Cette thèse a pour objet une étude qualitative de l’enseignement d’un instrument de musique en orchestre et en groupe restreint dans deux écoles primaires d’un Réseau d’Education Prioritaire en France et dans un conservatoire. La finalité est de comparer dans ces deux configurations, les moments de travail collectif et les moments de travail individuel entre professeur et élèves pour savoir s’ils s’opposent, se complètent et/ou convergent.Nos outils théoriques, en didactiques comparées, s’appuient sur la Théorie de l’Action Conjointe enDidactique principalement avec les notions de jeux d’apprentissage, la double dialectique contrat/milieu etréticence/expression et la dévolution. Nous convoquons également les concepts sociologiques suivants : concept de configuration, habitus social, habitus didactique. Notre méthodologie s’appuie sur les transcriptions et photogrammes tirés des séances de cours filmées pendant trois ans.Des premiers résultats montrent que les élèves ne jouent en tutti autour de cinquante pourcent du temps du cours en orchestre. Ce qui influence la pratique d’enseignement et le contenu enseigné, de même que le rapport des élèves aux savoirs et le rapport au corps. Ce qui se retrouve aussi bien dans le jeu instrumental des élèves que dans la signification qu’ils donnent aux gestes et aux mimes du professeur. Les compétences décrites lors des analyses didactiques montrent que les enseignements en collectif, en groupe restreint et en individuel sont complémentaires (pour le jeu d’ensemble : la compréhension gestuelles des chefs d’orchestre,L’écoute collective, la synchronisation et pour les cours d’instrument : le jeu technique et musical) convergent (écoute de la justesse, le travail sur les sensations) et sont indissociables. Grâce à une étude détaillée de l’activité musicale, la thèse a montré comment les élèves tirent profit d’un enseignement individuel et collectif dans les relations qu’ils construisent entre les deux. / This thesis aims at a qualitative study of the teaching of an orchestral musical instrument and of a small group at two primary schools and one conservatory. The aim is to compare these configurations with that of individual teaching in order to know if they are opposed, complementary, and convergency.Our theoretical is on the Joint Action Theory in Didactics. We take support on the notions of learning games, the double dialectic contract/milieu and reluctance/expression, devolution. We also convene the following sociological concepts: concept of configuration, social habitus, didactic habitus. Our Methodology is based on the transcripts and photograms taken from the lecture sessions filmed during the three years of observation.Initial results show that students do not play in tuttis fifty percent of the time in the orchestra class. This teaching configuration of course influences the teaching practice and the content taught, as well as influencing the students’ relationship to knowledge through the choice of modes of privileged knowledge transmission. The relationship to the body, both in the students’ instrumental play and in the meaning they give to the teacher's gestures and mimics, is complex. The skills acquired by the pupils and described in the didactic analyses show that collective, restricted and individual teachings are complementary on certain points (collective playing, gestural understanding of conductors, collective listening, synchronization and/for instrumental courses, technical and musical play). They are convergent on other points (e.g. listening to the corrections, working on the sensations). They are complementary and inseparable.

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Titre de l'écran-titre (visionné le 25 juillet 2023) / Plusieurs publications démontrent qu'un nombre élevé de violonistes et d'altistes de tous âges sont affectés, au cours de leur vie musicale, par différents troubles physiques consécutifs au jeu de leur instrument. Maints experts du milieu recommandent une approche préventive dès les débuts de la formation du musicien. Or, l'enseignement instrumental serait souvent assuré par des professeurs dont la formation en ergonomie du mouvement et en prévention des blessures est fort mince, sinon nulle. Malgré l'existence d'un corpus de connaissances de plus en plus important dans le domaine de la prévention des blessures du musicien, les résultats de ces recherches se reflètent peu dans les pratiques des professeurs, ceci notamment parce qu'ils leur sont peu accessibles. De fait, la recension du matériel pédagogique effectuée dans cette thèse n'a permis de repérer aucun outil reposant sur des fondements scientifiques et ayant pour fonction de faciliter l'acquisition d'habitudes posturales et d'une technique corporelle saines, destiné à accompagner les enseignants et à soutenir leurs élèves violonistes et altistes. L'objectif principal poursuivi par cette recherche était de concevoir un outil d'enseignement et d'apprentissage visant à faciliter l'acquisition d'habitudes posturales et d'une technique corporelle saines chez l'élève violoniste ou altiste, en vue de combler la lacune identifiée en matière d'accessibilité aux connaissances. L'outil conçu, diffusé sous le titre Corps-à-cordes, prend la forme d'un livre et d'une série de capsules vidéos. Cette étude est orientée vers la résolution de problèmes de dysfonctionnement issus de la pratique. La question de recherche se présente ainsi : quels exercices et quelles notions essentielles devrait-on trouver dans un outil d'enseignement et d'apprentissage visant à faciliter l'acquisition d'habitudes posturales et d'une technique corporelle saines chez l'élève violoniste ou altiste? Dans l'intention de rendre compte de la pluralité des perspectives et des savoirs relativement à notre question de recherche, une variété de sources a été exploitée, incluant des publications scientifiques, des publications professionnelles, du matériel audiovisuel, ainsi que les verbatims d'entrevues individuelles et de groupe conduites dans le cadre de cette étude. Le processus d'élaboration et de validation du matériel pédagogique, mené en collaboration avec des professeurs et des élèves, s'est organisé dans une démarche méthodologique de recherche de développement d'objet éducatif. Cette thèse rend compte de la réalisation de chacune des cinq phases de la démarche adoptée, soit : (1) l'analyse de la demande, (2) le cahier des charges, (3) la conception de l'objet, (4) la préparation technique et la construction du prototype et (5) la mise au point et la diffusion. L'outil Corps-à-cordes s'adresse aux élèves de tous âges. Bien qu'il ait été conçu à l'intention des élèves débutants, il sera également profitable au violoniste ou à l'altiste plus expérimenté qui souhaite perfectionner sa technique de base. Les activités proposées siéent autant à l'enseignement individuel que collectif, pour une utilisation en contexte scolaire, extrascolaire ou communautaire. Par sa double nature pédagogique et didactique, le matériel s'adresse non seulement aux élèves, mais également aux professeurs qui désirent parfaire leurs connaissances et expérimenter de nouvelles stratégies d'enseignement, en plus de se prêter à la formation des futurs professeurs de violon et d'alto. Nous croyons que la diffusion de Corps-à-cordes contribuera à : (1) faciliter l'acquisition d'habitudes posturales et d'une technique corporelle saines; (2) sensibiliser l'élève et son professeur à la problématique des blessures musculosquelettiques liées au jeu instrumental; (3) les outiller de solutions pratiques et de stratégies préventives fondées sur les résultats de la recherche scientifique; (4) accompagner l'élève dans son travail instrumental quotidien et (5) prévenir les risques de blessures liées à un mauvais usage du corps. / Many publications demonstrate that a large number of violinists and violists of all ages experience various physical disorders resulting from playing their instrument during their musical lifetime. Experts in the field recommend a preventative approach from the beginning of the musician's education. However, instrumental lessons are often provided by teachers who have little or no education in movement ergonomics and injury prevention. Despite the existence of a growing body of knowledge in the field of injury prevention for musicians, the results of this research are not generally mobilized in teacher practices, specifically because they are not easily accessible. The review of educational materials in this thesis did not identify any tools based on scientific principles and whose function it is to facilitate the acquisition of healthy postural habits and body techniques, intended to support teachers and their violin and viola students. The main objective of this research was to design a teaching and learning tool to facilitate the acquisition of postural habits and body techniques by violin and viola students, to an identified need of knowledge accessibility. The tool that has been developed, Corps-à-cordes, is a book and a series of video clips. This research study focuses on the resolution of dysfunctional problems arising from practice. The research question is as follows: What exercises and essential notions should be included in a teaching and learning tool aimed at facilitating the acquisition of healthy postural habits and body techniques by violin and viola students? To capture the plurality of perspectives and knowledge related to our research question, a variety of sources were exploited, including scientific publications, professional publications, audiovisual materials, and the verbatims of individual and group interviews conducted as part of this study. The process of developing and validating the pedagogical material, in collaboration with teachers and students, was conducted employing the methodological approach, development of an educational object. This thesis reports on the realization of each of the five phases of the approach adopted, namely (1) market analysis, (2) project specifications, (3) design of the object, (4) technical preparation and construction of the prototype, and (5) testing, evaluation, adjustment, and dissemination. The Corps-à-cordes tool is intended for students of all ages. Although it was designed for beginner students, it will also benefit the more experienced violinist or violist who wishes to perfect basic technique. The proposed activities are suitable for both individual and group instruction, for use in school, extracurricular or community settings. Given its dual pedagogical and didactic nature, the material is intended not only for students, but also for teachers who wish to perfect their knowledge and experiment with new teaching strategies, in addition to lending itself to the continuing education of future violin and viola teachers. The dissemination of Corps-à-cordes may help to: (1) facilitate the acquisition of healthy postural habits and body techniques; (2) sensitize the student and teacher to the problem of musculoskeletal injuries related to instrumental playing; (3) equip students and teachers with practical solutions and preventative strategies based on the results of scientific research; (4) accompany the student in regards to daily instrumental work; and (5) prevent the risk of injuries related to improper use of the body.

Cette thèse propose d’observer les ambiances sonores (i.e. sons, cris, paroles, bruits, moments de silence, etc.) et les musiques qui interviennent dans les cultes de la Mère des dieux, de Dionysos et de Déméter dans l’Athènes archaïque et classique, et d’en cerner les fonctions et significations. La composante sonore des cultes grecs, peu prise en considération dans les reconstructions historiques de la religion grecque ancienne, du moins jusqu’à récemment, joue un rôle pourtant fondamental tant dans la pratique rituelle que dans le récit. Ces deux formes d’expression de la religion – pratique rituelle et récit – sont d’ailleurs indissociables dans les témoignages anciens, de la même façon que les éléments imaginaires truffent les représentations inspirées de l’expérience rituelle. En examinant différents types de sources, parmi lesquelles les œuvres littéraires et les images sur vase demeurent les plus nombreuses et les plus instructives, et en abordant les différents aspects cultuels (pratique et récit / éléments imaginaires et réels) comme un ensemble cohérent, la phonosphère propre à chaque divinité se révèle de façon parfois frappante. Une telle démarche globalisante permet de mieux saisir l’expérience religieuse des Grecs, tout en favorisant une meilleure appréhension de certains phénomènes encore aujourd’hui sujets à controverses, par exemple le « ménadisme » et l’extatisme rituel. Car il ressort des témoignages que la musique, les sons et le silence, par leur pouvoir de communication notamment, remplissent des fonctions précises dans la pratique et le récit. Alors que certains sons et musiques visent à plaire à la divinité et, ainsi, à gagner sa faveur, par exemple, d’autres, investis de l’empreinte sonore de la divinité, exercent une emprise sur les mortels, emprise expérimentée dans le cadre de la pratique rituelle comme un moment de contact avec le divin. De cette emprise exercée par le moyen de la musique et des sons, peut résulter, dans certains cas, une guérison, une régulation des instabilités internes. Par ailleurs, la terminologie sonore dans la littérature se montre pratiquement toujours porteuse de sens, et permet de reconnaître l’univers évoqué et la ou les figure(s) divine(s) concernée(s). Répertorier les termes sonores propres à l’un ou l’autre culte facilite le repérage des associations établies entre certaines divinités, permettant ainsi des interprétations plus justes de certains passages de la littérature. D’un autre côté, la recherche sur les instruments de musique révèle des goûts et des tendances, possiblement attribuables dans certains cas à des changements significatifs survenus dans la sphère religieuse et politique de l’Athènes de la fin du Ve siècle. Par exemple, l’introduction progressive du tympanon dans l’univers dionysiaque à partir de la deuxième moitié du Ve siècle suggère une appropriation du culte de la Mère de dieux et de son instrument de prédilection par le peuple athénien. Cette observation, basée sur des témoignages de l’époque, contribue à illustrer la distinction que faisaient les Athéniens entre une religion considérée comme ancestrale, et une autre aux multiples formes et pour ainsi dire « additionnelle ». À cet égard, observer les éléments sonores dans les cultes mène non seulement à une meilleure connaissance desdits cultes, mais également à une meilleure compréhension de la société athénienne et des événements importants qui l’ont marquée. L’étude des sons, de leur place et de leurs fonctions dans la pratique et les récits contribue à l’approfondissement des connaissances concernant la religion grecque et les procédés de communication qu’elle met en place entre la sphère des mortels et celle des dieux, tout en favorisant une meilleure définition du milieu social et culturel dans lequel elle a évolué. / This thesis will consider the sound atmosphere (including cries, speech, noises and moments of silence) and music in the cults of the Great Mother, Dionysus and Demeter in Archaic and Classical Greece and their roles and meanings. Until recently, the audible component of Greek cults has rarely been considered by historical reconstructions. However, it played a fundamental role both in ritual practice and tales. These two expressions of religion – ritual practice and tales – are inextricably linked in ancient storytelling, just as representations inspired by the rituals are rife with imaginary elements. Examining different types of sources – of which the literary works and painted vases are the most numerous and enlightening – and considering the various cultural ingredients (tales and ritual practice, the imaginary and the real) as a coherent whole can provide insight into the phonosphere unique to each god in striking ways. This comprehensive approach leads to a better understanding of the religious experience of the Greeks, including certain phenomena that remain controversial today, such as maenadism and ecstatic ritual. The sources reveal that through their communicative power, music, sounds and silence filled specific functions in the ritual practices and tales. While some sounds and music were intended to please the god and hence gain favour, others bearing the god’s sonic signature held sway over mortals during rituals as a moment of personal contact with the divine. In certain cases, this aural sway could bring healing and a balancing of internal instability. Moreover, the sound vocabulary found in the literature almost invariably carries meaning that makes it possible to recognize the world and divine figures it describes. Cataloguing the sound vocabularies of individual cults/deities helps identify the relationships between certain gods. This in turn can clarify interpretations of certain passages in the literature. Similarly, research on musical instruments reveals tastes and trends, which could be attributed to the significant 5 changes in the religious and political spheres of Athens in the late 5th century BC. For example, the progressive introduction of the tympanum to the Dionysian world starting in the first half of the 5th century BC suggests that Athenians appropriated the cult of the Great Mother and the instrument most commonly associated with it. This observation, based on contemporary accounts, corroborates the distinction Athenians made between an ancestral religion and an “additional” multifaceted one. In that respect, investigating the sound atmosphere in these cults improves our understanding of not only the cults themselves, but also Athenian society as a whole and the milestone events that shaped it. Studying the sounds and their place and function in ritual practice and tales deepens our knowledge of Greek religion and the methods of communication it established between the realms of mortals and the gods. It also allows us to better characterize the social and cultural environments in which it developed