Cette recherche tente de définir la pastorale de la Création afin qu’elle soit reconnue en tant que ministère dans l’Église catholique au Québec. J’emprunte la méthode de praxéologie pastorale, inspirée des sciences humaines, afin de rendre cette pratique à la fois efficace sur le terrain et fidèle à l’Évangile de Jésus-Christ. L’objet d’analyse est la pratique elle-même, c’est-à-dire les activités en paroisse sur le thème de l’environnement. J’ai observé quelques activités pertinentes, dont une formation donnée à des animateurs de pastorale. Ensuite, j’ai interprété ces observations à la lumière de la tradition chrétienne en puisant dans la Bible, quelques référents théologiques et des déclarations ecclésiales. J’ai préparé une nouvelle intervention en organisant une nouvelle formation pour le personnel pastoral, le projet d’un guide pratique et le plan de cours universitaire sur la pastorale de la Création. Finalement, la prospective m’a permis d’imaginer cette pratique à long terme afin d’assurer une Église durable… dans tous les sens du terme. / This research attempts to define Creation Care so that it is recognized as a ministry in the Catholic Church in Quebec. I followed the method of pastoral praxeology inspired by the humanities so that this practice is both effective in the field and faithful to the Gospel of Jesus Christ. The object of analysis is the practice itself, specifically the parish activities on the theme of the environment. I closely observed some relevant activities, including a training session given to pastoral assistants. Then I interpreted these comments in light of the Christian Tradition by drawing on the Bible, several theological references and Church statements. After this reflection, I improved this practice by organizing a new training for the Church staff, the project of a practical guide and the outline of a course on Creation Care Ministry to be given in universities. Finally, the prospective allowed me to imagine in the long-term how the practice will ensure a sustainable church ... in every sense.

Mémoire numérisé par la Division de la gestion de documents et des archives de l'Université de Montréal.

Mémoire numérisé par la Division de la gestion de documents et des archives de l'Université de Montréal.

À partir de courts récits, la narratrice reconstitue le passé d’une famille. Le personnage central, une petite fille, est la narratrice qui retrace les événements qui ont mené à l’éclatement de la cellule familiale. Cette histoire autobiographique est rédigée au « elle » dans un souci de se distancier de ce passé. La petite fille a grandi et la narratrice qu’elle est devenue se réapproprie son héritage : la possibilité d’écrire cette histoire. Dans l’œuvre de Marguerite Duras, les lieux sont souvent sollicités pour participer à la narration des événements. Dans La pute de la côte normande et Écrire, deux œuvres autobiographiques rédigées au « je », les lieux sont ceux du quotidien. Ceux-ci sont révélateurs de la psychologie de l’auteure et se mêlent à la préoccupation d’écrire. Ainsi, Marguerite Duras, ses lieux et son écriture se retrouvent-ils liés par le langage de l’auteure, lequel témoigne du vide laissé par la mort de son père. / Through short accounts, the narrator reconstitutes the past of a family. The main character, a young girl, is the narrator attempting to trace the events which led to the break-up of her family cell. Seeking to distance herself from this past, she delivers the auto-biographical story using the third person. The little girl has grown up, and the narrator she has become attempts to reclaim her heritage: the possibility of writing this story. In Marguerite Duras’ work, the presence of surroundings is often solicited to participate in narrating the events. In La pute de la côte normande and Écrire, two auto-biographical works written in the first person, the places evoked are those sheltering her everyday life. Those are revealing of the author’s psychology and intertwine with the concern of writing. Marguerite Duras, her surroundings and her writing style become bound to one another by the author’s language, which reveals the void caused by her father’s death.

Cette recherche s’inscrit dans la continuité de celles entreprises en vue d’éclaircir la question du processus de design, et plus spécialement le design architectural de la maison. Elle cherche aussi à développer la réflexivité du designer sur les actes qu’il pose en lui offrant un point de vue depuis l’angle de la psychanalyse. Elle vient rallonger les initiatives amenées par la troisième génération des recherches sur les méthodologies du design en s’intéressant à un volet, jusque-là, peu exploré : le processus inconscient du design architectural. Elle pose comme problématique la question des origines inconscientes du travail créatif chez le concepteur en architecture. La création étant un des sujets importants de la psychanalyse, plusieurs concepts psychanalytiques, comme la sublimation freudienne, l’abordent et tentent de l’expliquer. Le design étant une discipline de création, la psychanalyse peut nous renseigner sur le processus du design, et nous offrir la possibilité de l’observer et de l’approcher. La métaphore architecturale, utilisée pour rendre la théorie freudienne, est aussi le champ d’application de plusieurs théories et concepts psychanalytiques. L’architecture en général, et celle de la maison en particulier, en ce que cette dernière comporte comme investissement émotionnel personnel de la part de son concepteur, constructeur ou utilisateur, offrent un terrain où plusieurs des concepts psychanalytiques peuvent être observés et appliqués. Cette recherche va approcher l’exemple architectural selon les concepts développés par les trois théories psychanalytiques les plus importantes : freudienne, lacanienne et jungienne. L’application de ces concepts se fait par une "autoanalyse" qui met le designer en double posture : celle du sujet de la recherche et celle du chercheur, ce qui favorise hautement la réflexivité voulue. La libre association, une des méthodes de la psychanalyse, sera la première étape qui enclenchera le processus d’autoanalyse et l’accompagnera dans son développement. S’appliquant sur le discours et la forme de la maison, la libre association va chercher à distinguer plusieurs mécanismes psychiques susceptibles d’éclairer notre investigation. Les résultats de l’application des concepts freudiens viendront servir de base pour l’application, par la suite, des concepts de la théorie lacanienne et jungienne. Au terme de cette analyse, nous serions en mesure de présenter une modélisation du processus inconscient du design qui aurait conduit à la création de la maison prise en exemple. Nous découvrirons par cela la nature du processus inconscient qui précède et accompagne le travail créatif du designer. Nous verrons aussi comment ce processus se nourrit des expériences du designer qui remontent jusqu’aux premières années de son enfance. Ceci permettrait de rendre compte de la possibilité d’appliquer les concepts psychanalytiques sur le design architectural et, par ce fait, permettre de déterminer les éventuels façons de concevoir l’apport de la psychanalyse à la pratique de cette discipline qu’est le design ainsi que son enseignement. / This research is a continuation of those invested in order to clarify the question of the design process, especially the architectural design of the house. It also seeks to develop the reflexivity of the designer on his acts by offering a view from the perspective of psychoanalysis. It extends the initiatives brought by the third generation of design methods researches focusing on an unexplored field: the unconscious process of architectural design. Its’ problematic is the unconscious origins of creative work of the designer in architecture. Creation is one of the important topics of psychoanalysis, several psychoanalytic concepts like Freudian sublimation, try to explore and explain it. The design being a creative discipline, psychoanalysis can lighten us about the design process, and give us the opportunity to observe and approach it. The architectural metaphor, used to express the Freudian theory, is also the scope of several psychoanalytic theories and concepts. Architecture in general, and particularly architecture of the house, offers a field where many of the psychoanalytic concepts can be observed and applied, because of the emotional investigation that the designer, the user, or the builder invest in it. This research will approach the architectural example according to the concepts developed by the three most important psychoanalytic theories of Freud, Lacan and Jung. The application of these concepts will be made through an auto-analysis that puts the designer in a double stance: the research subject and the researcher, which highly promotes the reflexivity that the design researches look for. Free association is the first step that will start the self-study process, and follows its development. Applied to the speech and the shape of the house, free association will seek to distinguish several psychological mechanisms that inform our investigation. The results of the application of Freudian concepts will serve as a basis on which the concepts of Lacanian and Jungian theory will be applied. At the end of this analysis, we would be able to present a model of the unconscious process of design that lead to the creation of the house used as an example. We will discover the nature of the unconscious process that precedes and follows the creative work of the designer. We will also see how this process is fed from designer experiences dating back to the early years of his childhood. This would help to see the possibility of applying psychoanalytic concepts in architectural design and help identifying potential approaches to the contribution of psychoanalysis to the practice of design and it’s teaching.

Notre mémoire de recherche-création a pour point de départ deux conceptions sonores filmiques, auxquelles nous avons contribué en tant que monteur et concepteur sonores. Ces films – et leur bande sonore – ont, par leur forme, leur contenu, mais aussi par la dynamique ayant rythmé leur création, redéfini un aspect ou un autre de notre pratique. Ainsi, au moyen d'une auto-poïétique, nous explorons les différentes conditions de la création sonore mises en jeu, qu'elles soient d'ordre technique – le film Saint-Denys Garneau – ou d'ordre esthétique – le film Ma famille en 17 bobines. Dans chaque cas, nous cherchons aussi à explorer les problèmes poétiques et pratiques posés. Au creux de cette conjugaison de ces conditions émergent alors des outils de médiation, des relations humaines, des mouvements esthétiques et des postures d'écoute qui jettent un éclairage inédit sur notre pratique sonore. / This research-creation project finds its roots in two film sound designs to which I contributed as a sound editor or sound designer. These films – and their respective soundtracks –, by their form, their content, but also by the dynamics that pulsed their creation, have redefined certain aspects of my own sound work. In this study, by the means of an autopoietic analysis, I explore the creative conditions at play in the elaboration of my sound designs, as they answer to technical matters – the film Saint- Denys Garneau – or aesthetic matters – the film Ma famille en 17 bobines. In each case, I also seek to deepen poetic and practical problems. From deep in the combination of these conditions emerge mediation tools, human relations, aesthetic movements and modes of listening that shed new light on my sound practice.

La création, Bois dormant, met en scène un charpentier-ébéniste qui consacre tous ses temps libres à la création de mobilier, dans un cycle de production inutile. Sa dilapidation insensée de bois incite la nature à se révolter contre lui et à propager une énergie qui donne vie à tous les objets de sa maison. Ce conte revisite plusieurs contes (La Barbe bleue, Les Aventures de Pinocchio, Otesánek, La Belle au bois dormant, Les Aventures d’Alice au pays des merveilles, Cendrillon) pour les transformer en cauchemar, en effriter les morales, en décupler les cruautés et en utiliser les motifs pour illustrer l’absurdité du monde moderne. Ce conte-Frankenstein, par son esthétique baroque où prime la parenthèse, fait de la surenchère un reflet de la surconsommation. L’essai, La réécriture féministe contemporaine de quatre contes dans Putain, de Nelly Arcan et Peau d’âne, de Christine Angot, explore comment, par les réécritures qu’ils inspirent, les contes de Perrault et des frères Grimm constituent un puissant matériau d’incarnation qui facilite la venue à l’écriture du traumatisme chez Christine Angot et Nelly Arcan, mais qui sert aussi d’outil de dénonciation féministe pour elles. Dans Putain, de Nelly Arcan, la narratrice met en lumière, par des réinterprétations des contes du Petit Chaperon rouge, de La Belle au bois dormant et de Blanche-Neige, différents aspects de sa détresse face à l’oppression du regard masculin. Quant à Christine Angot, dans Peau d’âne, elle propose, par une réécriture du conte de Peau d’âne en parallèle avec celui de La Belle au bois dormant, de révéler les répercussions perverses des dictats de la mode et de la loi du père sur l’identité de la femme. Toutes ces réécritures permettent de déjouer la logique valorisée par les contes et d’en démontrer l’absurdité et le caractère malsain d’un point de vue féministe. / The tale entitled Bois dormant features a carpenter/cabinetmaker who spends all his free time building furniture in a cycle of useless production. This meaningless waste of wood causes nature to rise up against him, spreading an energy that brings life to all the objects in his house. This story revisits several fairytales (Blue Beard, The Adventures of Pinocchio, Otesánek, Sleeping Beauty, Alice’s Adventures in Wonderland, Cinderella) and turns them into nightmares, grinding down their morals, heightening their cruelty and using their patterns to illustrate the absurdity of the modern world. This Frankenstein narrative, with its baroque-like aesthetics and abounding parentheses, uses overstatement as a reflection of over-consumerism. The essay entitled La réécriture féministe contemporaine de quatre contes dans Putain de Nelly Arcan et Peau d’âne de Christine Angot explores how, through the rewritings they inspire, Perrault’s and Grimm’s fairytales form a powerful medium for incarnation that gives rise to the writing of trauma for Christine Angot and Nelly Arcan, but also serves as a tool for their feminist criticism. In Putain, by Nelly Arcan, the narrator reinterprets the stories of The Little Red Riding Hood, Sleeping Beauty and Snow White to bring to light different aspects of her struggle against the male gaze oppression. As for Christine Angot, by rewriting Peau d’âne in parallel with Sleeping Beauty, she intends to reveal the adverse effects of fashion’s dictatorship and of the father’s law on the feminine identity. All these new versions help overthrow the logic put forward by these fairytales, exposing their absurdity and twisted nature from a feminist point of view.

Wikipédia est une ressource embarquée dans de nombreuses applications du traite- ment des langues naturelles. Pourtant, aucune étude à notre connaissance n’a tenté de mesurer la qualité de résolution de coréférence dans les textes de Wikipédia, une étape préliminaire à la compréhension de textes. La première partie de ce mémoire consiste à construire un corpus de coréférence en anglais, construit uniquement à partir des articles de Wikipédia. Les mentions sont étiquetées par des informations syntaxiques et séman- tiques, avec lorsque cela est possible un lien vers les entités FreeBase équivalentes. Le but est de créer un corpus équilibré regroupant des articles de divers sujets et tailles. Notre schéma d’annotation est similaire à celui suivi dans le projet OntoNotes. Dans la deuxième partie, nous allons mesurer la qualité des systèmes de détection de coréférence à l’état de l’art sur une tâche simple consistant à mesurer les mentions du concept décrit dans une page Wikipédia (p. ex : les mentions du président Obama dans la page Wiki- pédia dédiée à cette personne). Nous tenterons d’améliorer ces performances en faisant usage le plus possible des informations disponibles dans Wikipédia (catégories, redi- rects, infoboxes, etc.) et Freebase (information du genre, du nombre, type de relations avec autres entités, etc.). / Wikipedia is a resource of choice exploited in many NLP applications, yet we are not aware of recent attempts to adapt coreference resolution to this resource, a prelim- inary step to understand Wikipedia texts. The first part of this master thesis is to build an English coreference corpus, where all documents are from the English version of Wikipedia. We annotated each markable with coreference type, mention type and the equivalent Freebase topic. Our corpus has no restriction on the topics of the documents being annotated, and documents of various sizes have been considered for annotation. Our annotation scheme follows the one of OntoNotes with a few disparities. In part two, we propose a testbed for evaluating coreference systems in a simple task of measuring the particulars of the concept described in a Wikipedia page (eg. The statements of Pres- ident Obama the Wikipedia page dedicated to that person). We show that by exploiting the Wikipedia markup (categories, redirects, infoboxes, etc.) of a document, as well as links to external knowledge bases such as Freebase (information of the type, num- ber, type of relationship with other entities, etc.), we can acquire useful information on entities that helps to classify mentions as coreferent or not.

La pensée de Bergson situe l'esthétique à l'intérieur d'une philosophie de la nature, dont le principe métaphysique est loin d'être soumis au déterminisme, et encore plus loin de retomber dans le hasard, car elle se réfère à l'irréversibilité du temps. Au lieu d'être une discipline intellectuelle qui cherche la nature de la beauté, il s'agit d'une performance vitale, du processus virtuel de différenciation vers la position actuelle de nouveautés radicales, qui peuvent aboutir ou non à une activité artistique. Par conséquent, l'art n'est pas un ensemble d'attributs donnés ou la pratique de certaines compétences spécifiques. Il est, en effet, un mode d'action qui entremêle les régimes du virtuel et de l'actuel, sans jamais permettre que l'existence conquise recouvre complètement la consistance. Il se réalise exactement dans une telle ouverture métaphysique. Si la poussée de la vie est ce qui fait communiquer l'esprit et la matière, en insérant de la liberté dans la nécessité, il s'ensuit que l'activité artistique est l'une des voies où l'élan s'écoule, aux côtés des êtres vivants et de l'expression mystique. Pour que l'individuation d'une œuvre soit viable, il faut certains degrés de liberté et niveaux de conscience qui ne peuvent s'expliquer ni par l'espèce, ni par l'individu, car la durée prend d'autres tonalités vitales. Touché par une émotion créatrice, l'artiste va effectivement du Tout ouvert à la position de nouveaux mondes. Ainsi, le véhicule d'action se confond avec l'action elle-même, le créateur avec la créature, de sorte que le corps artistique instauré devient pur débordement de vitalité, excès joyeux à partir duquel le temps prend conscience de lui-même. / Bergson's aesthetics lies within a philosophy of nature, whose metaphysical principle is far from any determinism or chance as it refers to the irreversibility of time. Instead of an intellectual discipline that seeks the nature of beauty, it is rather defined by a vital conduct, a process of virtual differentiation towards the position of radical novelties, which may or may not culminate in artistic activity. Therefore, art is not a set of actual attributes or the practice of specific skills; it is on the other hand, a mode of action that interweaves the regimes of the virtual and the actual, never allowing its existence to overlap its consistency. Its realization indeed relies in its own opening. If the impulse of life is what makes spirit and matter communicate, by inserting liberty into necessity, it follows that artistic activity is one of the ways in which the élan flows, alongside living beings and mystical expression. The individuation of a piece of art involves certain degrees of freedom and levels of consciousness that cannot be explained neither by the species nor by the individual, since the duration assumes other tones of vitality. Touched by a creative emotion, one goes from the perspective of the open Whole to the placement of new worlds. The vehicle of action then merges with the action itself, creature with creator, so that the artistic body is pure overflowing vitality, a triumph which makes time regain consciousness of itself. / O pensamento de Bergson situa a estética no seio de uma filosofia da natureza, cujo princípio metafísico está longe de qualquer determinismo e do arbítrio do acaso, remetendo-se à irreversibilidade do tempo. Ao invés de disciplina intelectual que busca a natureza da beleza, trata-se, antes, de conduta vital, processo de diferenciação virtual rumo à posição de novidades radicais, podendo ou não desembocar na atividade artística. A arte não é, portanto, um conjunto de atributos atualmente dados ou a prática de habilidades específicas e, sim, um modo de ação que entrelaça os regimes do virtual e do atual sem permitir que a existência se sobreponha à consistência, realizando-se, inclusive, na sua própria abertura. Se o impulso da vida é o que comunica espírito e matéria, inserindo liberdade na necessidade, segue-se que a atividade artística é uma das vias em que desemboca o elã, ao lado dos seres vivos e da expressão mística. A individuação de uma obra implica certos graus de liberdade e níveis de consciência que não se explicam nem pela espécie, nem pelo indivíduo, já que sua contração intuitiva submete a duração do artista a tonalidades não psicológicas e a-subjetivas. Tocado por uma emoção criadora, vai-se realmente do Todo Aberto à colocação de novos mundos. O veículo de ação confunde-se com a própria ação, criatura com criador, de modo que o corpo artístico instaurado é puro transbordamento de vitalidade, consciência de si do tempo.

Le dessein de cette étude est de formuler une description adéquate de la création artistique. Elle part de l’hypothèse que les descriptions existantes de ce processus sont finalistes et, en conséquence, erronées. Elles sont finalistes, en cela qu’elles postulent la possibilité de prévision du résultat du travail artistique. Ce postulat repose sur l’erreur de construire une théorie de la création en partant de l’expérience de la réception, ce qui revient à se livrer à une « prophétie rétrospective ». Une fois établie la généalogie de cette erreur, il est possible de proposer une description concurrente, qui n’est plus finaliste, mais générative, concentrée non sur les éventuels objets visés par les pratiques, mais sur les modalités selon lesquels l’acte créatif se déploie. / My main concern is to offer a correct description of the way artistic creativity works. My starting point is to acknowledge that most existing descriptions of artistic creativity fail because they are “goal-oriented”: they operate as if it was possible to foresee what an artwork will be, even before this artwork is actually produced. They do so because they are, on a logical level, essays in reverse engineering: they start from the way we receive artworks, and they try to deduce from it they way we produce artworks. After establishing that this retrospective prophecy is an error, I show that a “means-oriented” and generative description of creativity is more convincing, and more fitting to both the organicity of artistic creation and the organic unity of artworks.