Le présent travail se propose d’écrire l’histoire de l’influence des tragédies grecques en France au XVIe et XVIIe siècles, dans la conviction qu’elle joua un rôle central, par sa présence ou son absence, dans la naissance et le développement de la tragédie française. Le fil rouge qui se dégage de notre travail est de nature religieuse et historique : les auteurs du XVIe et du XVIIe siècle alternent intérêt et désintérêt pour la tragédie grecque en fonction de la période historique et de leurs croyances religieuses, en fonction non pas de préférences littéraires mais à la suite des choix imposés par leur environnement par ce qu’il convient d’appeler la matérialité de l’Histoire : l’accès aux manuscrits, les interdictions du Concile de Trente, la diffusion du grec, etc. À travers l’analyse de plus de quarante pièces, ce fil rouge permet d’expliquer les fluctuations, autrement incompréhensibles, dans la relation à Euripide et Sophocle, le fait que les tragédies grecques monopolisent – par rapport à Sénèque – l’intérêt des traducteurs (tous évangélistes) de la première moitié du XVIe siècle, qu’elles laissent – avec une étonnante rapidité – le champ libre (en apparence du moins) à l’auteur latin pendant plus d’un siècle à partir de 1550, et qu’elles reviennent ensuite au premier plan avec Racine, dont les maîtres jansénistes partagent avec les évangélistes la dangereuse passion pour le grec. Racine se distingue des autres auteurs par sa capacité de retrouver chez Euripide le secret du personnage tragique, fondement d’une révolution dans l’art d’écrire des tragédies, à laquelle il renoncera lui-même à partir d’Andromaque, sous la pression des critiques et du goût du public. / The present work explores the history of the influence of Greek tragedies on France during the XVIth and XVIIth centuries, in order to demonstrate that this influence played a major role in French tragedy’s birth and development. Our work’s guiding thread is religion and history: XVIth- and XVIIth-century playwrights alternated between interest and lack of interest in Greek tragedy depending on the periods in which they lived and their religious beliefs. Their interest or lack thereof stemmed not from their literary preferences but from phenomena imposed on them by their environment, by what we can call the materiality of history: the access to manuscripts, the Council of Trent’s prohibitions, the spread of Greek, etc. Through the analysis of more than forty plays, this guiding thread helps to explain the fluctuations-hardly understandable otherwise-in the relationship with Euripides and Sophocles; the fact that in the first part of XVIth century, Greek tragedies, as compared with Seneca, monopolise the attention of translators (all linked to Evangelism); the fact that after 1550, with astonishing speed, the Latin author takes over (at least at first sight) for more than a century; and the fact that Greek tragedies come back on stage with Racine, whose Jansenist professors shared with Evangelists the dangerous passion for Greek. Racine stands out from the other authors because of his ability to rediscover the tragic hero’s secret, the cornerstone of his revolution in the art of writing tragedies-a revolution he will be forced by critics and audience taste to renounce, after Andromaque.

book review of Xavier Garnier''s "The Swahili novel. The notion of \''minor literature'' put to the test" (2006)

Objet d'étude pluridisciplinaire, la décoration théâtrale est un art éphémère ne vibrant que sous les projecteurs. Au début du XXe siècle, le rôle de l'élément visuel est sensiblement renforcé sur scène. Dans un contexte artistique parisien caractérisé par la variété des formes d'expression, la multitude des influences venant de l'étranger et les questionnements autour des relations possibles entre les arts ; une nouvelle approche de la scène se dessine et un autre regard se porte sur la conception des spectacles et sur la création de leurs éléments constitutifs tels que les décors et les costumes. Ces nouvelles considérations autour de l'esthétique de l'espace scénique mènent à de nouvelles théories et de nouvelles tendances de la décoration théâtrale. Centrée autour des maisons d'opéra parisiennes, notre étude propose une meilleure compréhension du processus de renouvellement de la décoration théâtrale sur les scènes de l'Opéra et de l'Opéra-Comique dans la première moitié du XXe siècle. Vitrines de l'Art français, les deux théâtres entretiennent depuis leur création des relations particulières entre rivalité et complémentarité. Notre thèse porte un éclairage nouveau sur la décoration théâtrale conçue pour les spectacles lyriques du début du XXe siècle en proposant de définir précisément le positionnement de l'Opéra et de l'Opéra-Comique. Par l'analyse de la confrontation entre le traditionalisme assujetti aux deux maisons et les nouvelles aspirations que connaît le monde du Théâtre, notre étude explore tout d'abord les prémices d'un renouveau du décor de scène et met en lumière les principaux acteurs du mouvement. Le recours systématique aux décorateurs professionnels héritiers des dynasties de la fin du XIXe siècle et à la technique du trompe-l'œil sont progressivement abandonnés par les maisons d'opéra. Aussi, de nouveaux collaborateurs du monde du Théâtre, peintres pour la plupart, se trouvent au cœur de la conception des spectacles. Notre thèse ouvre le champ d'étude et examine l'impact des mouvements artistiques venant de l'étranger. Dans une capitale française, siège d'une agitation artistique internationale, les influences et les collaborations avec les artistes étrangers se jouent aussi dans l'art du décor de scène. Le monde du spectacle des années 1920 est marqué par l'empreinte des Ballets russes et les créateurs de décors saisissent pleinement le modèle en l'adaptant aux œuvres et au goût français. Les directeurs de l'Opéra de l'Opéra-Comique secouent hardiment la routine décorative de leur théâtre en s'entourant d'artistes capables d'offrir une autre conception du décor d'opéra en créant des cadres propices au développement d'un nouvel imaginaire. Plus favorable aux expériences novatrices, le décor de ballet offre une grande liberté à ses créateurs. En abordant la question du renouvellement du décor de ballet à l'Opéra et à l'Opéra-Comique, notre thèse révèle leur ligne directrice et examine leur transformation en pôle de création et de modernité chorégraphique. La question du goût est au cœur du dernier volet de notre étude en dévoilant tout d'abord les réactions des maisons d'opéra face au succès du cinéma. Les directeurs des théâtres s'emparent de ses ressources techniques afin de moderniser la mise en scène et d'enrichir les procédés existants. En s'intéressant au rôle scénographique que peut assumer la lumière et au caractère de la projection cinématographique, les théâtres offrent une autre conception de la décoration théâtrale dans laquelle la toile peinte n'est plus exclusive. En s'interrogeant sur l'évolution du goût français, notre thèse offre un éclairage sur les relations entretenues entre les arts décoratifs et les arts de la scène et met en lumière le travail pour la scène des artistes qui conditionnent le goût français des années 1920 et 1930. Enfin l'étude des décors des spectacles des années 1930 cerne les accords et les limites entre le goût du public et les aspirations esthétiques... / Multidisciplinary object of study, the theatrical decoration is an ephemeral art that vibrates only in the spotlight. At the beginning of the 20th century, the role of the visual element is considerably enhanced on stage. In a Parisian artistic context characterized by the variety of forms of expression, the multitude of influences from abroad, and the questions surrounding the possible relationships between the arts; a new approach to the stage is emerging and another look is being taken at the design of shows and the creation of their constituent elements such as sets and costumes. These new considerations around the aesthetics of the stage space lead to new theories and trends in theatrical decoration. Focused on Parisian opera houses, our study offers a better understanding of the process of the renovation of theatrical decoration on stages of Opéra and Opéra-Comique in the first half of the 20th century. Showcases of French art, the two theatres have, since their creation, maintained special relationships between rivalry and complementarity. Our thesis sheds new light on theatrical decoration designed for early 20th century lyrical shows by proposing to precisely define the positioning of the Opéra and the Opéra-Comique. By analysing the confrontation between traditionalism subjected to the two theatres and the new aspirations of the world of theatre, our study first explores the beginnings of a renewal of the stage set and highlights the main actors of the movement. The systematic use of professional decorators, heirs of the dynasties of the late 19th century and the trompe-l'oeil technique were gradually abandoned by opera houses. As a result, new collaborators from the world of theatre, most of whom are painters, are at the heart of the creation of the shows. Our thesis opens the field of study and examines the impact of artistic movements from abroad. In a French capital, the headquarters of an international artistic unrest, influences and collaborations with foreign artists are also at stake in the art of stage set design. The 1920s theatre world was marked by the influence of the Ballets russes and the set designers fully grasped the model by adapting it to French creations and tastes. The directors of the Opéra de l'Opéra-Comique shake up the decorative routine of their theatre by surrounding themselves with artists capable of offering an alternative conception of the opera set by creating a setting that is conducive to the development of a new imagination. More favourable to innovative experiences, ballet set design offers great flexibility to its creators. By approaching the question of the renewal of ballet set design at the Opera and the Opéra-Comique, our thesis reveals their direction and examines their transformation into a pole of creation and choreographic modernity. The question of taste is at the heart of the last part of our study by first revealing the reactions of opera houses to the success of cinema.The directors of the theatres seize its technical resources in order to modernize the staging and enrich existing processes. By focusing on the scenographic role that light can play and the character of film projection, theatres offer another conception of theatrical decoration in which the painted canvas is no more exclusive. By questioning the evolution of French taste, our thesis offers a view on the relationship between the decorative and performing arts and highlights the work for the stage of the artists who condition the French taste of the 1920s and 1930s. Finally, the study of the sets of the 1930s shows identifies the harmony and limits between the public's taste and the aesthetic aspirations of the time.

De preceptis is considered a major source of information on the origins of fauxbourdon, despite its being regarded as a disorganized compilation of multiple authorship, uncertain date, and unknown provenance. Internal cross-reference and writing mannerisms, however, show it to be a compilation of a single author's writings. Comparison of its pedagogical content to that of other theory treatises suggests that it was written c. 1500, not the accepted c. 1480. Evidence also indicates that Guillaume Garnier, a Flemish associate of Tinctoris and Gaffurius working in Italy, was its author. De preceptis ought to be considered a source, not for the origins of fauxbourdon, but for its reception-history, evidenced by the centrality of the parallel-consonance duet in Guilielmus's composition formulas, many of which resemble the frottola.

Située au carrefour de l’histoire des archives, de la construction des savoirs, de l’histoire des sciences et du pragmatisme, cette thèse se propose dans la double optique de la biographie intellectuelle de l’archiviste et historien dijonnais Joseph Garnier (1815-1903) et d’une généalogie des pratiques et des méthodes de l’archivistique de s’attacher à étudier la place de l’archive et du traitement qui lui fut réservé dans le courant du XIXe siècle aux Archives et dans l’écriture de l’histoire. En opposant l’archivable à l’éditable la rénovation des archives locales provoque une perturbation des cadres méthodologiques et un sentiment d’urgence technique et scientifique : l’inventorisation devait impérativement prendre le pas sur l’édition exhaustive des richesses paléographiques de la France. Ce réaménagement des représentations archivistiques offre la possibilité d’un chassé-croisé entre science des documents et administration des fonds. Ces deux nécessités réussissent une conciliation par le réajustement des objectifs assignés aux inventaires sommaires via leur normalisation. Obligées de faire de l’inventaire-sommaire et de la description des actes préalables à l’utilisation et à la publication des documents historiques, les Archives locales manifestent qu’il existe des savoirs et des pratiques spécifiques à la gestion des documents. En normalisant et en institutionnalisant les « arts de faire » de la classification, le monde des archives élabore de nouvelles technologies intellectuelles induisant à chaque étape de nouveaux rapports à l’archive et à l’histoire dont l’historiographie a su mesurer toute l’inventivité. / Situate at the crossroad of archives history, knowledge construction, science history and pragmatism, this thesis intend to throw a new light upon studies archives and their treatment in the XIXth century in provincials Archives and writing of history in France.

The main focus of this thesis is to analyze three architecture models, displayed at three major art museums. Using Roland Barthes concept of the mythology as a meta layer to the language of the exhibition, the study of the models is also a way of studying their visual and institutional environment – thus inquiring into how the display of architectural models, in the context of the modern art exhibition, activates and displaces the discourse of the exhibition. Taking into consideration the different kinds of objects on display (and those that are not), as well as their relation to the artist and the artworks, the discussion is largely affected by the notion of the representation, as well as the ideology of the modernistic narrative. Upon analyzing these aspects, it becomes clear that the models all convey narratives of their own, that in turn are activated and transformed in their dialogue with the rest of the exhibition. The models become part of the larger narrative that visualizes different ideas about modernism and modernity. But the analysis of the interplay between model and display also show how underlying narratives of nationalism and the relationship between art and architecture are a dominant pretext in the exhibitions.

Depuis les années 1860 en Nouvelle-Calédonie, de nombreux textes évoquent les activités de la mine, son organisation, sa structure de commandement, la vie des mineurs et autres activités liées à la mine, les conflits entre les catégories sociales. L'attention se porte notamment sur Jules Garnier et son récit de voyage, sur les nouvelles de Baudoux et sa " Chanson des cobaleurs ", en passant par les romans et nouvelles de Mariotti, Quel langage spécifique est recrée par les textes littéraires ? Comment rendent-ils compte du véritable argot minier qui a existé et existe peut-être encore ? Ils témoignent surtout d'une partie de l'imaginaire de la mine développé en Nouvelle-Calédonie : celui qui s'est élaboré à travers le prisme changeant de l'idéologie coloniale de 1853 à 1953, c'est-à-dire, avec le souci d'écrire une " légende ", ou une "épopée " et de participer à la grandeur de l'empire colonial français. C'est, en effet, pendant cette période que la plupart des termes et des représentations -- notamment celles du pionnier -- qui servent encore à évoquer l'exploitation minière, ont été crées par les auteurs qui ont occupé l'espace littéraire de la Nouvelle-Calédonie. Pour traiter des représentations d'une notion ou d'une réalité dans un texte appartenant à la littérature, il a été nécessaire d'aborder le texte comme une construction. En effet, même les témoignages qui semblent marqués de la plus pure authenticité sont d'abord des faits de discours qu'il faut démonter, dont on décrit les relations dans un modèle qui est toujours dynamique. De même, les évolutions dans les représentations suivent ou anticipent les mutations historiques avec une temporalité qui propre à la vie imaginaire et symbolique des collectivités humaines.

En presentation av Kungliga Svenska Baletten. Denna ska distribueras till operahus världen över innan ny turné påbörjas. Shanghais operahus var det första som fick den färdiga produkten.Fördjupningen rör olika operahus design och arkitektur ut- och invändigt. Även en del av husens relevanta historia tas upp.

Made available in DSpace on 2014-11-10T11:09:53Z (GMT). No. of bitstreams: 0 Previous issue date: 2013-12-09Bitstream added on 2014-11-10T11:57:48Z : No. of bitstreams: 1 000790461.pdf: 792980 bytes, checksum: 3debf725e60b56357c0c0b32f1c715e4 (MD5) / Este trabalho reflete sobre a seleção dos contos que Machado de Assis fez para compor suas Histórias da meia-noite. Na montagem, escolheu certos textos que havia publicado entre 1870 e 1873, no Jornal das Famílias, desconsiderando um número significativo deles. Investigamos as possíveis razões para a seleção que o escritor montou, tentando observar, ainda, se tal escolha obedece a algum projeto literário machadiano. Para tanto, recorreu-se a leituras da crítica machadiana, aos contos em seu suporte de publicação primária e ao referencial teórico da História Cultural. Almeja-se contribuir para o avanço das pesquisas a respeito dos primeiros contos machadianos, no que concerne à construção desses textos e configuração, pela escolha, do projeto literário machadiano, assim como de uma possível relação entre a formação dessa coletânea e o ideal de “literatura brasileira” que o escritor e crítico Machado de Assis parecia ter em mente naquele momento. Também se analisou fatos relativos à história da publicação da coletânea, a fim de verificar se o editor Baptiste-Louis Garnier, que publicou tanto o Jornal das Famílias quanto a coletânea Histórias da meia noite, de 1873, teria tido alguma participação – direta ou indireta – na seleção feita pelo autor fluminense / This work reflects on the selection made by Machado de Assis to compose his Histórias da meia-noite. During this process, he chose certain texts that were published between 1870 and 1873, in the Jornal das Famílias, excluding a significant number of them. We researched the possible reasons for the writer’s selection, trying to observe if these choices follow any literary project of the author. In order to do so, we have examined critical readings of Machado’s works, the short stories in their medium of primary publication and theoretical references of Cultural History. We aim to contribute to the advancement of researches on Machado de Assis’ short stories, regarding the construction of these texts and configuration, by his own choice, of his literary project, as well as the possible relation between the formation of this collection and the ideal of “Brazilian literature” that the writer and critic Machado de Assis seemed to have in mind at that moment. Facts related to the history of the collection’s publication were also analyzed, in order to verify if the editor Baptiste-Louis Garnier, also the publisher of Jornal das Famílias and the collection Histórias da meia noite, of 1873, would have participated – directly or indirectly – in the selection made by the author from Rio de Janeiro

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