Le mémoire qui suit fait état des recherches et explorations réalisées lors du parcours m'ayant mené à l'exposition L'odeur du sang humain me rit, présentée à la Galerie des arts visuels de l'Université Laval, du 15 au 22 août 2017. Les œuvres proposées ont été exécutées entre 2013 et 2017, dans le cadre du programme de maîtrise en arts visuels de l'Université Laval et abordent les thèmes de la vanité, de l'abjection ainsi que la notion de pérennité. Issu d'une réflexion sur le rapport de l'artiste à la création, mon corpus de maîtrise est porteur d'une attitude autoréflexive vis-à-vis de la pratique artistique, du travail de la peinture et de l'histoire de l'art, et questionne l'importance du choix des matériaux, et de leur compréhension. Les sujets représentés s'éloignent de la dimension moralisatrice de la scène de genre telle qu'on la connait afin de donner à celle-ci une valeur principalement autobiographique. Mes recherches s'articulent autour du motif de la vanité et de l'utilisation de l'art comme catharsis.

Ce mémoire de maîtrise a pour but d'accompagner mes recherches et les expositions que j'ai présentées au cours de mes études dans le programme de maîtrise en arts visuels. Je désire par ce travail réfléchir sur ma pratique personnelle ainsi que sur mon processus de travail en atelier. Sans aucun doute, cette expérience d'études m'a aidée à développer et à rapprocher davantage mon travail de différentes conceptions de l'art. Les deux premiers chapitres portent sur mes deux expositions, soit L'Avenir est plus loin qu'on pense, présentée chez Engramme, et Living dans l'espace, présentée à la Galerie des arts visuels de l'Université Laval. Elles questionnent l'espace public et la perception de l'espace architectural à l'époque de la standardisation. Le troisième chapitre aborde principalement les thématiques élaborées dans ces deux expositions, l'appropriation de l'image, le design et l'art populaire. Une série de photographies de ces deux expositions et certaines œuvres d'artistes viennent appuyer mes idées tout en aidant le lecteur à suivre le déroulement de mes recherches et de mes expérimentations.

L'œuvre présentée s'inspire d'abord du domaine sculptural. Par l'utilisation de meubles reconstruits, d'objets rebuts et de mobilier ordinaire, elle se structure, s'érige et s'impose spatialement, puis détourne la compréhension de l'œuvre conventionnelle, d'objet à contempler, en s'emparent de l'espace du lieu pour s'organiser en milieu. Cette œuvre spatiale s'ancre dans la réalité puis dévoile sa fiction qui emprunte au réel, modifiant notre regard et notre perception des choses et de l'ordinaire. L'œuvre s'organise par un jeu de construction, de stratégies et de possibilités, qui participent à son instauration et suscitent le déplacement de l'œil qui la voit. Cette mobilité du regard autorisera l'ouverture possible où l'œuvre sera considérée autrement puis saisie comme échange, comme mouvement fluide entre une réalité ambiante et un monde fictionnel. Ici, l'œuvre temporelle et spatiale tente d'échapper à l'immobilité, préférant l'incertitude à la finitude, et permet la perception renouvelée des choses pour voir autrement.

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Tableau d’honneur de la Faculté des études supérieures et postdoctorales, 2008-2009 / Dans le présent essai dont la réflexion s'articule autour de l'itinéraire génétique du texte dramatique Chroniques de l'Université Laval: pieds nus dans l'histoire, je tente de cerner certains procédés de théâtralisation de la matière historique mis en oeuvre dans mon travail pour ensuite effectuer l'analyse de leur effet structurant à l'intérieur des épisodes dramatiques et des séquences narratives de ma pièce. À la lumière de notions propres au genre du pageant historique, type de théâtre où formes épique et dramatique se chevauchent, je souhaite dégager la particularité des modes de construction du système dramaturgique et la manière dont ont pu être harmonisés éléments historiques et fictifs afin d'atteindre à la vérité dramatique.

En réponse à la sensation de déconnexion avec l'environnement que je perçois et ressens, ma pratique tend à rentrer en contact avec différents éléments du lieu dans lequel je me trouve. Sans cesse à l'affût, le milieu dans lequel j'avance influence directement mon travail et les thématiques que j'aborde. Mon processus se manifeste le plus souvent par une répétition du même geste et un rythme qui témoigne d'une endurance, ce qui révèle la notion de durée. J'explore la présentation des œuvres en rouleau, apportant une symbolique reliée au passage du temps. Je cherche à créer une tension entre la douceur de mes gestes et la destruction de la nature que je remarque au quotidien. À travers les points de contact que je forme avec mon environnement, je tente de créer une sensation de continuité. Accompagnant mon projet, ce mémoire offre les clefs de compréhension de l'exposition Les arbres sont fatigués. / In response to the sense of disconnection with the environment that I feel, my artistic practice explores ways to reconnect. Attentive to my surroundings, the location in which I find my self directly influences my work and chosen themes. My work methods, such as repeating the same gesture and rhythmic movements, require endurance and incorporate the notion of duration and a sense of time. I attempt to create a tension between the delicacy of my gestures and the destruction of nature which I notice on a daily basis. I explore presenting my work as rolls to symbolise the passage the time. Through the points of contact I have with my environment, I seek to create a sense of continuity. Accompanying my project, this thesis provides a guide to understanding the exhibition Les arbres sont fatigués (The Trees are Tired).

Ce mémoire accompagne le projet de maîtrise L'autre, court-métrage d'animation en volume d'une durée de quatre minutes. Dans une absence de décor, on voit apparaître un personnage à l'aspect dépouillé. Puis, un autre personnage identique à lui-même apparaît. Craintif, le protagoniste finit par établir un contact avec cet autre et se découvre à travers lui. Le mémoire traite d'abord des aspects théoriques qui sous-tendent le projet, soit le principe dialogique développé par Mikhaïl Bakhtine, théoricien russe de la littérature, qui met l'emphase sur l'importance de l'autre dans la construction de l'identité de l'individu. Une réflexion est ensuite élaborée sur le point de vue narratif en cinéma d'animation à partir des théories littéraires du courant de conscience et du roman polyphonique. Une analyse de l'œuvre est ensuite développée, suivie de considérations sur le cinéma d'animation.

La profondeur et l'éclatement de l'image - Réflexion critique sur l'image et les technologies accompagne les trois oeuvres réalisées dans le cadre du doctorat : le corpus photographique L'Ombre survivante présentée à Québec au centre VU ; le corpus photographique Personnes présenté à Québec à la galerie Le 36 ; l'installation vidéo Cités présentée à Trois-Rivières à la galerie R3, à Québec à la Galerie des arts visuels et à Santiago (Chili) à la VIII e Bienal de video y nuevos medios. La profondeur et l'éclatement de l'image - Réflexion critique sur l'image et les technologies traite des idées et des notions qui permettent de dégager certaines propriétés générales de l'image que j'aborde par les dimensions imaginaire, conceptuelle et concrète. La problématique de cette recherche est : L'image est-elle en train de perdre son sens pour qu'un sens renouvelé se révèle dans une nouvelle forme d'image, dans une nouvelle expérience imaginaire ? Celle-ci pose simultanément l'image dans sa généralité et dans son actualité et amène à dégager des manières de penser et de construire l'image dans la profondeur et dans l'éclatement, dans les glissements entre ses temporalités et ses spatialités. Aussi, cette recherche vise à visiter le lieu de l'image, à scruter l'action du faire-image, à proposer la mise en place d'une structure métaphorique de l'image, à sonder la production d'une image-lieu comme image fictive et à parcourir le lieu de l'avoir-lieu de l'image. Cela en rapport critique avec les images de masse présentes dans la société moderne et l'influence des nouvelles technologies.

Cette femme souffrant particulièrement du blocage de son écriture choisit de travailler à ce niveau et nous relate ses péripéties à travers les blocages la transportant d'un état d'impuissance à un état de relation intime avec son écriture. Le but premier de cette recherche, qui était le déblocage de l'écriture se transforme alors en point de départ pour un nouveau voyage avec l'écriture comme guide et témoin d'un processus de transformation. En effet, le blocage surmonté nous pourrons la suivre à travers les méandres du processus d'individuation, par la dialectique constante qu'elle entretient entre le conscient et l'inconscient. Ce dialogue conscient - inconscient établi à l'aide de l'écriture l'entraîne dans une plongée vertigineuse vers un monde inconnu. Elle nous amène avec elle dans les profondeurs où elle établit par l'écriture un contact avec les symboles archétypiques, source créatrice de l'inconscient. Une source dynamique intérieure qui s'exprime et se projette dans ses écrits actualisant en elle une certaine unité, une réorganisation d'elle-même. Les poèmes produits pendant ce voyage, permettent de retracer et de décrire les événements déclencheurs, les prises de conscience, les transformations et les émotions reliées à une telle expérience. Les symboles individuels et collectifs que cette femme exprime permettent à chacun d'entrer dans ce monde irrationnel qui offre ses richesses à qui sait les trouver. Richesses accessibles à tous ceux qui veulent bien abdiquer la rigidité de la raison et plonger avec elle dans ce bain de poésie. Une thèse témoin de l'éclosion et de l'épanouissement graduel d'une expression créatrice. Une thèse témoin d'une étape du processus d'individuation d'une personnalité créatrice. Une thèse témoin d'un monde irrationnel à travers les symboles individuels et collectifs. / Québec Université Laval, Bibliothèque 2016

Les œuvres transformatives sont celles qui empruntent à une œuvre première et apportent à leur tour une création originale lui conférant une protection par le droit d’auteur. Elles évoquent une adaptation au cinéma, une compilation de musique, une traduction d’un livre... Puis s’est développé le web 2.0, offrant de nouveaux de moyens de création, de communication. Les pratiques transformatives se sont alors diversifiées, multipliées : on parle dorénavant de remix, de mash-up, de sampling. Le régime propre aux œuvres transformatives se complexifie, pour deux raisons principales. Tout d’abord, de nouveaux acteurs, tels que les utilisateurs et les intermédiaires, doivent être pris en compte par la loi. L’œuvre composite a été défini par la loi de 1957 dans un contexte où l’emprunt créatif était principalement réservé aux professionnels. Ce n’est plus le cas aujourd’hui, chacun est libre de reprendre, transformer puis partager des contenus sur internet. On parle de « créations-amateurs ». Ensuite, les œuvres transformatives représentent, depuis longtemps, un lieu de conflit de droit. D’un côté, le droit exclusif détenu par l’auteur de l’œuvre première, de l’autre, la protection de l’œuvre composite par le droit d’auteur, justifiée au nom de la liberté d’expression. Le juge s’efforce donc de trouver un juste équilibre entre droit d’auteur et liberté d’expression, notamment par le mécanisme des exceptions. Seulement, la révolution numérique a rendu les contours de ces exceptions floues, si bien que le régime ne semble plus adapté aux créations numériques. Doit-on adapter les dispositions actuelles aux nouvelles pratiques transformatives ? Doit-on consacrer une nouvelle exception, en s’inspirant des enseignements du droit comparé ? La question de la réception des œuvres transformatives mérite alors d’être éclairée, en raison de la dimension mondiale du phénomène largement favorisée par le numérique, reflétant ainsi une problématique générale à laquelle est confrontée aujourd’hui le droit d’auteur.