Cette thèse explore les liens entre le country-western produit au Québec entre 1942 et 1957 et la modernité populaire. À l’aide de l’analyse musicale et de l’histoire, ce travail de recherche tente de cerner la signification culturelle du genre au moment de son émergence. L’histoire du country-western débute au Québec avec le soldat Roland Lebrun, qui amorce en 1942 sa carrière sur disque. Il sera suivi de Paul Brunelle, de Marcel Martel et de Willie Lamothe, qui enregistrent chez l’une ou l’autre des deux compagnies généralistes établies à Montréal pendant les années 1940, Compo et RCA Victor. À mesure que le genre se structure, notamment grâce à la fondation de compagnies de disques spécialisées à partir de 1958, un discours sur l’authenticité du country-western se développe chez les artistes et leurs observateurs. Fondée sur une valorisation a posteriori des conditions qui caractérisent la période d’émergence du genre, qui s’étend de 1942 à 1957, l’authenticité insiste sur la continuité et la tradition. Ce discours, présent dès le milieu des années 1960, masque les aspects les plus modernes d’un genre qui, au moment où il émerge, n’est pas explicitement porteur de valeurs traditionnelles ou conservatrices. La voix country-western constitue un premier indice de modernité. La chanson country-western québécoise des années 1940 et 1950 structure dans un cadre musical des modificateurs paralinguistiques dont les deux plus caractéristiques, d’un point de vue générique, sont la nasalisation et le second mode de phonation. Véhicules de l’expressivité vocale, ces deux modificateurs du timbre sont coordonnés avec les paroles des chansons et avec la variation de paramètres musicaux, technologiques et phonétiques. Ils contribuent à la construction d’èthos spécifiques comme la tristesse, la solitude, la plainte et l’exubérance, et conservent dans le contexte discursif constitué par les enregistrements la signification expressive qu’on leur attribue dans la parole spontanée. C’est donc la voix parlée, quotidienne et ordinaire, qui fournit à l’auditeur le code culturel lui permettant d’en interpréter la signification. En ce sens, la chanson country-western incarne une certaine modernité populaire, redevable au code de la langue vulgaire partagée par le plus grand nombre. La modernité du country-western est aussi apparente dans sa popularité, qui se réalise à la fois dans son succès comme objet de consommation et dans sa proximité avec le public qui en détermine en partie le développement. Son recours particulier à la technologie, qui contribue à la création d’effets de spatialisation mais surtout à la mise en scène de l’intimité, le rattache aussi à la modernité. Enfin, le country-western témoigne d’une américanité certaine, assumée, et s’inscrit dans le déplacement du centre de gravité culturel, de l’Europe vers les États-Unis, qui marque la modernité. L’américanité du country-western, liée à ses origines mêmes, se renouvelle à la fin des années 1950 alors que le genre intègre le rock and roll. / This dissertation examines the relations between country-western music produced in Quebec between 1942 and 1957 and the concept of popular modernity. Drawing together musical and historical analysis, it explores the cultural significance of country-western at the beginning of the genre. The history of country-western music in Quebec began in 1942 when Roland Lebrun recorded his first songs. Paul Brunelle, Marcel Martel and Willie Lamothe soon followed with their own recordings in this style. These amateur singer-songwriters started out with the Compo Company and RCA Victor, the only two record companies who survived in Montreal during the Great Depression. With Rusticana, the first independent label to produce country-western music in 1958, the genre began its structuration and authenticity became a determinant value in country-western music. Continuity is a key concept to understand what Richard Peterson (1997) has called “fabricated authenticity”, which is indeed exemplified in the invented tradition that country-western created, from the 1960s onwards, on the basis of some of the conditions that characterized the first country-western. The discourse on authenticity, however, masks some of the more modern characteristics of the genre at the time of its birth. The country-western singing voice is one example, as artists use a variety of paralinguistic effects like nasalization and second mode of phonation (falsetto) in a way that can be seen as a stylized version of speech. Presenting the same expressive functions, these variations of timbre are coordinated with song lyrics, with musical and technological features, and with phonetic sounds to create symbolic representations of different emotions or èthos. These aesthetics based on everyday speech could be seen as a form of popular modernity: music for the people made by the people, but also for commercial success. Furthermore, country-western music used technology to create intimacy and spatialization effects. Its “américanité” was also marked and renewed when, in 1956 and 1957, country-western singers produced what can be considered some of the first rock'n'roll records in Quebec. These very modern features moderate the usual thesis about country-western’s traditionalism and conservatism.

Cette recherche porte sur les processus de narrativisation des musiques rock et folk, et mobilise une méthode phononarratologique reposant sur des témoignages d'écoute d'auditeurs investis dans ces deux genres à travers l'appartenance à des communautés d'amateurs en ligne. Bien que le champ de la narratologie des musiques populaires se soit développé depuis une quinzaine d'années, les travaux s'appuyant sur des enquêtes de réception y restent en effet marginaux. Le cadre cognitiviste tendant pourtant à s'implanter dans la narratomusicologie, il m'a semblé important de réaliser une étude plus systématique permettant de mieux comprendre comment sont perçus les textes et surtout l'ensemble de l'environnement sonore d'une chanson populaire, et pourquoi ils peuvent être reçus à travers un prisme narratif. En utilisant la théorie des affordances, je cherche dans cette thèse quels éléments, relevant des paroles, de la composition musicale, de la performance, mais aussi des paramètres technologiques et de la mise en scène sonore, semblent encourager une écoute narrativisante. Je m'appuie pour cela sur un questionnaire en ligne distribué auprès de 15 communautés d'auditeurs dédiées à des artistes rock et folk, portant sur la place de la narrativité dans leurs écoutes et dans leur perception des musiques rock et folk. La focalisation sur ces deux genres, dans leurs incarnations allant des années 1960 aux années 1980, me permet de mener une approche comparative du rôle que peut jouer la narrativité dans les définitions et traditions génériques, mais aussi de la manière dont cette narrativité articule et concentre un bon nombre des enjeux politiques soulevés par les musiques populaires. Les liens étroits qu'ont pu entretenir les genres rock et folk avec des mouvements ou discours politisés redoublent l'intérêt de ce questionnement et de la méthode utilisée ici, qui laisse apercevoir comment la réception actuelle des récits rock et folk façonne l'image politique de ces genres. En mettant en regard les contributions des enquêtés avec des analyses phononarratologiques, je me suis attachée à évaluer les contrastes d'affordances sonores, politiques et narratives proposées par les chansons rock et folk, tout en gardant à l'esprit les impressions que ces affordances laissent sur leurs publics contemporains. Les résultats de cette recherche montrent que malgré quelques différences dans les processus de narrativisation des chansons rock et folk, le caractère phonographique de ces musiques les rassemble comme objets narratifs gagnant à être compris sous le prisme de l'expérientialité, dans la mesure où elles encouragent l'auditeur implicite à se positionner dans le monde narratif proposé par chaque piste. Les points de vue et types de voix narratives prenant à parti cet auditeur implicite modulent toutefois considérablement cette relation, et sont essentiels dans la compréhension des pratiques et traditions narratives et politiques des genres rock et folk, dont on peut ainsi dresser des profils distincts en dépit des nombreux échanges qui ont dynamisé l'évolution de ces deux familles musicales sur la période étudiée. / This thesis deals with the narrativization of rock and folk music with a phononarratological approach relying on listening accounts gathered from listeners invested in these two genres through an active involvement in online fan communities. Although the field of narratological popular music studies has developed in the last 15 years, studies rooted in reception fieldwork are still rare. Since cognitive frameworks nevertheless tend to get adopted in musiconarratology, it seemed important to me to conduct a more systematic investigation in order to better understand how lyrics and sonic environment are perceived in a popular song, and why they can be received through a narrative lens. Using affordance theory, I seek what elements, relating to lyrics, musical composition, performance, but also technological parameters and phonographic staging, can encourage a narrativizing mode of listening. To this end, I rely on an online survey shared among 15 fan communities dedicated to rock and folk artists, dealing with narrativity's place in their way of listening and in their perception of rock and folk music. My focalizing on these two genres from the 1960s to the 1980s allows me to conduct a comparative approach to the role narrativity can play in generic definitions and traditions, but also to the way narrativity structures and concentrates a range of political issues brought up by popular music. The close links that have existed between rock and folk genres and politicized movements or discourses heighten the relevance of my line of questioning and of my method, which sheds light on how contemporary receptions of rock and folk narratives shape these two genres' political images. By combining the listeners' comments with phononarratological analysis, I try to gauge the contrasts between rock and folk songs in terms of sonic, political and narrative affordances, while keeping an eye on what impressions these affordances leave on contemporary listeners. My results show that despite some differences between the narrativization processes encouraged by rock and folk music, their phonographic nature brings them together as narrative objects that should be viewed through the angle of experientiality, insofar as they incite the implied listener to position themselves in the storyworld suggested by each track. However, some types of point of view and narrative voice alter this relationship and are essential in the understanding of the narrative and political practices of rock and folk music, from which two distinct portraits can be painted despite the numerous exchanges that have stirred their evolution during the period I studied.

L'autobiographie au Québec existe depuis 1885, pourtant peu de chercheurs se sont penchés sur les manifestations de ce genre littéraire dans le corpus québécois. Cette thèse analyse les différents parcours et suit l'évolution du discours autobiographique au Québec. À la source de cette réflexion, une question : «quelles sont les conditions sociales qui permettent à la voix autobiographique de s'exprimer dans une collectivité?» Après avoir posé les bases théoriques de l'autobiographie et analysé la trajectoire des principaux autobiographes, nous avons constaté que ces écrivains n'étaient pas insensibles au projet de la modernité. C'est pourquoi nous émettons l'hypothèse que l'autobiographie naît des conditions sociales qui départagent une société à détermination moderne, d'une société à détermination traditionnelle. Il nous fallait, en conséquence, poser les balises et les repères de la modernité, ce que nous avons fait à l'aide des travaux d'Habermas, d'Arendt, de Heidegger et de Hegel. Une fois le concept de modernité bien défini, nous avons analysé les valeurs que véhiculaient les Cinquante ans dans l'Église de Rome de Charles Chiniquy. Première autobiographie québécoise, les Cinquante ans appellent un nouveau rapport avec le sacré dans la cité, ce qui préoccupe d'ailleurs plusieurs écrivains de l'intimité. À cet égard, Georges Gusdorf avance que l'autobiographie naît de la désacralisation de l'espace intérieur. Or, l'autobiographie québécoise aurait ceci de particulier, elle ne chercherait pas tant à déposséder Dieu du siège de l'âme et de la conscience, mais à décoloniser cet espace dont s'étaient appropriés Ses serviteurs. De tous les textes que nous avons analysés, le journal intime de Saint-Denys Garneau est celui qui avait suscité le plus d'intérêt auprès des chercheurs. De notre côté, nous nous sommes arrêté plus particulièrement à la crise mystique qui habite le journal du poète. Il semble que Garneau, pourtant l'un des premiers modernes, voyait son art comme un rival de Dieu et déclarait coupables de lèse-majesté les raisonnements qui parcourent son journal. Par ailleurs, si depuis le XIXe siècle la raison est suspecte de détourner l'homme du Divin, pour Borduas il en va tout autrement. En effet, selon le maître de l'automatisme, la raison est la voix de l'ordre, et les Projections libérantes, autobiographie de Borduas, valorisent plutôt la voix des passions en tant qu'énergie créatrice et révélatrice de l'espace intime. Peut-être le plus beau texte autobiographique à avoir été publié au Québec demeure La détresse et l'enchantement de Gabrielle Roy. Avant d'analyser la première partie de cette autobiographie, nous avons posé comme hypothèse que la ritualisation des pratiques lectorales participait à la fois à la pleine reconnaissance de l'écrivain et à la discrimination du genre, en confirmant la théorie du pacte autobiographique de Lejeune. Dans ces circonstances, l'autofiction devient un faux problème face à l'autobiographie; c'est aussi ce que nous nous sommes attardé à démontrer en conclusion.

Cette thèse de recherche-création en études littéraires se divise en trois parties. La première, Les corps extraterrestres, est un roman qui s’intéresse à deux personnages principaux, Xavier et Hollywood. Le roman, de facture existentialiste, oscille entre le réel et l’étrange, un peu à la manière du réalisme magique. Les deux personnages, lorsqu’ils s’endorment chacun de leur côté, se retrouvent ensemble dans des chambres d’hôtel puis à Montauk, dans une maison sur la plage, sans trop savoir pourquoi et comment ils y ont été transportés. Ils tentent de déterminer de quelle manière exister dans le monde, à travers une description minutieuse de leurs perceptions et émotions, qui s’effectue au moyen de la poésie pour Hollywood et du cahier de notes pour Xavier. La deuxième partie de la thèse est une étude théorique intitulée Le jeu réaliste magique de la fiction. Le réalisme magique comme posture de lecture paradoxale. Cette réflexion alliant théories des genres, théories de la réception, narratologie et histoire littéraire s’intéresse à ce qui se passe lorsqu’un lecteur entre dans un récit réaliste magique. En interrogeant les modalités narratives du réalisme magique et l’interaction entre le texte et le lecteur, nous en arriverons, au terme de cette étude, à postuler que le réalisme magique puisse être, en plus d’un mode narratif, une posture de lecture, un processus cognitif paradoxal pouvant faire sens de certaines œuvres romanesques contemporaines. La thèse se termine sur un petit essai en guise de conclusion, intitulé Une thèse « 100 modèles » : méthode et recherche création. La réflexion sur les manières d’effectuer une thèse de recherche-création est fondamentale dans le cadre d’un parcours comme le nôtre et cette troisième partie en laisse des traces pour justifier la démarche adoptée, pour l’expliciter, la montrer, la décrire, la définir, etc. Cette troisième partie s’interroge sur le sens des études supérieures en création littéraire et propose de réfléchir explicitement aux modalités de la recherche-création et au choix qui aura mené à l’écriture d’une thèse tripartite alliant écriture créative et recherche théorique.

Tableau d’honneur de la Faculté des études supérieures et postdoctorales, 2010-2011 / Notre thèse se penche sur les tragédies créées entre la retraite professionnelle de Racine (1677) et l'amorce d'un renouvellement de la poétique tragique vers les années 1730, marquées par une interruption des carrières de Crébillon et de La Motte, la publication, notamment, des Discours de ce dernier et du Théâtre des Grecs du Père Brumoy, et le retour d'Angleterre du jeune Voltaire. Nous y interrogeons, dans un premier temps, la sclérose qui gagne la scène et la poétique tragiques en rapport avec les premiers essais de définition de l'élégie, qui mettent en évidence la porosité des deux genres, et un retour en force de l'esthétique de l'horreur occasionnée par la concurrence directe entre la Comédie-Française et le succès des tragédies lyriques du Palais- Royal. Nous étendons ensuite nos conclusions à l'étude des composantes poétiques et dramaturgiques des tragédies de l'époque, où nous analysons les inflexions élégiaques et horrifiques qui se dégagent des effets de structure dus à des interprétations opposées de la notion de simplicité ; dans la même perspective, nous examinons les inflexions qui gagnent la typologie des personnages et les rapports entre les intrigues amoureuse et politique. Enfin, nous abordons le rôle des motifs élégiaques et horrifiques dans la recherche de l'effet tragique, plus particulièrement en ce qui concerne les larmes et l'effroi, ainsi que la transposition sur la scène française du modèle antique des Héroïdes, où ces deux tendances sont réunies.

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