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The operatic ensemble in FranceCook, Elisabeth Ann January 1989 (has links)
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Magnetism, muteness, magic : Spectacle and the Parisian lyric stage c1830Hibberd, Sarah January 1998 (has links)
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Louis Veron and the finances of the Academie Royale de Musique 1827 to 1835Drysdale, John Duncan January 2000 (has links)
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Selected Operas of Isabelle Aboulker As Repertoire for the University Opera StudioO'Keefe, Patricia Beatrice 12 1900 (has links)
Aboulker’s operatic works present an opportunity for opera workshop programs in the United States to perform contemporary operatic works in a foreign language, revitalizing the operatic repertoire and giving students the opportunity to prepare and perform roles without the weight and influence of significant performance history. Aboulker’s style, which has been called “effectively simple,” allows developing students to work on new French language repertoire without the burden of excessively difficult or atonal vocal lines. Aboulker’s works are tuneful and humorous and her longest operatic work lasts a mere hour and a half. These qualities also serve to mitigate the challenge presented to the student by the French language. Many of Aboulker’s works are conceived specifically to be performed with piano only, or have already been published in piano reduction. Most of her operatic works are very short or divide easily into scenes that could be performed separately where the performance of a longer work is either not feasible or not desired. All of these characteristics combine to make the operas of Isabelle Aboulker a viable repertoire option for the university opera studio.
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From Femme Ideale to Femme Fatale: Contexts for the Exotic Archetype in Nineteenth-Century French OperaGrimmer, Jessica H. 20 October 2014 (has links)
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L’opéra sauvetage en France de 1769 à 1813, une étude dramaturgique / The rescue opera in France from 1769 till 1813, a study of musical dramatic artSaulneron, Charlotte 22 February 2010 (has links)
L’opéra sauvetage s’est développé rapidement en France durant la Révolution française, principalement dans l’opéra-comique, puis est assez vite passé de mode sous l’Empire. L’opéra sauvetage se définit surtout en fonction de ses caractéristiques littéraires. Le livret met en scène un héros ou un groupe sauvé de la mort ou d’un avenir contraire à ses désirs après que l’injustice ou la malveillance l’a persécuté. Le sauvetage arrive à l’instant le plus critique. Nous nous sommes interrogée sur l’efficacité dramatique des intrigues, musiques et mises en scènes proposées dans ces créations. Notre étude travaille donc sur l’énergie dramatique mise en œuvre dans les opéras sauvetage et surtout sur son calibrage selon le déroulement de l’action. Le terme « énergie dramatique » doit être compris comme le lien entre la construction d’un opéra et l’émotion que cette construction doit engendrer. Cette étude sur l’énergie dramatique se justifie d’autant plus que ce concept est au centre de l’intérêt d’un opéra sauvetage à défaut d’autres notions comme la virtuosité par exemple. / The rescue opera developed quickly in France during the French Revolution, mainly in the light opera, then is rather fast old-fashioned under the Empire. The rescue opera defines itself especially according to its literary characteristics. The notebook stages a hero or a group saved from the death or from the future against its desires after the injustice or the hostility persecuted him. The rescue arrives at the most critical moment. We wondered about the dramatic efficiency of the intrigues, music and directions were proposed in these creations. Our study works on the implemented dramatic energy in the rescue operas and especially on its grading according to the progress of the action. The term "dramatic energy" must be understood as the link between the construction of an opera and the emotion which this construction has to engender. This study on the dramatic energy justifies itself especially since this concept is in the center of the interest of a rescue opera for lack of the other notions as the virtuosity for example.
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On the Precipice: Examining Generic Convention and Innovation in Thermidorian Opera through "Sapho" (1794)Wodny, Anna 05 1900 (has links)
Often neglected in the musicological coverage of revolutionary music and theater, the Thermidorean Reaction phase (1794–1795) of the French Revolution was a period of governmental transition, in which Parisian theaters enjoyed the institutional and generic freedoms of the Le Chapelier Laws of 1791 in addition to relaxed enforcement of censorship. In recent years, Mark Darlow and Julia Doe's work has advanced understandings of operatic genres during the early years of the Revolution, which they characterize as a balance between "rupture and continuity" with artistic conventions of the ancien régime. I extend their methods of analysis to the second half of the revolutionary decade, exploring the impact that Thermidorian theatrical politics and legal (de)regulations had on operatic genre through the lens of Sapho (1794). This tragédie lyrique premiered at the Théatre de Louvois, a venue of ambiguous status within Paris's theatrical hierarchies. Featuring a libretto by Constance de Salm and music by Jean-Paul-Égide Martini, Sapho falls within the period of temporarily suspended theatrical privilege initiated by Le Chapelier and borrows key formal elements from "great" and popular operatic styles. The opera facilitates a discussion of how composers and librettists collaborated to navigate the rapidly shifting political and legal climate of Thermidor. I argue that Sapho's careful blend of generic consistency and innovation arose from its twofold institutional and aesthetic positioning. Institutionally, it premiered within a period of relaxed theatrical regulations at a theater, the Louvois, that avoids clear categorization. Aesthetically, Sapho represents a culmination of generic developments initiated in the 1750s, with innovative musical and formal elements stemming from the authors' attention to dramatic progression and their desire to remain artistically relevant in the wake of the Terror.
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„La Passion de la clarté.“Klaus-Cosca, Barbara 07 April 2016 (has links)
Die Oper „Ariane et Barbe-Bleue“ (Uraufführung 7. Mai 1907 in der Opéra-Comique Paris) von Maurice Maeterlinck und Paul Dukas weist mit der Protagonistin Ariane eine ungewöhnlich starke und selbstbewusste Frauenfigur auf, die entgegen allen Erwartungen und Konventionen gegen Verbote handelt, um die fünf gefangenen Ehefrauen Blaubarts zu befreien. Im Gegensatz zu anderen Frauenfiguren auf der Opernbühne des Fin de Siècle, wie beispielsweise Mélisande oder Salomé, wird sie nicht mit dem Tode bestraft, sondern geht nach ihrer Mission unversehrt von dannen. Maurice Maeterlinck gelang mit diesem Libretto und vor allem der Frauenfigur Ariane die Wende vom symbolistischen zum realistischen Theater. Paul Dukas sicherte sich die Vertonungsrechte für seine erste und einzige Oper, drängte Maeterlinck aber zu umfangreichen Änderungen am Libretto, die hier nachgezeichnet werden. Diese Arbeit untersucht den Entstehungsprozess des Librettos von den ersten Skizzen Maeterlincks 1898/1899 bis zur Endfassung des Textes der Orchesterpartitur (1907) und zeichnet den Einfluss Dukas’ auf die Konzeption des Librettos nach. Gleichzeitig werden die vorgenommenen Änderungen in Beziehung gesetzt zu Maeterlincks Dramenschaffen der Jahre 1890 bis 1902, die sowohl eine Entwicklung der Frauenfiguren als auch der Dramenkonzeption im allgemeinen aufweisen. Georgette Leblanc, Schauspielerin und Sängerin als auch Lebensgefährtin des Schriftstellers Maeterlinck, hatte einen nicht unerheblichen Einfluss auf die Entwicklung von Maeterlincks Frauenbild, dessen Entwicklung exemplarisch an den Dramen „Princesse Maleine“, „Aglavaine et Sélysette“ und „Monna Vanna“ nachgezeichnet wird. Die philosophischen Werke Maeterlincks („Le Trésor des Humbles“, „La Sagesse et la destinée“ und „Le Double Jardin“) bilden die theoretischen Grundlagen für Maeterlincks Werke und erlauben eine konkrete Verortung der Figur der Ariane innerhalb der Entwicklung des Frauenbildes Maeterlincks. / The opera “Ariane et Barbe-Bleue“ (première May 7, 1907 at Opéra-Comique in Paris) by Maurice Maeterlinck and Paul Dukas features the protagonist Ariane, a very unusual strong and self-conscious figure of a woman that acts against all kinds of expectations and limitations to free the five captured wives of Bluebeard. Unlike other figures of women of fin de siècle opera like Mélisande (‘femme fatal’) or Salomé (‘femme fragile’) Ariane is not punished for disobedience, after she accomplished her mission she walks away. With the libretto of “Ariane et Barbe-Bleue” Maeterlinck managed to change his dramatic technique from symbolistic to realistic theatre. Paul Dukas acquired the rights to set the libretto to music for his one and only opera and urged Maeterlinck to change important parts of the piece. This dissertation in on the one hand side uncovering Dukas’ participation on Maeterlinck’s libretto that can be traced in the three different stages of the libretto from the first version (preserved only in German) in 1899 through the published ‘Theatre’ version (1901) to the printed text in the score of 1907. This changes will be put in relation to the development of Maeterlinck’s dramatic changes of the years 1890 to 1902, which include also the development of the figure of women in his dramas in general. Georgette Leblanc, singer, actress and 23 years companion of Maeterlinck had a great impact of Maeterlinck’s picture of women and its’ development that are examined in the theatre plays “Princesse Maleine”, “Aglavaine et Sélysette” and “Monna Vanna”. The theoretical basis of his theatre works can be found in Maeterlinck’s philosophical works (“Le Trésor des humbles”, “La Sagesse et la destine” and “La Doube Jardin”) that also places the figure of Ariane in the context of the development of his image of women.
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Defining Manon: Three Operas on Abbé Prévost’s Manon LescautBoudreaux, Emily 16 September 2013 (has links)
Abbé Prévost’s novel L’Histoire du chevalier des Grieux et de Manon Lescaut (1731) has inspired at least four operas, notably by Daniel Auber, Jules Massenet, Giacomo Puccini, and Hans Werner Henze. This study will look at the three nineteenth-century operas based on that novel: Auber’s Manon Lescaut (1856), Massenet’s Manon (1884), and Puccini’s Manon Lescaut (1893). Massenet’s treatment receives the most attention because it is the most popular, and arguably the most well-known, of the three operas. I will discuss Manon’s role in the novel and operas, and its impact on the dramatic conception of each work. In the three operas I will examine her arias and other music, and her relationships with other characters. The goal is to gain a better understanding of each composer’s interpretation of Prévost’s heroine and to explore why Manon is different in each work.
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L'évolution de la décoration théâtrale sur les scènes de l'Opéra et de l'Opéra-Comique entre 1914 et 1936 / The evolution of theatrical decoration on the stages of the Opera and the Opéra-Comique between 1914 and 1936Bellot, Alexandra 18 December 2018 (has links)
Objet d'étude pluridisciplinaire, la décoration théâtrale est un art éphémère ne vibrant que sous les projecteurs. Au début du XXe siècle, le rôle de l'élément visuel est sensiblement renforcé sur scène. Dans un contexte artistique parisien caractérisé par la variété des formes d'expression, la multitude des influences venant de l'étranger et les questionnements autour des relations possibles entre les arts ; une nouvelle approche de la scène se dessine et un autre regard se porte sur la conception des spectacles et sur la création de leurs éléments constitutifs tels que les décors et les costumes. Ces nouvelles considérations autour de l'esthétique de l'espace scénique mènent à de nouvelles théories et de nouvelles tendances de la décoration théâtrale. Centrée autour des maisons d'opéra parisiennes, notre étude propose une meilleure compréhension du processus de renouvellement de la décoration théâtrale sur les scènes de l'Opéra et de l'Opéra-Comique dans la première moitié du XXe siècle. Vitrines de l'Art français, les deux théâtres entretiennent depuis leur création des relations particulières entre rivalité et complémentarité. Notre thèse porte un éclairage nouveau sur la décoration théâtrale conçue pour les spectacles lyriques du début du XXe siècle en proposant de définir précisément le positionnement de l'Opéra et de l'Opéra-Comique. Par l'analyse de la confrontation entre le traditionalisme assujetti aux deux maisons et les nouvelles aspirations que connaît le monde du Théâtre, notre étude explore tout d'abord les prémices d'un renouveau du décor de scène et met en lumière les principaux acteurs du mouvement. Le recours systématique aux décorateurs professionnels héritiers des dynasties de la fin du XIXe siècle et à la technique du trompe-l'œil sont progressivement abandonnés par les maisons d'opéra. Aussi, de nouveaux collaborateurs du monde du Théâtre, peintres pour la plupart, se trouvent au cœur de la conception des spectacles. Notre thèse ouvre le champ d'étude et examine l'impact des mouvements artistiques venant de l'étranger. Dans une capitale française, siège d'une agitation artistique internationale, les influences et les collaborations avec les artistes étrangers se jouent aussi dans l'art du décor de scène. Le monde du spectacle des années 1920 est marqué par l'empreinte des Ballets russes et les créateurs de décors saisissent pleinement le modèle en l'adaptant aux œuvres et au goût français. Les directeurs de l'Opéra de l'Opéra-Comique secouent hardiment la routine décorative de leur théâtre en s'entourant d'artistes capables d'offrir une autre conception du décor d'opéra en créant des cadres propices au développement d'un nouvel imaginaire. Plus favorable aux expériences novatrices, le décor de ballet offre une grande liberté à ses créateurs. En abordant la question du renouvellement du décor de ballet à l'Opéra et à l'Opéra-Comique, notre thèse révèle leur ligne directrice et examine leur transformation en pôle de création et de modernité chorégraphique. La question du goût est au cœur du dernier volet de notre étude en dévoilant tout d'abord les réactions des maisons d'opéra face au succès du cinéma. Les directeurs des théâtres s'emparent de ses ressources techniques afin de moderniser la mise en scène et d'enrichir les procédés existants. En s'intéressant au rôle scénographique que peut assumer la lumière et au caractère de la projection cinématographique, les théâtres offrent une autre conception de la décoration théâtrale dans laquelle la toile peinte n'est plus exclusive. En s'interrogeant sur l'évolution du goût français, notre thèse offre un éclairage sur les relations entretenues entre les arts décoratifs et les arts de la scène et met en lumière le travail pour la scène des artistes qui conditionnent le goût français des années 1920 et 1930. Enfin l'étude des décors des spectacles des années 1930 cerne les accords et les limites entre le goût du public et les aspirations esthétiques... / Multidisciplinary object of study, the theatrical decoration is an ephemeral art that vibrates only in the spotlight. At the beginning of the 20th century, the role of the visual element is considerably enhanced on stage. In a Parisian artistic context characterized by the variety of forms of expression, the multitude of influences from abroad, and the questions surrounding the possible relationships between the arts; a new approach to the stage is emerging and another look is being taken at the design of shows and the creation of their constituent elements such as sets and costumes. These new considerations around the aesthetics of the stage space lead to new theories and trends in theatrical decoration. Focused on Parisian opera houses, our study offers a better understanding of the process of the renovation of theatrical decoration on stages of Opéra and Opéra-Comique in the first half of the 20th century. Showcases of French art, the two theatres have, since their creation, maintained special relationships between rivalry and complementarity. Our thesis sheds new light on theatrical decoration designed for early 20th century lyrical shows by proposing to precisely define the positioning of the Opéra and the Opéra-Comique. By analysing the confrontation between traditionalism subjected to the two theatres and the new aspirations of the world of theatre, our study first explores the beginnings of a renewal of the stage set and highlights the main actors of the movement. The systematic use of professional decorators, heirs of the dynasties of the late 19th century and the trompe-l'oeil technique were gradually abandoned by opera houses. As a result, new collaborators from the world of theatre, most of whom are painters, are at the heart of the creation of the shows. Our thesis opens the field of study and examines the impact of artistic movements from abroad. In a French capital, the headquarters of an international artistic unrest, influences and collaborations with foreign artists are also at stake in the art of stage set design. The 1920s theatre world was marked by the influence of the Ballets russes and the set designers fully grasped the model by adapting it to French creations and tastes. The directors of the Opéra de l'Opéra-Comique shake up the decorative routine of their theatre by surrounding themselves with artists capable of offering an alternative conception of the opera set by creating a setting that is conducive to the development of a new imagination. More favourable to innovative experiences, ballet set design offers great flexibility to its creators. By approaching the question of the renewal of ballet set design at the Opera and the Opéra-Comique, our thesis reveals their direction and examines their transformation into a pole of creation and choreographic modernity. The question of taste is at the heart of the last part of our study by first revealing the reactions of opera houses to the success of cinema.The directors of the theatres seize its technical resources in order to modernize the staging and enrich existing processes. By focusing on the scenographic role that light can play and the character of film projection, theatres offer another conception of theatrical decoration in which the painted canvas is no more exclusive. By questioning the evolution of French taste, our thesis offers a view on the relationship between the decorative and performing arts and highlights the work for the stage of the artists who condition the French taste of the 1920s and 1930s. Finally, the study of the sets of the 1930s shows identifies the harmony and limits between the public's taste and the aesthetic aspirations of the time.
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