals que van concebre-les, que van propiciar l’exercici del símbol, com a vehicle per llegir i codificar la realitat i la manera en què aquesta es representa, traslladades al terreny audiovisual, sobretot el cinema, des de les seves arrels en els principis del segle XX fins al que es coneix com la postmodernitat. Les teories sobre la realitat des dels presocràtics i Plató i Aristòtil, passant pels il·lustrats i els romàntics i fins al naixement de la ciutat moderna, s’apliquen a la manera en què pioners com Lang, Eisenstein o Welles van inventar el cinema com avui el contemplem, sota noms de les darreres dècades com Godard o Isabel Coixet. Un viatge diacrònic per entendre la naturalesa del símbol audiovisual i la seva actualitat. / "El símbolo audiovisual. Realidad y representación" es un ensayo sobre las condiciones a lo largo de la historia del arte, y de las sociedades occidentales que las concibieron, que propiciaron el ejercicio del símbolo, como vehículo para leer y codificar la realidad y la manera en que ésta se representa, trasladadas al terreno audiovisual, sobre todo el cine, desde sus raíces en los principios del siglo XX hasta lo que se conoce como la postmodernidad. Las teorías sobre la realidad desde los presocráticos y Platón y Aristóteles, pasando por los ilustrados y los románticos y hasta el nacimiento de la ciudad moderna, se aplican a la manera en que pioneros como Lang, Eisenstein o Welles inventaron el cine como hoy lo contemplamos, bajo nombres de las últimas décadas como Godard o Isabel Coixet. Un viaje diacrónico para entender la naturaleza del símbolo audiovisual y su actualidad. / "The audiovisual symbol. Reality and representation" is an essay on the conditions throughout the history of art, and Western societies that conceived them, which led to the exercise of the symbol, as a vehicle to read and encode reality and how it is represented, transferred to the audiovisual field, especially cinema, from its roots in the early twentieth century to what is known as postmodernism. Theories about reality from the Presocratics and Plato and Aristotle through the Enlightenment and the Romantics and to the birth of the modern city, apply to the way pioneers like Lang, Eisenstein or Welles invented cinema as we see today under names of recent decades as Godard or Isabel Coixet. A diachronic journey to understand the nature of the audiovisual symbol and its current significance.

Quina és la relació que els arxius tenen amb la fotografia domèstica? A on, com i perquè es custodien llargues sèries de fotografies domèstiques accessibles als investigadors i al públic en general? Quin tipus específic de document és una fotografia domèstica per a un arxiu públic? Com ha d’ingressar la fotografia domèstica en l’arxiu per tal de preservar, en la mesura del possible, el tipus d’informació específica que li és pròpia? Hem desenvolupat una investigació que ha tractat d’estudiar casos diversos d’arxius que contenien col·leccions de fotografies domèstiques, fent-nos una imatge el més àmplia possible d’aquest camp d’estudi. La investigació s’ha centrat principalment en el cas espanyol, però també hem examinat altres casos en llocs com ara el Regne Unit i els Estats Units, intentant conèixer la situació global de la relació de l’arxiu i la fotografia domèstica en tot l’àmbit Occidental, amb aquest èmfasi en el nostre entorn geogràfic més proper. Hem estudiat tant arxius institucionals com altres dispositius culturals (museus, pàgines web d’indole diversa, projectes artístics...) que, en la pràctica, també preserven col·leccions públiques de fotografies domèstiques provinents de ciutadans diversos. A la ciutat de Tarragona (Catalunya, Espanya), en el període 2010/2011 vàrem desenvolupar un projecte que va generar una exposició pública de fotografies domèstiques, del qual es va derivar, també, una col·lecció permanent per a l’arxiu històric de la ciutat. Es va crear i publicar, igualment, una pàgina web gestionada des de l’arxiu que dóna visibilitat a aquesta col·lecció (Capsa de Sabates, Àlbum de Fotografies Familiar de Tarragona). El projecte buscava establir un mètode (viable i eficient) aplicable a d’altres arxius interessats en conformar col·leccions de fotografia domèstica amb la col·laboració de persones diverses. Va ser, doncs, una excel·lent oportunitat per experimentar i conèixer metodologies diverses per generar arxius de fotografia domèstica (en especial respecte als mètodes de recollida d’aquests documents entre els ciutadans i la recollida dels relats de memòria vinculats a aquestes imatges). “Capsa de Sabates” a la vegada va ser una oportunitat per investigar, reflexionar i conceptualitzar recolzant-nos en una experiència pràctica i concreta. El projecte desenvolupat per nosaltres mateixos a Tarragona, la investigació d’altres arxius, així com l’estudi dels textos i investigacions ja publicats en aquest àmbit de coneixement, ens ha permès elaborar un marc teòric interpretatiu al voltant de la relació de l’arxiu amb la fotografia domèstica. Ens ha portat a assenyalar que els arxius públics de fotografia domèstica són, en determinades condicions, instruments especialment eficaços per preservar les memòries de les persones com a element important del patrimoni col·lectiu. Arxiu i fotografia domèstica són instruments idonis per preservar els documents de memòria de les persones, documents que sempre cal diferenciar dels documents històrics. Història i memòria són àmbits diferents i generen documents diferents, i tots dos han de formar part del patrimoni col·lectiu a preservar en l’arxiu.

La tesi doctoral "Relacions entre fotografia i pintura. Dos casos d'estudi: Gerhard Richter i Jeff Wall" pretén estudiar algunes de les relacions que s'han establert entre el medi fotogràfic i el medi pictòric, basant-nos en el context de l'art que sorgeix a final dels anys seixanta i principis dels setanta, el qual trenca majoritàriament les premisses defensades per l'art modern tardà. Aquest canvi va permetre construir un espai de treball amb horitzons més amplis, fruit principalment de la hibridació dels diversos medis artístics. En la primera part de la tesi s'estudien tres conceptes que considerem clau per entendre aquest gir en l'àmbit artístic i que esdevenen paradigmes conceptuals essencials per moltes de les propostes artístiques del moment: la hibridació i contaminació entre els diferents medis artístics, l'al·legoria com a estratègia de creació, i l'aparició del concepte del simulacre, com a model substitutori de la realitat. Però l'estudi no se centra únicament en aquests tres conceptes de manera general, sinó que el gruix de la investigació se centra en l'estudi de dos casos artístics en concret: les propostes artístiques de Gerhard Richter i de Jeff Wall. Aquestes tres nocions travessen ambdues propostes artístiques i de fet, aquestes han funcionat en tot moment com a motor de l'estudi d'aquests canvis conceptuals que anteriorment haurem avançat. L'estudi intenta relacionar contínuament els conceptes estudiats amb la seva obra, establint possibles relacions que vagin més enllà de les dues propostes artístiques en si mateixes.Sent conscients que hauríem pogut treballar a partir de l'estudi d'altres artistes -alguns dels quals han estat presents durant el procés, s'ha preferit aprofundir en el treball de Richter i de Wall, per tal de trobar certes conclusions que ens permetin comprendre millor les seves propostes, però sobretot per tal de crear vincles conceptuals que es puguin contrastar amb altres experiències artístiques de diferents artistes, com també amb les nostres. / "RELATIONSHIPS BETWEEN PHOTOGRAPHY AND PAINTING. TWO STUDY CASES: GERHARD RICHTER AND JEFF WALL"TEXT:The doctoral thesis "Relationships between photography and painting. Two cases of study: Gerhard Richter i Jeff Wall" studies some of the relationships that have settled between the photographic media and the pictorial language, studying the context of the art that appears in end of the sixties and principles of the seventy, which breaks mostly the premises defended by the late modern art, being based on. This change allowed to construct a space of work with more extense horizons, fruit mainly of the hybridization of the several artistic environments.In the first part of the thesis we study three concepts that we consider important to understand this change in the artistic area: the hybridization among the different artistic languages, the allegory as a strategy of creation, and the appearance of the concept of the simulation, as a model of substitution of the reality. But the study doesn't focus only on these three concepts in a general way, but the thickness of the research focuses on the study of two artistic cases in particular: the artistic proposals of Gerhard Richter and of Jeff Wall. These three notions cross both artistic proposals and as a matter of fact, these have worked at all times as an engine of the study of these conceptual changes that formerly we will have advanced.

La Representación Documental Contemporánea amplía el cuadro bidimensional de la TV o el Cine en nuevos formatos, donde tanto el recorrido espacial del espectador por la sala como la multiplicidad narrativa o el acceso aleatorio a la información tienen especial incidencia a la hora de concebir y desarrollar nuevos procesos de representación documental. El Documental expandido sugiere así nuevas fórmulas y maneras de representación que podemos englobar en un ámbito post-media que trasciende las características propias de un medio específico y las categorías que hasta entonces eran de aplicación básica a la hora de analizar sus fórmulas y estrategias comunicativas. El ámbito del documental post-media produce de esta manera un modelo donde se aúnan el cine, el video, la fotografía, el texto, la informática, la instalación. El Documental Expandido es en esencia un producto híbrido, una mezcla de tendencias y formulaciones definidas en los ámbitos de la tradición cinematográfica y en distintas prácticas artísticas contemporáneas. / "The Expanded Documentary: screen and space" Doctoral Thesis submited by Gabriel Jacobo Sucari Jabbaz. Summary: The contemporary documentary representation extends the two-dimensional picture of TV or Cinema towards new formats where both the viewer's spacial journey around the room and the multiple narrative or random access to information are taken into account as key parts of its design and development. The expanded documentary suggests new ways and means of representation that we can include in a post-media environment that transcends the characteristics of a specific medium; categories that until now have been essential to an analysis of formulas and communication strategies. The scope of post-media documentary produced in this way combines film, video, photography, text and computer installation. Expanded Documentary is essentially a hybrid, a mixture of trends and formulations drawn from different areas of cinematic tradition and contemporary artistic practices.

Ce travail vise à questionner les outils méthodologiques et les fondations théoriques de l’activité de restauration afin de les appliquer sur un corpus d’œuvres souvent laissé aux marges des discours de ce champ disciplinaire : le film d’artiste et le film expérimental. On se focalisera sur les années 1960-1980 pour traiter, entre autres, du travail de Bruce Conner, Carolee Schneemann, Anthony McCall, Paul Sharits. Conçu et organisé comme un dialogue possible entre les exigences de systématisation théorique et les spécificités des œuvres, ce travail défend une méthodologie ouverte et dynamique, à l’instar des objets considérés. Dans le parcours esquissé, qui s’appuie sur des recherches en archives, on traitera de questions de reconstruction textuelle (à partir de la philologie d’auteur), de la performance et de l’installation, ou encore de l’intervention sur la matière des œuvres (en problématisant les positions du théoricien de la restauration Cesare Brandi) et de l’obsolescence technologique. En mobilisant des concepts issus de champs différents mais qu’on aimerait considérer ici comme complémentaires (histoire de l’art, esthétique, histoire technique du film), cette recherche dévoile l’activité herméneutique sous-jacente à toute entreprise de restauration. C’est à partir des cette hypothèse des liens entre théorie et pratique que l’on envisagera les enjeux spécifiques qui accompagnent la transmission des objets filmiques. / This dissertation aims to question the methodological tools and theoretical foundations of the practice of restoration in order to apply them to a body of work often left at the margins of this disciplinary field: experimental and artists’ film. Focusing on the years 1960-1980, it will examine works by Bruce Conner, Carolee Schneemann, Anthony McCall, and Paul Sharits, among others. Conceived and organized as a possible dialogue between theoretical assessment and the practical necessities of specific works, this research defends an open and dynamic methodology of restoration much like the objects herein considered. Through archival research, this dissertation will confront issues of textual reconstruction (starting from literary philology), performance and installation, scholarly debates concerning the materiality of artworks (problematizing the positions of restoration theorist Cesare Brandi), and the question of technological obsolescence. Mobilizing concepts from different fields considered as complementary (art history, aesthetics, the technological history of film), this dissertation seeks to describe the hermeneutical activity underlying any restoration process. It is starting from this hypothesis, which links theory and practice, that it will consider the specific issues accompanying the life of filmic objects. / Il lavoro si propone di mettere in discussione gli strumenti metodologici e le basi teoriche dell’attività di restauro, al fine di volgersi a un corpus spesso considerato come marginale nella letteratura scientifica inerente alla disciplina: il film d’artista e sperimentale. Ci si concentrerà in particolare sugli anni 1960-1980 per analizzare, tra gli altri, la produzione di Bruce Conner, Carolee Schneemann, Anthony McCall, Paul Sharits. La tesi, concepita e costruita come un possibile dialogo tra l’esigenza di sistematizzazione teorica e le caratteristiche specifiche delle opere, promuove una metodologia aperta e dinamica, adattandosi dunque agli oggetti considerati. In un percorso che si vuole teorico, ma ugualmente frutto di ricerche in archivio, si tratteranno problemi di ricostruzione testuale (basandosi sulla filologia d’autore), questioni riguardanti la performance e l’installazione, interventi sulla materia delle opere (sulla scorta di una rilettura critica della Teoria del restauro di Cesare Brandi), o ancora il problema dell’obsolescenza tecnologica. La ricerca tende a includere e adattare concetti provenienti da diverse discipline (storia dell’arte, estetica, storia tecnologica del film, qui considerate come complementari), per poter infine descrivere l’attività di restauro come operazione ermeneutica. Muovendo da un’ipotesi di lavoro che unisce teoria e pratica, la ricerca affronta i problemi specifici relativi alla “trasmissione al futuro” delle opere filmiche.

O conjunto aqui apresentado dá forma a parte das reflexões teóricas em andamento durante minha pesquisa de mestrado na área de Poéticas Visuais. Proposta como um complemento, esta exposição escrita não pretende validar ou definir um sentido à série de pinturas que constitui sua contrapartida experimental, mas sugerir condições interpretativas, não só a meu processo artístico, como a outras pesquisas poéticas que partem de questionamentos semelhantes. Tendo como pano de fundo o momento atual de onipresença da tecnologia da informática em qualquer aspecto da vida cotidiana, pretendo uma investigação sobre os efeitos dessa \"revolução digital\" no modo como produzimos e nos relacionamos com imagens no mundo contemporâneo - e, de modo mais específico, sobre os possíveis diálogos de um suporte tradicional como a pintura nesse contexto.