La politique dans trois pièces d´Hélène Cixous : L’Histoire (qu’on ne connaîtra jamais) (1994) ; L’Histoire terrible mais inachevée de Norodom Sihanouk, roi de Cambodge (1985) et La Ville parjure ou le réveil des Erinyes (1994). L´objectif est de mettre les pièces dans leur contexte historique, contemporain, politique et philosophique. Leur forme d’intervention est étudiée tout autant que la littérature, les archives, la théorie et le contexte qui les informent. Les questions plus générales de la dimension politique dans l’esthétique et les interventions du littéraire sur le champ politique ou idéologique sont aussi au centre de l´analyse. La lecture vise plus particulièrement à identifier les sources et les réalités sur lesquelles les pièces s’appuient (la crise politique et démocratique ; le colonialisme et l´impérialisme occidentaux ; la géopolitique et les guerres civiles et fratricides, tout comme les résistances à ces situations ou événements politiques/historiques) mais aussi les positions prises à leur égard ainsi que les enjeux décisifs qu’elles dégagent. La thèse est composée de deux parties : "La scène du Livre" et "La scène de l’Histoire". La première comporte un parti pris méthodologique ; elle s´ouvre sur une mise en perspective théorique et propose dans un deuxième chapitre l’analyse de L’Histoire (qu’on ne connaîtra jamais) en tant que mise en abyme de l´écriture théâtrale et de la fonction du poète face à l’Histoire. Dans la deuxième partie, l’accent est mis sur l’histoire et la politique contemporaines ainsi que sur les questions de pouvoir, de violence, de territorialité, de démocratie et de justice auxquelles L’Histoire terrible et La Ville parjure cherchent à répondre. L´étude met en évidence deux devoirs qui sous-tendent l´écriture théâtrale d´Hélène Cixous : d’une part, celui de la responsabilité devant la mémoire et, de l´autre, celui de la résistance critique à tout pouvoir injuste. / The thesis explores the role of history, memory, responsibility, and politics in three plays by Hélène Cixous: The History (We Will Never Know) (1994), The Terrible but Unfinished Story of Norodom Sihanouk, King of Cambodia (1985) and the Perjured City or the Awakening of the Erinyes (1994). The purpose is to put the plays in their philosophical and political contexts and to engage the questions they raise from literary, archival, and theoretical perspectives. The broader political and ideological dimensions of Cixous’s aesthetic and literary writing are also central to the analysis. The thesis specifically examines the historical and contemporary issues addressed in the plays, such as the crisis of the political order and democracy; colonial and imperial practices; the linkages between geopolitics, civil wars and genocides; and the various forms of individual and collective resistance to power. In addition, it analyzes the discourses and subject positions staked out by the participants in the narratives the plays describe. The thesis is divided into two parts: The first one, entitled "The Scene of the Book", opens with a methodological and theoretical chapter followed by an analysis of The History (We Will Never Know), with emphasis on the mise en abyme of the process of writing and the relationship between the poet and history. In the second part, "The Scene of History", the focus is on contemporary history and politics, using The Terrible but Unfinished Story of Norodom Sihanouk and the Perjured City as case studies, addressing issues of power, violence, territoriality, democracy and justice. The thesis stresses the dual obligation, underpinning the theatrical writings of Hélène Cixous: the responsibility toward memory and the duty to resist unjust power in all its forms.

Tenter l’ethnocritique d’Osnabrück a d’abord pour objectif de réinscrire le récit dans le réel, tant sur le plan des pratiques représentées, de l’imaginaire filé, que du savoir-faire propre à l’écrivaine. La thèse voudrait préciser les enjeux et les effets culturels de l’écriture, et d’abord de l’écriture littéraire. L’approche du texte se fait par le biais de la cuisine dans tout ce que la polysémie du terme implique – lieu, technique, économie, esthétique. À partir du foyer, du feu sous la marmite, nous explorons les modes de la transmission entre les générations, entre une mère et sa fille ainsi que leur séparation irrémédiable ; scission condensée, pour la narratrice, dans le passage à la littératie et dans le projet de mettre Ève, sa mère, en livre présentés comme une nécessaire trahison de l’origine. À partir de ce cas, des excursions sont opérées dans d’autres récits écrits en continuité directe ou liés thématiquement à l’univers mis en place précédemment, essais comme fictions. Après une mise au point méthodologique, l’analyse se déploie sur plusieurs niveaux à la fois : celui du monde concret, celui du monde inventé, celui de l’élaboration de la diégèse, celui du livre comme objet matériel. Elle s’appuie sur le terrain concret, expérientiel, de la rencontre de la chercheuse avec l’écrivaine. Penser la cuisine ici c’est penser la femme, la construction de soi, les liens d’une parenté réinventée, mais aussi dresser la table d’écriture et mesurer les enjeux de la vie revécue littérairement. C’est aussi réfléchir à cette forme particulière de littératie seconde, quand l’écrivain est tellement envahi par les lettres qu’elles deviennent vie, fluide, sang : chair / Trying the ethnocriticism of Osnabrück is, firstly, foreshorten story into the reality on depicted practice, extended imagination as well as the author’s savoir-faire. Research aims at clarifying the cultural effects and the stakes of writing, and first of all, literary writing. This is all about approaching the text through cooking with its implied polysemy – place, technics, economics, aesthetic. From the home, the fireplace under the cooking pot, we explore how tradition gets passed over from one generation to another, from the mother to the daughter as well as the inexorable separation; for the narrator, this scission is concentrated in the literacy and in the project of putting Eve, her mother, in a book – presented as being a necessary betrayal regarding her origin. From this particular case, trips are operated in other written stories directly or thematically related to the previous environment, being essays or stories. After a methodological perspective, the analysis spreads out to reach many levels at the same time: the real world, the imaginary world, the diegesis creation and the book as a tangible object. The analysis is based on a concrete and experiential field: the meeting between the researcher and the writer. Here, thinking the cooking is thinking the woman, the construction of identity, a reinvented kinship but also setting the writing table and determining life stakes literally experienced again. It is also thinking about this specific form of second literacy, when the writer is so overwhelmed by the letters that those letters become life, fluids, blood: flesh

Depuis la Révolution française où émerge le féminisme moderne, plus de deux siècles se sont écoulés, et la condition féminine a profondément changé à l’échelle mondiale. On distingue trois générations de femmes : universaliste, différentialiste et postmoderniste, qui se superposent. Le présent travail vise à étudier les deux premières générations de femmes en France et en Chine dans la période contemporaine, ainsi que les représentations littéraires du féminisme dans les deux cultures. Cette thèse est à la fois une étude des parallèles littéraires et une étude des influences. En confrontant les littératures et les théories féministes françaises et chinoises, nous tenterons d’examiner si elles soulèvent les mêmes questions, quels sont les apports de chaque génération, ainsi que les difficultés qu’elles ont rencontrées, et quels sont les invariants de chacune des deux générations féminines qui ont œuvré quasiment dans un même temps, mais dans deux espaces différents, voire séparés. De surcroît, une étude des influences permet de prendre la mesure de la réception des littératures et des théories féministes françaises en Chine. / Since the French Revolution, which foreshadows modern feminism, more than two centuries have passed, women’s status has changed profoundly on a world scale. We distinguish three generations of women: universalist, differentialist and postmodernist. The present work aims to study the first two generations of women in France and China in contemporary times, as well as the literary representations of feminism in both cultures. This thesis studies the literary parallels and the influences. By confronting French and Chinese feminist literatures and theories, we will try to examine if they raise the same questions: what are the contributions and the difficulties of each generation, and what are the invariants of each of the two female generations which took place almost at the same time, but in two different spaces. In addition, a study of influences reveals the reception of French feminist literatures and theories in China.

Cette thèse propose de mettre en rapport les enjeux soulevés par la thèse de la philosophe Judith Butler concernant la « mélancolie du genre » et l’œuvre autobiographique d’Hélène Cixous, travaillée depuis ses commencements par la question du deuil et de la différence sexuelle/genre. Dans ce travail, nous souhaitons montrer en effet que la démarche philosophique théorique de Judith Butler, qui relit les thèses freudiennes sur le deuil, la mélancolie et la formation du moi en montrant l’importance de la perte au cœur de l’identité sexuelle, trouve des résonances dans le travail d’écriture et de réécriture « autobiographique » d’Hélène Cixous. L’écrivain reconfigure de fait la notion classique d’autobiographie, tout son œuvre vie étant marqué par un mouvement fondamental qui consiste à reconnaître les deuils et les séparations ayant donné naissance à l’écriture, un mouvement qui consiste, autrement dit, à créer une archive de l’autre. La thèse comporte deux parties : la première partie théorique explique les enjeux qui sous-tendent la « mélancolie du genre » pensée par Judith Butler et les effets de cette mélancolie sur le corps et la sexualité ; les notions de travestissement et de performativité sont revisitées à partir des notions psychanalytiques d’identification et d’incorporation. Puisque la mélancolie du genre est le résultat de la non-reconnaissance des premiers attachements homosexuels, la nécessité de repenser le rapport au maternel, du point de vue féminin plus particulièrement, est posée ; les notions de sémiotique (Julia Kristeva) et de chôra (Jacques Derrida/ Julia Kristeva) ouvrent ici la voie et nous invitent à penser la mère du côté du mouvement et de l’altération, de la plasticité (Catherine Malabou). La seconde partie propose une traversée de l’œuvre d’Hélène Cixous, depuis Dedans (1968) jusqu’aux toutes récentes fictions analysées à partir de la question du deuil et de la notion freudienne de la substituabilité des objets. Sont examinées les formes de substitutions des pertes inaugurales que sont pour l’écrivaine le deuil du père et le deuil de l’Algérie, substitutions qui passent d’abord et avant tout par le travail signifiant. La question de l’humain est abordée par la figure de l’enfant mongolien, dont la naissance quarante ans avant son entrée dans l’œuvre est venue faire vaciller toutes les divisions caractérisant habituellement le sujet (féminin/masculin, humain/animal, vivant/mort), y compris celle, capitale, entre né et non-né. La notion d’incorporation mélancolique est également mobilisée pour explorer les métamorphoses et nombreuses transfigures animales de l’écrivaine, qui mettent en avant la plasticité du vivant mais non moins sa fragilité. Incontournable, la question de la mère et du maternel chez Cixous est analysée dans son rapport à l’écriture et à la langue : lieu de mouvement, support de transformation et de transsubstantiation mais aussi contenance, la langue chez Cixous fait mère. / This thesis proposes to make a link between the issues raised by Judith Butler regarding « gender melancholy » and Hélène Cixous’ autobiographical work, which has dealt from the start with the question of grief and sexual difference/gender. Our wish is to show how Judith Butler, in revisiting Freud’s theories on grief, melancholy and the formation of the ego, points out the importance of loss at the heart of sexual identity and finds resonance in Hélène Cixous’s « autobiographical » writings and rewritings. The writer, in fact, reconfigures the classical notion of what an autobiography is; her/his life-work is under the influence of a fundamental impulse seeking to identify the losses and separations which gave birth to the writing;an impulse which consists, in other words, in creating an archive of the other. The thesis is made up of two parts: the first part explains the issues underlying Judith Butler’s « gender melancholy »and the effects of this melancholy on body and sexuality; the concepts of transvestism and performative utterance are revisited based on notions of psychoanalytical identification and incorporation. The necessity to rethink the maternal relationship, especially from a feminine perspective, is posited. Notions of semiotics (Julia Kristeva) and of chôra (JacquesDerrida/Julia Kristeva) open the way and invite us to consider the mother from the angle of movement and modulation, of plasticity (Catherine Malabou). The second part offers a cross-section of Hélène Cixous’ work, starting from Dedans (1968) right up until her latest fiction, analyzed from the point of view of grief and the Freudian notion of the substitutability ofobjects. The initial losses, which for the writer mean mourning for a father and for Algeria, take on the form of substitutions which are found above all in the work of the signifiers. The human question is broached by the figure of the Down syndrome child whose birth forty years prior to appearing in the literary work, has come and put off balance the divisions which normally characterize the subject (feminine/masculine, human/animal, living/dead), including the crucial division between born and unborn. The notion of melancholic incorporation is also used to explore the metamorphoses and many animal transfigures of the writer, which highlight the plasticity of the living as well as its fragility. The unavoidable question of the mother and the maternal in Cixous is analyzed in its relation to writing and language: a place of movement, material for transformation and for transubstantiation, not to mention countenance. Language for Cixous enacts the mother.

Cette thèse envisage la relation qui prend forme par le biais du texte littéraire, lors de son écriture et de ses lectures subséquentes, dans la perspective d’une amitié, telle que l’amitié textuelle posthume entre les autrices Clarice Lispector (1920-1977) et Hélène Cixous (1937- ) la donne à penser. Bien que la mort de Lispector soit survenue avant que Cixous ait pu la lire, celle-ci a perçu dans son écriture un appel à l’amitié qui s’est répercuté autant dans sa pensée que dans son écriture et ses enseignements, influençant considérablement sa conception de l’écriture féminine. Il demeure que l’approche qu’a eue Cixous du texte lispectorien a été fortement critiquée parce que jugée trop envahissante, voire déformante, et ce, malgré les multiples invitations à la lectrice que recèle les textes de Lispector. Celle-ci somme sa lectrice à reconnaître non seulement le rôle qu’elle joue dans la constitution du texte, mais aussi à accepter sa part de la responsabilité qu’implique l’autorité du texte. L’étude de certains de ses romans montre que Lispector met de l’avant une manière d’être en relation avec autrui par le biais du texte qui tient de l’amitié. Entre l’approche lispectorienne, qui appelle à une reconnaissance de la subjectivité, ce à quoi Cixous a adhéré pleinement, et celle des critiques de la lecture de Cixous, qui prônent une lecture objective fondée sur la connaissance, il y a donc un conflit portant sur le statut du texte littéraire et sur le rapport que l’on peut entretenir avec lui. Cette relation inédite entre Lispector et Cixous est une invitation à revoir l’amitié de même que la manière dont on peut concevoir la relation qui prend forme par le biais du texte littéraire. Pour mieux comprendre le malaise que suscite le fait de rapprocher cette relation à une amitié, seront étudiées les définitions que les philosophes de l’Antiquité Platon, Aristote et Cicéron ont données à l’amitié pour mieux cerner, notamment, les enjeux relatifs à la réciprocité et à la vie en commun des amis. Montaigne et Maurice Blanchot ayant écrit au sujet de l’amitié une fois leur ami disparu, ils nous permettent de penser ce lien entre l’amitié et le texte, en ce que ce dernier permet la poursuite de la première après la mort de l’ami, alors que la réciprocité et la vie en commun sont rendues impossibles. Or, si le texte permet à l’amitié de se poursuivre au-delà de la mort, Emmanuel Levinas et Hans-Georg Gadamer considèrent que tout rapport au texte et toute herméneutique impliquent une relation qu’il faut simplement reconnaître. Cette amitié entre Lispector et Cixous s’avère donc un exemple d’amitié textuelle, laquelle est une invitation à revoir la manière dont on entre en relation avec le texte et dont on vit l’amitié en dehors de lui, comme quoi, à l’instar de toute relation, l’amitié et le texte se trouvent modifiés lorsqu’ils sont envisagés dans la perspective de leur relation. / This dissertation examines the relationship that takes shape within the literary text, through writing and reading it, as a friendship. The posthumous textual friendship between authors Clarice Lispector (1920-1977) and Hélène Cixous (1937- ) serves as an example as to how such a relationship can occur through the literary text. While Lispector was already dead when Cixous first read her, the latter heard a calling in the former’s writing, which she perceived as an invitation to be friends. Lispector’s oeuvre had a considerable influence on Cixous’ writing, teaching and thinking, even modifying her conception of écriture féminine. Nonetheless, her reading of Lispector’s texts was harshly criticized, as some found it to be domineering, even though Lispector often directly asks her reader to engage with the text so as not to leave her alone. She also invites her reader to recognize her share of the responsibility that comes with creating the text, suggesting a way to relate to another within the text that is akin to a friendship. This way to engage with the text calls for a recognition of everyone’s —writers’ and readers’— subjectivity, an approach Cixous took to heart. As for the critics, their approach to the literary text is based on knowledge instead of on the relationships to which it gives shape. This clash explains why they deemed Cixous’ reading as utterly unacceptable, these conflicting visions being irreconcilable. Lispector’s and Cixous’ uncanny friendship reads as an invitation to envision friendship as a new way to engage with the literary text. To better understand the reluctance to define any relationship taking place within the literary text as a friendship, we will examine how friendship has been defined philosophically since Antiquity through the works of Plato, Aristotle and Cicero, in which the questions of reciprocity and proximity arise. Then, Montaigne and Maurice Blanchot, who wrote texts about their respective deceased friend, will help us to consider the relationship between friendship and the text, as the latter serves to keep the friendship alive after their friend’s death, when reciprocity and proximity are no longer possible in the living world. Since the text allows for friendship to be carried on after one of the friend’s passing, it can also be envisioned as the place for friendships to take place. Emmanuel Levinas and Hans-Georg Gadamer both consider that any relation to the text and hermeneutics as a whole implies a relationship that requires to be recognized as such. Therefore, the relationship between Lispector and Cixous is considered an example of textual friendship that allows us to rethink how we engage with the text but also how we experience friendship. Just like friends both impact one another, friendship and the literary text also affect one another when viewed through the lens of relationship.

In the period following the May 1968 protests, French women began to create theatre that highlighted women’s struggles. This study explores the dual influence of Antonin Artaud and Bertolt Brecht on plays by Hélène Cixous, Simone Benmussa, and the Théâtre du Soleil led by Ariane Mnouchkine. Artaud argued that theatre should become a transformative experience through an explosion of sensory stimuli: music, light, noise, and imagery. Conversely, Brecht wanted to use theatre to revolutionize society and theorized that by maintaining historical and emotional distance between the audience and the play, spectators would be encouraged to think critically about the its significance and be compelled to action. The female playwrights and directors studied created powerful theatre by combining these ideas in a manner mimicking Julia Kristeva’s notion of subject formation. Kristeva proposes that the human subject is never stable. Instead, it oscillates between the non-discursive, emotion-filled state she labels the semiotic and the more language- and logic-propelled symbolic register. These two realms are in constant tension as the semiotic disrupts the logic of the symbolic and in turn, the symbolic strives to regulate the semiotic impulses. In this study, I argue that the ideas of Artaud are aligned with the semiotic while those of Brecht resemble the symbolic. In the plays examined, the non-linguistic elements of the design and mise-en-scène engage with the didactic aims of the playwrights and directors, causing the spectator to connect emotionally with the story while simultaneously reflecting on its real-world signification.

<p>When attempting to convey certain political or ideological agendas in literary texts maintaining specific writing strategies can work as a useful tool. From a feminist perspective the use of <em>écriture feminine</em> as a means of undermining patriarchy has been largely neglected as well as misunderstood by many feminists. However, as argued in this essay, <em>écriture feminine</em> is not only a useful tool for pursuing a feminist agenda, but is also something that needs to be discussed due to the many misunderstandings of it. Resting on the theoretical perspectives of Judith Butler, Hélène Cixous, Antonio Gramsci, Eve Kosofsky Sedgwick and Richard Slotkin this essay investigates Angela Carter’s short story “The Lady of the House of Love” in relation to <em>écriture feminine</em> by exploring how the text rejects patriarchy and its idea of the gender binary. In this short story Carter re-works the classic Sleeping Beauty fairy tale and provides us with a feminist’s version of it. The main thesis of this essay is therefore that Carter challenges the gender binary by de-victimizing “woman” and by engaging in a style of writing that overturns western culture’s definitions of “woman” Carter provides a version of Sleeping Beauty that radically differs from the hegemonic/patriarchal versions.</p>

The definition of one's femininity and its reflection in poetic language are two recurring issues examined by contemporary feminist critics. In their works, they consistently challenge the opinion that true poetry is essentially masculine, and that a woman poet is inevitably an inferior poet. Sylvia Plath, whose poetry represents the central subject of this thesis, could hardly be considered an inferior poet. Despite her early death, Plath's poetry continues to be immensely influential, and it tends to be adopted as an example by feminist critics who attempt to define the branch American women's poetry, reaching back to poets such as Anne Bradstreet and Emily Dickinson. From their point of view, Plath's works illustrate the fact that women's poetry has not only its history, but also its language. One may thus discover interesting parallels between the French-based concept of l'écriture féminine and Plath's poetic language. For the representatives of the l'écriture féminine movement Hélène Cixous, Luce Irigaray and Julia Kristeva, Western discourse is phallogocentric, i.e. based on the centrality of the phallus as a primary signifier. To disrupt the traditional (masculine) discourse, they neither propose a total split between the "male" and the "female" signifiers nor do they encourage women to...

Denna uppsats har undersökt hur Hilma af Klint har framställts i utställningskataloger och recensioner av Moderna Museet i Stockholms tre utställningar – 1989, 2013 och 2022. Uppsatsen har granskat ordval, fraser och åsikter gällande beskrivningar av henne, hennes konst och hennes plats i konsthistoriens skrivning. Undersökandet har utifrån ett feministiskt synsätt. Genom Linda Nochlins Varför har det inte funnits några stora kvinnliga konstnärer, Whitney Chadwicks Women, Art &amp; Society samt Hélène Cixous dikotomier och text Laugh of the Medusa har uppsatsen kommit fram till att återkommande ordval som hänvisar på af Klint som kvinna har förekommit främst i samband med Moderna Museets första utställningen. Idag vid utställningen 2022 ifrågasätts Moderna Museets roll mer i deras återkommande synlighet av af Klint och hur vidare hon ska förklaras som ett geni som marknadsför museumet, mer än henne som en konstnär. / This essay has examined how Hilma af Klint has been described in exhibition catalogues and reviews of Moderna Museet in Stockholm’s three exhibitions - 1989, 2013 and 2022. The essay has examined word choices, phrases and opinions regarding descriptions of her, her art, and her place in the writing of art history. The examination has used a feminist approach. Through Linda Nochlin’s Varför har det inte funnits några stora kvinnliga konstnärer, Whitney Chadwick’s Women, Art &amp; Society, as well as Hélène Cixous’ dichotomies and text Laugh of the Medusa the essay has reached the conclusion that recurring word choices that refer to and highlight to af Klint’s gender as a woman are most visible in the first exhibition from 1989. Today, at 2022’s exhibition, the role of Moderna Museet is challenged more in their repeated visualising of af Klint and also how she is now depicted as a genius to market the museum, more than her as an artist.

When attempting to convey certain political or ideological agendas in literary texts maintaining specific writing strategies can work as a useful tool. From a feminist perspective the use of écriture feminine as a means of undermining patriarchy has been largely neglected as well as misunderstood by many feminists. However, as argued in this essay, écriture feminine is not only a useful tool for pursuing a feminist agenda, but is also something that needs to be discussed due to the many misunderstandings of it. Resting on the theoretical perspectives of Judith Butler, Hélène Cixous, Antonio Gramsci, Eve Kosofsky Sedgwick and Richard Slotkin this essay investigates Angela Carter’s short story “The Lady of the House of Love” in relation to écriture feminine by exploring how the text rejects patriarchy and its idea of the gender binary. In this short story Carter re-works the classic Sleeping Beauty fairy tale and provides us with a feminist’s version of it. The main thesis of this essay is therefore that Carter challenges the gender binary by de-victimizing “woman” and by engaging in a style of writing that overturns western culture’s definitions of “woman” Carter provides a version of Sleeping Beauty that radically differs from the hegemonic/patriarchal versions.