Ce mémoire intervention en études des arts porte sur la remediation des images photographiques, cinématographiques et télévisuelles dans les médias numériques. Il s'appuie sur l'étude de cas des Stills, série de vidéos alliant vidéographie, photographie et performance, réalisés par l'artiste montréalais Adad Hannah. Le document comporte trois volets : un essai théorique, un compte rendu des activités qui ont permis la réalisation d'une exposition et le catalogue accompagnant celle-ci. Intitulée « Adad Hannah : Peinture de genre comme figure de Still », l'exposition s'est tenue du 2 mai au 13 juin 2010 au Musée d'art contemporain des Laurentides, à Saint-Jérôme (Québec, Canada). La méthodologie pour la portion fondamentale de la recherche se fonde sur une démarche heuristique, principalement basée sur l'archéologie des médias telle que décrite par Jay David Boiter et Richard Grusin; c'est à partir du concept de remediation et de ses applications potentielles que s'organise le discours théorique de l'exposition. Celle-ci ne constitue pas une démonstration empirique de la remediation dans les médias numériques; elle nous a néanmoins permis de prendre connaissance des étapes qui jalonnent la mise en place d'un projet de commissariat. Une partie du mémoire est donc consacrée à ces considérations pratiques. En somme, le premier chapitre présente la démarche de l'artiste, le corpus étudié et sa réception critique. Le deuxième chapitre aborde quant à lui les stratégies de représentation de la photographie, du cinéma et de la télévision, en plus de traiter des médias numériques. Il s'appuie principalement sur des essais théoriques traitant de la médiasphère numérique et des impacts de l'informatique dans les sphères de la communication. Le troisième chapitre se penche sur la préparation et la réalisation de l'exposition. Enfin, les résultats observés lors du volet production concluent ce mémoire. ______________________________________________________________________________ MOTS-CLÉS DE L’AUTEUR : Adad Hannah, Arts médiatiques, Mémoire de production, Remediation, Art numérique.

Ce mémoire témoigne d'une recherche durant laquelle ont émergé deux productions artistiques articulées autour de la thématique de la mise en espace de l'image vidéographique, Flow et Coup d'éclats. L'installation audiovisuelle Flow explore la fragmentation de la projection dans un espace tridimensionnel. Il s'agit d'une expérience au cours de laquelle le spectateur n'est pas seulement entouré par la surface de projection, mais réellement immergé. La fragmentation de l'écran en de multiples entités autonomes et dispersées offre une scénographie questionnant les notions de contour, d'écran mais aussi d'intentionnalité dans la perception : au cœur du dispositif, chacun des spectateurs est convié à une réception qui lui est propre par le choix de sa position dans l'espace. Le dispositif abandonne l'aspect symbolique de l'image au profit d'images abstraites, générées en temps réel, et propose un monde sensible fait d'abstractions géométriques et de jeux de lumière. Le second projet, Coup d'éclats, est une installation performative qui offre au public de nouvelles perspectives visuelles et sonores grâce à l'utilisation de procédés d'éclatement de la projection et de volumétrie sans écran. L'installation explore le principe d'anamorphose, un procédé de trompe-l'œil, appliqué à l'image en mouvement à travers la projection de formes géométriques virtuelles sur les éléments architecturaux de la salle. Le public, invité à circuler dans l'espace, accède alors à sa propre transformation des volumes selon le point de vue qu'il occupe. ______________________________________________________________________________ MOTS-CLÉS DE L’AUTEUR : art numérique, projection, installation, volumétrie, anamorphose, minimalisme.

La thèse explore la surveillance algorithmique des communications mondiales à travers l’art numérique. Elle examine les projets artistiques à la lumière du moment post-Snowden qui met en évidence l’étroite relation entre la surveillance d’État et la lutte au terrorisme, l’économie numérique, et le droit à la vie privée. Plus spécifiquement, la thèse pose la question de la résistance esthétique à la surveillance déployée par les dispositifs de sécurité occidentaux et à la sécurisation du quotidien. Animée par une réflexion sur le public et la circulation de l’art, la thèse s’intéresse à une communauté d’artistes circulant principalement autour de New York et Berlin. Ces artistes se réapproprient les médias et les artefacts de la culture numérique et explorent la relation technologie-culture-pouvoir pour comprendre et contester les structures de pouvoir associées à ces pratiques de surveillance. L’art numérique propose une cartographie alternative du pouvoir qui éclaire et politise les structures de pouvoir rendues invisibles par le secret d’État et la banalisation des technologies. Il conteste en outre la subjectivité numérique néolibérale et les pratiques de catégorisation sociale pour repenser une collectivité politique égalitaire. La thèse démontre la pertinence de l’art comme avenue de résistance à la surveillance, et propose une nouvelle méthode pour analyser l’art en Relations internationales. Mettant en évidence la complicité volontaire et involontaire des entreprises numériques aux efforts antiterroristes, l’incapacité du droit à la vie privée à protéger les individus contre la surveillance algorithmique des communications mondiales, la liberté d’interprétation des données que s’attribuent les dispositifs de sécurité occidentaux, et l’impératif de visibilité qui accompagne la participation numérique, la thèse montre les limites que cette surveillance impose à la résistance. De là, la thèse suggère à travers les œuvres analysées une avenue de contestation à la fois technologique et collective permettant la mise en place d’une collectivité radicalement égalitaire qui brouille les processus de catégorisation sociale et constitue un espace de dissensus face à la société profilée et sécurisée de la surveillance algorithmique.

Dans l'introduction du mémoire, nous soumettons une brève description de la recherche, une mise en contexte de celle-ci, la méthodologie employée ainsi qu'une terminologie du néologisme « strat ». Dans le premier chapitre, « Strat, un personnage? Une hypothèse généalogique », nous examinons notre production antérieure à la lumière du projet de recherche. Nous interrogeons, entre autres, la notion même de personnage proposée dans la recherche à travers une hypothèse généalogique. Au chapitre 2, « Lieux et non-lieux de la création médiatique », nous questionnons la notion de lieu à travers un corpus d'oeuvres médiatiques problématisant les notions de présence, de proximité, d'espace virtuel, de topologie imaginaire. En arrière-plan de ce questionnement, il y a une réflexion sur la notion de métabolisme. Au chapitre 3, « L'oeuvre et sa réalisation », nous examinons le processus de conception et de réalisation de Strat. Le chapitre se divise en quatre sections : aspect descriptif, aspect compositionnel, oeuvres apparentées, aspect matériel. Deux appendices complètent le document. L'appendice A est un schéma conceptuel. L'appendice B est un DVD contenant des images d'archive et des captations vidéo des différentes présentations de l'oeuvre. ______________________________________________________________________________ MOTS-CLÉS DE L’AUTEUR : Arts numériques, Autopoiétique, Communication, Écosophie, Installation, Interactivité, Vidéo, Vie artificielle.

Le mouvement Nouvelle tendance (NT) est un groupe international d’artistes formé pendantles années soixante (1961 - 1973) autour d’un programme d’expositions de la Galerie d’ArtContemporain (Galerija suvremene umjetnosti) de Zagreb. Au cours de son existence, lemouvement NT a rassemblé presque deux cents artistes et plusieurs groupes tels que GRAV,T, N, Zero, Equipo 57, Dvizhenije, MID etc. La première étape de ce mouvement jusqu’en 1968est caractérisée par l’abstraction géometrique et l’art lumino-cinétique tandis que dans laseconde partie (1968 -1973), Nouvelle tendance ouvre le chapitre de l’art numérique. / New Tendancy movement (NT) is an international group of artists united in the sixties(1961 - 1973) around the exhibition programme at the Gallery of Contemporary Art (Galerijasuvremene umjetnosti) in Zagreb. During its existence, the movement gathered around twohundred artists and differents groups such as GRAV, T, N, Zero, Equipo 57, Dvizhenije, MID etc.The first phase of the movement that lasted until 1968 was characterized by the geometricabstraction and lumino-kinetic art. During the second phase, New Tendancy opened thechapter of numerical arts.

Après avoir enseigné les arts plastiques au primaire pendant plusieurs années, et avoir expérimenté les technologies numériques dans des projets de création personnelle puis en classe avec les élèves, j'ai voulu approfondir ma connaissance des pratiques éducatives qui seraient adaptées à l'utilisation de ces nouvelles technologies qui nous sont maintenant accessibles en enseignement des arts plastiques au primaire. La présente recherche a permis tout d'abord de mieux comprendre les difficultés pédagogiques et les besoins à combler dans les écoles en ce qui a trait à l'utilisation des technologies numériques en enseignement des arts plastiques au primaire. Elle a permis aussi de mieux comprendre les caractéristiques des technologies utilisées et la terminologie y étant associée. En s'appuyant sur différents auteurs du domaine des arts, de l'éducation et des technologies de l'information et de la communication, la recherche a mis en lumière le potentiel des technologies numériques en enseignement des arts plastiques. Des chercheurs consultés ont aussi montré l'importance de la reconnaissance des difficultés et des besoins des enseignants pour une meilleure utilisation des technologies en milieu scolaire. Enfin, la recherche s'est penchée sur les bénéfices des approches interactionnistes dans un contexte d'enseignement avec la technologie numérique. Le cadre théorique de la recherche développe les aspects suivants : 1. Les caractéristiques de l'art numérique; 2. La reconnaissance des difficultés et des besoins relativement à l'utilisation des technologies; 3. Le potentiel des technologies numériques en enseignement des arts plastiques (particularités et bénéfices); 4. Les approches interactionnistes en enseignement (l'enseignement stratégique, le travail d'équipe et la pédagogie par projet). Par la recherche-action, des modalités de pratiques éducatives ont été explorées. Un projet pédagogique de création d'un album numérique des finissants avec des élèves du troisième cycle du primaire a été expérimenté. De l'analyse de l'intervention pédagogique décrite dans ce mémoire, il s'est dégagé des modalités de pratiques éducatives adaptées à l'enseignement des arts plastiques intégrant la technologie numérique. Les résultats de l'analyse ont permis d'établir une liste de recommandations dans le but d'orienter des projets pédagogiques et de supporter les enseignants d'arts plastiques qui veulent initier les élèves du primaire à l'art numérique. ______________________________________________________________________________ MOTS-CLÉS DE L’AUTEUR : pratiques éducatives, enseignement des arts plastiques, primaire, art numérique, technologie de l'information et de la communication (TIC), photographie

Ce travail se positionne dans le domaine de l'interactivité sensorielle, de la 3D temps réel et des arts visuels. Cette étude artistique et technique s’inscrit directement dans une recherche entamée depuis des années, sur la question de la représentation sublimée de la mort, qui se retrouve pleinement transfiguré dans l’emblème de la Vanité et sur la recherche de nouvelles façons d’entretenir un dialogue en rétroaction avec l’œuvre. Sur le point artistique, la recherche analyse le processus de création, qui a mené de la représentation sublimée de la mort en vidéo, à la réalisation et l’expérimentation de Vanité au sein de tableaux virtuels interactifs et immersifs. Cette analyse apporte des réponses aux questionnements envers la signification des intentions liées à la création et l’utilisation de Vanité en 3D dans des installations conversationnelles. Elle met en lumière les enjeux de ce procédé innovant par rapport à l’histoire de la Vanité depuis son apparition. Elle en approfondit le contenu en développant une démarche significative, sur la relation entre l’œuvre et le spectateur, par l’utilisation d’interface sensorielle comme support de dialogue. Sur le plan technique, l’étude porte sur l’utilisation d’une interface BCI (Brain computer interface) afin d’apporter une nouvelle façon d’appréhender et de dialoguer avec l’œuvre, dans le cadre d’un processus de rétroaction. Il en émane une interactivité où se mêlent la concentration et la méditation. Par le contrôle des ondes cérébrales et des contractions musculaires, le corps et l’esprit doivent se rejoindre, pour accéder à la maîtrise de l’interface BCI. / This work is about sensory interactivity, real-time 3D and visual arts. This artistic and technical study falls within a long-term research, introducing the notion of an enhanced representation of Death, embodied by the Vanitas and exploring new ways of inducing feedback about a work of art.From an artistic point of view, this research analyses the creation process which led us from the enhanced representation of Death on video, to the experience of the Vanitas through a total immersion into virtual pictures. This analysis brings out the motives for the creation and the use of 3D Vanitases in interactive installations. It highlights the issues raised by this innovative process regarding the History of the Vanitas since its outbreak. It goes further, by developing an original approach, to the communication between the audience and the work of art, introducing the use of a sensorial interface as a medium.At the technical level, the study revolves around the use of a Brain Computer Interface (BCI), inducing a new way of discovering and interacting with a work of art, as part of a feedback process. It creates a sense of interactivity, between concentration and meditation. The control of the brainwaves and muscular contractions brings the Body and the Mind together to achieve the mastery of the BCI

Cette thèse porte sur l’implication du remix dans la création plastique à l’ère de la dématérialisation numérique. Beaucoup d’éléments comme la technicité du médium, la malléabilité des contenus, la banalisation de la transgression du droit d’auteur ou la mise à disposition sans précédent de matériaux, impactent directement la création. Tout ceci donne lieu à de multiples stratégies de création par, pour, avec ou hors Internet. Les œuvres sont ouvertes, processuelles, interactives. L’art numérique est foisonnant et le remix y occupe une place de choix. C’est donc dans la longue histoire du remix artistique et dans celle inédite de la création numérique que j’ai choisi d’inscrire une recherche création. Artiste depuis plus de dix ans, j’ai eu à articuler une « recherche > création » (« sur l’art » et sur mes œuvres passées) et une « création > recherche » (sur mes œuvres en train de se faire). Lors de la « recherche > création », l’hypothèse de la filiation de mon travail avec le remix numérique m’a conduit à saisir, d’un point de vue théorique, les termes de la rencontre fructueuse du remix avec l’art numérique, puis à faire une analyse de sept de mes œuvres passées. Elle a souligné la portée critique et la diversité de mes remix et de leurs dominantes : la mise en jeu du droit d’auteur ; le rapport au temps et à l’interactivité ; la critique de l’abondance informationnelle ; et la collection, intention et principe de création. Cette « recherche > création » n’a pris tout son sens qu’avec la création de trois nouvelles œuvres lors de la « création > recherche ». La poursuite de mon hypothèse m’a invité à mettre en jeu la définition couramment admise du remix réflexif, notamment sa portée référentielle. Mes dernières œuvres sont nées de cette rupture et d’une intention non plus critique, mais expérimentale. Elles m’ont permis de distinguer un « remix distancié » qui va plus loin que le remix réflexif dans le sens d’une complète dissolution de l’original qui lui a donné vie. / The focus in this thesis is on the implications of remix in the art field within the digital dematerialisation era. Many elements like the technicality of the medium, the malleability of the contents, the banalisation of copyright infringement or the unprecedented availability of materials impact creation directly. All this has given birth to multiple creation strategies by, for, with or out of the Internet. Artworks are open, processual, interactive. Digital art is a flourishing movement and remix occupies a key place within. It is thus in the long history of artistic remix and the new emerging history of digital creation that I chose to enrol in a research creation. As an artist for more than ten years, I have had to articulate a ‘research > creation’ (‘on art’ and my past artworks) and a ‘creation > research’ (on my artworks in progress). During the period of ‘research > creation’, the assumption of the filiation of my work to digital remix led me to examine, from a theoretical point of view, the terms of the fruitful encounter between remix and digital art and then to apply the analysis to seven of my previous artworks. This brought to light the critical range and the diversity of my own remix and their dominance: the liability of the copyright; the relationship to time and interactivity; the criticism of informational abundance; and the collection as an intention and a principle of creation. This ‘research > creation’ has been ‘rendered real’ with the creation of three new artworks during the ‘creation > research’. The exploration of my hypothesis led me to jeopardise the generally accepted definition of reflexive remix, in particular its referential range. My latest artworks were born from this disruption and of an intention which was no longer critical, but experimental. These artworks enabled me to distinguish a ‘outpaced remix’ which goes beyond reflexive remix in the direction of a complete dissolution of the original from which each one derived.

Cette thèse est une méditation sur l’art numérique et la perception, qui espère offrir un regard approfondi sur ces sujets. L’évolution technologique, comme le feu de Prométhée, apporte la lumière, et change le mode de vie humain, mais aussi les critères de l’art, en plus de nous introduire dans un monde inimaginable d’hyper-sensations. Science et technologie se déploient dans tous les domaines de la vie, le développement de l’interaction homme-machine nous inonde de dispositifs numériques et multimédia au quotidien, et nous rend familiers des mondes virtuels. Cette recherche explore les interactions entre l’art numérique et ses environnements de création et d’exposition.Deux études de terrain sont ici mises en relation : Le Festival d’Art Numérique de Taipei et Mons 2015, et soulignent un rapport art-science-société comme problématique. D’un point de vue sociologique, l’art numérique représente un microcosme de la société virtuelle et un macrocosme du monde réel, par la création d’une communauté virtuelle invisible.La science technologique incarne l’esprit humain et l’espace-temps, car la relation entre l’homme et la technologie marque la société contemporaine, où le scientifique et l’artiste peuvent créer des mondes imaginaires tout en traversant les oppositions dichotomiques entre la réalité et la virtualité. Ce travail de thèse permet ainsi d’explorer des entrecroisement entre le spectateur et l’œuvre, entre les mondes intelligible et sensible, réel et virtuel, visible et invisible. / This research is a meditation between digital art and perception of real-life, which hopes to offer a comprehensive look on these issues. Technology developments, such as the fire of Prometheus, not only bring the lights and changes in nature’s way into our daily life, but also the Principles and criteria of art. In addition, the new media bring us into unimaginable and hyper-sensations world. Science and technology are deployed and infiltrated in all area, the development of man-machine interaction flooded with digital devices and media every day, and make us rely on virtual worlds unconsciously. This research explores the interactions between digital art, digital art creation and exhibition environments.Two case studies are made here is related to: The Taipei Digital Art Festival and Mons 2015, and highlight a report art-science-society as problematic definition. From sociological point of view, digital art represents a microcosm of the virtual society and a macrocosm of the real world, by creating an invisible virtual community.Technological science embodies the human spirit and the space-time, because the relationship between man and technology marks contemporary society, where the scientist and the artist can create imaginary worlds while crossing dichotomous oppositions between reality and virtuality. This work allows us to explore the intersection between the viewer and the work, between intelligible and sensible worlds, real and virtual, visible and invisible.

L’accès aux œuvres d’art, auparavant réservé à un public élitiste et nécessitant un déplacement sur le lieu d’exposition, se trouve désormais démocratisé à tout un chacun par l’utilisation des technologies numériques. En effet, ces outils offrent aux particuliers la possibilité de consulter les créations au moment, dans le lieu et pendant le temps qu’ils souhaitent, affirmant dès lors l’ubiquité des œuvres d’art. Pourtant, si le droit d’auteur avait su recevoir le progrès technique avec souplesse pour maintenir un équilibre entre la diffusion des œuvres au sein du public et le respect des droits des créateurs, ce mémoire conduira à démontrer, au terme d’une analyse comparée où le droit français sera appuyé par des incursions en droits canadien et québécois, que les facultés d’accès sont telles, qu’elles bouleversent l’organisation des relations qui préexistaient entre ces protagonistes, fragilisant ainsi la protection juridique de l’auteur. En effet, face à son souhait de voir son investissement artistique récompensé et protégé, il se dresse un public aux revendications nouvelles. En quête d’un accès gratuit à une multitude d’œuvres, ce dernier conteste d’abord le monopole de l’auteur et favorise l’apparition d’intermédiaires qui, en générant de nombreux profits sans rémunérer le créateur, sont à l’origine d’un phénomène de captation de valeur. Désireux de participer activement à l’accès en diffusant les œuvres à ses semblables, il s’est ensuite érigé, par l’accomplissement d’actes d’exploitation, en contre facteur. Dans ce nouveau contexte, d’autant plus complexe que l’activité du public et des intermédiaires participe à la visibilité des œuvres d’art, la recherche d’un équilibre pour mieux protéger les droits d’auteur est apparue indispensable. A cette fin, différents mécanismes techniques et juridiques ont dû être adoptés. / Previously reserved for an elitist public and requiring a travel to the exhibition site, access to artworks is now democratized to everyone through the use of new technologies. Indeed, these tools provide individuals with the ability of consulting creations at the time, in the place and for as long as they wish. Thus, the ubiquity of works is undeniably highlighted. However, if copyright had been able to adapt to technical progress through the time in order to maintain a balance between the dissemination of works to the public and the respect of creators’ rights, this dissertation aims to demonstrate that the new possibilities of access are such that they disrupt the pre-existing organisation between these protagonists. Using a comparative analysis in which French law will be supported by incursions into Canadian and Quebec law, it will be explained that author’s legal protection is weakened. Indeed, the creator, who wants to be both rewarded and protected for his artistic investment, must face a public with brand new demands. Firstly, seeking free access to a plethora of works, people challenge the author’s monopoly. Moreover, they have led to the emergence of numerous online intermediaries who initiate a value gap by generating profits without paying back the artist. Secondly, willing to participate actively in access by disseminating the works to their peers, people carry out acts of exploitation and set themselves up as counterfeiters. In this new environment, even more complex that public and intermediaries contribute to the visibility of artworks, it has become essential to re-establish a fair balance to better protect the authors’ rights. Hence, some technical and legal mechanisms had to be adopted.