L'histoire de la musique électroacoustique latino-américaine est longue, intéressante et prolifique, mais peu connue, même régionalement. De nombreux compositeurs nés ou vivants en Amérique latine ont été très actifs à ce titre, dans certains pays depuis plus de 50 ans, mais la disponibilité de l'information et des enregistrements de musique électroacoustique à cet égard et dans cette région a posé de sérieux problèmes aux éducateurs, compositeurs, interprètes, chercheurs, étudiants et au public en général. Compte tenu de cette situation, la question suivante s'est imposée comme point de départ de ma thèse: comment s'est développée la tradition de la création musicale avec les médias électroacoustiques en Amérique Latine. Pour y répondre, j'ai adopté une approche historique en utilisant une méthodologie ethnographique (caractérisée par une immersion à long terme dans le domaine, par des contacts personnels avec des compositeurs et par ma participation et mon souci en ce qui concerne l'évolution des arts faisant appel aux nouvelles technologies en Amérique Latine) dans toute ma recherche. Ayant commencé à travailler dans le domaine de la musique électroacoustique au milieu des années 1970 dans mon Argentine natale, il m'a été très difficile d'obtenir de l'information sur les activités reliées à ce domaine dans des pays voisins et même dans ma propre ville. Bien que difficile, il était néanmoins possible de trouver les enregistrements de compositeurs vivant en Europe ou en Amérique du Nord, mais plus ardu de trouver ceux réalisés par des compositeurs locaux ou régionaux. Dans divers pays d'Amérique latine, les universités, les organismes d'état et de grandes fondations privées avaient de temps en temps pris l'initiative de soutenir la recherche en art et le recours aux nouveaux médias, mais la plupart avaient cessé leurs activités avant même de développer les ressources pour documenter les processus et préserver les résuItats. J'ai obtenu chaque enregistrement et information que j'ai rassemblés, depuis le milieu des années 1970, en contactant directement chacun des compositeurs. Avec le temps, j'ai constitué des archives personnelles, modestes mais croissantes, comprenant des notes de programme de concerts, livres, bulletins, magazines et revues, partitions, lettres, courriels et des enregistrements sur bobines, cassettes analogiques et quelques vinyles 33 tours. J'ai décidé de partager mes trésors avec des collègues et étudiants et d'explorer des solutions pour les rendre accessibles au plus grand nombre possible. Il y a quelques années, l'UNESCO m'a demandé de rédiger des rapports sur la musique électroacoustique latino-américaine et les arts médiatiques. Les textes de cette recherche ont contribué à diffuser de l'information sur le travail de beaucoup d'artistes latino-américains. Afin de rendre également accessible au public les oeuvres musicales, et sauvegarder le matériel, j'ai cherché un endroit où la préservation des enregistrements était non seulement importante mais aussi possible. J'estimais que la fondation Daniel Langlois pour l'art, la science et la technologie à Montréal était le lieu idéal pour mon projet. Mes activités continues durant près de 28 mois comme chercheur en résidence à la fondation Daniel Langlois m'ont permis de numériser et convertir des enregistrements à partir de différents formats, faire du montage au besoin et verser dans la base de données de la Fondation tous les renseignements sur les pièces (titre, compositeur, année de composition, instrumentation, notes de programme, studio de production, version, durée, bio du compositeur, etc.). À ce jour, janvier 2006, il y a 2152 fichiers audio numériques qui sont archivés au Centre de recherche et de documentation (CR+D) de la fondation. En complément à cette thèse de doctorat, j'ai développé une collection d'enregistrements musicaux maintenant disponibles au public. Cette collection est constituée du résultat de mes recherches (textes, oeuvres musicales, quelques partitions et photographies historiques, entrevues) et diffusée sur le site Web de la fondation Daniel Langlois. Les archives comptent des pièces pour médias fixes ainsi que des oeuvres mixtes pour instruments acoustiques ou voix et médias fixes ou systèmes électroniques interactifs en direct (1722 compositions). Les archives comprennent aussi des enregistrements audio et audiovisuels d'entrevues avec des compositeurs et des novateurs techniques ainsi que des photographies, des vidéos, et quelques très rares partitions. Une grande partie de l'information textuelle contenue dans la base de données des fichiers de musique est accessible par le site Web de la fondation Daniel Langlois. L'information complète (ex. notes de programme) et tous les enregistrements sont accessibles au CR+D. Une courte sélection de pièces est aussi accessible pour écoute sur le site Web. La plupart des compositeurs représentés dans ces archives et dans cette dissertation sont nés dans des pays d'Amérique latine. Il y a aussi quelques compositeurs qui, bien que n'étant pas originaires de la région, ont poursuivi au moins une partie de leur carrière musicale en Amérique latine. Cette thèse renferme de l'information sur des compositeurs liés à 18 pays d'Amérique latine: Argentine, Bolivie, Brésil, Chili, Colombie, Costa Rica, Cuba, République dominicaine, Équateur, El Salvador, Guatemala, Mexico, Panama, Paraguay, Pérou, Porto Rico, Uruguay et Venezuela. Les archives contiennent des enregistrements de compositeurs de tous les pays mentionnés. J'espère que ce texte incitera à explorer ce merveilleux univers musical plutôt inconnu, créé par des centaines de compositeurs latino-américains au cours des dernières décennies. ______________________________________________________________________________ MOTS-CLÉS DE L’AUTEUR : musique électroacoustique, Amérique latine, art et nouvelles technologies, éthique, mémoire, culture, contexte, pionniers, interdisciplinarité.

Ce manuscrit de thèse propose l'optimisation de l'ensemble de la chaîne de reproduction sonore dans un système embarqué. Le premier axe de recherche introduit les notions générales concernant les systèmes audio embarqués nécessaires à la bonne compréhension du contexte de la recherche. Le principe de conversion de l'ensemble de la chaine est présenté afin de comprendre les différentes étapes qui composent un système audio. Un état de l'art présente les différents types de haut-parleurs ainsi que l'électronique associé les plus couramment utilisées dans les systèmes embarqués. Le second axe de recherche propose une approche globale : une modélisation électrique du haut-parleur (tenant compte d'un nombre optimal de paramètres) permet à un électronicien de mieux appréhender les phénomènes non-linéaires du haut-parleur qui dégradent majoritairement la qualité audio. Il en résulte un modèle viable qui permet d'évaluer la non-linéarité intrinsèque du haut-parleur et d'en connaitre sa cause. Les résultats des simulations montrent que le taux de distorsion harmonique intrinsèque au haut-parleur est supérieur à celui généré par un amplificateur. Le troisième axe de recherche met en avant l'impact du contrôle du transducteur. L'objectif étant de savoir s'il existe une différence, du point de vue de la qualité audio, entre la commande asservie par une tension ou par un courant, d'un micro-haut-parleur électrodynamique. Pour ce type de transducteur et à ce niveau de la modélisation, le contrôle en tension est équivalent à contrôler directement le haut-parleur en courant. Néanmoins, une solution alternative (ne dégradant pas davantage la qualité audio du signal) pourrait être de contrôler le micro-haut-parleur en courant. Le quatrième axe de recherche propose d'adapter les spécifications des amplificateurs audio aux performances des micro-haut-parleurs. Une étude globale (énergétique) démontre qu'un des facteurs clés pour améliorer l'efficacité énergétique du côté de l'amplificateur audio est la minimalisation de la consommation statique en courant, en maximalisant le rendement à puissance nominale. Pour les autres spécifications, l'approche globale se base sur l'étude de l'impact de la spécification d'un amplificateur sur la partie acoustique. Cela nous a par exemple permis de réduire la contrainte en bruit de 300%. Le dernier axe de recherche s'articule autour d'un nouveau type de transducteur : un micro-haut-parleur en technologie MEMS. La caractérisation électroacoustique présente l'amélioration en terme de qualité audio (moins de 0,016% de taux de distorsion harmonique) et de plage de fréquence utile allant de 200 Hz à 20 kHz le tout pour un niveau sonore moyen de 80dB (10cm). La combinaison de tous les efforts présente un réel saut technologique. Enfin, la démarche globale d'optimisation de la partie électrique a été appliquée aux performances du MEMS dans la dernière section, ce qui a notamment permis de réduire la contrainte en bruit de 500%.

Cette thèse examine l'impact de la collaboration avec des instrumentistes particuliers sur la composition de quatre œuvres électroacoustiques. Assumant un rôle plus important que celui de consultant ou conseiller, les interprètes ont influencé les décisions de l'auteur / compositeur dans le cadre de multiples ateliers et d'enregistrements de ceux-ci. Cette thèse examine ainsi comment les outils médiatiques de la musique électroacoustique affectent et enrichissent les relations personnelles : ces outils favorisent la transcription et la traduction, qui à la fois soulignent et transforment la spécificité du son. Le dialogue de la collaboration permet par la suite non seulement une réconciliation plus facile entre les éléments médiatisés et directs dans une oeuvre, mais aussi l'ouverture de son potentiel d'interprétation. En se servant d'une méthodologie qui fait appel à une pratique d'auto-réflexion et récursivité, cette thèse explore des sujets tels que : l'analyse du style personnel dans un cadre linguistique; l'importance du contact physique dans la collaboration et sa traduction incomplète sur support; et les défis de la préservation de la musique électroacoustique pour média ou interprète particulier. Des exemples de la création collaborative de quatre œuvres, racontés de manière personnelle, sont tressés parmi le récit plus théorique de cette thèse, imitant le va-et-vient de la recherche-création. / This dissertation examines the impact of collaboration with specific instrumental performers on the composition of four electroacoustic works. Acting as more than consultants or advisors, the performers influenced the author/composer's decision-making in multiple workshop situations and in the recordings of these meetings. This dissertation thus examines the ways in which the media tools of electroacoustic music affect and extend personal relationships: these tools encourage transcription and translation, activities that highlight and transform specificity. The dialogue of collaboration subsequently not only allows for an easier reconciliation between mediatized and live elements within a work, but also to an opening out of its interpretive potential. Using a methodology that involves recursive and self-reflexive practice, this dissertation explores topics such as: the analysis of personal style in the framework of language; the importance of eye-to-eye, physical contact in collaboration and its incomplete translation onto media; and the challenges of preserving performer- and media-specific electroacoustic music. Examples from the collaborative creation of four works, acting as personal accounts, are braided into the more theoretical narrative of this dissertation, reflecting mimetically the to and fro of research-creation.

En un peu plus d’un siècle, la musique contemporaine s’est construite à Taiwan un univers bien réel et au vu de son histoire, elle a conquis une place certes modeste, mais indéniable.À l’échelle de ce petit pays, Taiwan a la particularité d’avoir accumulé des cultures et des régimes politiques différents qui se sont succédé au gré des bouleversements politiques depuis la fin du XIXe siècle qui ont fortement interrogé les habitants de cette île. De la création du terme « taiwanais » par le colonisateur japonais à un retour forcé à une « Chine classique » au temps du Kuomintang (KMT) puis vers une identité sino-taiwanaise, pour aboutir à une « taiwanitude ». Au fil du temps et des événements, s’opère un glissement d’une identité fantasmée à une identité politique, puis d’une identité culturelle à une identité artistique. La musique contemporaine s’est construite au cœur de cette complexité historique de Taiwan où les compositeurs ont dû se confronter à de nombreux écueils en s'enrichissant de cette complexité.Loin d’une dilution vers un style international, la musique contemporaine de Taiwan, qui s’est épanouie en symbiose avec la société civile, en emprunte aussi les traits les plus marquants, faits d’un certain dynamisme et de l’absence d’a priori. Sans oublier ses racines multiples, qui sont un atout et non plus un questionnement, les acteurs de la musique contemporaine à Taiwan assimilent de l’Occident technique et savoir-faire, pour les restituer avec leur propre génie sous une forme novatrice qui exprime bien l’originalité taiwanaise et qui laisse augurer de belles œuvres à venir. / Within a little less than a century, contemporary music has acquired a real presence in Taiwan, and while this may be admittedly modest, it is undeniably well established in view of the country's turbulent history. Since the end of the 19th century, Taiwan was created within a context of successive cultural and political upheavals - from the creation of the term “Taiwanese” by Japanese colonial powers, to a forced return to “Pan-Chinese culture” at the time of the Kuomintang (KMT) dictatorship, then on to a Sino-Taiwanese culture, and eventually leading to the notion of “Taiwanitude” - resulting in a strong sense of self-examination by its inhabitants, Through the course of time and events, a shift has occurred for Taiwanese composers of contemporary music, in which an imagined identity becomes a political identity, and a cultural identity becomes an artistic identity. Contemporary music has been engrained within the heart of the historical complexity of Taiwan, yet not without some obstacles for composers.Far from moving towards a diluted international style, Taiwanese contemporary music, which has blossomed in symbiosis with civil society, takes on the most notable traits of its society, made up of a certain dynamism and the absence of a priori. Without forgetting their diverse roots, Taiwanese contemporary music composers have assimilated Western technique and savoir-faire in order to render their own form of innovative genius which truly expresses Taiwanese originality, while showing great promise for works of future generations.

Si la forme et les matériaux utilisés dans la facture des membranes de haut-parleurs ont une influence notoire sur la qualité de restitution, leur étude reste majoritairement empirique. Cette thèse propose une modélisation du comportement vibratoire et acoustique de haut-parleurs en incluant les phénomènes non linéaires apparaissant en régime de grandes amplitudes. Dans la première partie, l'influence de la forme et des matériaux sur le comportement vibratoire d'une structure de haut-parleur idéalisée est étudiée de manière théorique en utilisant les analogues dynamiques des équations de Von-Kármán et une approche modale. La seconde partie propose une méthode de résolution du problème électromécanique incluant tous les types de non-linéarités connus. La formulation sous forme d'espace d'état est exprimée lorsque l'on prend en compte les modes de résonance de la structure. Dans la troisième partie, le calcul du champ de pression rayonné par une structure axisymétrique est approché par l'intégrale de Rayleigh. La résolution temporelle se fonde sur la technique de Réponses Impulsionnelles Spatiales qui permet un gain de temps de calcul important. Enfin la quatrième partie propose une analyse expérimentale sur un prototype de haut-parleur sans suspension développé au LAUM par Guy Lemarquand. Mesures et prédictions en régime linéaire et non linéaire sont comparées et l'influence des non-linéarités géométriques est discutée.

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Le répertoire musical produit au moyen de la synthèse numérique du son durant les vingt premières années de développement de ces techniques (1957-1977) n’avait jamais fait l’objet d’une étude musicologique exhaustive, malgré l’importance de ce domaine en ce qui regarde l’évolution de l’univers sonore contemporain, et les nombreux documents disponibles. Notre méthode, empruntée aux musicologues Leigh Landy et Marc Battier, a consisté à rendre justice à des œuvres et à des pièces souvent traitées de façon isolée ou purement illustrative, en reconstruisant autour d’elles un récit mêlant considérations historiques, analytiques, techniques, esthétiques et culturelles. À travers cette étude, les liens qui unirent art musical, science et technologie numérique dans les années 1960 et 1970 apparaissent ainsi clairement, en renouvelant l’appréhension de répertoires basés sur le matériau sonore. / The musical repertoire generated by digital sound synthesis during the first twenty years of development of these techniques (1957-1977) had never been fully studied by musicologists, in spite of the importance of this field regarding evolution of contemporary sonic world, and the availability of numerous documents. Our method, based on Leigh Landy and Marc Battier’ideas, consisted of giving credit to pieces often dealt in an insulated or illustrative manner, by reconstructing around them a story combining historical, analytical, technical, aesthetical, and cultural elements. Thus, links that bound music, science, and digital technology in the 1960s and 1970s clearly appear, renewing comprehension of sound-based repertoires.

La version intégrale de ce mémoire est disponible uniquement pour consultation individuelle à la Bibliothèque de musique de l’Université de Montréal (www.bib.umontreal.ca/MU). / Ce mémoire de maîtrise parle de la démarche derrière la composition de trois pièces électroacoustiques. Ladite démarche consiste principalement à tenter d'établir un rapport geste-son clair en musique électronique. Une critique est formulée à l'égard des moyens de production électroacoustiques : les outils disponibles ne permettent pas l'utilisation de gestes expressifs. Un réel rapport geste-son permettrait de retrouver le côté ludique du jeu instrumental et d'établir un lien plus intime avec le public lors des concerts. Il est suggéré que l'utilisation d'interfaces mieux adaptées à l'expression musicale pourrait être une solution à ce problème. S'ensuit un survol critique d'un éventail d'interfaces. Cette critique sert de base au design de l'éponge, l'interface qui sera utilisée pour la performance de deux des trois pièces composées dans le cadre de ce mémoire. Les questions de l'expressivité et de la virtuosité dans un tel contexte sont abordées. L'éponge est décrite en détail : construction et stratégies de captations. Les trois pièces composées dans le cadre de ce mémoire sont ensuite présentées. Le discours musical, les matériaux, la structure, la spatialisation et le mapping sont discutés individuellement pour chacune des pièces. / This master's thesis is about the creative process that lead to the composition of three electroacoustic pieces. The main objective of that process was to establish a clear connection between gesture and sound. A critique of the means of production in electroacoustic music is formulated. It is argued that the tools available do not allow the use of expressive gestures. A clear link between gesture and sound would help to restore the playfulness that exists when playing an instrument as well as to strengthen the connection with the audience during concerts. It is suggested that using interfaces better adapted to musical expression could be a mean to reach that goal. Afterward, a few interfaces are reviewed and criticized. The conclusions drawn from those reviews are used as the bases for the design of the sponge, the interface used for the performance of two of the three pieces attached to this thesis. The questions of expressivity and virtuosity in such a context are addressed. The sponge is described in details : construction and sensing techniques. The three compositions are then presented. Musical discourse, sounds used, structure, spatialization and mapping are all discussed individually for each work.

« La version intégrale de ce mémoire est disponible uniquement pour consultation individuelle à la Bibliothèque de musique de l’Université de Montréal (www.bib.umontreal.ca/MU). » / Ma pratique artistique se divise en deux volets : la composition de musique acousmatique et la peinture abstraite. Loin d'être distinctes, ces deux pratiques se recoupent en plusieurs points et sont très complémentaires l'une à l'autre. En effet, il m’apparaît clairement que la façon d'aborder la création dans l'un et l'autre peut revêtir certaines similitudes. En d'autres termes, que je compose une pièce ou que je peigne une toile, le résultat que je cherche à obtenir en ce qui concerne l’organisation de la matière est le même dans les deux cas. La présente recherche propose donc une nouvelle approche de composition en musique acousmatique basée sur les techniques et concepts employés en art visuel, et plus particulièrement en peinture. À travers la réalisation d’une série de courtes pièces, j’expérimente sur les possibilités qu’offre la démarche de composition proposée. / My artistic practice can be divided in two paths: acousmatic music composition and abstract painting. Far from independent, these two practices meet on many aspects and can be perceived in a very complimentary manner. It becomes clear that the way in which I approach the mechanisms of the creative process in both practices is in fact quite similar. When painting or composing, I’ve come to realize that the result I strive for is in terms of structure and in terms of how I attempt to organize both the sound events in my compositions and the plastic materials I use on canvas. This text presents a potentially new approach to acousmatic composition derived from the techniques and concepts found in modern visual arts, more specifically non-figurative painting. In order to illustrate these ideas, I’ve composed a series of short composition studies that attempt to experiment the suggested methods and techniques.

La version intégrale de cette thèse est disponible uniquement pour consultation individuelle à la Bibliothèque de musique de l’Université de Montréal (www.bib.umontreal.ca/MU). / La présente thèse explore les relations esthétiques entre la poésie et la musique. Elle examine les éléments qui unissent et qui différencient les deux formes d’art, en mettant l’accent sur les caractéristiques que la poésie contemporaine et la musique électroacoustique ont en commun. Pour tenter d’expliquer la façon dont les caractéristiques de la poésie peuvent servir d’outil de composition musicale, ce document s’appuie sur des recherches récentes et plus anciennes concernant la musique et le récit, l’esthétique des musiques électroacoustiques, la psychoacoustique, la poétique, la sémiologie, la linguistique ainsi que l’histoire de la poésie et de la musique. Cette approche globale présente une analogie entre le son environnemental et le mot poétique, communicateur d’image, de sentiment et d’histoire qui, lorsque recontextualisé en musique, peut à la fois transmettre et provoquer des émotions. En effet, dans la musique électroacoustique, le son environnemental peut détailler de manière explicite les caractéristiques d’un espace acoustique réel; cependant, grâce à la transformation créée par le traitement du signal, le son peut également passer du côté abstrait. Ce mouvement entre les sons perçus comme réels et ceux perçus comme abstraits se compare à celui observé dans la poésie contemporaine. Les deux formes d’art peuvent également exprimer un sens littéral et symbolique. La présente thèse cherche à définir la façon dont ces éléments communs, entre autres, permettent de surmonter les obstacles intercommunicationnels naturellement entraînés par les différences syntaxiques entre la poésie et la musique afin de permettre une interprétation associative de la poésie en musique. La thèse se termine par l’analyse musicale de quatre compositions, dont trois ont été créées grâce au soutien du Conseil des arts du Canada. Ces trois pièces, qui forment le noyau de mon doctorat, exemplifient la musique inspirée par la poésie et composée à partir d’enregistrements de sons environnementaux. Trois œuvres des poètes canadiens John Steffler, Don Domanski et Marilyn Dumont évoquent les différentes régions du Canada d’où les enregistrements sont tirés. Ces poèmes, variés sur le plan esthétique, utilisent un langage distinct pour décrire la diversité de l’écologie canadienne moderne. Le contenu de chaque poème, de concert avec mon propre souvenir empirique des environnements qui font l’objet des enregistrements, est la source d’inspiration principale de la musique. La quatrième pièce utilise également la poésie comme base de la composition; il s’agit toutefois d’une œuvre antérieure, moins axée sur l’exploitation du potentiel de l’enregistrement de sons environnementaux pour créer une œuvre musicale représentative d’une imagerie poétique portant sur un lieu précis. Elle est présentée à titre d’exemple de l’évolution de mes stratégies et de mes préoccupations compositionnelles. / This thesis explores aesthetic relationships between poetry and music. It looks at both the analogous and disparate traits of the two arts with a focus towards the shared qualities of contemporary poetry and electroacoustic music. In suggesting how those of the former lend themselves as a tool for the composition of the latter, the paper touches on current and past research concerning music and narrative, electroacoustic aesthetics, psychoacoustics, poetics, semiology, linguistics and the history of poetry and music. This broad approach considers environmental sound as similar to the poetic word – a communicator of image, feeling, and history that, when re-contextualized in music, has the ability to both convey and elicit emotion. Indeed, in electroacoustic music, environmental sound can explicitly detail the characteristics of a real acoustic space, however, with the transformative effects of signal processing it can also shift into the abstract. This motion between sounds perceived as real and abstract parallels motion in contemporary poetry. Both arts can also express literal and symbolic meaning. This thesis investigates how these and other shared traits overcome intercommunicative barriers that arise naturally from their syntactical differences to mediate associative interpretations of poetry in music. The thesis ends with the musical analysis of four compositions, three of which were created with the support of the Canada Council for the Arts. These three pieces are the fruition of much of my doctoral work, exemplifying music inspired by poetry and composed from recordings of the Canadian environment. The regions represented in these recordings feature in the work of contemporary Canadian poets, John Steffler, Don Domanski and Marilyn Dumont. Varying in aesthetic, these poems use distinct language to depict the diversity of modern Canadian ecology. The content of each poem, in combination with my own experiential memory of the recorded environments, provides the inspiration for much of the music. The fourth piece presented also uses poetry as a foundation for composition; however, it is an earlier work that is less concerned with exploiting the potential of environmental recordings to create music representative of location-bound imagery in poetry. It has been included as an example of how my compositional strategies and concerns were refined.