El debate sobre la violencia y las víctimas ha cobrado mayor protagonismo en los últimos años, así como la producción cultural que se hace alrededor de esta categoría. Pero esta centralidad de la víctima se ha vuelto problemática, como ya lo han señalado otros estudios, en cuanto encasilla a los sujetos en roles pasivos o los inserta como meros objetos. Es por esta razón que me ha interesado analizar la novela La sangre de la aurora, pues si bien mantiene a la víctima como una categoría central y remanente de la violencia, su visión va más allá de ella y no permite limitarla a un estereotipo determinado. Considero que esta tesis rescata esos elementos que la novela de Salazar Jiménez visibiliza sobre la violencia y los tipos de violencia que sufren las víctimas y cómo se diferencia de otras narrativas al representarla, dándole una nueva configuración al término. Asimismo con la ayuda de la teoría psiconalítica determino que la novela ahonda en el pasado traumático de las víctimas y construye una noción de trauma que se ve reflejado en la forma narrativa fragmentada y caótica. Todo ello, dentro de una perspectiva de género que nos revela una potencialidad de lo femenino. De este modo, la novela va más allá de las víctimas al devolverles a éstas su condición de sujetos políticos, otorgándoles una voz y agencia propias, recogiendo todas sus complejidades y experiencias y, además, problematizando el término al incluir al perpetrador en dicha categoría. / Tesis

Esta tesis tiene por objetivo encontrar un lugar común entre lo que es la «estética decolonial» y el arte digital de 2021 de Enrique Chagoya denominado El Popol Vuh de la abuelita del Ahuizote. Enrique Chagoya es un artista plástico particular, cuya obra es reconocida en el circuito del arte en los Estados Unidos de América, sin embargo, él ha considerado el mundo del arte occidental como una extensión del colonialismo cultural en una entrevista que tuvo conmigo en 2021. Lo expresado en la obra El Popol Vuh de la abuelita del Ahuizote coincide con las ideas de teóricos sudamericanos que plantean un giro epistémico decolonial. Para poder llegar a este lugar común, esta tesis se ha dividido en tres capítulos: «Un acercamiento a la vida, obra y pensamiento de Enrique Chagoya»; «El Popol Vuh de la abuelita del Ahuizote, un análisis»; y «Giro decolonial en El Popol Vuh de la abuelita del Ahuizote». El primer capítulo es un panorama general de la obra de Chagoya, en el que propongo cuatro distintas etapas. Terminado este capítulo voy a continuar con el análisis de la obra elegida para sustentar esta tesis, El Popol Vuh de la abuelita del Ahuizote, bajo la metodología de Erwin Panofsky: un análisis iconográfico y uno iconológico de los 21 folios que la componen. Finalmente, como se dijo en un inicio, voy a sustentar el encuentro entre el pensamiento decolonial y la obra analizada y la existencia de una «estética decolonial» en esta.

El objetivo general de la presente investigación fue trazar la formación, trayectoria artística y de vida de lxs artistas Carla Montalvo y Jesús María Álvarez y analizar la crítica al discurso pastoral que desarrollan en sus lenguajes, temáticas y prácticas estéticas, a través del análisis de las performances “Bosque Blanco” y “Arequipa es Choqollo”. Específicamente, se buscó indagar sobre cómo estxs artistas representan las sexualidades no hegemónicas en sus prácticas estéticas del performance mediante el uso de la iconografía cristiana y de qué manera su experiencia personal se relaciona con su preocupación por hacer uso de iconografía cristiana para cuestionar la subjetividad sexual, empleando el giro icónico y el testimonio con este fin. Para ello se aplicó un enfoque metodológico cualitativo, narrativo y se utilizaron guías de entrevistas biográficas/monotemáticas adecuadas a cada caso para profundizar en la especificidad y diferencia de cada unx. Asimismo, se aplicaron fichas de análisis formal y visual de las performances en vídeo e imagen. / The general objective of this research was to trace the training, artistic and life trajectory of the artists Carla Montalvo and Jesús María Álvarez and analyze the critique of pastoral discourse that they develop in their languages, themes and aesthetic practices of performance: "Bosque Blanco" and “Arequipa is Choqollo”. Specifically, we seek to investigate how these artists represent non-hegemonic sexualities in their aesthetic practices of performance using Christian iconography and how their personal experience relates to their concern to use it in order to question sexual subjectivity. With this objective, we used the iconic turn and the testimony. Likewise, we employed a narrative qualitative methodological approach and biographical interviews, appropriate to each case, to delve into the specificity and difference of each one. In addition, we applied formal and visual analysis sheets of video and image of the performances.

Durante décadas, el papel que la música cumple en la industria cinematográfica ha sido indiscutible, pues ambas artes han demostrado ser capaces de interrelacionarse perfectamente hasta lograr una adecuada fusión de música e imagen, por lo que resulta imposible que una prescinda de otra. Sin embargo, ¿qué sucede cuando la historia de los filmes presenta escenas violentas de forma inesperada? Es supuesto que tanto sonido como escena transmitan este concepto a su audiencia, y si bien el guion auxilia a la imagen para lograrlo, para el público resulta desconocido el reconocer cómo lo realiza la música. En consecuencia, el espectador se encuentra expuesto ante cualquier efecto que se produzca frente a las técnicas o métodos que aquello implique. De esta manera, la presente investigación pretende evaluar los casos de dos películas contemporáneas calificadas como género dramático: Requiem for a dream e Irreversible, con el fin de demostrar, a través de un análisis de la banda sonora, la manipulación del sonido hacia el público y; seguidamente, evidenciar la responsabilidad del compositor frente a este fenómeno. Es así, que se recurrirá a reconocidos investigadores y expertos en el campo de la música cinematográfica tales como Michel Chion, Philip Ball, Hanss Eisler, Theodor Adorno, entre otros. / For decades, the role that music plays in the film industry has been indisputable, as both arts have shown to be capable of being perfectly interrelated to achieve an adequate fusion of music and image, and it is impossible for one to dispense with the other. However, what happens when the story of the films presents violent scenes in unexpected ways? It is assumed that both sound and scene transmit this concept to its audience, and although the script helps the image to achieve it, it is unknown for the public to recognize how the music performs it. Consequently, the viewer is exposed to any effect that occurs against the techniques or methods that this involve. In this way, this research aims to evaluate the cases of two contemporary films classified as dramatic genre: Requiem for a dream and Irreversible, in order to demonstrate, through an analysis of the soundtrack, the manipulation of sound towards the public and; afterward, to show the responsibility of the composer in front of this phenomenon. In this way, renowned researchers and experts in the field of film music such as Michel Chion, Philip Ball, Hanss Eisler, Theodor Adorno, among others, will be used in this investigation.

El presente es un profundo análisis del film “Blue Velvet” de David Lynch y la reinterpretación del concepto “nostalgia norteamericana”, visto en las pinturas de Edward Hopper. La “nostalgia americana” es un término acuñado por la tesista, que describe el sentir de la población estadounidense luego de los momentos de guerra y crisis de su país. Gracias a un análisis de la imagen, se concluye que las pinturas de Edward Hopper retratan ese estado anímico compuesto de nostalgia, soledad, ensimismamiento y melancolía, a través de los aspectos formales y de contenido. De esa manera aparece David Lynch, quien logra reinterpretar el mismo sentir. Luego de descomponer “Blue Velvet” y analizar minuciosamente sus escenas, se argumenta que la reinterpretación se da a través de dos procedimientos: a través de composiciones similares entre las pinturas y los encuadres, y por medio de los nuevos recursos que otorga la comunicación audiovisual, que favorecen e impulsan dichos aspectos de composición. Es importante tener en cuenta que tanto los recursos audiovisuales, como los aspectos formales (en las pinturas) se relacionan al componer encuadres similares y narrar casi un mismo discurso: el de la “nostalgia americana”. Sin embargo, este relato se potencia en “Blue Velvet”, ya que se utilizan recursos como el movimiento de cámara, el movimiento interno y el montaje, los cuales favorecen a evidenciar el concepto. Y allí se descubre la relevancia de esta investigación, ya que, gracias al análisis de los recursos audiovisuales, se evidencia la autoridad del cine como recurso artístico capaz de observar, procesar y analizar sucesos traumáticos que han sido parte la historia. Se otorga un aporte al conocimiento existente sobre cine y pintura, pero además se enriquece el conocimiento audiovisual estableciendo nuevos aportes y conceptos.

Magíster en artes con mención en teoría e historia del arte / del arte y de la pintura en Chile, una marca que se sitúa entre el arte colonial y el arte de la nueva república, la cual buscaba con énfasis no sólo dejar su pasado colonial, sino que, acceder a la modernidad de su tiempo. Utilizando la metodología denominada el ojo de la época, desarrollada por Michael Baxandall y teniendo como referencia su obra “Pintura y vida cotidiana en el renacimiento” (BAXANDALL M., 2000), la presente tesis tiene por objetivo buscar una aproximación a través de la cual sea posible identificar en la pintura de Monvoisin particularidades de su tiempo, ya sea en lo cultural como en lo psicosocial, que estén contenidos en su obra, como resultado del proceso de construcción de la misma, particularidades que la mirada retrospectiva oculta dado el sesgo que originan los denominados cambios en los tipos de interés visual en términos sociales, éticos y espirituales en el Chile Decimonónico respecto a la mirada actual. Para alcanzar el objetivo trazado se ha utilizado fuentes bibliográficas primarias y secundarias, las cuales han permitido desarrollar esta investigación en el campo del arte, en particular en la pintura de Monvoisin, a fin de extraer conclusiones sobre su práctica artística, la cual constituiría el reflejo de la práctica cotidiana para la pintura de su época, la que a su vez contendría los elementos propios que sólo el ojo de la época puede distinguir. / 2018

Memoria (licenciado en ciencias jurídicas y sociales) / Autor no autoriza el acceso a texto completo de su documento / El objeto de esta memoria es poner en tela de juicio los basamentos filosóficos jurídicos de de la teoría de la eficacia directa de los derechos fundamentales, teoría que está en la base del procedimiento de tutela, establecido en el artículo 485 y siguientes del Código del Trabajo. En consecuencia, los conceptos fundamentales a problematizar, y que sirven a la justificación de la teoría de la eficacia directa, son el concepto de supremacía constitucional, la distinción entre reglas y principios, y el principio de proporcionalidad de Robert Alexy. El fundamento principal de la crítica a la eficacia directa, y los conceptos fundamentales que la justifican, constituye la distinción entre conceptos y concepciones, según el cual los derechos fundamentales constituyen conceptos apriorísticos y transversales a todas las perspectivas políticas, pero para tener un contenido concreto necesitan ser llenados de contenido con una concepción particular sobre lo que ese concepto debe querer decir, y ello consiste en las perspectivas políticas acerca de los mismos. Por esta razón, la determinación del contenido concreto debe efectuarse a través de reglas que hagan poco probable que los jueces derroten dichas reglas con una perspectiva política distinta a la que subyace a la regla. 4 Por otro lado, en cuanto a los efectos prácticos de la teoría de la eficacia directa de la constitución, esta memoria pone de relieve el hecho de que al poseer diversas perspectivas políticas la interpretación de los derechos fundamentales, la interpretación judicial puede implicar una perspectiva distinta a la que subyace al Derecho del Trabajo chileno, pudiendo aquella derrotar a las reglas del Código del Trabajo. Esta memoria hace hincapié en diversos casos en que esta hipótesis se ha hecho realidad

Informe de Seminario para optar al grado de Licenciado en Lengua y Literatura Inglesa

Establece la relevancia de la operación de desmontaje de la ciudad que se realiza en Lima la horrible desde el marco del género ensayístico, en contraposición con algunas lecturas que son fundamentalmente temáticas y que omiten los componentes estructurales de la obra, o en las que predomina una mirada que cierra el marco de referencia en el autor y el contexto, sin tomar en cuenta antes el plano intertextual para conectar el ensayo del autor con otros textos del mismo. Por ello, enmarca la obra en sus coordenadas histórico - sociales y culturales pertinentes, y realiza un análisis discursivo de cada uno de los capítulos que interesan para fines de esta tesis. / Tesis

El objeto de la tesis doctoral que he emprendido está constituido por la escritura reflexiva de Luis Oyarzún , expresada en diarios y correspondencia publicados, que permite indagar en su concepción de la temporalidad y cómo ella se relaciona, de manera significativa, con el estilo fragmentario de su obra y el carácter predominantemente intimista de ésta. De ese modo, la indagación permite revelar el entramado de su escritura reflexiva en una condición literaria particular, que no realiza un concepto de obra o corpus unitario, sino que más bien efectúa una diseminación, expresada en motivos múltiples, cuyo significante predominante es el fragmento, vinculable al viaje, a su nomadismo, como modo de estar en el tiempo y el espacio.