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Ce mémoire de maîtrise questionne la capacité d'insertion de structures flexibles dans des lieux d'accueil. Il est soutenu par un travail pratique de deux ans en atelier duquel ont résulté cinq sculptures installatives qui ont été essayées et exposées. Il relate d'abord les étapes d'un processus personnel de création. De la fabrication artisanale de modules composés de matériaux industriels assemblés répétitivement à la conception de structures souples. Il présente ensuite trois paramètres opératoires : la flexibilité, la répétition et la présence du vide qui permettent aux structures de s'adapter aux lieux et d'ainsi aspirer à devenir sculpture. Subséquemment, il cherche à situer les oeuvres en effectuant un parcours historico-artistique qui prend ses bases à la période minimaliste et fait un rapprochement avec les préoccupations postmodernes, tout en considérant l'héritage moderne. Il termine en tentant de prendre place dans une histoire actuelle de Y installation

François Barbeau est reconnu comme l’un des plus grands concepteurs de costumes du Québec. Sa réputation n’est plus à faire, mais la nécessité d’avoir une vue d’ensemble de sa carrière restait à faire et elle est peut-être encore plus importante aujourd’hui que le costumier est décédé. La thèse propose de faire un récit de sa carrière qui serait le témoin de la longévité et de l’ampleur du travail de Barbeau, mais aussi de sa qualité d’artiste, inégalée dans le domaine au Québec. Il s’agira donc de décrire les différentes étapes qui composent son approche du costume en faisant le récit des moments qui ont ponctué sa carrière et qui ont entraîné un ajout ou un changement dans l’élaboration de sa façon de faire, et ce, à l’aide du témoignage du principal intéressé. La thèse aura également pour but de consigner le travail effectué par le concepteur de costumes par le recensement complet des productions auxquelles il a participé. La carrière de Barbeau a débuté alors que le théâtre québécois professionnel en était à ses balbutiements et le concepteur a été activement impliqué dans certaines des productions les plus marquantes de l’histoire des arts de la scène au Québec, comme Les belles-soeurs, La Sagouine, Casse-noisette et Dralion. En l’absence de formation en scénographie, Barbeau a entamé une formation en dessin commercial pour ensuite bifurquer vers une école de haute couture afin d’apprendre la confection des vêtements. Les troupes de théâtre amateur l’ont engagé alors qu’il n’avait pas encore terminé sa formation. Déplorant le fait de n’avoir pas eu la chance d’étudier dans une école de scénographie, le concepteur a cherché, sans le trouver, un guide qui l’initierait au métier de costumier. Dès ses débuts en 1955, Barbeau a appris son métier, a façonné son approche du costume, a établi sa réputation et a élaboré son style qui allait devenir sa signature à travers ses expériences et les rencontres qu’il a faites. Curieux de nature et désireux d’en apprendre toujours davantage, il a défini sa façon de faire au fur et à mesure de sa pratique. Son métier de costumier lui a permis d’explorer plusieurs disciplines artistiques comme le théâtre, le ballet, le cirque, le cinéma et plusieurs métiers en lien avec la scène, comme le jeu, la conception de décors et la mise en scène ou en lien avec le cinéma, comme la direction artistique, sans oublier l’enseignement. Cette exploration des différents médiums a établi un cycle où des connaissances acquises dans une discipline ont nourri son approche d’une autre et où l’expérience d’un des métiers a fait comprendre la réalité de l’autre. Ce cycle a ainsi façonné l’artiste qu’il est devenu. Par conséquent, la visée de la thèse a pour ambition de relater, selon une perspective diachronique, le récit de ces étapes, des moments marquants de sa carrière qui, tels un fil d’Ariane, se sont succédé, l’un menant à l’autre, dans l’élaboration de son approche du costume. / François Barbeau is recognized as one of the greatest costume designers in Quebec. His reputation no longer needs an introduction, but the overview of his career remained to be done and it is perhaps even more important today that the costumer has died. This thesis proposes to make a narrative of his career that would be a witness to the longevity and breadth of Barbeau's work, but also his quality as an artist, unequaled in the field in Quebec. It is therefore a matter of describing the different steps that make up his approach to the costume by telling the story of the moments that have punctuated his career and that have led to an addition or a change in the development of his way of doing things, thanks to the testimony of the primary subject. The purpose of this thesis will be to document the work done by the costume designer through the complete census of the productions in which he participated. Barbeau's career began when the professional Quebec theater was in its infancy and the designer was actively involved in some of the most significant productions in the history of the performing arts in Quebec, such as Les belles-soeurs, La Sagouine, Casse-noisette and Dralion. In the absence of academic training in scenography, Barbeau began a course in commercial design and then branch off to haute couture school to learn dressmaking. The amateur theater groups hired him when he had not yet finished his training. Without the possibility to study in a school of scenography, the designer sought, without finding, a guide who would initiate him to the job of costume designer. From his beginnings in 1955, Barbeau learned his craft, shaped his approach to costume, established his reputation and developed his style that would become his signature through his experiences and the encounters he made. Curious by nature and eager to learn more, he has defined his craft progressively through his practice. His career as a costume designer allowed him to explore several artistic disciplines such as theater, ballet, circus, cinema and several trades related to the stage, such as acting, set design and stage directing, or related to the film industry, as the artistic direction, in addition to teaching. This exploration of different mediums has established a cycle in which knowledge acquired in one discipline has nourished its approach to another and where the experience of one of the trades has allowed to understand the reality of the other. This cycle has shaped the artist he has become. Consequently, the aim of this thesis will constitute, according to a diachronic perspective, the narrative of these stages, the highlights of his career which, like a breadcrumb trail, have followed each other, one leading to the other, in developing his approach to the costume.

Ce mémoire-création a pour objet la démonstration, la vulgarisation et le développement d'une pédagogie du jeu, de théâtre dit « à textes », qui s'appuie sur l'acquisition de compétences simples et observables. Ces compétences sont ici liées aux stratégies qui peuvent être adoptées pour mettre en œuvre et activer les rouages d'un système axé sur les différents rapports formels, les différents « positionnements » que l'on peut entretenir avec une partition textuelle. Les grands axes qui orientent cette recherche-création sont fondés principalement sur la question de l'épaississement de la présence en scène par un jeu basé sur la notion de modulation. Ce mémoire revient donc sur une performance-démonstration qui avait pour but de mettre en forme une version condensée sur deux heures, devant public et avec le public, d'une démarche pédagogique dont le plein déploiement normalement se fait au minimum sur une durée de trente heures. L'originalité de cette recherche est de mettre à plat une démarche pédagogique élaborée dans le cadre d'une pratique artistique individuelle et non pas de trouver dans l'histoire du théâtre les éléments qui pourraient avoir des correspondances avec les fondements de cette pédagogie. Sans doute l'Art du Théâtre, comme tous les Arts véritables, s'appuie sur des lois qu'il faut découvrir, et qui, lorsque vous les connaîtrez, vous satisferont pleinement ? - Recherche qui vous mènerait droit à un mur ! - Sautez-le ! - Il est trop haut ! - Escaladez-le alors - Et où cela nous mènerait-il ? - Plus loin, au-delà ! - Parole en l'air que tout cela. - Hé ! c'est justement en l'air qu'il faudrait prendre son essor ; au-dessus des cinés, en plein ciel ; d'autres vous suivraient si vous donniez l'exemple. Mais vous découvrirez les principes de votre Art quelque jour, et quel avenir admirable s'ouvrira désormais devant vous!

La photographie est mon médium artistique et l'image apporte une fonction relationnelle. En effet, ma démarche est guidée au départ par la rencontre de personnes. Lors de la recherche de maîtrise j’ai voulu explorer différentes représentations de la femme. En collaboration avec des personnes que je nommerai modèles, j’ai créé cinq portraits, pour tenter de saisir une part de leur identité. Les rencontres ont permis de développer leurs récits. Au fur et à mesure des rendez-vous, un dialogue s'est établi tissant des liens entre nous afin de coconstruire le projet, de le préciser et de le transformer : un jeu entre ce qu’elles ont bien voulu montrer, ce que j'ai perçu, ce qu’elles désiraient et ce que j’ai imaginé et construit. En plus des matrices photographiques, j’ai utilisé plusieurs moyens de création : la vidéo, l’écriture, la programmation de rythmes lumineux, etc. Les oeuvres ont pris alors la forme d’environnement se déployant dans l’espace utilisant certains phénomènes d’illusion. Les réunir dans un même lieu leur a donné sens.

Cette étude descriptive examine la perception de la compétence ***Créer des œuvres musicales*** chez des enseignants de musique d'écoles secondaires au Québec. Parmi les trois compétences devant être enseignées dans le programme de formation de l'école québécoise (***Créer, Interpréter, Apprécier des œuvres musicales***), la compétence ***Créer*** est celle qui reçoit le moins de temps d'enseignement (Pierre-Vaillancourt et Peters, 2013). L'étude se base sur le modèle génératif de la pensée des enseignants concernant la créativité musicale de Odena et Welch (2009) dans lequel on suggère que la perception en regard de cette compétence peut se modifier avec le temps et que les expériences musicales antérieures ainsi que l'enseignement quotidien en classe façonnent cette perception. Neuf enseignants provenant d'écoles et de régions différentes ont participé à des entretiens de groupe afin d'échanger sur leurs perceptions de la créativité musicale. De plus, ils ont été invités à décrire leurs expériences musicales antérieures par le biais de l'outil du ***Chemin de carrière musicale***, une technique d'élicitation constructiviste développée par Denicolo et Pope (1990) et Burnard (2000, 2005) appelée ***Critical Incident Charting***. Les résultats suggèrent que les participants voient des avantages à mener des activités créatives en classe et perçoivent la compétence comme accessible à tous les élèves. Cependant, la plupart des enseignants ne réalisent que deux ou trois activités de création par an et ne se sentent pas suffisamment qualifiés pour enseigner l'improvisation. Nous concluons que la sous-valorisation de la compétence est assujettie à la fois à une distorsion conceptuelle, à des facteurs d'ordre de l'organisation scolaire et à un manque d'expérience et de formation. / This descriptive study examines the secondary music teachers' perceptions of musical creativity in Quebec. Of the three disciplinary competencies to be taught in the Quebec school curriculum (Creating, Performing and Appreciating), the creative competency receives the least amount of instructional time (Pierre-Vaillancourt and Peters, 2013). The study is based on Odena and Welch's (2009) generative model of teachers' thinking about musical creativity, which suggests that perceptions of this competency may change over time, and that previous musical experiences and daily classroom instruction shape these perceptions. Nine teachers from different schools and regions participated in focus groups to share their perceptions of musical creativity. In addition, they were asked to describe their previous musical experiences using the Musical Career Path Tool, a constructivist elicitation technique developed by Denicolo and Pope (1990) and Burnard (2000, 2005) called Critical Incident Charting. Findings suggests that participants see benefits in conducting creative activities in the classroom and perceive creativity as an accessible skill for all students. However, most teachers only implement two or three creative activities per year and feel inadequately qualified to teach improvisation. We conclude that the undervaluing of the skill is subject to a combination of conceptual distortion, school organization factors and a lack of experience and training. / Este estudio descriptivo examina cómo los profesores de música de las escuelas secundarias de Quebec perciben la competencia de creación de obras musicales. De las tres competencias que deben enseñarse en el currículo escolar de Quebec (Creación, Interpretación, Apreciación de obras musicales), la competencia de creación es la que recibe menos tiempo de enseñanza (Pierre-Vaillancourt y Peters, 2013). El estudio se basa en el modelo generativo de Odena y Welch (2009) sobre el pensamiento de los profesores acerca de la creatividad musical, que sugiere que las percepciones de esta competencia pueden cambiar con el tiempo y que las experiencias musicales previas y la enseñanza diaria en el aula dan forma a estas percepciones. Nueve profesores de diferentes escuelas y regiones participaron en entrevistas de grupo para discutir sus percepciones de la creatividad musical. También se les pidió que describieran sus experiencias musicales previas utilizando el ***Instrumento de Trayectoria Musical***, una técnica de elicitación constructivista desarrollada por Denicolo y Pope (1990) y Burnard (2000, 2005) llamada ***Critical Incident Charting***. Los resultados sugieren que los participantes ven ventajas en la realización de actividades creativas en el aula y perciben esta habilidad como accesible a todos los alumnos. Sin embargo, la mayoría de los profesores sólo realizan dos o tres actividades creativas al año y no se sienten suficientemente calificados para enseñar a improvisar. Se concluye que la infravaloración de la habilidad se debe a una combinación de distorsión conceptual, a factores de organización escolar, a la falta de experiencia y formación.

Ce texte rend compte de la naissance et du développement d'une démarche en arts visuels actuels basée sur une expertise et des acquis habituellement associés aux métiers d'art. Il reconstitue l'histoire du glissement d'une pratique en courtepointe d'un champ vers un autre, par le récit des remises en questions, des réflexions, des expériences et des découvertes qui l'ont ponctué. Il place d'abord en perspective les aspects historiques et techniques de la courtepointe. Il relate ensuite les étapes du processus personnel de création qui ont amené un renouvellement du motif et des sources de la matérialité, et aborde, à travers elles, les notions de déconstruction, de citation et de collection de même que les procédés de photocopie, de numérisation et d'impression. Il présente finalement les œuvres et l'exposition qui ont résulté de ce projet de recherche-création.

Cette thèse aborde la question de la valeur de la littérature contemporaine, en posant la question de la puissance de la création langagière. Dans la mesure où l’humanisme tombe en désuétude avec la fin de l’hégémonie médiatique de l’imprimerie, et où le capitalisme contemporain assigne à la culture un rôle économique et récréatif, la « littérature » se retrouve sans « critère final » pour penser sa puissance non économique. En d’autres termes, quels sont les effets intermédiaux de la création langagière livresque qui survivent à l’humanisme tout en résistant à la communication récréative? Il en va bien sûr de la nature même de la « création littéraire ». Le premier chapitre explore les liens entre l’humanisme et l’imprimerie à partir d’un concept de fongibilité, et introduit un ensemble de concepts clé. Le deuxième chapitre présente un autre ensemble de concepts (dont le geste vertical), cette fois pour penser le langage en termes de pouvoir et de puissance. Le troisième chapitre aborde le « capitalisme civilisationnel » en termes intermédiaux. On y réfléchit sur la saturation, la séparation et la fenestration, notamment à partir d’une éthique du jeu. Le quatrième chapitre traite de la question de la plasticité. Enfin, les cinquième et sixième chapitres forment deux exemples – des exemples de puissance – à partir des oeuvres de Valère Novarina (Lumières du corps) et de David Foster Wallace (Infinite Jest). Le corpus théorique se compose d’éléments puisés d’une part dans l’oeuvre de Walter Benjamin et de Giorgio Agamben, selon un matérialisme messianique, et d’autre part dans celle de Gilles Deleuze. Certaines considérations sont également tenues sous l’influence de Michel Foucault et de Ludwig Wittgenstein. / This thesis broaches the value of contemporary literature as power (puissance) of language creation. Given that humanism becomes obsolete with the end of the printing press media dominance, and given that contemporary capitalism assigns an economical and recreational role to culture, “literature” is left without any “final criterion” to think its non-economical power. In other words, which intermedial effects of language creation through book form survives humanism while withstanding recreational communication? In the process, the practice of creative writing and its idea are set under a new paradigm. The first chapter explores the relationships between humanism and the printing press based on a concept of fungibility, and it introduces a set of key concepts. The second chapter presents another set of concepts (including vertical gesture), this time in order to think language in terms of ruling power (pouvoir) and virtual power (puissance). Chapter three broaches the idea of “civilizational capitalism” in intermedial terms. Saturation, separation and windowing are considered according to a game/play ethic. Chapter four is about plasticity. Finally, chapters five and six follow two examples—examples of virtual power, those of contemporary French writer Valère Novarina (Lumières du corps) and American novelist David Foster Wallace (Infinite Jest). The theoretical corpus is composed of elements taken, on the one hand, from Walter Benjamin’s and Giorgio Agamben’s works (regarding messianic materialism), and on the other hand, from Gilles Deleuze’s works. Some ideas are also influenced by Michel Foucault’s and Ludwig Wittgenstein’s works.

Le corps est être-au-monde. Le corps est l'être-vivant-de-l'image et, ainsi, le corps est image habitée. L'image-corps donne lieu à l'espace sensible lors de son apparition. L'Être comme Nature, peut-il se rendre visible à travers les images ou dans les gestes ? Y a-t-il une spécificité de certains fragments filmiques ou performatifs de la figure du corps et des formes de la persona ? Si cette spécificité a lieu, par quelles voies de la création esthétique ces images ou ces gestes se créent-ils et de quelles manières en imprègnent-t-ils l'œuvre ? Selon quels dispositifs de partage sensible de l'espace matériel et immatériel établi par l'œuvre le spectateur peut-il vivre l'expérience du surgissement de l'être dans l'image ou dans le geste dont il est témoin ? Cette étude est fondée sur l'expérience de recherche pratique et théorique des œuvres. Le sens de cette recherche est ancré dans l'expérience de la création de la danse performative et du cinéma du corps et, plus largement, du cinéma de danse. La quête d'une théorie du sensible est ici fondée, d'une part, sur l'étude du processus de création transdisciplinaire mettant en jeu le corps et les images / les images et les corps en mouvement, d'autre part, sur l'étude d'images mouvantes donnant lieu à une expérience de la présence du corps considérée comme spécifique à la matière de l'humain. Il s'agit, par cette perspective, dans un processus de création performatif, d'étudier les conditions qui donnent lieu au surgissement de ce que nous qualifions de corps d'images et, dans une œuvre filmique, de saisir et de décrire les modalités de l'apparition de ce que nous définissons comme une image corporelle. En ce qui concerne la recherche pratique, nous avons intégré l'équipe de création de l'installation performative Sketches / Notebook de Meg Stuart et, ainsi, constitué un corpus documentaire que, tout au long de notre recherche théorique, nous avons analysé et comparé avec un corpus complémentaire constitué d'œuvres performatives et, surtout, filmiques (on compte, parmi elles, Die Klage der Kaiserin, de Pina Bausch ou Sátántángo de Béla Tarr). Cette recherche nous a permis d’évoquer de nombreux liens entre diverses perspectives philosophiques et esthétiques et d'approfondir l'élaboration du concept janus bifrons d'image corporelle / de corps d'images en relation à la manifestation de la persona dans un environnement de dispositifs et de symboles que nous proposons de penser comme propre à une esthétique organique. En effet, nous reconnaissons à certains fragments de ces œuvres filmiques ou scéniques la puissance de création de l'espace sensible; une organisation de dispositifs dans l'image ou dans le geste capable de générer une mutation de l'espace de signes et de leur réception. De ce fait, nous comprenons qu'en terme de processus de création, certains fragments performatifs et certaines images semblent témoigner de protocoles d'expérience de créations qui - de manière plus propices que d'autres - permettent de donner lieu, voire de faire surgir, des images du corps comme images de la persona : par la présence particulière et universelle à la fois de l'être humain, signe ana-chronique d'une présence mortelle. / The body is being-in-the-world. The body is the image's-being-alive, and thus, the body is an inhabited-image. The image-body gives place to the sensitive space within its advent. Can the Being, as Nature, be visible through images or gestures ? Is there a specificity in certain filmic or performative fragments about the figure of the body and forms taken by a persona ? If this specificity is proven, through which means of the aesthetic creation can these images or gestures be created and how do they impact the artwork ? What are the devices of material and immaterial sensitive sharing of space, as settled by the artwork, that allow the onlooker to live the experiment of the emergence of being through the image or the gesture which he is witnessing ? This study is based upon the experience of practical and theoretical research on artworks. The meaning of said research is rooted in the experience of creation concerning performative dance, cinema of the body and, in a wider perspective, dance cinema. The quest for a theory of the sensitive, in our work, has its foundations, first in the study of the process involved in transdisciplinary creation involving body and images / images and body in motion ; second, in the study of moving pictures generating an experience of the body's presence, considered as specific to human matters. In light of this point of view, our project, through the process of performative creation, is to study the conditions which give birth to the upsurge of what we call a body of images and, in filmic artwork, to grasp and describe the modalities through which what we define as a corporeal image appear. Concerning practical research, we have taken part in the creative team of Meg Stuart's performative setup, Sketches / Notebook, and thus assembled a set of documents which we have analysed and compared, all along our theoretical research, to a complementary set made of performative and, most of all, filmic artworks (among which are included Pina Bausch's Die Klage der Kaiserin and Béla Tarr's Sátántángo). This research gave us the opportunity to call to mind the numerous links existing between different philosophical and aesthetical points of view, as well as to deepen our construction of the janus bifrons concept of corporeal image / body of images, as related to the expression of the persona in an environment made of setups and symbols which our research designates as specific to an organic aesthetic. In fact, we recognize in specific fragments of these filmic or scenic artworks the creative power of sensitive space ; the arrangement of setups within the image or within the gesture, able to operate a mutation of the space of signs and their reception. Therefore, it is our understanding that, regarding the creation process, some performative fragments and some images appear to participate in protocols in creative experience which, in a more suitable manner than others, lead, or even give birth to images of the body as images of a persona, through the presence, all together individual and universal, of the human being as the anachronistic sign of a mortal presence.

Cette thèse aborde la question de la valeur de la littérature contemporaine, en posant la question de la puissance de la création langagière. Dans la mesure où l’humanisme tombe en désuétude avec la fin de l’hégémonie médiatique de l’imprimerie, et où le capitalisme contemporain assigne à la culture un rôle économique et récréatif, la « littérature » se retrouve sans « critère final » pour penser sa puissance non économique. En d’autres termes, quels sont les effets intermédiaux de la création langagière livresque qui survivent à l’humanisme tout en résistant à la communication récréative? Il en va bien sûr de la nature même de la « création littéraire ». Le premier chapitre explore les liens entre l’humanisme et l’imprimerie à partir d’un concept de fongibilité, et introduit un ensemble de concepts clé. Le deuxième chapitre présente un autre ensemble de concepts (dont le geste vertical), cette fois pour penser le langage en termes de pouvoir et de puissance. Le troisième chapitre aborde le « capitalisme civilisationnel » en termes intermédiaux. On y réfléchit sur la saturation, la séparation et la fenestration, notamment à partir d’une éthique du jeu. Le quatrième chapitre traite de la question de la plasticité. Enfin, les cinquième et sixième chapitres forment deux exemples – des exemples de puissance – à partir des oeuvres de Valère Novarina (Lumières du corps) et de David Foster Wallace (Infinite Jest). Le corpus théorique se compose d’éléments puisés d’une part dans l’oeuvre de Walter Benjamin et de Giorgio Agamben, selon un matérialisme messianique, et d’autre part dans celle de Gilles Deleuze. Certaines considérations sont également tenues sous l’influence de Michel Foucault et de Ludwig Wittgenstein. / This thesis broaches the value of contemporary literature as power (puissance) of language creation. Given that humanism becomes obsolete with the end of the printing press media dominance, and given that contemporary capitalism assigns an economical and recreational role to culture, “literature” is left without any “final criterion” to think its non-economical power. In other words, which intermedial effects of language creation through book form survives humanism while withstanding recreational communication? In the process, the practice of creative writing and its idea are set under a new paradigm. The first chapter explores the relationships between humanism and the printing press based on a concept of fungibility, and it introduces a set of key concepts. The second chapter presents another set of concepts (including vertical gesture), this time in order to think language in terms of ruling power (pouvoir) and virtual power (puissance). Chapter three broaches the idea of “civilizational capitalism” in intermedial terms. Saturation, separation and windowing are considered according to a game/play ethic. Chapter four is about plasticity. Finally, chapters five and six follow two examples—examples of virtual power, those of contemporary French writer Valère Novarina (Lumières du corps) and American novelist David Foster Wallace (Infinite Jest). The theoretical corpus is composed of elements taken, on the one hand, from Walter Benjamin’s and Giorgio Agamben’s works (regarding messianic materialism), and on the other hand, from Gilles Deleuze’s works. Some ideas are also influenced by Michel Foucault’s and Ludwig Wittgenstein’s works.